Leo Ornstein (nacido Лев Орнштейн , Lev Ornshteyn ; c. 11 de diciembre de 1895 [1] - 24 de febrero de 2002) fue un destacado compositor y pianista experimental estadounidense de principios del siglo XX. Sus interpretaciones de obras de compositores de vanguardia y sus propias piezas innovadoras e incluso impactantes lo convirtieron en una causa célebre a ambos lados del Atlántico.
Leo Ornstein | |
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Fallecido | 24 de febrero de 2002 Green Bay, Wisconsin , Estados Unidos | (106 años)
Ocupación | Compositor , pianista y docente |
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Ornstein fue el primer compositor importante en hacer un uso extensivo del grupo de tonos . Como pianista, fue considerado un talento de clase mundial. [2] A mediados de la década de 1920, se había alejado de su fama y pronto desapareció de la memoria popular. Aunque dio su último concierto público antes de los cuarenta, continuó escribiendo música durante otro medio siglo y más. En gran parte olvidado durante décadas, fue redescubierto a mediados de la década de 1970. Ornstein completó su octava y última sonata para piano en septiembre de 1990 a la edad de noventa y cuatro años, lo que lo convirtió en el compositor publicado más antiguo de la historia (una marca que ya aprobó Elliott Carter ).
Vida temprana
Ornstein nació en Kremenchuk , una gran ciudad en la provincia ucraniana de Poltava , entonces bajo el dominio imperial ruso . Creció en un ambiente musical: su padre era cantor judío , mientras que un tío violinista alentó los estudios del niño. Ornstein fue reconocido desde el principio como un prodigio en el piano ; En 1902, cuando el célebre pianista polaco Josef Hofmann visitó Kremenchuk, escuchó la actuación de Ornstein, de seis años. Hofmann le entregó una carta de recomendación al respetado Conservatorio de San Petersburgo . Poco después, Ornstein fue aceptado como alumno en la Escuela Imperial de Música de Kiev , entonces dirigida por Vladimir Puchalsky. Una muerte en la familia obligó a Ornstein a regresar a casa. En 1903, Ossip Gabrilovich lo escuchó tocar y lo recomendó al Conservatorio de Moscú . En 1904, Ornstein, de nueve años, hizo una audición y fue aceptado por la escuela de San Petersburgo. [3] Allí estudió composición con Alexander Glazunov y piano con Anna Yesipova . A la edad de once años, Ornstein se ganaba el camino entrenando cantantes de ópera. [4] Para escapar de los pogromos incitados por la organización nacionalista y antisemita Unión del Pueblo Ruso , la familia emigró a los Estados Unidos el 24 de febrero de 1906, exactamente noventa y seis años antes de su muerte. [5] Se establecieron en el Lower East Side de Nueva York y Ornstein se matriculó en el Instituto de Arte Musical, predecesor de la Juilliard School, donde estudió piano con Bertha Feiring Tapper. En 1911, hizo un muy bien recibido debut en Nueva York con piezas de Bach , Beethoven , Chopin y Schumann . Dos años después, las grabaciones de obras de Chopin, Grieg y Poldini demuestran, según el historiador de la música Michael Broyles, "un pianista de sensibilidad, prodigiosa habilidad técnica y madurez artística". [6]
Fama y "futurismo"
Ornstein pronto se movió en una dirección muy diferente. Comenzó a componer obras que contenían sonidos disonantes y sorprendentes. [5] El propio Ornstein estaba inquieto por la primera de estas composiciones: "Realmente dudé de mi cordura al principio. Simplemente dije, ¿qué es eso? Estaba tan completamente alejado de cualquier experiencia que haya tenido". [7] El 27 de marzo de 1914, en Londres, realizó su primera representación pública de obras entonces llamadas "futuristas", ahora conocidas como modernistas . [8] Además de un arreglo de Busoni de tres preludios corales de Bach y varias piezas de Schoenberg , Ornstein interpretó varias de sus propias composiciones. El concierto causó un gran revuelo. Un periódico describió el trabajo de Ornstein como "la suma de Schoenberg y Scriabine [ sic ] al cuadrado". [9] Otros fueron menos analíticos: "Nunca hemos sufrido de una atrocidad tan insoportable, expresada en términos de la así llamada música". [9]
