Yukinori Yanagi (柳 幸 典, Yanagi Yukinori , nacido en 1959) es un artista japonés contemporáneo .
Yukinori Yanagi | |
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柳 幸 典 | |
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Nació | Fukuoka , Japón | 2 de mayo de 1959
Educación | Universidad de Yale |
Trabajo notable | Granja de hormigas de la bandera mundial , Museo de arte Inujima Seirensho |
Premios | el premio Aperto en la 45a Bienal de Venecia |
Sitio web | http://www.yanagistudio.net/ |
Yukinori Yanagi es un artista japonés contemporáneo que ha abordado temas de soberanía nacional y transnacional , globalización y fronteras , así como la historia imperial y el nacionalismo de Japón . Se le considera uno de los primeros artistas japoneses de posguerra que critica abiertamente la sociedad japonesa y la política gubernamental. [1] Muchos de obras de arte de Yanagi consta de gran escala, específicos de sitio de las instalaciones que se acoplan con el movimiento y los símbolos de nacionalismo . [2]
Yanagi ha exhibido sus obras de arte ampliamente en Japón y los Estados Unidos , y se convirtió en uno de los primeros artistas extranjeros que viven en Nueva York en ser invitado a exponer en la Bienal de Whitney , junto a Cai Guo-Qiang , en 2000. [3] [4] Su Las obras de arte se encuentran en colecciones de museos como el Museo de Arte Moderno (EE. UU.), Tate Modern (Reino Unido), el Museo de Bellas Artes de Virginia (EE. UU.) y el Fabric Workshop and Museum (EE. UU.). [5] Su visión para la revitalización de la isla de Inujima se actualizó como el Museo de Arte Inujima Seirensho en 2008, una instalación de arte permanente de seis partes que se ha convertido en una ubicación integral de la Trienal de Arte Internacional de Setouchi . [6] [7] [8]
Educación y vida temprana en Japón
Vida temprana
Yanagi nació y se crió en una región rural de Fukuoka, Japón. Crecer en la prefectura más cercana a la península de Corea le permitió a Yanagi crecer con una clara conciencia de la existencia de otras naciones y culturas. [9] [10] Ha hablado de sus experiencias infantiles de recoger "objetos cotidianos" marcados con hangul coreano que habían llegado a la orilla del Mar de Japón como el comienzo de su interés a largo plazo en las fronteras transpacíficas y transnacionales. y movimiento. [11] [10]
Como muchos japoneses de su generación, la familia de Yanagi fue parte del esfuerzo bélico de la Guerra del Pacífico del Imperio de Japón . El conocimiento de esta historia familiar ha informado el trabajo del artista: su padre era piloto de combate y su abuelo paterno trabajaba en el control fronterizo en la ex colonia japonesa Manchukuo y estuvo detenido durante más de una década en Siberia y China tras la rendición de Japón . [12] En su obra de arte, Yanagi considera la continuidad y la diversidad con respecto a su propia posición y el lugar de la nación japonesa dentro de esta tumultuosa historia. [12]
Al crecer en la década de 1960 antes del desarrollo de los videojuegos generalizados , las actividades de la infancia de Yanagi consistieron en jugar con insectos en el campo, especialmente hormigas y polillas , y crear cosas con diversos materiales, como concreto y cera, de una ferretería propiedad de uno de sus parientes. [11] [12] Además, el tío de Yanagi era el artista de vanguardia Miyazaki Junnosuke, miembro de Kyushu-ha , lo que significaba que Yanagi estaba acostumbrado a ver objetos artísticos y esculturas desde una edad temprana. [12]
Educación y carrera temprana en Tokio
Yanagi obtuvo una licenciatura y una maestría en pintura de la Musashino Art University en el oeste de Tokio (1985). [13]
Estaba interesado en el trabajo de los artistas de la generación Mono-ha , especialmente de las esculturas industriales de Noriyuki Haraguchi , [13] y estaba cada vez más inquieto dentro de las convenciones del departamento de pintura de la Universidad. [11] A pesar de que le dijeron que el trabajo de graduación debe limitarse a trabajos planos y solo pintura al óleo, Yanagi creó una escultura con soportes de madera y posteriormente fue excluida de la exposición de tesis de posgrado en el Museo Metropolitano de Tokio. [1] [12] Para su primera exposición individual al año siguiente, quemó todas las obras de arte que hizo en la escuela de arte y exhibió las cenizas en grandes cajas de madera como la instalación Ground Transport Project (1985). [1] Fue en esta instalación donde Yanagi incluyó por primera vez el elemento de las hormigas vivas, una característica por la que se hizo conocido a lo largo de la década de 1990. [1]
