Albert Ayler ( / aɪ l ər / ; 13 julio 1936 a 25 noviembre 1970) fue un vanguardista jazz saxofonista, cantante y compositor. [1]
Albert Ayler | |
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Información de contexto | |
Nació | Cleveland , Ohio, Estados Unidos | 13 de julio de 1936
Fallecido | 25 de noviembre de 1970 Nueva York | (34 años)
Géneros | Jazz , free jazz , jazz de vanguardia |
Ocupación (es) | Saxofonista, director de orquesta, compositor |
Instrumentos | Saxofón tenor , saxofón alto , saxofón soprano , gaita |
Años activos | 1952-1970 |
Etiquetas | Bird Notes, ESP-Disk , Impulse! , Ayler |
Actos asociados | Gary Peacock , Don Cherry , Sunny Murray , Roswell Rudd , Alan Silva , Donald Ayler , Henry Vestine , John Coltrane |
Después de una experiencia temprana tocando R&B y bebop , Ayler comenzó a grabar música durante la era del free jazz de la década de 1960. Sin embargo, algunos críticos argumentan que si bien el estilo de Ayler es indudablemente original y poco ortodoxo, no se adhiere a la comprensión crítica generalmente aceptada del free jazz. [2] De hecho, el estilo de Ayler es difícil de categorizar de alguna manera, y evocó reacciones increíblemente fuertes y dispares de críticos y fanáticos por igual. [3] Sus innovaciones han inspirado a músicos de jazz posteriores. [2]
Sus discos de trío y cuarteto de 1964, como Spiritual Unity y The Hilversum Session , lo muestran avanzando las nociones de improvisación de John Coltrane y Ornette Coleman en reinos abstractos donde el timbre completo , y no solo la armonía con la melodía , es la columna vertebral de la música. Su música extática de 1965 y 1966, como "Spirits Rejoice" y "Truth Is Marching In", ha sido comparada por los críticos con el sonido de una banda de música , e incluía temas simples, como marchas, que se alternaban con improvisaciones de grupos salvajes y se consideraba que recuperaban las raíces del jazz anteriores a Louis Armstrong . [4]
Biografía
Vida temprana y carrera
Nacido en Cleveland , Ohio y criado en Shaker Heights , [5] Ayler fue instruido por primera vez en saxofón alto por su padre Edward, quien era un violinista y saxofonista semiprofesional. Edward y Albert tocaban dúos de saxofón alto en la iglesia y, a menudo, escuchaban juntos discos de jazz, incluido el jazz de la era del swing y los nuevos álbumes de bop. [3] La crianza de Ayler en la iglesia tuvo un gran impacto en su vida y música, y gran parte de su música puede entenderse como un intento de expresar su espiritualidad, incluida la unidad espiritual, apropiadamente titulada Unidad espiritual , y su álbum de temas espirituales, Goin 'Home. , que presenta solos "serpenteantes" que deben ser tratados como meditaciones sobre textos sagrados y, en algunos puntos, como "hablar en lenguas" con su saxofón. [6] La experiencia de Ayler en la iglesia y la exposición a artistas de swing jazz también afectaron su sonido: su amplio vibrato era similar al de los saxofonistas gospel, que buscaban un sonido más vocal con sus instrumentos, y al de los músicos de metal en New Bandas de swing de Orleans. [6]
Ayler asistió a la escuela secundaria John Adams en el East Side de Cleveland y se graduó en 1954 a la edad de 18 años. Posteriormente estudió en la Academia de Música de Cleveland con el saxofonista de jazz Benny Miller . Ayler también tocó el oboe en la escuela secundaria. Cuando era adolescente, la comprensión de Ayler del estilo bebop y el dominio del repertorio estándar le valieron el apodo de "Little Bird", en honor a Charlie "Bird" Parker , en la pequeña escena del jazz de Cleveland. [7]