La actuación de seguimiento de Ornstein provocó un alboroto: "En mi segundo concierto, dedicado a mis propias composiciones, podría haber tocado cualquier cosa. No podía escuchar el piano. La multitud silbaba y aullaba e incluso arrojaba útiles misiles al etapa." [7] La reacción, sin embargo, no fue de ninguna manera universalmente negativa: el Estándar Musical lo llamó "uno de los compositores más notables de la época ... [con] ese germen de realismo y humanidad que es indicativo de genio". [10] Al año siguiente, fue la comidilla de la escena musical estadounidense por sus interpretaciones de obras de vanguardia de Schoenberg, Scriabin, Bartók , Debussy , Kodály , Ravel y Stravinsky (muchos de ellos estrenos estadounidenses), también como propias, composiciones aún más radicales. [11]
Entre 1915 y principios de la década de 1920, cuando prácticamente dejó de actuar en público, Ornstein fue una de las figuras más conocidas (según algunas luces, notorias) de la música clásica estadounidense. En la descripción de Broyles y Denise Von Glahn, su "atracción fue inmensa. Actuaba constantemente ante pasillos abarrotados, a menudo más de dos mil, en muchos lugares la 'audiencia más grande de la temporada ' ". [12] Sus piezas de piano solo como como Wild Men's Dance (también conocido como Danse Sauvage ; ca. 1913–14) e Impressions of the Thames (ca. 1913–14) fueron pioneros en el uso integrado del grupo de tonos en la composición de música clásica , que Henry Cowell , tres años menor que Ornstein, haría hacer aún más para popularizar. En la descripción del erudito Gordon Rumson, Wild Men's Dance es una "obra de ritmo vehemente e ingobernable, compuesta de densos grupos de acordes ... y acentos brutales. Ritmos complejos y acordes estrepitosos gigantes atraviesan toda la gama del piano. Esto sigue siendo un trabajo para un gran virtuoso capaz de imbuirlo de una energía ardiente y feroz ". [13] Aaron Copland recordó una actuación como el momento más controvertido de sus últimos años de adolescencia. [14] En 2002, un crítico del New York Times declaró que "sigue siendo una sorpresa". [15] Según el crítico Kyle Gann , Impressions of the Thames , "si Debussyan en sus texturas, usó acordes más espinosos de los que Debussy se atrevió, y también agrupaciones en el rango de agudos y un golpe bajo que presagiaba a Carlomagno Palestina , pero modulado ... . con un convincente sentido de unidad ". [dieciséis]
Como ejemplo de lo que Ornstein describió como "música abstracta", su Sonata para violín y piano (1915; no 1913 como a menudo se da erróneamente) [17] fue aún más lejos; "al borde", como él dijo: "Yo diría que [la sonata] había traído la música hasta el límite ... Simplemente me eché hacia atrás y dije, 'más allá de eso hay un caos total ' ". [ 18] En 1916, el crítico Herbert F. Peyser declaró que "el mundo ciertamente se ha movido entre la época de Beethoven y la de Leo Ornstein". [19] Esa primavera, Ornstein dio una serie de recitales en la casa de Nueva York de uno de sus defensores; Estos conciertos fueron precedentes cruciales para las sociedades de compositores en torno a las cuales prosperaría la escena musical moderna en la década de 1920. [20] Ornstein también viajó a Nueva Orleans en 1916, donde descubrió el jazz . [21] Al año siguiente, el crítico James Huneker escribió:
Nunca pensé que viviría para escuchar a Arnold Schoenberg sonar dócil, pero dócil suena —casi tímido y vacilante— después de Ornstein, quien es, enfáticamente, el único compositor futurista auténtico, genuino y con vida. [22]
Además de "futurista", Ornstein también fue etiquetado a veces, junto con Cowell y otros en su círculo, como "ultramodernista". Un artículo en el Baltimore Evening Sun se refirió a él como "el pianista intransigente, que ha puesto a todo el mundo musical por los oídos y que es probablemente la figura más discutida en el escenario del concierto". [23] En The Musical Quarterly fue descrito como "el fenómeno musical más destacado de nuestro tiempo". [19] El compositor nacido en Suiza Ernest Bloch lo declaró "el compositor único en Estados Unidos que muestra signos positivos de genio". [24]
En 1918, Ornstein era lo suficientemente famoso como para publicar una biografía completa de él. El libro, de Frederick H. Martens, sugiere no solo el nivel de fama de Ornstein a los veinticuatro años, sino también su efecto divisor en la escena cultural:
Leo Ornstein para muchos representa a un genio musical malvado que vaga sin la mayor pálida de ortodoxia tonal, en una extraña Tierra de Nadie embrujada con sonidos tortuosos, con lamentos de desesperación futurista, con chillidos cubistas y gritos y estrépitos postimpresionistas. Es el gran anarquista, el iconoclasta. [25]
