Historia de la música clásica occidental | ||||||||||||||||||
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Musica antigua | ||||||||||||||||||
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Periodo de práctica común | ||||||||||||||||||
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Finales de los siglos XIX, XX y XXI | ||||||||||||||||||
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Tradicionalmente, se entiende que la música renacentista abarca el período comprendido entre 1420 y 1600, posterior a la época del Renacimiento como se entiende en otras disciplinas. En lugar de partir del 14c ars nova y la notación mensural defendida por Philippe de Vitry (un contemporáneo y amigo de Petrarca ), la música del Trecento fue tratada por la musicología como una coda de la música medieval y la nueva era data del surgimiento de armonía triádica y la propagación de la ' contenance angloise ' de Gran Bretaña a la Escuela de Borgoña. Un punto de inflexión conveniente para su final es la adopción del bajo continuo al comienzo del período barroco .
El período puede subdividirse aproximadamente, con un período temprano correspondiente a la carrera de Guillaume Du Fay (c. 1397-1474) y el cultivo del estilo cantilena, un medio dominado por la escuela franco-flamenca y las texturas de cuatro partes favorecidas por Johannes Ockeghem (1410's o 20's 1497) y Josquin des Prez (finales de 1450's - 1521), y culminando durante la Contrarreforma en el contrapunto florido de Palestrina (c. 1525-1594) y la Escuela Romana .
La música se liberó cada vez más de las limitaciones medievales y se permitió una mayor variedad en el rango, el ritmo, la armonía, la forma y la notación. Por otro lado, las reglas de contrapunto se volvieron más restringidas, particularmente en lo que respecta al tratamiento de las disonancias . En el Renacimiento, la música se convirtió en un vehículo de expresión personal. Los compositores encontraron formas de hacer que la música vocal expresara más los textos que estaban configurando. La música secular absorbió técnicas de la música sacra y viceversa. Formas seculares populares como la chanson y el madrigalextendido por toda Europa. Los tribunales emplearon a intérpretes virtuosos, tanto cantantes como instrumentistas. La música también se volvió más autosuficiente con su disponibilidad en forma impresa, existiendo por sí misma.
Las versiones precursoras de muchos instrumentos modernos familiares (incluidos los instrumentos de violín , guitarra , laúd y teclado ) se desarrollaron en nuevas formas durante el Renacimiento. Estos instrumentos se modificaron para responder a la evolución de las ideas musicales y presentaron nuevas posibilidades para que los compositores y músicos exploren. También aparecieron las primeras formas de instrumentos modernos de viento de madera y metal, como el fagot y el trombón , que ampliaron la gama de colores sónicos y aumentaron el sonido de los conjuntos instrumentales. Durante el siglo XV, el sonido de tríadas completas se hizo común, y hacia finales del siglo XVI el sistema de modos de iglesia.comenzó a descomponerse por completo, dando paso a la tonalidad funcional (el sistema en el que las canciones y piezas se basan en "claves" musicales), que dominaría la música artística occidental durante los siguientes tres siglos.
Desde la era del Renacimiento, la música secular y sacra notada sobrevive en cantidad, incluidas obras vocales e instrumentales y obras vocales / instrumentales mixtas. Una amplia gama de estilos y géneros musicales floreció durante el Renacimiento, incluyendo misas, motetes, madrigales, chansons, canciones acompañadas, bailes instrumentales y muchos otros. A partir de finales del siglo XX, se formaron numerosos conjuntos de música antigua. Los conjuntos especializados en música de la era del Renacimiento ofrecen giras de conciertos y realizan grabaciones, utilizando reproducciones modernas de instrumentos históricos y utilizando estilos de canto e interpretación que los musicólogos creen que se utilizaron durante la época.