En 1952, a la edad de 16 años, Ayler comenzó a tocar un tenor al estilo R&B con el cantante de blues y armónica Little Walter , pasando dos vacaciones de verano con la banda de Walter. [8] En 1958, después de graduarse de la escuela secundaria, Ayler se unió al ejército de los Estados Unidos, donde cambió del saxo alto al saxo tenor y tocó con otros músicos alistados, incluido el saxofonista tenor Stanley Turrentine . Ayler también tocó en la banda del regimiento, junto con el futuro compositor Harold Budd . [9] En 1959 estuvo destinado en Francia, donde estuvo más expuesto a la música marcial que sería una influencia fundamental en su trabajo posterior. Después de su baja del ejército, Ayler intentó encontrar trabajo en Los Ángeles y Cleveland, pero su interpretación cada vez más iconoclasta, que se había alejado de la armonía tradicional, no fue bien recibida por los tradicionalistas. [8]
Ayler se mudó a Suecia en 1962, donde comenzó su carrera discográfica, liderando grupos suecos y daneses en sesiones de radio y tocando como miembro no remunerado de la banda de Cecil Taylor en el invierno de 1962–63. (Las cintas de los que se rumoreaba durante mucho tiempo que Ayler actuaba con el grupo de Taylor fueron lanzadas por Revenant Records en 2004, como parte de un conjunto de 10 CD ). [10] El álbum My Name Is Albert Ayler es una sesión de estándares grabada para una estación de radio de Copenhague. con músicos locales como Niels-Henning Ørsted Pedersen y el baterista Ronnie Gardiner, con Ayler como tenor y soprano en temas como " Summertime ".
Carrera de grabación temprana
En 1963, Ayler regresó a los Estados Unidos y se estableció en la ciudad de Nueva York, donde continuó desarrollando su estilo personal y ocasionalmente tocó junto al pianista de free jazz Cecil Taylor. [3] 1964 fue el año mejor documentado de la carrera de Ayler, durante el cual grabó muchos álbumes, el primero de los cuales fue Spirits (reeditado más tarde como Witches and Devils ) en marzo de ese año. [11] Ayler también comenzó su rica relación con ESP-Disk Records en 1964, grabando su álbum revolucionario (y el primer álbum de jazz de ESP) Spiritual Unity para el entonces incipiente sello discográfico. ESP-Disk llegó a desempeñar un papel integral en la grabación y difusión del free jazz. Spiritual Unity contó con el trío que Ayler acababa de reunir ese verano, incluido el bajista Gary Peacock y el baterista Sunny Murray . Las notas del transatlántico de Unidad espiritual incluyen una breve descripción de los músicos ese día, 10 de julio de 1964, en el Estudio de grabación de Variety Arts: [12]
- Justo antes de la una de la tarde, llegó Sunny Murray, una morsa grande y afable… Gary Peacock fue el siguiente, alto, delgado, de aspecto ascético y de voz suave… Albert Ayler fue el último, pequeño, cauteloso y lacónico. [12]
El 17 de julio de 1964, los miembros de este trío, junto con el trompetista Don Cherry , el saxofonista alto John Tchicai y el trombonista Roswell Rudd , colaboraron en la grabación de New York Eye and Ear Control , una banda sonora improvisada libremente para el artista y cineasta canadiense Michael Snow. La película del mismo nombre. [12] Durante este tiempo, Ayler comenzó a llamar la atención de los críticos, aunque no pudo conseguir muchos seguidores. Sin embargo, más tarde en 1964, Ayler, Peacock, Murray y Cherry fueron invitados a viajar a Europa para una breve gira escandinava, que también produjo algunas grabaciones nuevas, incluidas The Copenhagen Tapes , Ghosts (reeditado más tarde como Vibrations ) y The Sesión de Hilversum .