Cowell, que se había encontrado con Ornstein mientras estudiaba en Nueva York, seguiría un estilo igualmente radical como parte de una gran misión intelectual y cultural, que también incluía escritos ambiciosos sobre teoría musical y esfuerzos editoriales y promocionales en apoyo de la vanguardia. Ornstein, el iconoclasta de vanguardia de la música clásica estadounidense, siguió una musa mucho más idiosincrásica: "Me guío por completo solo por mi instinto musical en cuanto a lo que siento que es consecuente o intrascendente". [26] Prueba de ello es el hecho de que, incluso en el apogeo de su notoriedad ultramoderna, también escribió varias obras líricas y tonales, como la Primera Sonata para violonchelo y piano: [27] "[Se] escribió en menos de una semana bajo una compulsión a la que no se podía resistir ", dijo Ornstein más tarde. "Por qué debería haber escuchado esta pieza romántica en el mismo período en que estuve tumultuosamente involucrado en el primitivismo de [otras obras] está más allá de mi comprensión". [28] Al comentar sobre la pieza después de la muerte de Ornstein aproximadamente tres cuartos de siglo después, el crítico Martin Anderson escribió que "rivaliza con la [sonata para violonchelo] de Rachmaninov en magníficas melodías". [29]
Antes del cambio de década, probablemente en 1918 o 1919, Ornstein produjo una de sus obras más distintivas sobre grupos de tonos, Suicide in an Airplane . [30] Su partitura requiere un patrón de ostinato de bajo de alta velocidad destinado a simular el sonido de los motores y capturar la sensación de vuelo. [31] La pieza serviría de inspiración para la Airplane Sonata (1923) de George Antheil , quien reflejó la influencia de Ornstein en otras obras como Sonata Sauvage (1923). [32] Escribiendo en 2000, el pianista e historiador Joseph Smith citó Suicide in an Airplane entre esas piezas de Ornstein que "representaban (y aún pueden representar) el ne plus ultra de la violencia pianística". [33]
Transición en la década de 1920
Ornstein, agotado, abandonó efectivamente su célebre carrera como actor a principios de la década de 1920. [34] Su "música fue pronto olvidada", escribe el erudito Erik Levi, dejándolo "una figura esencialmente periférica en la vida musical estadounidense". [35] Como lo describe Broyles, "Ornstein se había retirado en su mayoría cuando aparecieron las nuevas organizaciones musicales de la década de 1920. Demasiado temprano y demasiado independiente, Ornstein tenía pocos deseos de participar en el movimiento modernista cuando se afianzó en los Estados Unidos. Estados ... [Él] parecía poco molesto por la publicidad o la falta de ella. Solo escuchaba su propia voz ". [36]
El estilo compositivo principal de Ornstein también estaba cambiando. Como lo describió el crítico de los últimos días Gordon Rumson, su
el lenguaje musical se organizó en una gradación luminosa y reluciente entre la sencillez y la aspereza. Las melodías tienen un tinte hebraico, y Ornstein no tiene reparos en colocar la música disonante y tonal una al lado de la otra. Este cambio de estilo es solo una de las herramientas creativas de Ornstein. Más importante aún, hay una emoción directa que hace que la música sea realmente atractiva. También debe tenerse en cuenta que su música está idealmente escrita para piano y es claramente el trabajo de un maestro pianista. [22]
Esta transformación contribuyó al desvanecimiento de Ornstein en la oscuridad. Aquellos a quienes había inspirado ahora lo rechazaban, casi con tanta vehemencia como los críticos que había escandalizado una década antes. "Había sido el chico del cartel del modernismo radical durante la década de 1910, y cuando abandonó ese estilo por uno más expresivo, los ultramodernos reaccionaron como un amante despreciado", según Broyles. "Ni siquiera Cowell, conocido por su temperamento tolerante, podría perdonar a Ornstein". [37]
Habiendo abandonado no solo el escenario del concierto, sino también los ingresos que lo acompañaban, Ornstein firmó un contrato exclusivo con el sello Ampico para hacer rollos de piano . [38] Hizo más de dos docenas de rollos para Ampico, en su mayoría de un repertorio no moderno; los compositores que interpretó con más frecuencia fueron Chopin, Schumann y Liszt . Dos rollos contenían sus propias composiciones: Berceuse (Cradle Song) (ca. 1920-21) y Prélude tragique (1924). [39] Ornstein nunca registró, en ningún formato, ni siquiera un solo ejemplo de sus piezas futuristas que le habían dado fama.
