Samia A. Halaby (nacida en 1936, Jerusalén) es una artista, activista y académica que vive y trabaja en Nueva York. Halaby es reconocido como pionero de la pintura abstracta. Desde que comenzó su carrera artística a finales de la década de 1950, ha expuesto en museos, galerías y ferias de arte en Europa, Asia, América del Norte y del Sur. Su trabajo se encuentra en colecciones públicas y privadas de todo el mundo, incluido el Museo Solomon R. Guggenheim (Nueva York), el Institut du Monde Arabe (París) y el Museo Palestino (Birzeit).
Samia A. Halaby | |
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Nació | 1936 |
Nacionalidad | palestino |
Conocido por | Pintura, Historia del arte, Pintor abstracto, Artista digital |
Trabajo notable | "Formas en crecimiento: Perspectivas estéticas de un pintor abstracto" (Palestine Books, Inc. en colaboración con Ayyam Gallery); "Arte de liberación de Palestina: pintura y escultura palestina en la segunda mitad del siglo XX" (Publicaciones HTTB) |
Recibió su formación académica en los EE. UU., Halaby y ha estado activa en la academia estadounidense, enseñando arte a nivel universitario durante más de veinte años, una década de los cuales la pasó como profesora asociada en la Escuela de Arte de Yale (1972-1982). fue la primera mujer en ocupar el cargo de profesora asociada en la Escuela de Arte de Yale. También enseñó en la Universidad de Hawaii, la Universidad de Indiana, la Cooper Union, la Universidad de Michigan y el Kansas City Art Institute.
Con sede en Nueva York desde la década de 1970, Halaby ha estado activa durante mucho tiempo en la escena artística de la ciudad, principalmente a través de espacios de arte independientes y sin fines de lucro e iniciativas dirigidas por artistas, además, participó en la organización política de izquierda por diversas causas. Ha sido durante mucho tiempo una activista de los movimientos de liberación palestina y de la clase trabajadora.
Vida temprana
Halaby nació en Jerusalén en 1936 durante el mandato británico de Palestina . Es hija de Asaad Halaby y Foutonie Atallah Halaby. Samia tiene dos hermanos mayores, el Dr. Sami y el Dr. Fouad Halaby, y una hermana menor, la Dra. Nahida Halaby. Su padre quedó huérfano y, a una edad temprana, tuvo la responsabilidad financiera de mantener a sus hermanos impuesta sobre él. Comenzó el primer servicio de taxi en Jerusalén a principios de la década de 1900, y finalmente se convirtió en director de Lind & Halaby Ltd., un vendedor de Goodyear Tire and Rubber Company. Su madre fue educada en la escuela Friends School en Ramallah. Se la conoció como "la enciclopedia de la familia".
Halaby conserva vívidos recuerdos visuales de su vida en Palestina, especialmente de los árboles y las hojas del jardín de su abuela Maryam Atallah en Jerusalén. Cuando era niña, Samia experimentaba colores y formas sinestésicos que se correlacionarían con varios miembros de la familia. Su hermana era una forma redondeada y de color amarillo / blanco iridiscente. Samia era un ferrocarril lateral de color rojo metálico oscuro. En 1948, Halaby y su familia fueron expulsados violentamente de su hogar en la ciudad portuaria de Yafa (Jaffa) en 1948 con la creación del estado israelí. Tenía once años. Su familia huyó al Líbano, donde residieron en Beirut hasta 1951, cuando finalmente se establecieron en Cincinnati, Ohio.
Estilo de pintura
Halaby trabaja principalmente en abstracción, pero también ha utilizado un estilo documental de dibujo figurativo en obras de orientación más política, a saber, su serie Kafr Qasm. Ha diseñado decenas de carteles y pancartas políticos para diversas causas contra la guerra y aparece en la publicación "El diseño del disenso". [1] El desarrollo de su trabajo durante los últimos cincuenta años ha estado estrechamente relacionado con la localización de los muchos principios de la abstracción en la naturaleza utilizando un enfoque materialista. [2] Varias de sus pinturas se han creado basándose en los métodos y formas de ciertas aplicaciones históricas de la abstracción, a saber, la de los constructivistas rusos y ejemplos de las artes árabes tradicionales y la arquitectura islámica. [3] La cultura visual de Palestina y su entorno natural también han figurado en sus pinturas, al igual que el dinamismo de la ciudad de Nueva York tal como se experimenta en las vistas de la gente en movimiento y sus concurridas calles [4]
Su enfoque de la abstracción ha variado desde trabajos que exploran las propiedades visuales de la naturaleza muerta geométrica hasta pinturas de forma libre en forma de piezas de lienzo en collage que se unen para crear abstracciones más grandes que están libres de estiramientos. [5] A partir de 2020, su obra contenía más de 3000 obras, incluidas pinturas, medios digitales, esculturas colgantes tridimensionales, libros de artista, dibujos y grabados de artista de edición limitada.