Una de las características más pronunciadas de la música artística europea del Renacimiento temprano fue la creciente dependencia del intervalo de la tercera y su inversión, la sexta (en la Edad Media , las terceras y las sextas se consideraban disonancias, y solo los intervalos perfectos se trataban como consonancias). : la cuarta justa la quinta perfecta , la octava , y el unísono ). Polifonía - el uso de múltiples líneas melódicas independientes, interpretadas simultáneamente - se volvió cada vez más elaborado a lo largo del siglo XIV, con voces muy independientes (tanto en la música vocal como en la instrumental). El comienzo del siglo XV mostró una simplificación, con los compositores a menudo luchando por la suavidad en las partes melódicas. Esto fue posible debido a un rango vocal mucho mayor en la música: en la Edad Media, el rango estrecho hizo necesario el cruce frecuente de partes, lo que requirió un mayor contraste entre ellas para distinguir las diferentes partes. El modal (en oposición al tonal , también conocido como "clave musical", un enfoque desarrollado en la música barroca posteriorera, c. 1600-1750) las características de la música renacentista comenzaron a desmoronarse hacia el final del período con el mayor uso de movimientos de raíz de quintas o cuartas partes (ver el " círculo de quintas " para más detalles). Un ejemplo de una progresión de acordes en la que las raíces del acorde se mueven en el intervalo de una cuarta sería la progresión de acordes, en la tonalidad de Do mayor: "Re menor / Sol mayor / Do mayor" (todas son tríadas; tres notas acordes). El movimiento del acorde D menor al acorde G mayor es un intervalo de una cuarta perfecta. El movimiento del acorde de sol mayor al acorde de do mayor también es un intervalo de una cuarta perfecta. Esto más tarde se convirtió en una de las características definitorias de la tonalidad durante la época barroca. [ cita requerida ]
Las principales características de la música renacentista son: [1]
El desarrollo de la polifonía produjo los notables cambios en los instrumentos musicales que marcan musicalmente el Renacimiento desde la Edad Media. Su uso alentó el uso de conjuntos más grandes y exigió conjuntos de instrumentos que se fusionaran en todo el rango vocal. [2]
Como en las otras artes, la música de la época estuvo significativamente influenciada por los desarrollos que definieron el período de la Edad Moderna : el surgimiento del pensamiento humanista ; la recuperación del patrimonio literario y artístico de la Antigua Grecia y la Antigua Roma ; mayor innovación y descubrimiento; el crecimiento de empresas comerciales; el surgimiento de una clase burguesa ; y la reforma protestante . De esta sociedad cambiante surgió un lenguaje musical común y unificador, en particular, el estilo polifónico de la escuela franco-flamenca .
La invención de la imprenta en 1439 hizo que fuera más barato y más fácil distribuir la música y los textos de teoría musical a una escala geográfica más amplia y a más personas. Antes de la invención de la imprenta, los textos escritos sobre música y teoría musical tenían que copiarse a mano, un proceso costoso y que requería mucho tiempo. La demanda de música como entretenimiento y como actividad de ocio para los aficionados educados aumentó con el surgimiento de una clase burguesa. La difusión de chansons , motetes y misas por toda Europa coincidió con la unificación de la práctica polifónica en el estilo fluido que culminó en la segunda mitad del siglo XVI en la obra de compositores como Giovanni Pierluigi da Palestrina ,Orlande de Lassus , Thomas Tallis , William Byrd y Tomás Luis de Victoria . La relativa estabilidad política y prosperidad en los Países Bajos , junto con un floreciente sistema de educación musical en las numerosas iglesias y catedrales de la zona, permitió la formación de un gran número de cantantes, instrumentistas y compositores. Estos músicos fueron muy buscados en toda Europa, particularmente en Italia, donde las iglesias y las cortes aristocráticas los contrataron como compositores, intérpretes y maestros. Dado que la imprenta facilitó la difusión de la música impresa, a finales del siglo XVI, Italia había absorbido las influencias musicales del norte con Venecia , Roma.y otras ciudades convirtiéndose en centros de actividad musical. Esto revirtió la situación de cien años antes. La ópera , género dramático en el que los cantantes van acompañados de instrumentos, surgió en esta época en Florencia. La ópera se desarrolló como un intento deliberado de resucitar la música de la antigua Grecia. [3]
Las principales formas musicales litúrgicas (basadas en la iglesia) que se mantuvieron en uso durante todo el período del Renacimiento fueron misas y motetes , con algunos otros desarrollos hacia el final de la era, especialmente cuando los compositores de música sacra comenzaron a adoptar formas musicales seculares (no religiosas). (como el madrigal ) para uso religioso. Las misas de los siglos XV y XVI tenían dos tipos de fuentes que se utilizaban, monofónicas (una sola línea melódica) y polifónicas (líneas melódicas múltiples e independientes), con dos formas principales de elaboración, basadas en el cantus firmus.práctica o, comenzando alrededor de 1500, el nuevo estilo de "imitación omnipresente", en el que los compositores escribirían música en la que las diferentes voces o partes imitarían los motivos melódicos y / o rítmicos interpretados por otras voces o partes. Se utilizaron cuatro tipos principales de masas:
Las misas normalmente se titulaban según la fuente de la que tomaban prestado. Cantus firmus mass usa la misma melodía monofónica, generalmente extraída del canto y generalmente en el tenor y con mayor frecuencia en valores de nota más largos que las otras voces. [4] Otros géneros sagrados fueron la madrigale spirituale y la laude .