A partir de 1986, Yanagi comenzó a exhibir obras de arte que abordaban cuestiones de "movimiento" desde la perspectiva de un extraño al sistema del mundo del arte. Esto incluyó su instalación Ground Transposition (1987) que incluyó grandes esculturas esféricas que fueron escaladas a la forma humana en relación con las proporciones del tamaño de los escarabajos peloteros y la bola de estiércol que ruedan como parte de su ecología. [2] La escala proporcional era una referencia al simbolismo egipcio antiguo del escarabajo pelotero como un "administrador del sol" encargado de empujar físicamente el peso del sol a través del cielo cada día, lo que para Yanagi era una referencia directa a la sol naciente de la bandera japonesa y el peso del nacionalismo japonés que sintió el artista. [2] A finales de la década de 1980, Yanagi expuso su trabajo en varias galerías de Tokio , Kanagawa y Fukuoka , incluida una destacada exposición individual celebrada en la Hillside Gallery de Daikanyama , en la que ejecutó una obra de teatro humeante titulada I Feel Yellow (1987). . Fue galardonado con el Premio a la Excelencia en Documento de Arte del Museo de Bellas Artes de la Prefectura de Tochigi en 1987. [14]
Mudarse a los Estados Unidos
A pesar de la prometedora trayectoria de su carrera artística en Tokio después de su graduación, Yanagi estaba cada vez más desilusionado con el mundo del arte japonés y describía su sensación de estar "atrapado en una bandera japonesa gigante, en una jaula, envuelto por la identidad nacional". [11] El artista se mudó a Estados Unidos en 1988 para obtener un MFA del Departamento de Escultura de la Escuela de Graduados de la Escuela de Arte de Yale (1990), donde estudió con Vito Acconci y Frank Gehry , entre otros. [7]
En Yale, Yanagi comenzó a expandir su compromiso con el nacionalismo y la historia japoneses después de tener la oportunidad de leer las obras de destacados intelectuales japoneses de antes de la guerra como Nishida Kitarō y Kuki Shūzō , así como textos y documentos de o sobre la Guerra del Pacífico que fueron de difícil acceso en Japón, pero disponible en EE. UU. [12] [11] Estos estudios permitieron al joven artista obtener una imagen más completa de la Segunda Guerra Mundial y cuestionar las omisiones y narrativas identitarias de las perspectivas japonesa y estadounidense de su historia nacional de guerra. [15] Comenzó a comprometerse seriamente con la idea de " vagar como una posición permanente ", creando obras de arte para disolver la fijeza de los símbolos asociados con naciones y regiones, intentando dar cuenta de los cambios que ocurren a través del tiempo y las circunstancias. [dieciséis]
Hormigas y fronteras nacionales: finales de los años 80 y 90
Obras de arte de la Universidad de Yale, 1988-1989
En el primer año de su MFA en la Universidad de Yale , Yanagi comenzó a pensar en la figura de la hormiga errante como una alegoría multifacética del movimiento transnacional. [11] [12] Comenzó a incorporar regularmente los insectos en sus obras de arte, un elemento vivo que se convirtió en emblemático del trabajo de Yanagi de la década de 1990. Pensaba en la colonia de hormigas como una sociedad comunal perfectamente organizada, ejemplar por un lado de una obediencia ciega, pero también reflejo de un ecosistema imparable de partes activas que podrían superar y desmantelar cualquier concepto de fronteras o fronteras nacionales . [15] [11]
A Yanagi se le ocurrió el Plan de seguimiento de hormigas (1988) al final de su primer semestre, en el que siguió los movimientos errantes de una sola hormiga en el piso oscuro de su espacio de estudio de 5 por 9 metros, casi vacío, usando rojo grueso. tiza. [12] Poco después, debutó American Flag Ant Farm (1989), que creó a partir de una granja de hormigas de juguete del tío Milton agregando un panel adicional con color arena para que pareciera la bandera estadounidense . [15] Las hormigas 'errantes' crearon túneles que desintegraron las barras y estrellas de la bandera, superponiendo elementos macro y micro (nación contra hormiga) para desmantelar y criticar la permanencia del símbolo de la unidad nacional estadounidense. [12]
Estos trabajos anteriores resultarían ser muy impactantes, informando gran parte de los trabajos de Yanagi durante los próximos diez años. Continuó trabajando y expandiendo su 'Serie Ant Farm' de 1990 a 2002. También resurgió la técnica de 'seguimiento de hormigas' en 1994 para su serie en curso 'Wandering Position' (1994-Presente) 'en la que realiza trazados en vivo específicos del sitio de una hormiga errante ( San Diego, California en 1994; Alcatraz, California , 1996; Anomaly Gallery, Tokio , 2021). [13] [12] También utiliza esta técnica para crear obras más convencionales para espacios de galería tradicionales en papeles de gran formato y planchas de cobre . [12]
Después de su graduación de Yale, Yanagi se mudó a Nueva York, donde comenzó a trabajar internacionalmente.