Después de retirarse de la docencia, Halaby comenzó a experimentar con formas de arte electrónico, enseñándose a sí misma a programar lenguajes de programación Basic y C en una computadora Amiga y más tarde en una PC. [6] Al crear programas que permitieran a los espectadores presenciar el proceso de pintura computarizada en vivo, contó con la ayuda de músicos para realizar representaciones artísticas cinéticas inspiradas en las sesiones de improvisación. Su "Grupo de pintura cinética" realizó una extensa gira a fines de la década de 1990.
Color abstracto (1963-1965)
Durante sus últimos días de estudiante y durante un período posterior, el enfoque de Halaby hacia la pintura se caracterizó por el color plano donde las relaciones de luminosidad y contraste simultáneo se inspiraron en los minimalistas y en el trabajo de Josef Albers y su libro "Interacción del color". En términos de forma, el trabajo dependía esencialmente de las superficies rectangulares de la vida humana, ya fueran paredes, ventanas, papel de escribir, pisos, tarjetas o tejidos delicadamente colgados. La variedad de escala y ubicación fue claramente una abstracción de las formas de examinar el mundo que vemos. Durante ese breve lapso, Halaby dejó Bloomington para enseñar en Honolulu en la Universidad de Hawaii, luego se mudó a Kansas City para ocupar su segundo puesto de maestra en el Kansas City Art Institute.
Naturaleza muerta geométrica (1966-1970)
Después de 1965, se apoderó de ella una actitud científica de exactamente cómo observamos e interpretamos lo que vemos. Ella escribe: "Comencé a sentir que debía hacer un nuevo comienzo limpio y borrar a mis maestros y mi pasado de mis pensamientos". En este punto, Halaby se basó en lo que vio en los museos y en su conocimiento de la historia del arte para desarrollar su nueva forma de pensar. Examinaba a Rembrandt, su uso de la luz y el color en los retratos y estaba particularmente impresionada con la colección del Viejo Maestro en el Museo de Kansas City. Después de una exploración prolongada y frustrante, una pequeña naranja en el alféizar de una ventana capturó la atención de Halaby y comenzó la nueva serie. Esta inspiración se puede atribuir a la pintura "La Virgen y el Niño en el interior doméstico" (ca. 1469-67) del maestro flamenco Petrus Christus en la colección de la Galería de Arte Nelson-Atkins en Kansas City. Halaby enseñaba en el Kansas City Art Institute y dirigía un programa audazmente experimental para estudiantes de primer año.
Mientras describe su interés en la escritura posterior, Halaby cuenta que volvió a visitar el museo para examinar cómo los artistas trataron históricamente los bordes. Gracias a su completa educación en la Universidad de Cincinnati, Halaby comprendió los fallos de la perspectiva. Quería saber exactamente qué es lo que vemos cuando nuestro ojo viaja sobre la superficie de un objeto esférico o cilíndrico, alcanza el borde y luego salta a un fondo lejano. Al no encontrar respuestas, Halaby se dio cuenta de que nuestra forma de ver es educada. A lo largo de milenios, los artistas han aportado la multitud de pequeños descubrimientos que crearon el monumento de la cultura visual que nos enseña a ver. Esto se convirtió entonces, para Halaby, en el desafío importante, ya que insistió en que la pintura es exploración, no actuación.
Hélice y cicloides (1971-1975)
Como la serie Geometric Still Life había satisfecho su curiosidad, Halaby se encontró en un punto crítico en su camino artístico. Ella sintió que podía explorar una de dos direcciones, ya sea enfocarse en el individuo y en el yo o en la vida exterior. Probó la primera dirección haciendo un retrato de un amigo, pero rápidamente decidió abrazar la última. Ella interpretó la idea de la vida fuera del yo como una pintura que expande su contenido fuera del marco.
Como punto de referencia, el artista había comprado varios libros usados sobre geometría, algunos dedicados a la instalación de tuberías. Un libro que mostró cómo cortar formas planas que hacen complejas conexiones de tubería tridimensionales la llevó a la fascinación por trazar curvas helicoidales y luego cicloides. Halaby trazaría estas curvas en grandes hojas de papel cuadriculado y luego seleccionaría secciones para pintar.