A mediados de la década de 1920, Ornstein dejó Nueva York para aceptar un puesto de profesor en la Academia Musical de Filadelfia, que más tarde formaría parte de la Universidad de las Artes . [40] Durante este período, escribió algunas de sus obras más importantes, incluido el Concierto para piano, encargado por la Orquesta de Filadelfia en 1925. [36] Dos años más tarde, produjo su Quinteto para piano. Una obra tonal épica marcada por un uso aventurero de la disonancia y los arreglos rítmicos complejos , es reconocida como una obra maestra del género. [41]
Vida posterior
A principios de la década de 1930, Ornstein dio su última actuación pública. [42] Unos años más tarde, él y su esposa, la ex Pauline Cosio Mallet-Prèvost (1892-1985), también pianista, fundaron la Escuela de Música Ornstein en Filadelfia. [43] Entre los estudiantes allí, John Coltrane y Jimmy Smith seguirían carreras importantes en el jazz. [44] Los Ornstein dirigieron y enseñaron en la escuela hasta que cerró con su jubilación en 1953. Básicamente desaparecieron de la vista del público hasta mediados de la década de 1970, cuando fueron localizados por la historiadora de la música Vivian Perlis : la pareja pasaba el invierno en un parque de casas rodantes de Texas (también tenían una casa en New Hampshire). [45] Ornstein había seguido componiendo música; equipado con una memoria poderosa, no fue diligente a la hora de escribirlo todo y no había intentado publicitarlo durante décadas. Aunque su estilo se había templado mucho desde la década de 1910, conservó su carácter único y, con su redescubrimiento, llegó un nuevo estallido de productividad. En la descripción de Gann, las obras para piano compuestas por Ornstein en sus ochenta, como Solitude y Rendezvous at the Lake , presentaban melodías que "surgían a través de interminables adornos que no recordaban a ningún otro compositor". [dieciséis]
En 1988, Ornstein, de noventa y dos años, escribió su Séptima Sonata para piano. Con esta composición, Ornstein se convirtió, por un par de años, en el compositor publicado más antiguo, hasta Elliott Carter , en producir una obra nueva sustancial. [46] El 23 de septiembre de 1990, a la edad de noventa y cuatro años, Ornstein completó su obra final, la Octava Sonata para Piano. [47] Los nombres de los movimientos de la sonata reflejan no sólo el paso de un lapso de tiempo notable, sino un sentido del humor intacto y un espíritu exploratorio: I. "La confusión de la vida y algunos pedazos de sátira" / II. "Un viaje al ático: una lágrima o dos por una infancia perdida para siempre" (a. "La corneta" / b. "Un lamento por un juguete perdido" / c. "Una cuna medio mutilada: Berceuse" / d. "Primer paseo en carrusel y sonidos de una zanfona") [48] / III. "Disciplinas e Improvisaciones". Al revisar el debut de la obra en Nueva York, el crítico Anthony Tommasini escribió: "Entre la locura estruendosa del primer y tercer movimiento, el movimiento del medio es un conjunto de cuatro breves reflexiones musicales sobre recuerdos de la infancia descubiertos en un ático. El tono es audaz y la música desarmadora. El público escuchó absorto y luego estalló en aplausos ". [15]
El 24 de febrero de 2002, Ornstein murió en Green Bay, Wisconsin . A la edad de 106 años, fue uno de los compositores más longevos. [49]
Ver también
- Lista de composiciones para piano solo de Leo Ornstein
Notas
- ↑ La fecha exacta de nacimiento de Ornstein es ambigua, con varias fuentes que indican fechas en 1892, 1893 o 1895, pero los documentos oficiales de 1917, 1920 y 1942 sugieren una fecha de nacimiento del 11 de diciembre de 1895.