Granja de hormigas de bandera mundial (1990)
En 1991, Yanagi exhibió la bandera del mundo Ant Farm (1990) en Los Ángeles LACE ‘s ( Los Angeles Contemporary Exhibitions ) en una de las destacadas exposiciones individuales que lanzó su carrera internacional. [17] World Flag Ant Farm era una instalación a gran escala que constaba de 180 'banderas' nacionales que representaban a los miembros de las Naciones Unidas en ese momento. [11] Cada 'bandera' se hizo con una caja de plástico llena de arena coloreada en el patrón de la bandera. Están interconectados por tubos de plástico mientras cuelgan de la pared. [12] [11] Como sugiere el título, toda la obra de arte funcionaba como una multitud de colonias de hormigas interconectadas que el público podía ver a través del plástico. [2] A medida que los pequeños insectos atravesaban cada bandera y llevaban granos de arena de colores a otras áreas, los colores y signos de unidad nacional se entremezclaban y comenzaron a disolver las banderas individuales, creando una imagen borrosa de una bandera única y más ambigua. [12]
World Flag Ant Farm fue bien recibido y el enfoque de Yanagi se consideró `` icónico '', especialmente en el contexto del fin de la Guerra Fría y el aumento de la globalización y los estudios poscoloniales , incluso apareciendo en la portada de la revista internacional de arte Art in America , a pesar de que también enfrentando duras críticas de activistas por los derechos de los animales. [1] [12] [18] El constante 'deambular' de las hormigas a través de cada símbolo nacional fue un ejemplo del compromiso continuo de Yanagi con los procesos a menudo confusos de globalización, el cruce de fronteras transnacionales, el movimiento diaspórico de pueblos y el último precariedad de la nacionalidad, la raza y la identidad. [15] [11] [2] Yanagi ha dicho que se identifica personalmente con la pieza, que está relacionada con las "fronteras que he tenido que cruzar o barreras que he enfrentado al tratar de definirme como japonés". [19] [20] The World Flag Ant Farm se exhibió en la 45ª Bienal de Venecia en 1993, donde Yanagi se convirtió en el primer artista japonés en recibir el Premio Aperto como artista emergente. [21] En 1992, con la ayuda del Asian Cultural Council , Yanagi fue invitada al International Studio Program del PS1 Contemporary Art Center de Nueva York . [22]
Esta obra de arte marcó la maduración de la idea de la granja de hormigas de Yanagi y el comienzo de una larga serie de proyectos de granja de hormigas en los que las colonias de hormigas disolverían lentamente los símbolos del nacionalismo , incluidas las banderas , la moneda y el arte estadounidense. World Flag Ant Farm (1990) está en la colección de la Casa Benesse, Museo de Arte Contemporáneo de Naoshima , Naoshima . [23]
Serie de proyectos de granja de hormigas (1990-2002)
Yanagi produjo muchos más proyectos de granjas de hormigas basadas en banderas con una amplia variedad de combinaciones geopolíticas diferentes en los años posteriores a su debut en World Flag Ant Farm (1990), mientras vivía en Nueva York pero viajaba a Japón con regularidad. [23] Algunas de las instalaciones de granjas de hormigas más grandes que hizo después de World Flag Ant Farm incluyen: The World Flag Ant Farm 1991 -Asia- (1991); América (1994), que conecta todas las naciones de América del Norte y del Sur; Granja de hormigas de Asia y el Pacífico (1995); y Eurasia (2001). [12] Algunas de las piezas más políticas que produjo fueron: The 38th Parallel (1991) que conecta Corea del Norte y Corea del Sur ; Pacífico: el Proyecto Ant Farm (1996), que conecta a Japón y Estados Unidos; Union Jack Ant Farm (1994), que abarca el antiguo Imperio Británico ; DMZ (1995) que conecta Norte y Corea del Sur y una zona ambigua entre los que se alude a la zona de distensión ; y 2 China (1997), que conecta China y Taiwán . [12]