Mientras estaba en medio de la serie helicoidal, Halaby fue contratado en la Universidad de Yale en la pista de tenencia. Se mudó a New Haven, Connecticut, y alquiló un estudio en el centro de la ciudad donde completó su serie “Helical and Cycloid”.
Vuelo en diagonal (1974-1979)
Mientras enseñaba en la Escuela de Arte de Yale, Halaby trabajó en la nueva serie Diagonal Flight . El título se le había ocurrido mientras veía a los niños jugar con los brazos extendidos mientras corrían, haciendo ruidos de motores, haciéndose pasar por aviones. Se había estado preguntando en qué dirección deberían inclinarse los horizontes diagonales de sus nuevos cuadros. Los niños, en su mayoría diestros, tomaron su vuelo simulado hacia la derecha. Decidió de inmediato seguir sus hábitos naturales.
Aunque todavía consciente del compromiso de perseguir la idea de conjugación que emana de las naturalezas muertas geométricas, Halaby estaba probando la irracionalidad de la perspectiva y el sombreado al crear un espacio sombreado con precisión que no podemos leer de acuerdo con nuestras habilidades educadas. ¿Cómo verían los espectadores un cilindro cuidadosamente sombreado si se extendiera fuera del perímetro de la pintura en ambos extremos? La información sobre la profundidad del cilindro sería proporcionada de manera tan concreta por los extremos circulares y no sería visible. El resultado fue que la escala se volvió relativa y el espacio de las pinturas podía leerse fácilmente como horizontes de colores variados, como los que se pueden ver por la ventanilla de un avión. La geometría y la convergencia de medidas continuaron dominando sus pensamientos.
Cúpula de la roca (1980-1982)
En 1979, Halaby sintió que había llegado al final de la serie Diagonal Flight . En lugar de experimentar con nuevas direcciones, dejó de pintar por completo durante un corto período y luego pintó profusamente, la mayoría de las cuales finalmente destruyó. Fue un momento crucial importante en el que pasó a la segunda fase amplia de su vida artística, la de la abstracción. En esencia, explica Halaby, fue esencialmente una continuación del ver pero con la adición de la cuarta dimensión del tiempo.
Finalmente, la serie La Cúpula de la Roca se inspiró en una visita a Jerusalén en 1966. Las líneas diagonales de cuarenta y cinco grados emanan de las esquinas, mientras que las puntas de diamantes comienzan y terminan en lugares medidos en el perímetro. Aquí, agregó cilindros y texturas inspiradas en el arte árabe con incrustaciones.
Hojas de otoño y bloques de la ciudad (1982-1983)
Otra serie corta basada en investigaciones que el artista hizo muchos años antes es Autumn Leaves and City Blocks. Su enfoque en las células entre las venas en las hojas de otoño y su similitud con los bloques de la ciudad que sabía en Nueva York conectados formaron la base de esta serie. En ese momento, Halaby vivía en Nueva York y se trasladaba a New Haven mientras enseñaba en la Escuela de Arte de Yale.
Halaby notó que la construcción humana estaba dominada por el ángulo recto, pero que en el crecimiento de carreteras y bloques de ciudades, esos rectángulos en ángulo recto a menudo se veían perturbados y, por lo tanto, truncados por las necesidades impuestas por las formaciones naturales de la tierra. Se parecían a las células entre las venas de una hoja de arce. Las formas en que los puentes cruzaban los ríos, en ángulos rectos y luego se doblaban según la formación de la tierra también formaron parte de la inspiración. Halaby determinó que sus pinturas, para ser tan hermosas como la naturaleza, tenían que crecer de acuerdo con principios extraídos de la naturaleza. Por tanto, lo único de esta serie es que se basa en el proceso de crecimiento que ella observó en la naturaleza.
Formas y centros de energía en crecimiento (1984-1992)
Las ideas sobre la imitación de los principios del crecimiento dominaron su creatividad durante la década de 1980. Comenzó a permitir que las líneas y las formas se cambiaran activamente entre sí. Una forma que está cruzada por una línea podría dividirse en dos. Una línea que recibió una forma puede reflejarse en el contorno de la forma. El color y la composición, así como el perímetro de las pinturas, participaron en este proceso de crecimiento. Halaby estaba comenzando a encontrar su camino a través de una nueva forma de ver y una nueva forma de hacer pinturas abstractas, una que imita los principios de la naturaleza, no su apariencia. Su trabajo se hizo más evidente en gestos que se movían libremente y su ejecución más generalmente más intuitiva, mientras que sus ideas se mantuvieron fuertemente estructuradas.