Durante el período, la música secular (no religiosa) tuvo una distribución cada vez mayor, con una amplia variedad de formas, pero uno debe ser cauteloso al asumir una explosión en la variedad: dado que la impresión hizo que la música estuviera más disponible, mucho más ha sobrevivido de esta era. que de la época medieval anterior, y probablemente se haya perdido un rico acervo de música popular de finales de la Edad Media. La música secular era música independiente de las iglesias. Los principales tipos fueron el Lied alemán , la frottola italiana , la chanson francesa , el madrigal italiano y el villancico español . [1] Otros géneros vocales seculares incluyen la caccia , rondeau, virelai , bergerette , balada , musique mesurée , canzonetta , villanella , villotta y la canción del laúd . También aparecieron formas mixtas como el motete-chanson y el motete secular.
La música puramente instrumental incluía música de consorte para flautas dulces o violas y otros instrumentos, y bailes para varios conjuntos. Los géneros instrumentales comunes fueron la toccata , preludio , ricercar y canzona . Las danzas interpretadas por conjuntos instrumentales (o algunas veces cantadas) incluían la danza baja (It. Bassadanza ), tourdion , saltarello , pavane , galliard , allemande , courante , bransle , canarie , piva.y lavolta . Se puede arreglar música de muchos géneros para un solo instrumento como el laúd, vihuela, arpa o teclado. Tales arreglos fueron llamados intabulaciones (It. Intavolatura , Ger. Intabulierung ).
Hacia el final del período, se escuchan los primeros precursores dramáticos de la ópera como la monodia , la comedia del madrigal y el intermedio .
Según Margaret Bent : "La notación renacentista es poco prescriptiva según nuestros estándares [modernos]; cuando se traduce a la forma moderna adquiere un peso prescriptivo que sobreespecifica y distorsiona su apertura original". [5] Las composiciones renacentistas se anotaron solo en partes individuales; las puntuaciones eran extremadamente raras y no se utilizaron barras de compás . Los valores de las notas eran generalmente mayores que los que se utilizan hoy en día; la unidad principal de tiempo era la semibreve o nota completa . Como había sido el caso desde el Ars Nova (ver Música medieval ), podría haber dos o tres de estos para cadabreve (una nota doble entera), que puede considerarse equivalente a la "medida" moderna, aunque en sí misma era un valor de nota y una medida no lo es. La situación se puede considerar de esta manera: es la misma que la regla según la cual en la música moderna una negra puede ser igual a dos corcheas o tres, que se escribirían como un "triplete". Según el mismo cálculo, podría haber dos o tres de la siguiente nota más pequeña, la "mínima" (equivalente a la "media nota" moderna) para cada semibreve.
Estas diferentes permutaciones se denominaron "tempus perfecto / imperfecto" al nivel de la relación breve-semibreve, "prolación perfecta / imperfecta" al nivel del semibreve-mínimo, y existían en todas las combinaciones posibles entre sí. Tres a uno se llamaba "perfecto" y dos a uno "imperfecto". También existían reglas por las cuales las notas individuales podían dividirse a la mitad o duplicarse en valor ("imperfectas" o "alteradas", respectivamente) cuando iban precedidas o seguidas de otras notas determinadas. Observa con cabezas de nota negra (como las negras ) ocurrieron con menos frecuencia. Este desarrollo de la notación mensural blanca puede ser el resultado del mayor uso de papel (en lugar de vitela), ya que el papel más débil era menos capaz de soportar el rayado necesario para rellenar cabezas de notas sólidas; la notación de épocas anteriores, escrita en vitela, había sido negra. También se utilizaron de forma rutinaria otros colores y, posteriormente, notas rellenas, principalmente para reforzar las imperfecciones o alteraciones antes mencionadas y para solicitar otros cambios rítmicos temporales.