Pacific - the Ant Farm Project (1996) ganó especial interés en los círculos artísticos y académicos y ahora está en la colección del Tate Museum . [23] Para crearlo, Yanagi no solo incluyó a los países que bordean el Océano Pacífico , sino también a las naciones que alguna vez tuvieron colonias en el Pacífico, así como a grupos indígenas como los maoríes de Nueva Zelanda que aún no han recuperado la soberanía sobre sus territorios. territorios. [23] Como tal, el trabajo desafió las historias regionales "neutrales" y los símbolos de soberanía, en lugar de comprometerse con la historia de la contienda violenta en la región de Asia Pacífico . [23] [10]
Serie de dinero (1999-2002)
A finales de la década de 1990, Yanagi también comenzó a crear proyectos de granjas de hormigas que se relacionaban con una variedad de monedas nacionales , creando instalaciones centradas en motivos a gran escala de billetes estadounidenses, japoneses, europeos y de otro tipo . [24] [18] Algunos trabajos incluyen In God We Trust (1999), Dollar Pyramid (2000), Yukichi KV644955H (2002) y Euro Circuit (2002). Euro Circuit constaba de 12 unidades de colonia de hormigas , una para representar el valor más alto de moneda en efectivo para cada país que se unió originalmente a la Unión Europea . [25] A medida que las hormigas atraviesan la instalación, las monedas distintivas se disuelven gradualmente en un billete "universal", lo que demuestra las reflexiones de Yanagi sobre las posibilidades de un mundo cada vez más transnacional. [25]
Simbolismo imperial y artículo 9 - Década de 1990
Serie Hinomaru (1990-1992)
Desde principios de la década de 1990, Yanagi también produjo una serie de esculturas e instalaciones específicas para el sitio que tenían como objetivo deconstruir la ideología nacionalista del Japón moderno a través del motivo del Hinomaru , o la bandera japonesa . La primera de estas obras, Hi-no-maru 1/36 fue producida para su primera exposición individual en Nueva York en el espacio alternativo STOREFRONT for Art and Architecture en 1990. [16] Hi-no-maru 1/36 (1990) fue diseñado teniendo en cuenta el espacio de exposición triangular único de STOREFRONT. [12] [16] Colocado en una esquina radial de 10 partes, Yanagi creó un espejo infinito usando reflejos en paredes opuestas de espejos en ángulo para producir la ilusión de un círculo rojo con rayos radiantes, una referencia directa a la bandera adoptada por el ejército imperial japonés durante la Guerra del Pacífico . [12] [16] Este trabajo se exhibió junto con American Flag Ant Farm (1989), convirtiéndose en un debut en Nueva York que demostró el compromiso continuo de Yanagi con la inestabilidad de las fronteras nacionales y su propia "trampa dentro de la movilidad". [dieciséis]
Una pieza particularmente aclamada de esta serie es Banzai Corner (1991). Para este trabajo, Yanagi dispuso filas de figuras de juguete rojas de Ultraman y Ultra Seven en un arco con sus cuerpos frente a una esquina reflejada para producir la imagen de un círculo rojo. [26] Los uniformes de los juguetes crean una ilusión que alude una vez más a los rayos radiantes de la bandera militar del Imperio Japonés. [26] Cada personaje ha sido cuidadosamente arreglado para que su brazo derecho se levante en el aire para implicar un 'Banzai' victorioso en alabanza del hinomaru, pero los espectadores pueden ver que en realidad las figurillas solo celebran su propio reflejo. [26] El uso de Yanagi de Ultraman y Ultra Seven para esta obra de arte se ha atribuido a la identidad okinawense del creador del personaje, Tetsuo Kinjō, quien creció durante la ocupación estadounidense de Okinawa . [26] Para Yanagi, la idea de alienación y alteridad en Japón no solo se refiere a naciones extranjeras, sino también a "personas que viven en Japón: coreanos , chinos , nativos ainu y okinawenses ". [12]
