Las prácticas de estudio de los Beatles evolucionaron durante la década de 1960 y, en algunos casos, influyeron en la forma en que se grababa la música popular. Algunos de los efectos que emplearon fueron muestreo , seguimiento doble artificial (ADT) y el uso elaborado de máquinas de grabación multipista . También utilizaron instrumentos clásicos en sus grabaciones y comentarios de guitarra . La actitud del grupo hacia el proceso de grabación fue resumida por Paul McCartney : " Diríamos : 'Pruébalo. Pruébalo por nosotros. Si suena horrible, está bien, lo perderemos. Pero puede que suene bien'. Siempre estábamos avanzando: más fuerte, más lejos, más largo, más, diferente ". [1]
Estudios
EMI (Abbey Road)
En la primera parte de la década de 1960, EMI 's estudios de Abbey Road fue equipado con hechos EMI- grabadores de cinta británicos (BTR) [2] que se desarrollaron en 1948, como copias de los registradores de tiempo de guerra alemanes. El BTR era una máquina de doble vía basada en válvulas . Al grabar en la máquina de doble pista, había muy pocas posibilidades de sobregrabar; la grabación fue esencialmente la de una actuación de música en vivo.
Los dos primeros álbumes de los Beatles, Please Please Me y With The Beatles , se grabaron en las máquinas de dos pistas BTR; [3] con la introducción de las máquinas de cuatro pistas en 1963 (la primera grabación de los Beatles de 4 pistas fue " I Want to Hold Your Hand " [4] ) se produjo un cambio en la forma en que se hacían las grabaciones: las pistas se podían construir capa por capa, fomentando la experimentación en el proceso de grabación multipista . [5]
En 1968, las grabadoras de ocho pistas estuvieron disponibles, pero Abbey Road tardó un poco en adoptar la nueva tecnología y se grabaron varias pistas de los Beatles (incluida " Hey Jude ") en otros estudios de Londres para tener acceso a las nuevas grabadoras de ocho pistas. . [6]
El último álbum de los Beatles, Abbey Road , fue el único que se grabó con una mesa de mezclas transistorizada , la EMI TG12345 , en lugar de las anteriores consolas de válvulas REDD. Let It Be se grabó en gran parte en los propios estudios de Apple de los Beatles, utilizando consolas de válvulas REDD prestadas de EMI después de que el diseñador Magic Alex (Alex Mardas) no lograra encontrar un escritorio adecuado para el estudio. El ingeniero Geoff Emerick ha dicho que la consola transistorizada jugó un papel importante en la configuración del sonido general de Abbey Road , sin el borde agresivo de las consolas de válvulas. [7]
Personal
Los Beatles
El éxito de los Beatles significó que EMI les dio carta blanca de acceso a los estudios de Abbey Road; no se les cobró por tiempo en el estudio [8] y podían pasar todo el tiempo que quisieran trabajando en música. A partir de 1965 con las sesiones de Rubber Soul , los Beatles utilizaron cada vez más el estudio como un instrumento en sí mismo, pasando largas horas experimentando y escribiendo. [5] Los Beatles exigieron mucho del estudio; Lennon supuestamente quería saber por qué el bajo de cierto disco de Wilson Pickett excedía con creces el bajo de cualquier disco de los Beatles. Esto llevó al ingeniero de EMI Geoff Emerick a probar nuevas técnicas para " Paperback Writer ". Explica que la canción "fue la primera vez que se escuchó el sonido de bajo con toda su emoción ... Para conseguir el sonido de bajo fuerte, Paul tocó un bajo diferente, un Rickenbacker. Luego lo potenciamos aún más usando un altavoz como micrófono. . Lo colocamos directamente en frente del altavoz de graves y el diafragma móvil del segundo altavoz produjo la corriente eléctrica ". [9]
