Jim Dine (nacido el 16 de junio de 1935) es un artista contemporáneo estadounidense cuya obra se extiende a lo largo de sesenta años. El trabajo de Dine incluye pintura, dibujo, grabado (en muchas formas incluyendo litografías, aguafuertes, huecograbado, calcografía, xilografías, tipografía y linóleo), [1] escultura y fotografía; sus primeras obras abarcaron ensamblajes y sucesos, mientras que en los últimos años ha aumentado su producción poética, tanto en publicaciones como en lecturas. [2]
Jim Dine | |
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Nació | Jim Dine 16 de junio de 1935 Cincinnati , Ohio , Estados Unidos |
Nacionalidad | americano |
Educación | Universidad de Ohio Universidad de Cincinnati |
Conocido por | pintura , dibujo , escultura , printmaking , fotografía , Acontecimientos , montaje , poesía |
Dine se ha asociado con numerosos movimientos artísticos a lo largo de su carrera, incluidos Neo-Dada (uso de collage y objetos encontrados), Expresionismo abstracto (la naturaleza gestual de su pintura) y Pop Art (colocar objetos cotidianos como herramientas, cuerdas, prendas de vestir). e incluso un lavabo del baño) a sus lienzos, [3] sin embargo, ha evitado activamente tales clasificaciones. En el centro de su arte, independientemente del medio de la obra específica, se encuentra un intenso proceso de reflexión autobiográfica, una exploración y crítica incesante del yo a través de una serie de motivos muy personales que incluyen: el corazón, el albornoz, herramientas, escultura antigua, y el personaje de Pinocho (entre flora, calaveras, pájaros y autorretratos figurativos). El enfoque de Dine lo abarca todo, incorporando toda su experiencia vivida: "El arte de Dine tiene una corriente de calidad de conciencia en su evolución y se basa en todos los aspectos de su vida: lo que está leyendo, los objetos que encuentra en las tiendas de souvenirs de todo el mundo. mundo, un estudio serio del arte de todos los tiempos y lugares que él entiende como útil para su propia práctica ". [4]
El arte de Dine ha sido objeto de más de 300 exposiciones individuales, [5] incluidas retrospectivas en el Whitney Museum of American Art , Nueva York (1970), el Museo de Arte Moderno , Nueva York (1978), Walker Art Center , Minneapolis ( 1984–85), Frederik Meijer Gardens & Sculpture Park , Grand Rapids, Michigan (2011) y Museum Folkwang , Essen (2015–16). Su trabajo se encuentra en colecciones permanentes como el Art Institute of Chicago ; el Museo Metropolitano de Arte , Nueva York; el Musée National d'Art Moderne , Centre Pompidou , París; la Galería Nacional de Arte , Washington, DC; Museo Solomon R. Guggenheim , Nueva York; Tate Gallery , Londres; Museo de Arte Metropolitano de Tokio , Tokio; y la Galería de Arte de la Universidad de Yale , New Haven, Connecticut. [6]
Las distinciones de Dine incluyen su nominación como miembro de la Academia de Artes y Letras de Nueva York (1980), Commandeur de l'Ordre des Arts et des Lettres (2003), la Medalla del Museo Británico (2015) tras su donación de 234 grabados a el museo en 2014, membresía de la Accademia di San Luca en Roma (2017) y Chevalier de l'Ordre de la Légion d'Honneur (2018). [7]
Educación
La primera formación artística formal de Dine tomó la forma de cursos nocturnos de pintura en la Academia de Arte de Cincinnati , en la que se inscribió en 1952 a la edad de 16 años, [8] mientras asistía a la preparatoria Walnut Hills. [9] Fue una decisión motivada tanto por su sentido de vocación artística como por la falta de formación adecuada en la escuela secundaria: "Siempre supe que siempre fui un artista y aunque traté de adaptarme a la vida de la escuela secundaria en esos años, Lo encontré difícil porque quería expresarme artísticamente, y la escuela a la que fui no tenía facilidades para eso ". [10] En 1954, mientras que todavía asisten a cursos nocturnos, Dine fue inspirado por una copia de Paul J. Sachs ' modernos grabados y dibujos (1954), en particular por el expresionista alemán grabados en madera que reproduce, incluyendo el trabajo por Ernst Ludwig Kirchner (1880- 1938), Emil Nolde (1867-1956) y Max Beckmann (1884-1950) - "Me sorprendieron" - y comenzó a crear grabados en madera en el sótano de sus abuelos materiales, con quienes vivía entonces. [11]