Yanagi también produjo una obra de neón del tamaño de una valla publicitaria, Hinomaru Illumination (1992), que se exhibió en su exposición individual en Benesse House, Naoshima Contemporary Art Museum, Kagawa en 1993; Art Market Fuji Television Gallery en 2001; [27] como obra de arte de la ventana central de la exposición seminal "Arte japonés después de 1945: Grito contra el cielo" en el Museo Guggenheim SoHo en 1994; [28] así como nuevamente en su exposición individual "Akitsushima" en el Museo de Arte Contemporáneo de la ciudad de Hiroshima en 2001. [12] Esta obra de neón está relacionada visualmente con otros artistas neo-pop japoneses de principios de la década de 1990, pero también expone el "débil fundamento de la ilusión nacional" de los símbolos nacionales que se aprovechan cuando es conveniente, un símbolo que se puede "encender" y "apagar" a voluntad. [12] Por ejemplo, para Amaterasu y Haniwa (1993) la bandera de neón se exhibió en el contexto de la diosa del sol sintoísta Amaterasu , junto con estatuillas de arcilla haniwa que recuerdan el período Kofun o Yamato que se ha asociado con el origen cultural japonés. [12] Además, para Hinomaru Container (1992) Yanagi creó otro espacio de ilusión espejada dentro de un contenedor de envío con forma de túmulo antiguo ( kofun ) pero acumulándose con un símbolo de Yen de neón refractado (¥) , criticando la combinación de consumismo e identidad. . [12]
Alfombra de crisantemo (1994)
Yanagi problematizó explícitamente la Esfera de Co-Prosperidad del Gran Este Asiático y su legado en su obra The Chrysanthemum Carpet (1994), expuesta por primera vez en la exposición individual de Yanagi en la Galería Peter Blum en Nueva York en 1995. [29] [30] La obra de arte consiste de una gran alfombra roja diseñada para parecerse a un pasaporte japonés . [31] [30] Incluía un contorno de la flor de crisantemo de marca registrada que es el Sello Imperial de Japón , pero con solo uno de sus pétalos dorados adjunto y los 15 restantes esparcidos por la extensión de la alfombra. [31] [30] El texto negro tejido en la alfombra se destaca claramente sobre el fondo rojo, que dice "él me ama, él no me ama" en los idiomas de los países asiáticos que alguna vez fueron dominados por Japón bajo la proclamada Gran Co- Esfera de prosperidad . [9] En la parte inferior de la alfombra, oculto a la vista, Yanagi inscribió textos de tres secciones distintivas de la Constitución japonesa : Artículo 19 (Libertad de pensamiento), Artículo 20 (Libertad de religión) y Artículo 21 (Libertad de expresión, presione y expresión). [30] Además de confrontar directamente el debate sobre la pérdida de memoria nacional y el revisionismo histórico con respecto al período de guerra, al yuxtaponer el símbolo imperial visible con las garantías constitucionales democráticas obstruidas escondidas debajo, la instalación de Yanagi señaló las contradicciones estructurales de la modernización de Japón. [12] [30] La Constitución Meiji que marcó el surgimiento de Japón como un estado nacional moderno restauró el absolutismo del sistema del Emperador japonés y estableció una democracia , y además la constitución de la posguerra de Japón fue establecida por las fuerzas de ocupación estadounidenses. La elección del artista de obstruir la vista de los principios democráticos en la parte inferior de la alfombra alude a la sutil continuidad de la supervivencia del sistema del emperador japonés, incluso en la posguerra. [30]
En el espacio de exhibición, la alfombra roja de Yanagi condujo a una fotografía de la era de la Ocupación del general de SCAP Douglas MacArthur de pie con el emperador Hirohito , subtitulado como Crisantemo y Espada [32] con una cita del poeta y novelista Mishima Yukio superpuesta en rojo, que decía " ¿Por qué debería ¿Su Majestad Imperial se volvió humana? ” [30] Esta inclusión evoca críticas a las continuidades y discontinuidades de la soberanía japonesa 'antes' y 'después' de la Guerra del Pacífico , lo que implica la resistencia del nacionalismo japonés así como la ocupación estadounidense de Japón décadas más tarde. [31] Acerca de este trabajo, el artista declaró: "" Todas estas personas murieron por el emperador porque pensaban que era un dios, y resultó que era solo un hombre pequeño con una voz humana ". [19] La alfombra de Yanagi y la fotografía histórica se han instalado juntas para varias exposiciones juntas en la década de 1990, incluso en el Centro de Arte Contemporáneo Art Tower Mito en Ibaraki y la Galería Nacional de Australia en Canberra , que también incluyeron pinturas de guerra de la Guerra del Pacífico como parte de la instalación.