- ^ Además de las citas a continuación, ver también, por ejemplo, Broyles y Von Glahn (2007), p. 9 ("un pianista de extraordinaria habilidad"); Rumson (2002), pág. 352 ("enormes habilidades pianísticas"); Perlis (1983), pág. 104 ("reconocido como concertista de piano de fama mundial"). Según Oja (2000), fue "la figura más importante de la escena de la música moderna estadounidense en la década de 1910" (p. 15).
- ^ Martens (1975), págs. 10-11. Tenga en cuenta que Martens, como muchos otros, tiene el año incorrecto de nacimiento de Ornstein y, por lo tanto, su edad es incorrecta: Martens dice que tenía ocho años cuando ingresó a la escuela; Anderson (2002a), por ejemplo, dice que tenía doce años. Parte de la confusión se basa en el hecho de que Ornstein estaba por debajo del límite de edad cuando ingresó al conservatorio, por lo que se le dio una fecha de nacimiento falsa a la escuela, identificándolo como mayor de lo que era (ver, por ejemplo, Anderson [2002a]). ). En otras ocasiones, la familia aparentemente subestimó la edad del niño, para hacerlo parecer mucho más un prodigio (ver, por ejemplo, "Postlude: Vivian Perlis recuerda a Leo Ornstein" Archivado 2011-06-04 en Wayback Machine NewMusicBox , 1 de abril , 2002; revista web del American Music Center. Consultado el 31/1/07.) Aparte de este número, la datación de Martens de los encuentros de Ornstein con pianistas famosos y la secuencia de oportunidades educativas parece ser la más autorizada.
- ^ Broyles (2004), p. 73.
- ↑ a b Broyles y Von Glahn (2007), p. 3.
- ^ Broyles (2004), p. 75.
- ↑ a b Citado en Broyles y Von Glahn (2007), p. 4.
- ↑ Aunque hoy en día el término " futurista " está estrechamente asociado con el movimiento artístico que surgió en Italia a fines de la primera década del siglo XX, a menudo se usó de manera más amplia en la primera parte del siglo para referirse al arte de vanguardia ahora comúnmente referido como " modernista ".
- ↑ a b Citado en Broyles (2004), p. 78.
- ^ Citado en Broyles (2004), págs. 78-79.
- ^ Broyles (2004), p. 72; Martens (1975), pág. 29.
- ^ Broyles y Von Glahn (2007), p. 4.
- ^ Rumson (2002), p. 352.
- ^ Crunden (2000), p. 213.
- ↑ a b Tommasini (2002).
- ↑ a b Gann (2000).
- ^ Véase, por ejemplo, Ornstein (2002). Tenga en cuenta que estas notas también afirman incorrectamente que Ornstein "nunca volvió a tocar en público" después de mediados de la década de 1920.
- ^ Citado en Broyles (2004), p. 80.
- ↑ a b Citado en Broyles y Von Glahn (2007), p. 2.
- ^ Oja (2000), pág. 216; Crunden (2000), pág. 3.
- ^ Véase Broyles y Von Glahn (2007), p. 9.
- ↑ a b Citado en Anderson (2002a).
- ^ Citado en Broyles (2004), p. 342, n. 3.
- ^ Citado en Crunden (2000), págs. 4-5.
- ^ Martens (1975), p. 9.
- ^ Citado en Rumson (2002), págs. 353–54.
- ↑ Broyles y Von Glahn (2007) fechan la pieza en 1915 (p. 5). Anderson (2002a) y el sitio web detallado mantenido por el hijo del compositor, Severo, lo fechan en 1918. Consultado el 31/1/07.
- ^ Citado en Broyles y Von Glahn (2007), p. 6.
- ^ Anderson (2002a).
- ^ Véase Anderson (2002b) sobre la cuestión de las citas.
- ^ Levi (2000), pág. 331. De manera desconcertante, Levi declara, "el breve flirteo de Ornstein con el futurismo parece superficial y sensacionalista", a pesar de los hechos que (a) en el párrafo inmediatamente anterior observa que "el compositor parece no haber tenido contacto con los futuristas italianos" (apenas a "coqueteo") y (b) Ornstein escribió obras significativas en un estilo "futurista" durante más de media década (difícilmente "breve").
- ^ Véase Rumson (2002), p. 353.
- ^ Smith (2001), p. vi.
- ^ Broyles (2004), p. 80.
- ^ Levi (2000), pág. 331.
- ↑ a b Broyles (2004), p. 81.
- ^ Broyles (2004), p. 150.