Pintura cinética (1983-1995)
Habiendo estado fascinada por la computación desde sus días como estudiante de posgrado en la Universidad de Indiana, Halaby comenzó a enfocarse en la relación del arte con la tecnología de su tiempo. Adquirió una pequeña computadora personal, una Amiga, y descubrió que programar pintar en movimiento con sonido era un proyecto enormemente hermoso y absorbente. "Podría poner en mis pinturas una impresión más completa de lo que veo y escucho de mis experiencias de vida".
Halaby aprendió a programar y creó sus pinturas cinéticas programando, no usando software de animación. Sus pinturas digitales fueron creadas con la misma intención estética que las de óleo y acrílico. En lugar de agregar pintura al lienzo y luego regresar para examinar su trabajo, agregaría comandos de programa, compilaría el programa y luego lo ejecutaría para juzgar su valor.
Abstracción pictórica (1991 - 2000)
A principios de 1990, Halaby examinó detenidamente todo lo que había hecho y llegó a la conclusión de que había llegado el momento de crear un espacio en la pintura basándose únicamente en las marcas de pincel como componentes básicos de la pintura. A principios de la década de 1980, había eliminado el sombreado y la perspectiva y ahora eliminó la forma. Permitir solo la distribución de marcas de pincel en diferentes tamaños y colores para crear el espacio sin hacer referencia a las imágenes fue difícil y generativo.
Empezaron a surgir nuevas referencias a cómo vemos. Halaby a menudo hablaba de cómo nuestros ojos cambian de enfoque de un lugar a otro mientras caminamos y examinamos nuestro entorno. Así, cómo miramos y no qué miramos se convirtió en el tema de la pintura. Cuando los espectadores ven la distribución de las marcas de pincel en una pintura, reconocen sus propios hábitos de mirar el mundo y de maneras que no son del todo claras, surge una experiencia de espacio relativo en una pintura abstracta.
Libre de la camilla (2000-2008)
A lo largo de una carrera larga y fértil, Samia Halaby siempre ha mantenido el plano de la imagen y su perímetro enfocados como protagonista principal de la composición. Ahora comienza a contemplar su eliminación. El resultado fue una serie de trabajos libres de la camilla. Las piezas de lienzo previamente pintadas se cortaron y reformaron mediante costuras. La pintura se aplicó antes y después del corte y en ambos lados de los fragmentos de lienzo. Las piezas separadas a menudo se trataban como pinturas por derecho propio. Mientras agregaba las piezas, a menudo se sentía inspirada por la belleza de cómo se construyen las hojas para formar árboles magníficos.
Jardines colgantes
Hanging Gardens surgió de la pintura de Halaby 'libre de la camilla', donde Halaby cortaba partes del lienzo pintado y las combinaba. Aquí, la necesidad de unir las partes llevó a coserlas. Los métodos para unir partes consecutivas dieron lugar a sensaciones de hojas y ramas de árboles que crecieron. “Estaba tan profundamente inmerso en esta sensación de exploración estética como si estuviera haciendo árboles que no me había dado cuenta de que el principio más importante del cultivo de árboles se contradice con mi costura suave colgante. Así se sugirió la idea de los jardines colgantes ".
Búsqueda intuitiva (2008 en adelante)
A partir de su relación con Ayyam, Halaby comenzó a confiar en sus intuiciones tratando de explotar la totalidad de su experiencia sin exigir que el crecimiento fuera un proceso conocido o una exploración planificada. Los ecos de todo lo que había aprendido en un largo viaje aparecieron en lienzos más grandes que los que había hecho antes. Este período más reciente incluye al menos diez obras de tamaño mural. Es una rica efusión en forma puramente abstracta que aprovecha la belleza de la naturaleza y de la construcción de la humanidad.
Trabajo digital
Después de retirarse de la docencia, Halaby comenzó a experimentar con formas de arte electrónico durante la década de 1980, y se enseñó a sí misma a programar lenguajes de programación Basic y C en una computadora Amiga 2000 . Los resultados fueron programas cortos que se ejecutaban por sí solos con imágenes abstractas en movimiento y con sonido que ella llamó pinturas cinéticas.