Los accidentales (por ejemplo, sostenidos agregados, bemoles y naturales que cambian las notas) no siempre se especificaron, algo así como en ciertas notaciones de digitación para instrumentos de la familia de guitarras ( tablaturas ) hoy en día. Sin embargo, los músicos del Renacimiento habrían sido altamente entrenados en el contrapunto diádico y, por lo tanto, poseían esta y otra información necesaria para leer una partitura correctamente, incluso si las alteraciones no estuvieran escritas. Como tal, "lo que la notación moderna requiere [alteraciones] habría sido perfectamente aparente sin notación para un cantante versado en contrapunto ". (Ver musica ficta.) Un cantante interpretaría su parte imaginando fórmulas cadenciales con otras partes en mente, y al cantar juntos, los músicos evitarían octavas paralelas y quintas paralelas o alterarían sus partes cadenciales a la luz de las decisiones de otros músicos. [5] Es a través de tablaturas contemporáneas para varios instrumentos punteados que hemos obtenido mucha información sobre qué alteraciones fueron realizadas por los practicantes originales.
Para obtener información sobre teóricos específicos, véase Johannes Tinctoris , Franchinus Gaffurius , Heinrich Glarean , Pietro Aron , Nicola Vicentino , Tomás de Santa María , Gioseffo Zarlino , Vicente Lusitano , Vincenzo Galilei , Giovanni Artusi , Johannes Nucius y Pietro Cerone .
Los compositores clave de la era del Renacimiento temprano también escribieron en un estilo medieval tardío y, como tales, son figuras de transición. Leonel Power (c. 1370 o 1380-1445) fue un compositor inglés de la época musical de finales de la Edad Media y principios del Renacimiento. Junto con John Dunstaple , fue una de las principales figuras de la música inglesa a principios del siglo XV. [6] [7] ) Power es el compositor mejor representado en Old Hall Manuscript , una de las únicas fuentes intactas de música inglesa de principios del siglo XV. Power fue uno de los primeros compositores en establecer movimientos separados de lo ordinario de la masa.que estaban unificados temáticamente y destinados a una actuación contigua. El manuscrito Old Hall contiene su misa basada en la antífona mariana , Alma Redemptoris Mater , en la que la antífona se enuncia literalmente en voz de tenor en cada movimiento, sin adornos melódicos. Este es el único ajuste cíclico de la masa ordinaria que se le puede atribuir. [8] Escribió ciclos de masas, fragmentos y movimientos individuales y una variedad de otras obras sagradas.
John Dunstaple (o Dunstable) (c. 1390-1453) fue un compositor inglés de música polifónica de finales de la era medieval y principios del Renacimiento. Fue uno de los compositores más famosos en activo a principios del siglo XV, casi contemporáneo de Power, y fue muy influyente, no solo en Inglaterra sino en el continente, especialmente en el estilo en desarrollo de la escuela borgoñona . La influencia de Dunstaple en el vocabulario musical del continente fue enorme, particularmente considerando la relativa escasez de sus obras (atribuibles). Fue reconocido por poseer algo nunca antes escuchado en la música de la escuela borgoñona : la contenance angloise("el rostro inglés"), término utilizado por el poeta Martin le Franc en su Le Champion des Dames. Le Franc agregó que el estilo influyó en Dufay y Binchois . Escribiendo unas décadas más tarde, alrededor de 1476, el compositor y teórico de la música flamenco Tinctoris reafirmó la poderosa influencia que tenía Dunstaple, haciendo hincapié en el "nuevo arte" que Dunstaple había inspirado. Tinctoris aclamó a Dunstaple como el fons et origo del estilo, su "fuente y origen". [ Esta cita necesita una cita ]
La contienda angloise, aunque no fue definida por Martin le Franc, fue probablemente una referencia al rasgo estilístico de Dunstaple de usar armonía triádica completa (acordes de tres notas), junto con un gusto por el intervalo de la tercera . Suponiendo que hubiera estado en el continente con el duque de Bedford, Dunstaple habría conocido el fauxbourdon francés.; tomando prestadas algunas de las sonoridades, creó elegantes armonías en su propia música utilizando terceras y sextas (un ejemplo de un tercer intervalo son las notas C y E; un ejemplo de un sexto intervalo son las notas C y A). Tomados en conjunto, estos se consideran características definitorias de la música del Renacimiento temprano. Es posible que muchos de estos rasgos se hayan originado en Inglaterra y se hayan arraigado en la Escuela de Borgoña a mediados de siglo.