Después de terminar la escuela secundaria, Dine se inscribió en la Universidad de Cincinnati (además de sus cursos nocturnos y sus experimentos de xilografía autodirigidos), pero no estaba satisfecho: "No tenían una escuela de arte, tenían una escuela de diseño. Lo intenté por la mitad un año. Era ridículo […] Todo lo que quería hacer era pintar ". [12] Por recomendación de un amigo de la escuela secundaria que en ese momento se estaba especializando en teatro en la Universidad de Ohio en Atenas, Dine se inscribió allí en 1955, donde recuerda estar "impresionado", no por el estándar de las instalaciones, sino porque: "Sentí una libertad bucólica en las estribaciones de los Apalaches donde posiblemente podría desarrollarme y ser un artista". [13] Bajo el maestro de grabado Donald Roberts (1923-2015) Dine experimentó en litografía, grabado, huecograbado, punta seca y grabados en madera. Por sugerencia de Roberts, Dine posteriormente estudió durante seis meses con Ture Bengtz (1907-1973) en la Escuela de Bellas Artes del Museo de Bellas Artes de Boston, antes de regresar a la Universidad de Ohio, donde se graduó con una Licenciatura en Bellas Artes en 1957. (restante un año más para realizar pinturas y grabados, con permiso de la facultad). [14]
Carrera profesional
En 1958 Dine se mudó a Nueva York, donde inicialmente enseñó en la Rhodes School. [15] En el mismo año fundó la Judson Gallery en la Judson Church en Greenwich Village con Claes Oldenburg y Marcus Ratliff, y finalmente conoció a Allan Kaprow y Bob Whitman: juntos se convirtieron en practicantes pioneros de sucesos y representaciones, incluyendo The Smiling Workman of de Dine. 1959. [16] La primera exposición de Dine tuvo lugar en la Reuben Gallery, donde también representó la elaborada performance Car Crash (1960), [17] que describe como "una cacofonía de sonidos y palabras pronunciadas por una gran Venus blanca con animales gruñidos y aullidos por mí ". [18] Otro trabajo temprano importante fue The House (1960), un entorno que incorpora objetos encontrados y escombros de la calle e instalado en la Judson Gallery. [19]
Dine continuó incluyendo elementos cotidianos (incluidas muchas posesiones personales) en su trabajo, [20] que lo vinculó con el arte pop, una afinidad fortalecida por su inclusión en la influyente exposición de 1962 "Nueva pintura de objetos comunes" en el Museo de Arte de Pasadena. comisariada por Walter Hopps y posteriormente citada como la primera encuesta institucional del arte pop estadounidense, que incluye obras de Robert Dowd , Joe Goode , Phillip Hefferton , Roy Lichtenstein , Edward Ruscha , Wayne Thiebaud y Andy Warhol . [21] Sin embargo, Dine se ha distanciado constantemente del arte pop: "No soy un artista pop. No formo parte del movimiento porque soy demasiado subjetivo. El pop se preocupa por los exteriores. interiores. Cuando utilizo objetos, los veo como un vocabulario de sentimientos. […] Lo que trato de hacer en mi trabajo es explorarme a mí mismo en términos físicos, para explicar algo en términos de mis propias sensibilidades ". [22]
Motivos
Desde principios de la década de 1960, Dine ha desarrollado y perfeccionado una selección de motivos a través de los cuales se ha explorado a sí mismo en una miríada de formas y medios, y en los diferentes lugares / estudios en los que ha trabajado, entre ellos: Londres (1967-1971); Putnam, Vermont (1971-1985); Walla Walla, Washington (desde 1983); París (desde 2001); y Göttingen (desde 2007), en un estudio contiguo a las instalaciones de Steidl, el impresor y editor de la mayoría de sus libros. [23] Los motivos principales de Dine incluyen la bata de baño, el corazón, Pinocho, la escultura antigua y las herramientas.
Albornoces
Dine representó albornoces por primera vez en 1964 mientras buscaba una forma novedosa de autorretrato en un momento en el que "no era genial hacer un autorretrato"; [24] así concibió un acercamiento sin representar su rostro. [25] Posteriormente, Dine vio una imagen de una bata de baño en un anuncio en la revista New York Times , [26] y la adoptó como un autorretrato sustituto que desde entonces ha representado en diversos grados de realismo y expresionismo.