Combinado con esto estaba el deseo consciente de ser diferente. McCartney dijo: "Cada vez que queremos hacer algo diferente. Después de Please Please Me decidimos que debíamos hacer algo diferente para la siguiente canción ... ¿Por qué deberíamos querer volver? Eso sería suave". [10] El deseo de "hacer algo diferente" impulsó la tecnología de grabación de EMI a sobrecargar la mesa de mezclas ya en 1964 en pistas como " Eight Days a Week ", incluso en esta fecha relativamente temprana, la pista comienza con un fundido gradual. , un dispositivo que rara vez se había empleado en la música rock. [11] Paul McCartney crearía líneas de bajo más sofisticadas sobregrabando en contrapunto a las pistas de los Beatles que se completaron previamente. [12] También se utilizaron voces sobregrabadas para nuevos propósitos artísticos en " Julia " con John Lennon superponiendo el final de una frase vocal con el comienzo de la siguiente. [13] En "I Want to Hold Your Hand" (1963), los Beatles innovaron utilizando guitarras con sonido de órgano, lo que se logró mediante una compresión extrema en la guitarra rítmica de Lennon. [14] [ cita (s) adicional (es) necesaria (s) ] [ aclaración necesaria ]
Los ingenieros y otro personal de Abbey Road han informado que los Beatles intentarían aprovechar los sucesos accidentales en el proceso de grabación; Los comentarios de " I Feel Fine " y " It's All Too Much " y la botella de vidrio resonante de " Long, Long, Long " (hacia el final de la pista) son ejemplos de esto. [15] En otros casos, el grupo jugó deliberadamente con situaciones y técnicas que fomentarían efectos aleatorios, como la mezcla en vivo (y por lo tanto impredecible) de una transmisión de radio del Reino Unido con el desvanecimiento de " I Am the Walrus " o el ensamblaje caótico de "El mañana nunca sabe ".
La canción de los Beatles " You Like Me Too Much " tiene uno de los primeros ejemplos de esta técnica: [se necesita aclaración ] los Beatles grabaron el piano eléctrico a través de un altavoz Leslie giratorio de Hammond B-3 , un 122 o 122RV, un truco que harían volver a una y otra vez. (Al final de la introducción, el apagado de Leslie es audible.) [ Cita requerida ] También en "Tomorrow Never Knows" la voz se envió a través de un altavoz Leslie. Aunque no es el primer uso vocal grabado de un altavoz Leslie, la técnica sería utilizada más tarde por Grateful Dead , Cream , The Moody Blues y otros. [dieciséis]
Todos los Beatles tenían grabadoras Brenell en casa, [17] lo que les permitía grabar fuera del estudio. Algunos de sus experimentos caseros se utilizaron en Abbey Road y terminaron en masters terminados, en particular en "Tomorrow Never Knows". [18]
Ingenieros y productores
Músicos de sesión
Aunque las cuerdas se usaban comúnmente en las grabaciones pop, la sugerencia de George Martin de que se usara un cuarteto de cuerdas para la grabación de " Yesterday " marcó un cambio importante para los Beatles. McCartney recordó haberlo tocado con los otros Beatles y Starr dijo que no tenía sentido tener batería en la pista y Lennon y Harrison dijeron que no tenía sentido tener guitarras adicionales. George Martin sugirió una guitarra acústica solista y un cuarteto de cuerdas. [19]
A medida que se desarrolló el trabajo musical de los Beatles, particularmente en el estudio, se agregaron cada vez más instrumentos clásicos a las pistas. Lennon recordó la educación bidireccional; los Beatles y Martin aprendiendo el uno del otro - George Martin preguntando si habían escuchado un oboe y los Beatles diciendo: "No, ¿cuál es ese?" [20]
Geoff Emerick documentó el cambio de actitud hacia el pop, a diferencia de la música clásica durante la carrera de los Beatles. En EMI a principios de la década de 1960, los ingenieros de equilibrio eran "clásicos" o "pop". [21] De manera similar, Paul McCartney recordó un gran interruptor "Pop / Classical" en la consola de mezclas. [22] Emerick también notó una tensión entre la gente clásica y pop, incluso comiendo por separado en la cantina. La tensión también se incrementó ya que fue el dinero de las ventas de pop lo que pagó las sesiones clásicas. [23]