Debido a que se han encontrado numerosas copias de las obras de Dunstaple en manuscritos italianos y alemanes, su fama en toda Europa debe haber sido generalizada. De las obras que se le atribuyen sólo sobreviven unas cincuenta, entre las que se encuentran dos misas completas, tres secciones de masa conectadas, catorce secciones de masa individuales, doce motetes isorrítmicos completos y siete engastes de antífonas marianas , como Alma redemptoris Mater y Salve Regina, Mater misericordiae. . Dunstaple fue uno de los primeros en componer misas usando una sola melodía como cantus firmus . Un buen ejemplo de esta técnica es su Missa Rex seculorum. Se cree que escribió música secular (no religiosa), pero ninguna canción en lengua vernácula se le puede atribuir con ningún grado de certeza.
Oswald von Wolkenstein (c. 1376-1445) es uno de los compositores más importantes del Renacimiento alemán temprano. Es mejor conocido por sus melodías bien escritas y por el uso de tres temas: viajes, Dios y sexo . [9]
Gilles Binchois (c. 1400-1460) fue un compositor holandés , uno de los primeros miembros de la escuela borgoñona y uno de los tres compositores más famosos de principios del siglo XV. Si bien a menudo los eruditos contemporáneos se ubicaron detrás de sus contemporáneos Guillaume Dufay y John Dunstaple, sus obras aún fueron citadas, tomadas prestadas y utilizadas como material de referencia después de su muerte. Binchois es considerado [¿ por quién? ] ser un buen melodista, escribiendo líneas cuidadosamente definidas que sean fáciles de cantar y memorables. Sus melodías aparecieron en copias décadas después de su muerte y a menudo se utilizaron como fuentes para misas.composición de compositores posteriores. La mayor parte de su música, incluso su música sacra, es simple y de contorno claro, a veces incluso ascético (parecido a un monje). Un mayor contraste entre Binchois y la extrema complejidad del ars subtilior del siglo anterior (XIV) sería difícil de imaginar. La mayoría de sus canciones seculares son rondeaux , que se convirtió en la forma de canción más común durante el siglo. Rara vez escribió en forma estrófica , y sus melodías generalmente son independientes del esquema de rima de los versos en los que están configuradas. Binchois escribió música para la corte, canciones profanas de amor y caballerosidad que cumplieron con las expectativas y satisficieron el gusto de los duques de Borgoña.que lo empleó, y evidentemente amaba su música en consecuencia. Aproximadamente la mitad de su música secular existente se encuentra en la Biblioteca Bodleian de Oxford.
Guillaume Du Fay (c. 1397-1474) fue un compositor franco-flamenco de principios del Renacimiento. Figura central de la escuela borgoñona , sus contemporáneos lo consideraban el principal compositor de Europa a mediados del siglo XV. [10] Du Fay compuso en la mayoría de las formas comunes del día, incluidas misas , motetes , Magnificats , himnos , cantos sencillos en fauxbourdon y antífonas dentro del área de la música sacra, y rondeaux , baladas , virelais.y algunos otros tipos de chanson dentro del ámbito de la música secular. Ninguna de su música que sobrevive es específicamente instrumental, aunque ciertamente se usaron instrumentos para parte de su música secular, especialmente para las partes bajas; toda su música sacra es vocal. Es posible que se hayan utilizado instrumentos para reforzar las voces en la interpretación real de casi cualquiera de sus obras. [ citación necesitada ] Siete misas completas, 28 movimientos de masas individuales, 15 configuraciones de cánticos utilizados en misas propias, tres Magnificats, dos configuraciones de Benedicamus Domino, 15 configuraciones de antífonas (seis de ellas antífonas marianas ), 27 himnos, 22 motetes (13 de estos isorrítmicoen el estilo más anguloso y austero del siglo XIV, que dio paso a una escritura parcial más melódica y sensual, dominada por los agudos, con frases que terminan en la cadencia "inferior a un tercio" en la juventud de Du Fay) y 87 canciones definitivamente de él han sobrevivido. [ cita requerida ]