Corazones
Dine expresó inicialmente este motivo en forma de un gran corazón de satén rojo relleno que colgaba sobre el personaje de Puck en una producción de 1965-1966 de A Midsummer Night's Dream de William Shakespeare en el Actors 'Workshop en San Francisco, para la cual diseñó los decorados (su introducción original al motivo había sido una serie de corazones rojos sobre fondos blancos que había visto cuando era estudiante). [27] Con el tiempo, el corazón se convirtió para Dine en "un símbolo universal sobre el que podía pintar" y "una estructura geográfica tan buena como cualquiera que pudiera encontrar en la naturaleza. Es una especie de paisaje y dentro de ese paisaje podía crecer cualquier cosa, y creo que lo hice ". [28] La simplicidad formal del corazón lo ha convertido en un tema que podría reclamar por completo como propio, un recipiente vacío para la experimentación en curso en el que proyectar su yo cambiante. El estado del corazón como símbolo universal del amor refleja aún más el compromiso de Dine con el acto creativo: "... de lo que estaba enamorado era del hecho de que me pusieron aquí para hacer estos corazones, este arte. Hay un sentido similar de amor en este método, este acto de hacer arte ... " [29]
Pinocho
"Tratar de dar vida a esta marioneta es una gran historia. Es la historia de cómo se hace arte" —Jim Dine. [30] La fascinación de cenar con el personaje de Pinocho, el niño protagonista de Carlo Collodi Es por las aventuras de Pinocho (1883), data de su niñez, cuando, a la edad de seis años vista con su madre Walt Disney ‘s película de animación Pinocho (1940): "¡Ha perseguido mi corazón para siempre!" [31] Esta experiencia formativa se profundizó en 1964 cuando Dine descubrió una detallada figura de juguete de Pinocho en una tienda donde compraba herramientas: "Estaba pintado a mano, tenía una cabeza de papel maché, ropas hermosas y extremidades articuladas. Me lo llevé a casa y lo guardé en mi estante durante 25 años. No hice nada con él. No sabía qué hacer con él, pero siempre estaba conmigo. Cuando me mudaba de casa, lo tomaba y lo ponía en el estantería o ponerlo en un cajón y sacarlo, esencialmente para jugar con él ". [32] Sin embargo, fue solo en la década de 1990 que Dine representó a Pinocho en su arte, primero en forma de un cuadro díptico; los próximos Pinochos se exhibieron en la Bienal de Venecia de 1997 y una exposición en la Galería Richard Gray, Chicago. [33] Las representaciones notables desde entonces incluyen las 41 litografías en color impresas en el Atelier Michael Woolworth, París, en 2006; [34] el libro Pinocchio (Steidl, 2006), que combina el texto de Collodi y las ilustraciones de Dine; y dos esculturas monumentales de bronce de 9 metros de altura: Walking to Borås (2008) en Borås, Suecia, y Busan Pinocchio (2013) en Busan, Corea del Sur. En los últimos años, la autoidentificación de Dine con el personaje de Pinocho se ha trasladado a Gepetto, el talentoso tallador de madera que crea el títere niño. [35]
Escultura antigua