En 1997, Yanagi creó una versión más pequeña de Chrysanthemum Carpet como múltiple de edición limitada titulada Loves Me / Loves Me Not (1997) durante su residencia en el Fabric Workshop and Museum en Filadelfia, Pensilvania . [9]
Exposición "Project Article 9", 1995
En 1995, 50 años después del final de la Segunda Guerra Mundial, Yanagi se convirtió en el primer artista en abordar específicamente el artículo 9 de la Constitución japonesa , que renunciaba a la capacidad de Japón para hacer la guerra después del final de la Segunda Guerra Mundial . [26] Para marcar la importancia del año, el Museo de Queens de Nueva York acogió la exposición individual de Yanagi titulada "Artículo 9 del proyecto". [33] Para esta exposición, Yanagi produjo una serie de instalaciones textuales que se centraron explícitamente en la cláusula del Artículo 9 en la constitución japonesa de posguerra . [33] Modificó una fotografía del general de SCAP Douglas MacArthur de pie con el emperador Hirohito (la misma foto utilizada en su instalación Chrysanthemum Carpet ) y preparó dos nuevas obras de arte de instalación a gran escala, Forbidden Box (1995) y Article 9 (1995). [30] [33]
Yanagi superpuso una foto histórica del general de SCAP Douglas MacArthur y el emperador Hirohito junto con el texto completo del artículo 9 de la Constitución de Japón en tres formas diferentes: la versión preliminar escrita originalmente por MacArthur , la versión japonesa finalizada y su traducción al inglés. [30] Según la directora ejecutiva del Museo de Queens, Carma C. Fauntleroy, la concentración de Yanagi en los elementos textuales y la traducción llevó a "los espectadores a reflexionar sobre los caprichos de la comunicación a través del lenguaje y sus implicaciones en el ámbito nacional e internacional". [33]
Yanagi utilizó su residencia en el Fabric Workshop and Museum de Filadelfia, Pensilvania, para crear The Forbidden Box (1995) para la exposición. [9] La instalación se realizó a partir de dos láminas a gran escala de tela de gasa de nailon transparente, con serigrafías de la nube en forma de hongo gigante que se produjo cuando Estados Unidos lanzó la bomba atómica sobre la ciudad de Hiroshima en 1945. [9] Además de En la imagen, las hojas de tela de 17 pies de largo también representan el texto del Artículo 9, con la versión escrita originalmente por MacArthur impresa en la hoja posterior, y la traducción al inglés de la versión japonesa en el frente, pensada como una forma de espectadores para ver las diferencias en la retórica entre los Estados Unidos y Japón. [9] [26] Como una nube de humo, las hojas de tela parecen salirse de una caja de plomo que tenía inscritas en la tapa las palabras “ Niño ”, el nombre de la bomba atómica. [9] [26] Yanagi ha declarado que incluyó la caja como una forma de reunir dos cuentos populares, el cuento popular de niños japoneses de Urashima Tarō y el mito griego de la Caja de Pandora . [9] [26] Sobre esto, dijo Yanagi, "la universalidad de los cuentos para niños nos permite saber que nosotros, como especie, compartimos valores y esperanzas fundamentales en todo el mundo". [26] Las mitologías de la caja son paralelas a la alegoría de Yanagi para Japón que reconoce de inmediato la victimización de Japón después de las bombas atómicas, pero también el papel de la propia nación como agresor colonial en Asia Pacífico : la caja de Pandora reveló una esperanza para un futuro. mundo sin más víctimas de la guerra nuclear . [26]
Yanagi también produjo una instalación de luz de neón a gran escala titulada simplemente "Artículo 9" para la exposición, que consiste en un conjunto de letreros de neón encerrados en marcos de cajas de plástico que detallaban la versión japonesa del Artículo 9. [33] Sin embargo, los letreros de neón fueron desmontados, aparentemente arrojados en una pila de partes rojas brillantes e inconexas incomprensibles en su conjunto. Proyectaron luz roja alrededor del espacio de exhibición sobre otras obras de Yanagi.