Muchas de las composiciones de Du Fay eran simples configuraciones de canto, obviamente diseñadas para uso litúrgico, probablemente como sustitutos del canto sin adornos, y pueden verse como armonizaciones de cantos. A menudo, la armonización utilizó una técnica de escritura paralela conocida como fauxbourdon , como en el siguiente ejemplo, un escenario de la antífona mariana Ave maris stella . Du Fay pudo haber sido el primer compositor en usar el término "fauxbourdon" para este estilo compositivo más simple, prominente en la música litúrgica del siglo XV en general y en la escuela de Borgoña en particular. La mayoría de las canciones seculares (no religiosas) de Du Fay siguen las formas fijas ( rondeau, balada y virelai), que dominó la música europea secular de los siglos XIV y XV. También escribió un puñado de baladas italianas , casi con certeza mientras estaba en Italia. Como es el caso de sus motetes, muchas de las canciones fueron escritas para ocasiones específicas y muchas son datables, proporcionando así información biográfica útil. La mayoría de sus canciones son para tres voces, utilizando una textura dominada por la voz más alta; las otras dos voces, sin texto, probablemente fueron tocadas por instrumentos. [ cita requerida ]
Du Fay fue uno de los últimos compositores en hacer uso de técnicas estructurales polifónicas de finales de la Edad Media, como el isorritmo , [11] y uno de los primeros en emplear las armonías, frases y melodías más melifluas características del Renacimiento temprano. [12] Sus composiciones dentro de los géneros más amplios (misas, motetes y chansons) son en su mayoría similares entre sí; su fama se debe en gran parte a lo que se percibía como su perfecto control de las formas en las que trabajaba, así como a su don para la melodía memorable y cantable. Durante el siglo XV, fue considerado universalmente como el más grande compositor de su tiempo, una opinión que ha sobrevivido en gran medida hasta nuestros días. [ cita requerida ]
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Durante el siglo XVI, Josquin des Prez ( c. 1450/1455 - 27 de agosto de 1521) adquirió gradualmente la reputación de ser el más grande compositor de la época, y su dominio de la técnica y la expresión fue imitado y admirado universalmente. Escritores tan diversos como Baldassare Castiglione y Martin Luther escribieron sobre su reputación y fama.
En Venecia , desde alrededor de 1530 hasta alrededor de 1600, se desarrolló un impresionante estilo policoral, que le dio a Europa una de las músicas más grandiosas y sonoras compuestas hasta ese momento, con múltiples coros de cantantes, metales y cuerdas en diferentes ubicaciones espaciales en la Basílica San Marco di Venezia (ver Escuela veneciana ). Estas múltiples revoluciones se extendieron por Europa en las próximas décadas, comenzando en Alemania y luego moviéndose a España, Francia e Inglaterra algo más tarde, demarcando el comienzo de lo que ahora conocemos como la era musical barroca .
La Escuela Romana fue un grupo de compositores de música predominantemente eclesiástica en Roma, que abarcó el Renacimiento tardío y el Barroco temprano. Muchos de los compositores tenían una conexión directa con el Vaticano y la capilla papal, aunque trabajaron en varias iglesias; estilísticamente, a menudo se contrastan con la escuela veneciana de compositores, un movimiento concurrente que fue mucho más progresivo. Con mucho, el compositor más famoso de la escuela romana es Giovanni Pierluigi da Palestrina. Aunque es más conocido como un prolífico compositor de misas y motetes, también fue un importante madrigalista. Su habilidad para unir las necesidades funcionales de la Iglesia Católica con los estilos musicales predominantes durante el período de la Contrarreforma le dio su fama perdurable. [13]
El breve pero intenso florecimiento del madrigal musical en Inglaterra, mayoritariamente entre 1588 y 1627, junto con los compositores que lo produjeron, se conoce como Escuela Madrigal Inglesa . Los madrigales ingleses eran a cappella, predominantemente de estilo ligero, y generalmente comenzaron como copias o traducciones directas de modelos italianos. La mayoría eran de tres a seis voces.