"Tengo esta reverencia por el mundo antiguo. Me refiero a la sociedad grecorromana. Esto siempre me interesó y el producto de ella es interesante para mí y la literatura es interesante: la literatura histórica. Tengo esta necesidad de conectarme con el pasado en a mi manera… "—Jim Dine. [36] Al igual que con Pinocho, la fascinación de Dine por las esculturas antiguas se remonta a los primeros años de su vida: "Siempre me había interesado de niño en 'lo antiguo', porque mi madre me llevó al museo de arte en Cincinnati, y tenían una pocas piezas hermosas ". [37] En consecuencia, la antigüedad ha estado presente desde sus primeros trabajos, por ejemplo en Sin título (Después de la victoria alada) (1959), ahora en la colección del Instituto de Arte de Chicago, una escultura inspirada en la Victoria alada de Samotracia (ca 200 aC) y compuesto por una túnica pintada colgada en un marco de lámpara encontrado y unida con alambre, que Dine describe como "casi como arte de forasteros" y que mostró por primera vez en la Galería Ruben. [38] Con mayor frecuencia expresa la antigüedad a través de la figura de la Venus de Milo (ca. 100 aC), un pequeño molde de yeso que compró en una tienda de suministros de París; inicialmente incluyó el elenco en pinturas de bodegones de la década de 1970, "Pero luego le arranqué la cabeza y la hice mía". [39] Sin embargo, Dine también se inspira en colecciones específicas de escultura, por ejemplo, la de la Glyptothek en Munich , que visitó en 1984 y dio lugar a los 40 "Glyptotek Drawings" [sic] de 1987-88, realizados en preparación para una serie de litografías. [40] De la experiencia Dine recuerda: "El director del museo me dejó entrar por la noche y, por lo tanto, fue una meditación sobre las piezas que estaba dibujando porque estaba solo. Sentí un vínculo entre las edades de la historia y yo y una comunicación entre estos tipos anónimos que habían tallado estas cosas siglos antes que yo. Fue una forma de unir manos a través de las generaciones, y para mí sentir que no solo crecí como una planta rodadora, sino que venía de alguna parte. Pertenecía a una tradición y me dio la historia que necesitaba ". [41] Una obra reciente importante que incorpora la antigüedad es Dine's Poet Singing (The Flowering Sheets) , una instalación que consta de esculturas de madera de 8 pies inspiradas en estatuas griegas antiguas de mujeres danzantes dispuestas alrededor de una cabeza de autorretrato de 7 pies de la artista, todo instalado en una habitación cuyas paredes ha inscrito con un poema extenso, "con sus temas órficos de viajes, pérdidas y las posibilidades del arte". [42] Mostrado originalmente en 2008-09 en la Villa Getty, Museo J. Paul Getty, Los Ángeles, y haciendo eco del Grupo escultórico de un poeta sentado y sirenas del 350-300 a. C. (2) con rizos fragmentarios separados (304) en la colección Getty, [43] Dine ha actualizado desde entonces Poet Singing (The Flowering Sheets) como una instalación permanente y específica del sitio ubicada en el Jim Dine Pavilion construido especialmente, adyacente a la Kunsthaus Göttingen.
Herramientas
"Nunca dejé de estar encantada con estos objetos". - Jim Dine. [44] Al igual que con Pinocho y la escultura antigua, las herramientas son un motivo indisolublemente ligado a la infancia de Dine. Su presentación a ellos llegó a través de su abuelo materno, Morris Cohen, quien dirigía la ferretería The Save Supply Company en Cincinnati; Dine vivió con Cohen durante tres años cuando era niño, y tuvo contacto diario con él hasta la edad de 19 años. [45] Cohen inicialmente permitió que Dine jugara con las herramientas en su taller de garaje y sótano, de los cuales Dine recuerda martillos, sierras, taladros, destornilladores, entre otros parafernalia de hardware, como piezas de tubería, tornillos, tuercas, pernos, fusibles, arandelas y cables eléctricos; más tarde, Dine trabajó en la tienda de Cohen los sábados. [46]