Las obras de arte de Yanagi de la muestra "Project Article 9" se exhibieron en Japón en el Kirin Plaza Osaka en 1995. [33] Forbidden Box y Article 9 también se incluyeron más de 10 años después en la exposición del curador japonés Watanabe Shunya "Into the Atomic Sunshine ”entre las obras de otros artistas que se comprometieron con la historia de la guerra de Japón en Hillside Gallery en Daikanyama en 2008, Puffin Room en Nueva York en 2008 y el Museo y Museo de Arte de la Prefectura de Okinawa en 2009. [26] [34] [35]
Proyecto Inujima - 2000-Presente
Museo de Arte Inujima Seirensho
En 1992, Yanagi fue invitada a realizar una exposición individual en el flamante Museo de Arte Contemporáneo de Naoshima (ahora Benesse House en Benesse Art Site Naoshima). [7] Se enamoró de Naoshima y el mar interior de Seto, regresando muchas veces de su estudio en Japón en los años siguientes, buscando una oportunidad para comenzar un proyecto a largo plazo en el área que abordara las cicatrices dañinas que la rápida industrialización de Japón se había ido a la hermosa región durante el período Meiji . [7] Después de tres años de buscar un sitio apropiado, Yanagi se encontró con Inujima en la prefectura de Okayama en 1995, una isla despoblada con las ruinas de una refinería de cobre que data del período industrial Meiji, y la inspiración para el Proyecto Inujima de Yanagi. fue formado. [7]
En 1995, a Yanagi se le ocurrió su visión para la revitalización de toda la isla de Inujima ; Su objetivo era renovar el desaparecido cobre '"seirensho" (refinería) como una obra de arte permanente y específica del sitio utilizando energía renovable, un proyecto que se realizó con el apoyo del CEO de Benesse Corporation en ese momento, Soichiro Fukutake . [7] [6] Yanagi y Fukutake pudieron adquirir la ' Casa Shōtō ' de Mishima Yukio , la antigua residencia del novelista y poeta cuyo trabajo Yanagi se había comprometido en sus obras de arte durante la década anterior. [2] [30] Usando partes desmanteladas y reconstruidas de la residencia de Mishima, Yanagi pasó años construyendo una serie de instalaciones titulada Hero Dry Cell (2008) dentro de la refinería de cobre, creando una obra de arte permanente que también se fusionó con el patrimonio arquitectónico de la industria. sitio. [6] [7] [8]
Después de 13 años de trabajo colaborativo, el Proyecto de Arte Inujima de Yanagi se inauguró en 2008 como el Museo de Arte Inujima Seirensho. [6] [7] [8] El Museo de Arte Inujima Seirensho se ha convertido en un precursor de la Trienal Internacional de Arte de Setouchi , un festival de arte contemporáneo que tiene lugar en las islas del mar interior de Seto . [36] En 2010, la Trienal de Arte Internacional de Setouchi inaugural contó con tres instalaciones creadas por Yanagi en colaboración con el arquitecto Kazuyo Sejima , además del Museo de Arte Injuma Seirensho [7]
Debido a su proyecto a largo plazo en Japón, Yanagi comenzó a viajar a menudo entre sus estudios en Nueva York e Inujima, y finalmente el artista cerró sus estudios en los Estados Unidos para regresar a Japón a tiempo completo. Se instaló en un estudio de diseño propio situado en la cara norte de las montañas frente al mar de Genkai , en la ciudad de Itoshima , prefectura de Fukuoka . En 2005, comenzó a trabajar como profesor asociado en la Facultad de Arte de la Universidad de la ciudad de Hiroshima . Comenzó una especialización en Teoría y Arte Contemporáneo en la Facultad de Artes y lanzó el Proyecto de Arte de Hiroshima, utilizando instalaciones que no se usaban debido a la exposición a la radiación como lugares para exhibir obras de arte. [37]
Hero Dry Cell (2008)