Musica reservata es un estilo o una práctica de interpretación en la música vocal a capella de la segunda mitad del siglo XVI, principalmente en Italia y el sur de Alemania, que implica refinamiento, exclusividad e intensa expresión emocional del texto cantado. [ cita requerida ]
El cultivo de la música europea en América comenzó en el siglo XVI poco después de la llegada de los españoles y la conquista de México . Aunque se diseñaron en estilo europeo, las obras híbridas exclusivamente mexicanas basadas en el idioma nativo mexicano y la práctica musical europea aparecieron muy temprano. Las prácticas musicales en la Nueva España coincidieron continuamente con las tendencias europeas a lo largo de los períodos posteriores de la música barroca y clásica. Entre estos compositores del Nuevo Mundo se encontraban Hernando Franco , Antonio de Salazar y Manuel de Zumaya . [ cita requerida ]
Además, los escritores desde 1932 han observado lo que ellos llaman una seconda prattica (una práctica innovadora que involucra el estilo monódico y la libertad en el tratamiento de la disonancia, ambos justificados por la configuración expresiva de los textos) durante finales del siglo XVI y principios del XVII. [14]
A finales del siglo XVI, cuando se cerró la era del Renacimiento, se desarrolló un estilo extremadamente manierista . En la música profana, especialmente en el madrigal , había una tendencia hacia la complejidad e incluso el cromatismo extremo (como se ejemplifica en los madrigales de Luzzaschi , Marenzio y Gesualdo ). El término manierismo deriva de la historia del arte.
A partir de Florencia , se intentó revivir las formas dramáticas y musicales de la Antigua Grecia, a través de la monodia , una forma de música declamada sobre un simple acompañamiento; sería difícil encontrar un contraste más extremo con el estilo polifónico anterior; esto también fue, al menos al principio, una tendencia secular. Estos músicos eran conocidos como Camerata florentina .
Ya hemos señalado algunos de los desarrollos musicales que ayudaron a marcar el comienzo del Barroco , pero para una explicación más detallada de esta transición, ver antífona , concertato , monodia , madrigal y ópera , así como las obras que figuran en "Fuentes y lecturas complementarias". "
Muchos instrumentos se originaron durante el Renacimiento; otros eran variaciones o mejoras de instrumentos que habían existido anteriormente. Algunos han sobrevivido hasta nuestros días; otros han desaparecido, solo para ser recreados para interpretar música de la época con instrumentos auténticos. Al igual que en la actualidad, los instrumentos pueden clasificarse en metales, cuerdas, percusión y viento de madera.
Los instrumentos medievales en Europa se habían utilizado más comúnmente de forma individual, a menudo acompañados de un dron, o ocasionalmente en partes. Desde al menos el siglo XIII hasta el siglo XV hubo una división de instrumentos en haut ( instrumentos ruidosos, estridentes, para exteriores) y bas (instrumentos más silenciosos e íntimos). [15] Sólo dos grupos de instrumentos podían tocar libremente en ambos tipos de conjuntos: la corneta y el saco, y el tabor y la pandereta. [4]
A principios del siglo XVI, los instrumentos se consideraban menos importantes que las voces. Fueron utilizados para bailes y para acompañar música vocal. [1] La música instrumental permaneció subordinada a la música vocal, y gran parte de su repertorio se derivaba de diversas formas o dependía de los modelos vocales. [3]
En el Renacimiento se usaban comúnmente varios tipos de órganos, desde grandes órganos de iglesia hasta pequeños portativos y órganos de lengüeta llamados regals .
Los instrumentos de viento del Renacimiento eran tradicionalmente tocados por profesionales. Algunos de los instrumentos de metal más comunes que se tocaron:
Como familia, las cuerdas se utilizaron en muchas circunstancias, tanto sagradas como seculares. Algunos miembros de esta familia incluyen:
Algunos instrumentos de percusión del Renacimiento incluyen el triángulo , el arpa judía, la pandereta, las campanas, el cymbala , la olla retumbante y varios tipos de tambores.
Los instrumentos de viento de madera (aerófonos) producen sonido por medio de una columna de aire vibrante dentro de la tubería. Los orificios a lo largo de la tubería permiten al jugador controlar la longitud de la columna de aire y, por lo tanto, el tono. Hay varias formas de hacer vibrar la columna de aire, y estas formas definen las subcategorías de instrumentos de viento de madera. Un jugador puede soplar a través de la boca, como en una flauta; en una boquilla con una sola lengüeta, como en un clarinete o saxofón moderno; o una caña doble, como en un oboe o fagot. Estos tres métodos de producción de tonos se pueden encontrar en los instrumentos del Renacimiento.
Leonel Power (c. 1375-1445) fue uno de los dos principales compositores de música inglesa entre 1410 y 1445. El otro fue John Dunstaple.