Estas experiencias fueron tanto la inauguración de Dine en las funciones prácticas de las herramientas, como el comienzo de su apreciación estética de las mismas: "Admiré el hermoso esmalte en los inodoros y lavabos de cerámica. rollos uno al lado del otro, y la forma en que se había trenzado. En el departamento de pintura, las cartas de colores me parecían cajas de joyas perfectas y perfectas ". [47] Él recuerda específicamente el impacto sensual de la pintura blanca prístina "muy, muy hermosa": "Jugaba con ella metiendo uno de sus destornilladores y rompiendo la piel y moviéndola. Era como un caramelo blanco. Tenía un olor fabuloso a aceite de linaza y trementina ". [48] En consecuencia, los encuentra como tema de este arte "un objeto tan misterioso e interesante como cualquier otro objeto. No hay aristocracia aquí". [49]
Como motivo que simboliza el acto de creación, uno con el que las materias primas se transforman en arte, las herramientas tienen un estatus único en la práctica de Dine como "extensiones artificiales de sus manos, lo que efectivamente le permite dar forma a ciertas condiciones y objetos dados de manera más sistemática". " [50] y como" 'objetos primarios' que crean una conexión con nuestro pasado humano y la mano ". [51] En palabras del propio Dine, la herramienta es fundamentalmente "una metáfora del 'trabajo'". [52]
Dine ha integrado herramientas reales en su arte desde sus primeros trabajos hasta su práctica actual, por ejemplo, Big Black Work Wall (1961), una pintura con herramientas adjuntas, y The Wind and Tools (A Glossary of Terms) (2009), tres estatuas de madera de Venus que llevan cinturones de herramientas, además de representarlas en medios que incluyen pinturas, dibujos, fotografías y grabados. [53] Una serie de impresión extraordinaria que involucra herramientas es A History of Communism (2014), en la que Dine imprimió motivos de herramientas sobre litografías hechas con piedras encontradas en una academia de arte en Berlín y que muestra cuatro décadas de trabajo de los estudiantes de los demócratas alemanes. República. [54] Al superponer su propio vocabulario personal de herramientas, Dine se involucra con las herramientas simbólicas del comunismo: la hoz y el martillo de la Unión Soviética; y el martillo y la brújula, rodeados de centeno, de la República Democrática Alemana, y desestabiliza la afirmación de cualquier "verdad" cierta, mostrando que "la historia nunca es una narrativa coherente, aunque podría presentarse como tal con un motivo ulterior, pero más bien un proceso fragmentado, estratificado y con múltiples ubicaciones ". [55]
Puestos docentes seleccionados
- 1965 - conferenciante invitado en la Universidad de Yale y artista en residencia, Oberlin College, Ohio
- 1966 - residencia docente en la Universidad de Cornell, Ithaca, Nueva York
- 1993–95 - Academia Internacional de Verano de Bellas Artes de Salzburgo, Salzburgo
- 1995–96 - Hochschule der Künste, Berlín
Colaboraciones seleccionadas a largo plazo
- 1962-1976: galerista Ileana Sonnabend, Nueva York
- 1975-2008: grabador Aldo Crommelynck, París
- 1978-2016: Pace Gallery, Nueva York
- 1979-presente: galerista Alan Cristea, Londres
- 1983-2018: galerista Richard Gray, Chicago
- 1983-presente: Walla Walla Foundry, Walla Walla, Washington
- 1987-2003: grabador Kurt Zein, Viena
- 1991–2016: Spring Street Workshop, Nueva York, con impresores como Julia D'Amario, Ruth Lingen, Katherine Kuehn, Bill Hall
- 1998-presente: impresor y editor Gerhard Steidl, Göttingen
- 2000-presente: galerista Daniel Templon , París-Bruselas