Unos años más tarde, a principios de la década de 1990, Halaby comenzó a programar en una PC convirtiendo el teclado en un piano de pintura abstracta. Este programa también se llamó Pintura cinética y no se publicó, pero siguió siendo la herramienta privada del artista. Lo usó para tocar en vivo con músicos. El músico de percusión múltiple, Kevin Nathaniel Hylton, se convirtió en su principal colaborador al comenzar el proceso de actuación pública utilizando su programa. Con el músico Hasan Bakr formaron el Kinetic Painting Group y actuaron en numerosos lugares fuera de Broadway, a menudo acompañados por otros músicos.
Las actuaciones notables del Grupo de Pintura Cinética incluyen:
- Tercer y Cuarto Simposios Internacionales de Arte Electrónico (1993, 1994) Minneapolis, MN
- Museo de Arte de Brooklyn (1994)
- Colegio de Arte de Filadelfia (1997)
- Galerie Le Pont (1997), Alepo, Siria
- Galería Atassi (1997), Damasco, Siria
- Centro de Arte Sakakini (1997) Centro de Arte Sakakini, Ramallah, Cisjordania
- Universidad de BeirZeit (1997), BeirZeit, Cisjordania
- Darat al Funun (1997), Ammán, Jordania
- Universidad Libanesa Americana (1998), Beirut, Líbano
- Lincoln Center (1998)
- Centro Histórico y de Arte de Williamsburg (1998) Brooklyn, Nueva York
Fotograma de Constructivist, 1987
Fotograma de lrw0 , 1987
Fotograma de Ramificación, 1994
Fotograma de Rhythms , 1994
Referencias en cultura visual
Debido a su reconocimiento tanto en la escena del arte árabe contemporáneo como en la comunidad activista con sede en Estados Unidos, Halaby ha sido objeto de varias obras de arte de otros artistas. La película de 2008 "Samia" del cineasta y artista conceptual sirio Ammar Al Beik se creó en torno a una entrevista grabada del artista. Al Beik incluye imágenes de Halaby de un viaje a Cisjordania en las que narra su estancia allí y luego documenta un viaje. al apartamento de su abuela en Jerusalén. Esto está entretejido con las propias secuencias de Al Beik que exploran la condición palestina moderna. [7] En 2011, el artista conceptual palestino Khalil Rabah incluyó un retrato de Halaby para su proyecto a gran escala de "ready mades" que se erigió como una visión general "subjetiva" de la historia del arte palestino contemporáneo. El retrato de Rabah se basa en una fotografía del archivo de la artista que fue tomada en una de sus primeras exposiciones en la década de 1960. [8]
Beca de arte palestino
Como académica independiente, ha contribuido a la documentación del arte palestino del siglo XX a través de textos como su libro de 2001, "Arte de liberación de Palestina: Pintura y escultura palestina en la segunda mitad del siglo XX" (Publicaciones HTTB), [ cita requerida ] un capítulo titulado "" Las artes pictóricas de Jerusalén durante la primera mitad del siglo XX ", que aparece en el libro de 2012, Jerusalén interrumpida: modernidad y transformación colonial 1917-presente (ed. Lena Jayyusi, Olive Branch Press) [9] y varias exposiciones curadas de arte palestino en los EE.UU .. También ha dado numerosas conferencias sobre el tema en galerías y universidades de los EE.UU. y en lugares del mundo árabe.