Emerick fue el ingeniero de "A Day in the Life", que utilizó una orquesta de 40 piezas y recordó la "consternación" entre los músicos clásicos cuando se les dijo que improvisaran entre las notas más bajas y más altas de sus instrumentos (con narices de goma). [24] Sin embargo, Emerick también vio un cambio de actitud al final de la grabación cuando todos los presentes (incluida la orquesta) rompieron en aplausos espontáneos. Emerick recordó la velada como el "paso de la antorcha" entre las viejas actitudes hacia la música pop y la nueva. [25]
Técnicas
Comentarios de guitarra
La retroalimentación de audio fue utilizada por compositores como Robert Ashley a principios de los 60. [26] The Wolfman de Ashley , que utiliza la retroalimentación ampliamente, se compuso a principios de 1964, aunque no se escuchó públicamente hasta el otoño de ese año. [27] En el mismo año que los experimentos de retroalimentación de Ashley, la canción de The Beatles "I Feel Fine", grabada el 18 de octubre, comienza con una nota de retroalimentación producida al tocar la nota A en el bajo de McCartney , que fue captada en el semi de Lennon. -guitarra acústica . Se distinguió de sus predecesores por un sonido de guitarra más complejo, particularmente en su introducción, una nota eléctrica sostenida punteada que después de unos segundos aumentó de volumen y zumbó como una maquinilla de afeitar eléctrica. Este fue el primer uso de retroalimentación en un disco de rock. [28] Hablando en una de sus últimas entrevistas, con Andy Peebles de la BBC, Lennon dijo que este era el primer uso intencional de retroalimentación en un disco de música. En la serie The Beatles Anthology , George Harrison dijo que la retroalimentación comenzó accidentalmente cuando se colocó una guitarra en un amplificador, pero que Lennon había descubierto cómo lograr el efecto en vivo en el escenario. En The Complete Beatles Recording Sessions , Mark Lewisohn afirma que todas las tomas de la canción incluían los comentarios. [18]
Los Beatles continuaron usando comentarios sobre canciones posteriores. "It's All Too Much", por ejemplo, comienza con una respuesta sostenida de la guitarra. [ cita requerida ]
Microfonía cercana de instrumentos acústicos
Durante la grabación de " Eleanor Rigby " el 28 de abril de 1966, McCartney dijo que quería evitar las cuerdas de " Mancini ". Para cumplir con este informe, Geoff Emerick acercó las cuerdas al micrófono: los micrófonos casi tocaban las cuerdas. George Martin tuvo que indicar a los jugadores que no se alejaran de los micrófonos. [29]
Los micrófonos comenzaron a colocarse más cerca de los instrumentos para producir un sonido más completo. Los tambores de Ringo tenían un suéter grande metido en el bombo para 'amortiguar' el sonido mientras que el micrófono del bombo estaba colocado muy cerca, lo que resultó en que el tambor fuera más prominente en la mezcla. "Eleanor Rigby" presenta solo a McCartney y un cuarteto de cuerda doble que tiene los instrumentos tan cerca de la cuerda que "los músicos estaban horrorizados". En " Got to Get You into My Life ", se introdujeron los metales en las campanas de sus instrumentos y luego se pasaron por un limitador Fairchild. [30] [ página necesaria ]
Según Emerick, en 1966, esto se consideró una forma radicalmente nueva de grabar cuerdas; hoy en día es una práctica común. [29]
Entrada directa
La entrada directa fue utilizada por primera vez por los Beatles el 1 de febrero de 1967 para grabar el bajo de McCartney en " Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band ". Con entrada directa, la pastilla de la guitarra se conecta a la consola de grabación a través de una caja DI de adaptación de impedancia. Ken Townsend afirmó que este fue el primer uso en cualquier parte del mundo, [31] aunque se sabe que Joe Meek , un productor independiente de Londres, lo hizo antes (principios de la década de 1960) [32] [ página necesaria ] y en Estados Unidos, los ingenieros de Motown había estado usando Direct Input desde principios de la década de 1960 para guitarras y bajos, principalmente debido a las restricciones de espacio en su pequeño estudio de grabación 'Snakepit'. [ cita requerida ]