- 2003-18: los grabadores Atelier Michael Woolworth, París
- 2010-presente: fundición Blue Mountain Fine Art, Baker City, Oregón
- 2016-presente: grabadores Steindruck Chavanne Pechmann, Apetlon
Colecciones permanentes seleccionadas
- Museo de Arte Conmemorativo Allen, Oberlin
- Instituto de Arte de Chicago, Chicago
- Museo de Arte Bowdoin College, Brunswick, ME
- Museo de Brooklyn, Brooklyn
- Museo de Arte de Cincinnati, Cincinnati
- Museo de Arte de Cleveland, Cleveland
- Museo de Arte Fogg, Universidad de Harvard, Cambridge
- Museo y jardín de esculturas Hirshhorn, Washington, DC
- Museo de Arte de Indianápolis, Indianápolis
- Museo de Israel, Jerusalén
- Museo de Arte Moderno de Luisiana, Humelbeak, Dinamarca
- Museo Metropolitano de Arte, Nueva York
- Instituto de Artes de Minneapolis, Minneapolis
- Museo Folkwang, Essen
- Musée National d'Art Moderne, Centre Pompidou, París
- Museo de Arte Contemporáneo de Chicago
- Museo de Bellas Artes de Boston
- Museo de Arte Moderno de Nueva York
- Galería Nacional de Arte, Washington, DC
- Museo Solomon R. Guggenheim, Nueva York
- Museo Stedelijk, Ámsterdam
- Tate Gallery, Londres
- Museo Whitney de Arte Americano, Nueva York
- Museo Metropolitano de Arte, Nueva York
- Museo Stedelijk, Ámsterdam
- Museo de Arte Metropolitano de Tokio, Tokio
- Galería de arte de la Universidad de Yale, New Haven, CT
Publicaciones Seleccionadas
- Robert Creeley y Jim Dine, Pictures , Tamarind Institute con Enitharmon Press, Albuquerque, 2001
- Jim Dine, Birds , Steidl, Göttingen, 2002
- Jim Dine, Las fotografías, hasta ahora , Steidl, Göttingen, 2004
- Jim Dine, This Goofy Life of Constant Lourning , Steidl, Göttingen, 2004
- Jim Dine, Dibujos de Jim Dine , Galería Nacional de Arte / Steidl, Göttingen, 2004
- Jim Dine, Algunos dibujos , Allen Memorial Art Museum, Oberlin College / Steidl, Göttingen, 2005
- Jim Dine, Entrada Drive , Steidl, Gotinga, 2005
- Jim Dine, Oceans , Tandem Press, Madison, WI, 2005
- Diana Michener y Jim Dine, 3 poemas , Steidl, Göttingen, 2006
- Jim Dine, Pinocho , Steidl, Gotinga, 2006
- Jim Dine, L'Odyssée de Jim Dine , Steidl, Göttingen, 2007
- Jim Dine, Aldo et moi. Estampes gravées et imprimées avec Aldo Crommelynck , Bibliothèque nationale de France / Steidl, Göttingen, 2007
- Jim, Dine, Selected Prints 1996–2006 , Steidl, Göttingen, 2007
- Jim Dine, así es como recuerdo, ahora. Retratos , Die Photographische Sammlung / SK Stiftung Kultur / Steidl, Göttingen, 2008
- Jim Dine, Poeta cantando (Las sábanas con flores) , Steidl, Göttingen, 2008
- Jim Dine, Boy in the World (A Memoir) , Steidl, Göttingen, 2009
- Jim, cena, viejo yo, ahora. Dibujos de autorretratos 2008-2009 , Steidl, Göttingen, 2009
- Jim Dine, Jim Dine Reading (más una canción) , Steidl, Göttingen, 2009
- Jim Dine, Hot Dream (52 libros) , Steidl, Göttingen, 2009
- Jim Dine, Reconocimiento de París , Steidl, Göttingen y Centre Pompidou, París, 2010
- Jim Dine, Hearts from New Delhi , Gotinga y Nueva York, Alan Cristea Gallery, Londres, 2010
- Jim Dine, Night Fields, Day Fields - Escultura, Steidl, Göttingen, 2010
- Jim Dine, Los dibujos de Glyptotek , The Morgan Library & Museum / Steidl, Göttingen, 2011
- Jim Dine, Hello Yellow Glove. Nuevos dibujos , Steidl, Göttingen, 2012
- Jim Dine, Burro en el mar antes que nosotros , Steidl, Göttingen, 2013
- Jim Dine, Documento de un impresor, Steidl, Göttingen, 2013
- Jim Dine, Mis herramientas , Steidl / SK Stiftung Kultur, Gotinga, 2014
- Jim Dine, Una historia del comunismo , Steidl / Alan Cristea Gallery, Göttingen, 2014