A principios de la década de 2000, jugó un papel decisivo en la exposición histórica "Made in Palestine", que fue organizada por el Station Museum of Contemporary Art en Houston y comisariada por James Harithas, Tex Kerschen y Gabriel Delgado. Halaby ayudó activamente a los curadores en la investigación de artistas palestinos, tanto en los Estados Unidos como en el mundo árabe, presentándoles artistas como el fallecido Mustapha Hallaj en Siria y Abdul Hay al Mussalam en Jordania, por ejemplo. [10] La primera exposición de un museo de arte palestino que se llevará a cabo en los EE. UU., "Made in Palestine" (2003), realizó una gira por los EE. UU. [11]
El Chicago Tribune describió la exposición de 2004 "The Subject of Palestine", que Halaby comisarió para el DePaul Art Museum, presentando "el trabajo de 16 artistas palestinos contemporáneos que incluso los menos informados de los espectadores probablemente saldrán con el sentido que han visto y captado algo importante ". La revisión continuó felicitando al Museo de Arte DePaul por su "presentación incisiva. [12]
Colecciones públicas (lista parcial)
- El museo británico
- El Museo Guggenheim (Nueva York y Abu Dhabi)
- El Instituto de Arte de Chicago
- Instituto de Arte de Detroit
- El Museo de Arte de Cleveland
- Museo de arte de Cincinnati
- Museo de Arte de Indianápolis
- El Museo Nacional de la Mujer en las Artes
- Museo de Arte Mead
- Instituto del mundo árabe
- Mathaf: Museo Árabe de Arte Moderno
Exposiciones de arte palestino
- "Art of Palestine" (2005) Zeitgeist Gallery, Cambridge, MA (curador)
- "The Subject of Palestine" (2004) Depaul Art Museum, Chicago, IL (curador) (que luego viajó a la Jerusalem Fund Gallery en Washington DC en 2005)
- "Palestine: Art of Resistance" (2003) Tribes Gallery, Manhattan, NY (co-curadora con Zena El-Khalil y Janine Al-Janabi
- "Williamsburg Bridges Palestine" (2002) Williamsburg Art & Historical Center, Brooklyn, NY (co-curadora con Zena El-Khalil )
- "Arte palestino" (2001) Sede de Union DC 1707, Manhattan, NY (curador)
Actuaciones y presentaciones de pintura cinética
- Tercer y Cuarto Simposios Internacionales de Arte Electrónico (1993, 1994) Minneapolis, MN
- Museo de Arte de Brooklyn (1994)
- Colegio de Arte de Filadelfia (1997)
- Galerie Le Pont (1997), Alepo, Siria
- Galería Atassi (1997), Damasco, Siria
- Centro de Arte Sakakini (1997) Centro de Arte Sakakini, Ramallah, Cisjordania
- Universidad de Beirzeit (1997), BeirZeit, Cisjordania
- Darat al Funun (1997), Ammán, Jordania
- Universidad Libanesa Americana (1998), Beirut, Líbano
- Lincoln Center (1998)
- Centro Histórico y de Arte de Williamsburg (1998) Brooklyn, Nueva York
Referencias
- ^ eds. Milton Glaser y Mirko Ilic, "El diseño de la disensión" Rockport Publishers (2005). ISBN 978-1592531172
- ^ Annie Slemrod (4 de noviembre de 2010). "Samia Halaby y la política de la abstracción" . The Daily Star . Consultado el 19 de julio de 2012 .
- ^ Samia Halaby, "Sobre política y arte", Arab Studies Quarterly, volumen 11 números 2 y 3 primavera / verano de 1989. ISSN 0271-3519
- ^ Nada Al-Awar, "Samia Halaby: capturando las raíces de la resistencia" Canvas Magazine (2006), volumen 2, número 1
- ^ Inea Bushnaq (2008). Samia Halaby . Editorial de Bellas Artes, Beirut. ISBN 9953-0-0878-7.
- ^ Kaelen Wilson-Goldie (29 de noviembre de 2004). "Pintura Política y Palestina" . The Daily Star . Consultado el 13 de julio de 2012 .
- ^ "Samia" . Festival Internacional de Documentales de Yamagata. 2009 . Consultado el 14 de julio de 2012 .
- ^ Khalil Rabah (2012). "Catálogo de la exposición de arte" (PDF) . Sitio web del Centro de Arte de Beirut . Consultado el 14 de julio de 2012 .
- ^ Maymanah Farhat (22 de junio de 2012). "Sobre el arte de la liberación y la estética revolucionaria: una entrevista con Samia Halaby" . Jadaliyya . Consultado el 13 de julio de 2012 .
- ^ Kathy Zarur (septiembre de 2008). "Arte palestino y posibilidad, hecho en Palestina , un examen" (PDF) . Nebulosa . Consultado el 14 de julio de 2012 .
- ^ Holland Cotter (24 de marzo de 2006). "Art Review: Made in Palestine" . The New York Times . Consultado el 14 de julio de 2012 .
- ^ Alan G. Artner (14 de abril de 2005). Reseña: El tema de Palestina . Chicago Tribune .
enlaces externos
- Sitio web del artista
- Samia Halaby: perfil del artista de la exposición Made in Palestine del Station Museum
- Sitio web de la galería Ayyam, representante comercial de Samia Halaby
- Biblioteca en línea de la Universidad de Birzeit
- Samia Halaby hablando sobre el video de Internet de Autocensura realizado en conjunto con la Coalición Nacional contra la Censura y el Centro Vera List de Arte y Política en la Nueva Escuela.
- Entrevista con Samia Halaby como parte de una serie de preguntas y respuestas con artistas árabes contemporáneos en ArteNews