Manipulación de cinta
Doble seguimiento artificial
Ken Townsend inventó el doble seguimiento artificial (ADT) en 1966, durante la grabación de Revolver . [33] Con el advenimiento de las grabaciones de cuatro pistas, se hizo posible la doble pista de voces en las que el intérprete canta junto con su propia voz previamente grabada. Phil McDonald, un miembro del personal del estudio, recordó que a Lennon realmente no le gustaba cantar una canción dos veces - obviamente era importante cantar exactamente las mismas palabras con la misma fraseología - y después de una noche particularmente difícil de voces de doble seguimiento, Townsend " Tuve una idea "mientras conducía a casa una noche al escuchar el sonido del automóvil en frente. [33] ADT funciona tomando la grabación original de una parte vocal y duplicándola en una segunda máquina de cinta que tiene un control de velocidad variable. La manipulación de la velocidad de la segunda máquina durante la reproducción introduce un retardo entre la voz original y la segunda grabación de la misma, dando el efecto de doble seguimiento sin tener que cantar la parte dos veces.
El efecto se había creado "accidentalmente" antes, al grabar "Yesterday": se utilizaron altavoces para indicar el cuarteto de cuerdas y parte de la voz de McCartney se grabó en la pista de cuerdas, que se puede escuchar en la grabación final.
Se ha afirmado que la explicación pseudocientífica de George Martin de ADT ("Tomamos la imagen original y la dividimos a través de un reborde de salpicadura bifurcado doble") [33] dada a Lennon originó la frase flanging en la grabación, como Lennon se referiría a ADT como "el flanger de Ken", aunque otras fuentes [34] afirman que el término se originó al presionar con un dedo el carrete de suministro de cinta de la grabadora (el reborde) para hacer pequeños ajustes en la fase de la copia en relación con el original.
ADT influyó mucho en la grabación: prácticamente todas las pistas de Revolver y Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band recibió el tratamiento y todavía se usa ampliamente para instrumentos y voces. Hoy en día, el efecto se conoce más a menudo como seguimiento doble automático.
ADT se puede escuchar en la guitarra principal en " Here, There and Everywhere " y en la voz en "Eleanor Rigby", por ejemplo. La técnica fue utilizada posteriormente por bandas como Grateful Dead y Iron Butterfly , entre otras. [dieciséis]
Muestreo
Los Beatles usaron por primera vez muestras de otra música en " Yellow Submarine ", las muestras se agregaron el 1 de junio de 1966. El solo de la banda de música fue construido a partir de una marcha de Sousa por George Martin y Geoff Emerick, el solo original estaba en la misma tonalidad y era transferido a la cinta, cortado en pequeños segmentos y reorganizado para formar un breve solo que se agregó a la canción. [35] Se utilizó una técnica similar para " Ser en beneficio del Sr. Kite " el 20 de febrero de 1967. Para tratar de crear la atmósfera de un circo , Martin propuso por primera vez el uso de un calíope (un órgano impulsado por vapor). Tal era el poder de los Beatles dentro de EMI que se hicieron llamadas telefónicas para ver si se podía contratar un calliope y llevarlo al estudio. Sin embargo, solo estaban disponibles los calliopes automáticos, controlados por tarjetas perforadas, por lo que se tuvieron que usar otras técnicas. A Martin se le ocurrió tomar muestras grabadas de varias piezas de órganos de vapor, cortarlas en trozos cortos, "arrojarlas al aire" y unirlas. Fueron necesarias dos pruebas; en el primer intento, las piezas volvieron casualmente en un orden más o menos original.