- Jim Dine, Acerca del amor por la impresión , edición Folkwang / Steidl, Göttingen, 2015
- Jim Dine, Poemas en los que trabajar: Los poemas recopilados de Jim Dine , Cuneiform Press, University of Houston-Victoria, Victoria, TX, 2015
- Jim Dine, Herramientas , Steidl, Göttingen, 2017
- Jim Dine, La Coupole et autres poèmes , trad. Vincent Broqua, Olivier Brossard, Abigail Lang y Béatrice Trotignon, Joca Seria, Nantes, 2017
- Jim Dine, Nantes , trad. Vincent Broqua, Nantes, Joca Seria, 2017
- Jim Dine, 3 gatos y un perro (autorretrato) , Steidl, Göttingen, 2019
- Jim Dine, Mi carta a las tropas , Steidl, Göttingen, 2019
- Jim Dine, Destino judío , Steidl, Gotinga, 2019
- Jim Dine, A Song at Twilight , Cuneiform Press, Victoria, TX, 2020
- Jim Dine, Los dibujos secretos , Steidl, Gotinga, 2020
- Jim Dine, francés, inglés, A Day Longer, Joca Seria, Nantes y Steidl, Göttingen, 2020
- Jim Dine, imprimo. Catálogo razonado de grabados, 2001–2020, Steidl, Göttingen, 2020
- Jim Dine, Un hermoso día. Diecisiete poemas, Steidl, Göttingen, 2020
- Jim Dine, Electrolito en azul, Steidl, Göttingen, 2020
- Jim Dine, interés viral, Steidl, Steidl, Göttingen, 2020
Lecturas de poesía seleccionadas
- - con Ted Berrigan, Arts Lab, Soho, Londres, 1969
- - Proyecto de poesía, con Ted Berrigan, Iglesia de San Marcos, Nueva York, 1970
- - Serie Segue, con Diana Michener y Vincent Katz, Bowery Poetry Club, Nueva York, 2005
- - Serie de lecturas tangentes con Diana Michener y Vincent Katz, Portland, 2008
- - Lectura de la Bastilla con Marc Marder y Daniel Humair, París, 2010
- - Lectura de la Bastilla con Marc Marder, Galerie Eof, París, 2014
- - Proyecto de poesía, con Dorothea Lasky, Iglesia de San Marcos, Nueva York, 2015
- - con Karen Weiser, Dia Art Foundation, Nueva York, 2016
- - con Vincent Broqua, Universidad de Sussex, Brighton, 2017
- - Hauser & Wirth, Nueva York, 2018
- House of Words (en curso)
- - Archivo Günter Grass, Göttingen, 2015
- - con Marc Marder, Galerie Eof, París, 2015
- - con Marc Marder, Poetry Foundation, Chicago, 2016
- - Ecrivains en bord de mer, La Baule, 2017
- - con Daniele Roccato y Fabrizio Ottaviucci, Chiesa dei Santi Luca e Martina, Roma, 2017
- - In Vivo , con Daniele Roccato y Fabrizio Ottaviucci, Centre Georges Pompidou, París, 2018
Enlaces
- Galería Berggruen
- Museo Británico
- Galería Cristea Roberts
- Encyclopædia Britannica
- Galerie Templon
- Jonathan Novak Arte contemporáneo
- Galería Nacional de Arte, Washington, DC
- Galería Nacional de Victoria, Melbourne
- Galería Nacional de Retratos, Londres
- Galería Richard Gray
- Real Academia de Arte
- Museo de Arte Snite, Universidad de Notre Dame, Notre Dame, IN
- Steidl
- Galería Wetterling
Referencias
- ^ Para una descripción general de la práctica reciente de grabado de Dine, consulte: Jim Dine, imprimo. Catalog Raisonné of Prints, 2001–2020 , Steidl, Göttingen, 2020.
- ^ Ver: Jim Dine, Poemas para trabajar: The Collected Poems of Jim Dine , Cuneiform Press, University of Houston-Victoria, Victoria, TX, 2015. Dine's French, English, A Day Longer, Joca Seria, Nantes y Steidl, Göttingen, 2020, es su publicación de poesía más reciente, que documenta cuántos de sus poemas se crean directamente en el estudio, a menudo escritos en sus paredes, mientras se crean otras obras visuales; en P. 185 afirma: “Mi método de escritura no es muy diferente a mi método de pintar. Recopilo imágenes, las pongo juntas y las desarmo. Es un método de collage ".