- ^ Perlis (1983), p. 104. Tenga en cuenta que Perlis afirma de manera imprecisa: "[N] o grabaciones de la música de [Ornstein] o de sus interpretaciones existieron antes de 1976". De hecho, como se señaló anteriormente y descrito por Broyles (2004), Ornstein registró el trabajo de otros para Columbia Records en 1913.
- ^ Ver Rollography Archivado 2014-04-12 en Wayback Machine Parte de la Reproducing Piano Roll Foundation Archivado 2007-07-15 en Wayback Machine
- ↑ Broyles (2004) dice que esto tuvo lugar en 1924 (págs. 80-81). Broyles, de nuevo, con Von Glahn (2007) dice 1925 (p. 4).
- ^ Véase, por ejemplo, Anderson (2002a).
- ↑ Pollack (2000) confirma que Ornstein actuó en un concierto de Copland-Sessions de 1930 (p. 44). Stepner (1997), en sus notas de buena fuente, da 1933 como la fecha del último concierto público de Ornstein, aunque da el 1913 incorrecto para Suicide in an Airplane.
- ↑ Broyles (2004) escribe que la escuela fue fundada en 1934 (p. 81). Broyles y Von Glahn (2007) indican que era 1935 (p. 4). Anderson (2002a) dice que fue 1940.
- ^ Porter (1999), p. 33; Mathieson (2002), pág. 53.
- ^ "Postludio: Vivian Perlis recuerda a Leo Ornstein" Archivado el 4 de junio de 2011en la Wayback Machine NewMusicBox , 1 de abril de 2002; revista web del American Music Center. Consultado el 30 de enero de 2007.
- ^ Broyles (2004), p. 81; Anderson (2002a).
- ^ Anderson (2002b).
- ^ Tenga en cuenta que la lista de pistas en línea de Hyperion para la interpretación de Marc-André Hamelin de la octava sonata para piano se refiere erróneamente a "Un lamento por un niño perdido" y "Fuentes de una zanfona"; las notas de Anderson (2002b) enuncian correctamente "Un lamento por un juguete perdido" y "Sonidos de una zanfona".
- ^ Midgette (2002).
Fuentes
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- Anderson, Martin (2002b). Liner notes to Leo Ornstein: Piano Music (Hyperion 67320) (disponible en línea ).
- Broyles, Michael (2004). Mavericks y otras tradiciones en la música estadounidense . New Haven, Connecticut y Londres: Yale University Press. ISBN 0-300-10045-0
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- Rumson, Gordon (2002). "Leo Ornstein (1892-2002)", en Music of the Twentieth-Century Avant-Garde: A Biocritical Sourcebook , ed. Larry Sitsky. Nueva York: Greenwood, págs. 351–57. ISBN 0-313-29689-8
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- Tommasini, Anthony (2002). "Una rapsodia rusa con el poder de sacudir", New York Times , 28 de marzo.
- Von Glahn, Denise y Michael Broyles, eds. (2005). Leo Ornstein: Quintette para piano y cuerdas, op. 92 . Música de los Estados Unidos de América (MUSA) vol. 13. Madison, Wisc .: AR Editions.
enlaces externos
- Partituras gratuitas de Leo Ornstein en el Proyecto Biblioteca Internacional de Partituras Musicales (IMSLP)
- Leo Ornstein en Music of the United States of America (MUSA)
- Sitio web del artista Leo Ornstein , que incluye una lista de obras (muchas con partituras y MP3 a pedido), preparada por su hijo Severo
- Los documentos de Leo Ornstein en la biblioteca musical Irving S. Gilmore de la Universidad de Yale: un registro de documentos archivados que abarcan su carrera.
- "Re: 100 In The Shade", una versión más detallada del obituario de Ornstein de Martin Anderson
- Leo Ornstein y el futurismo en LTM
- Entrevista con Leo Ornstein , 18 de julio de 1987
Escuchando
- Programa del centenario de Leo Ornstein, 1 de diciembre de 1992, el compositor, con motivo de su centenario, visita a Charles Amirkhanian
- Leo Ornstein: The Last of the Original 20th Century Mavericks Ornstein y su esposa entrevistados por Vivian Perlis
- Ornstein Piano Music Interpretación de Marc-André Hamelin de Suicide in an Airplane from the Hyperion Leo Ornstein: Piano Music
- Sarah Cahill reproduce el video de Ornstein de la interpretación de 2002 de A Morning in the Woods (28 de septiembre de 1971) para piano solo