Dentro de la extinta refinería de cobre que forma el Museo de Arte Inujima Seirensho, Yanagi pasó más de una década construyendo una instalación de arte permanente de seis partes titulada Hero Dry Cell (2008) que utilizó espejos, luz natural, piedras locales, elementos de agua y elementos arquitectónicos. collage para crear una instalación interconectada de varias capas sobre la modernización de Japón y el legado de la posguerra. [7] [2]
Hero Dry Cell se compone de seis partes que se despliegan dentro del museo "como un pergamino de mano" en el siguiente orden: Icarus Cell, Solar Rock, Slag Note, Mirror Note, Icarus Tower y Solar Note . [30] La segunda parte, Solar Rock (2008) es de particular interés, utilizando una fuga de luz natural para crear la ilusión de un eclipse total: un hinomaru negro . [30] Se crea un semicírculo de sombra negra con luz y luego se refleja en un charco de agua oscura reunida debajo sobre una gran losa de granito local de Inujima , creando la ilusión de un círculo completo de un Sol Negro saliendo, quizás otra adición a la de Yanagi. Serie Hinomaru que critica el nacionalismo de la era imperial asociado con la bandera japonesa. [30] El megalito de granito incrustado en el suelo de Solar Rock puede conectarse con el gran interés de Yanagi en el movimiento Mono-ha . [30] Frente al hinomaru negro, el 'collage arquitectónico' de Yanagi parecía flotar en el aire mientras los paneles deconstruidos de una habitación con tatami de la antigua residencia de Mishima Yukio se alineaban perfectamente para guiar la mirada de los espectadores hacia la oscuridad. abismo del Sol Negro, incluso cuando las ventanas captan la luz y deslumbran la retina simultáneamente. [38] Esta sensación es descrita de manera similar por el propio artista cuando relata su primera mañana en Inujima en 1995: el sol naciente dejó una "huella en su retina" que se convirtió en esta instalación de seis partes que funciona como una "imagen secundaria de la sol que vio esa primera mañana ". [7]
Años recientes, 2010-presente
Después de la finalización del Proyecto Inujima, Yanagi ha asumido más proyectos de revitalización, como el desafío de transformar una antigua escuela secundaria en la remota isla de Momoshima en la prefectura de Hiroshima , estableciendo ART BASE MOMOSHIMA en el área del Canal de Onomichi en 2012. [39] [2]
En 2016, la exposición individual a gran escala de Yanagi en el BankART1929 de Yokohama exploró las últimas tres décadas de la obra del artista, llenando todo el museo. [40] Dio a conocer un nuevo trabajo de instalación, Proyecto God-zilla (2016), un trabajo antinuclear sobre el desastre nuclear de Fukushima Daiichi de 2011 . [41] [42]
Obras de arte notables y colecciones públicas
Granja de hormigas de bandera mundial (1990) - Benesse House, Museo de Arte Contemporáneo de Naoshima , Naoshima
Banzai Corner (1991) - Fundación Fukutake, Japón
Hinomaru Illumination (1992) - Museo de Arte, Kochi , Japón
Contenedor Hinomaru - Tipo Túmulo Yamato (1992) - Museo de Arte Contemporáneo de Tokio
Alfombra de crisantemo (1994) - Galería Nacional de Australia
Artículo 9 (1994)
The Forbidden Box (1995) - The Fabric Workshop and Museum , Filadelfia , EE. UU.
Pacific - The Ant Farm Project - (1996) - Tate Modern , Reino Unido
Pirámide del dólar (2000) - Museo de Bellas Artes de Virginia
Museo de Arte Inujima Seirensho (2008) - Fundación Fukutake, Japón
Ver también
Shimada Yoshiko
Mono-ha
Yukio Mishima
Vito Acconci
Frank Gehry
Soichiro Fukutake
Jasper Jones
Bienal de Venecia
Referencias
- ↑ a b c d e Miller-Keller, Andrea (1995). "Yukinori Yanagi / MATRIX 128 (Folleto de exposición individual)" (PDF) . Connecticut, Estados Unidos: Wadsworth Atheneum Museum of Art.
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enlaces externos
- Museo de Arte Inujima Seirensho
- ARTE BASE MOMOSHIMA