- ^ https://www.taglialatellagalleries.com/artists/jim-dine/biography
- ^ Ruth Fine, "Secreto, misterioso, majestuoso" en: Jim Dine, Los dibujos secretos , Steidl, Göttingen, 2020, p. 9
- ^ https://www.casterlinegoodman.com/artists/jim-dine/series/still-start-the-western-fire
- ^ https://www.gaa-gallery.com/exhibitions/jim-dine
- ^ Jim Dine, Reconocimiento de París , Steidl, Göttingen y Centro Pompidou, París, 2010, págs. 158, 160. / https://www.theguardian.com/artanddesign/2015/mar/04/jim-dine-pop- arte-234-grabado-regalo-museo-británico
- ↑ Dine, Reconocimiento de París , p.158
- ^ https://www.grahamhuntergallery.co.uk/jim-dine
- ^ Jim Dine, Documento de un grabador, Steidl, Göttingen, 2013, p. 7
- ^ Ibíd. pag. 7
- ^ Ibíd. pag. 8
- ^ Ibíd. pag. 8
- ↑ Dine, Reconocimiento de París , p.158
- ^ Jim Dine, Acerca del amor por la impresión , edición Folkwang / Steidl, Göttingen, 2015. p. 210
- ↑ Dine, Reconocimiento de París , p.158. Para obtener más información sobre The Smiling Workman, consulte: https://www.theartstory.org/artist/dine-jim/artworks/
- ^ Para obtener más detalles sobre Car Crash, consulte: https://www.theartstory.org/artist/dine-jim/artworks/
- ^ https://cuneiformpress.com/?product=jim-dine-poems-to-work-on
- ^ https://www.npg.org.uk/whatson/display/2007/jim-dine-the-artists-face.php
- ^ https://www.taglialatellagalleries.com/artists/jim-dine/biography
- ^ https://www.sothebys.com/en/artists/jim-dine / https://www.grahamhuntergallery.co.uk/jim-dine
- ^ Citado en: Gabriele Conrath-Scholl, "Jim Dine: Mis herramientas: objetos favoritos, metáforas y equipaje pesado" en: Jim Dine, Mis herramientas , Steidl / SK Stiftung Kultur, Göttingen, 2014, p. 22
- ^ Dine, Reconocimiento de París , págs. 158–60
- ↑ Dine, Reconocimiento de París , p.18
- ^ https://americanart.si.edu/artist/jim-dine-1273
- ↑ Dine, Reconocimiento de París , p.18
- ^ Jim Dine, Campos nocturnos, Campos diurnos - Escultura, Steidl, Göttingen, 2010, p. dieciséis
- ↑ Dine, Reconocimiento de París, p.18
- ↑ Dine, Night Fields, Day Fields - Sculpture, p. dieciséis
- ^ Ibíd. pag. 17
- ↑ Dine, A Printmaker's Document , p. 191
- ↑ Dine, Night Fields, Day Fields - Sculpture, p. 17
- ^ Ibíd. pag. 17
- ^ Para obtener más información, consulte: "Daniel Clarke, Litho Printer en la tienda de Michael Woolworth" en: Dine, A Printmaker's Document , págs. 212-13; y Tobias Burg, "Jim Dine y sus impresores" en Dine, imprimo . Catalogue Raisonné of Prints, 2001–2020 , pág. 11.
- ^ https://cristearoberts.com/exhibitions/31/
- ↑ Dine, Night Fields, Day Fields - Sculpture , p. 15
- ↑ Dine, A Printmaker's Document, p. 124
- ^ Dine, Night Fields, Day Fields - Sculpture , págs. 9-10
- ↑ Dine, Night Fields, Day Fields - Sculpture, p. 15
- ↑ Para obtener reproducciones de todos los dibujos, que Dine obsequió al Morgan Library & Museum, Nueva York, en 2009, consulte: Jim Dine, The Glyptotek Drawings , The Morgan Library & Museum / Steidl, Göttingen, 2011.
- ↑ Dine, Night Fields, Day Fields - Sculpture, p. 15
- ^ https://www.getty.edu/art/exhibitions/jimdine/
- ^ http://www.getty.edu/art/collection/objects/7303/unknown-maker-sculptural-group-of-a-seated-poet-and-sirens-2-with-unjoined-fragmentary-curls-304 -tarantina-griega-350-300-bc /
- ↑ Dine, Night Fields, Day Fields - Sculpture , p. 15
- ^ Jim Dine, Herramientas , Steidl, Gotinga, 2017, p. 7
- ^ Ibíd. págs. 7-8
- ^ Ibíd. pag. 9
- ^ Ibíd. pag. 8
- ^ Cene, Mis herramientas , p. 111
- ^ Conrath-Scholl, "Jim Dine: Mis herramientas: objetos favoritos, metáforas y equipaje pesado" en: Dine, Mis herramientas , p. 17
- ^ Jim Dine, Temas, Alan Cristea Gallery , Londres, 2000, p. 4, citado en: Jim Dine, A History of Communism , Steidl / Alan Cristea Gallery, Göttingen, 2014, p. 56
- ↑ Dine, Night Fields, Day Fields - Sculpture , p. 15
- ^ Para fotografías de herramientas de Dine, consulte: Jim Dine, Tools , Steidl, Göttingen, 2017
- ^ Cene, Una historia del comunismo , p. 7
- ^ Gwendolyn Sasse, "Layering de lo viejo y lo nuevo: la historia del comunismo" en: Dine, Una historia del comunismo , p. 58