En "I Am the Walrus" se utilizaron muestras más obvias y, por lo tanto, más influyentes: el 29 de septiembre de 1967 se mezcló una transmisión en vivo del Tercer Programa de la BBC de King Lear . McCartney también ha descrito [36] una oportunidad perdida de muestreo en vivo : el estudio EMI se configuró de tal manera que la pista de eco de la cámara de eco se pudiera captar en cualquiera de las salas de control. Paul Jones estaba grabando en un estudio mientras se mezclaba "I Am the Walrus" y los Beatles se sintieron tentados a "mellar" (robar) algunos de los cantos de Jones para ponerlos en la mezcla.
Sincronización de máquinas de cinta
Una forma de aumentar el número de pistas disponibles para la grabación es sincronizar las máquinas de cinta juntas. Desde principios de la década de 1970, el código de tiempo SMPTE se ha utilizado para sincronizar máquinas de cinta. Las grabadoras modernas controladas por código de tiempo SMPTE proporcionan un mecanismo para que la segunda máquina coloque automáticamente la cinta correctamente y comience y se detenga simultáneamente con la máquina maestra. [ cita requerida ] Sin embargo, en 1967, el código de tiempo SMPTE no estaba disponible y se tuvieron que utilizar otras técnicas.
El 10 de febrero de 1967, durante la grabación de " A Day in the Life ", Ken Townsend sincronizó dos máquinas para que hubiera pistas adicionales disponibles para grabar la orquesta. En una entrevista con ABC de Australia, Geoff Emerick describió la técnica; La velocidad de las máquinas de cinta EMI se podía controlar mediante un controlador de velocidad externo que ajustaba la frecuencia del suministro de red al motor. Al usar el mismo controlador para controlar dos máquinas, se sincronizaron. [37] Townsend usó efectivamente pilottone , una técnica que era común en la recopilación de noticias de 16 mm mediante la cual se enviaba un tono de 50/60 Hz desde la cámara de cine a una grabadora durante la filmación para lograr una grabación de sonido con sincronización de labios. Con el tono simple utilizado para "Un día en la vida", la posición de inicio se marcó con un lápiz de cera en las dos máquinas y el operador de la cinta tuvo que alinear las cintas a ojo e intentar presionar reproducir y grabar simultáneamente para cada toma. [38]
Aunque la técnica tuvo un éxito razonable, Townsend recordó que cuando intentaban utilizar la cinta en una máquina diferente, a veces se perdía la sincronización. George Martin afirmó [ cita requerida ] esto como la primera vez que las máquinas de cinta se sincronizaron, aunque la sincronización SMPTE para la sincronización de video / audio se desarrolló alrededor de 1967. [39]
Cintas al revés
Como fueron los pioneros de los Beatles [¿ según quién? ] el uso de musique concrète en la música pop (es decir, los bucles de cinta acelerados en "Tomorrow Never Knows"), las grabaciones hacia atrás se convirtieron en un exponente natural de esta experimentación. "Rain", la primera canción de rock con una voz al revés [ cita requerida ] (Lennon cantando el primer verso de la canción), surgió cuando Lennon (alegando la influencia de la marihuana) cargó accidentalmente una cinta de carrete a carrete de la canción en su máquina al revés y esencialmente le gustó tanto lo que escuchó que rápidamente hizo la sobregrabación invertida. Un seguimiento rápido fue la guitarra invertida en "I'm Only Sleeping", que presenta un solo de guitarra dual de George Harrison tocado al revés. Harrison elaboró una parte de guitarra hacia adelante, aprendió a tocar la parte al revés y la grabó al revés. Asimismo, una pista de acompañamiento de tambores y platillos invertidos se abrió paso en los versos de "Strawberry Fields Forever". El conocido uso de cintas invertidas por parte de los Beatles llevó a rumores de mensajes al revés, incluidos muchos que alimentaron el mito urbano Paul is Dead . Sin embargo, solo "Rain" y " Free as a Bird " incluyen voces intencionadamente invertidas en las canciones de los Beatles.
La versión estéreo de " Blue Jay Way " de George Harrison (1967, Magical Mystery Tour ) también incluye voces al revés, que en realidad es una copia al revés de toda la mezcla, incluidos todos los instrumentos, que se desvanece al final de cada frase. [ cita requerida ]
Referencias
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