Ayler grabó Bells el 1 de mayo de 1965. Es una improvisación de 20 minutos de ritmo feroz que presenta sus melodías con influencias de la marcha militar. Spirits Rejoice se grabó el 23 de septiembre de 1965 en Judson Hall en la ciudad de Nueva York y cuenta con una banda mucho más grande que el escaso trío de su anterior álbum Spiritual Unity . La Enciclopedia de Música Popular describe Spirits Rejoice como una "celebración desenfrenada, tremendamente emocional y asombrosamente creativa de la necesidad de hacer ruido". [13] Ambos álbumes presentan al hermano de Albert, el trompetista Donald Ayler , quien tradujo el enfoque expansivo de su hermano a la improvisación a la trompeta. Donald jugó con Albert hasta que experimentó un colapso nervioso debilitante en 1967. [14]
En 1966, Ayler firmó con Impulse Records a instancias de Coltrane, la atracción estrella del sello en ese momento. [15] Pero incluso en Impulse, la música radicalmente diferente de Ayler nunca encontró una audiencia considerable. El primer set de Ayler para Impulse se grabó unas semanas antes de Navidad en 1966, titulado Albert Ayler en Greenwich Village . Ayler actuó con su hermano, Michel Samson, Beaver Harris , Henry Grimes y Bill Folwell, mientras Coltrane estaba presente. Para una melodía titulada "Para John Coltrane", Ayler volvió al saxofón alto por primera vez en años. [15]
Ayler cantó por primera vez en una grabación de una versión de "Ghosts" realizada en París en 1966, en la que su estilo vocal era similar al de su saxofón, con una inquietante indiferencia por el tono. [16] Ayler continuó experimentando con las voces durante el resto de su carrera (ver, por ejemplo, la vocalización sin palabras cerca del final de "Love Cry" del álbum del mismo nombre ); sin embargo, su canto en álbumes posteriores como New Grass y Music Is the Healing Force of the Universe ha sido objeto de algunas burlas. Val Wilmer se refirió a su canto como "tortuoso", [17] y los críticos han declarado que "sus palabras y su forma de hablar son realmente aterradoras", [18] describiéndolo como "un bramido de voz inexperta que vacilaba en su forma más controlada". , " [19] y entregando letras en" un lamento maníaco ". [19]
En 1967, John Coltrane murió de cáncer de hígado y se le pidió a Ayler que actuara en su icónico funeral. [20] (Uno de los últimos deseos de Coltrane era que Ayler y Ornette Coleman tocaran en su funeral. [21] ) Se dice que durante su actuación, Ayler se arrancó el saxofón de la boca en dos puntos: una vez, para emitir un grito. de angustia, el otro un grito de alegría para simbolizar la ascensión al cielo de su amigo y mentor. [15] Ayler más tarde recordó: "John era como un visitante de este planeta. Llegó en paz y se fue en paz; pero durante su tiempo aquí, siguió tratando de alcanzar nuevos niveles de conciencia, de paz, de espiritualidad. Eso es por qué considero la música que tocaba como música espiritual: la forma en que John se acerca cada vez más al Creador ". [22] En las notas para el álbum Love Cry de Ayler , Frank Kofsky escribió que Ayler dijo lo siguiente sobre el álbum Meditaciones de Coltrane : "El padre, el hijo y el espíritu santo. De lo que Coltrane estaba hablando allí, tal vez era un término bíblico: él era el padre, el faraón era el hijo y yo el espíritu santo. Y solo él podía decirme cosas así ". [23]
Años finales y muerte
Durante los siguientes dos años y medio, Ayler comenzó a pasar de un estilo mayoritariamente improvisador a uno que se centraba más en las composiciones. [24] Esto fue en gran parte el resultado de las presiones de Impulse quien, a diferencia de ESP-Disk, puso más énfasis en la accesibilidad que en la expresión artística. [25] En 1967 y 1968, Ayler grabó tres LP que incluían la letra y la voz de su novia Mary Maria Parks e introdujeron cambios regulares de acordes, ritmos funky e instrumentos electrónicos. [26]
El mismo Ayler cantó en su álbum New Grass , que se remonta a sus raíces en el R&B cuando era adolescente. Sin embargo, este álbum fue notablemente infructuoso, despreciado tanto por los fanáticos como por los críticos de Ayler. [26] Ayler afirmó firmemente que quería moverse en esta dirección de R&B y rock and roll, y que no estaba simplemente sucumbiendo a las presiones de Impulse y la música popular de ese día, y es cierto que Ayler enfatiza mucho la espiritualidad que parece definir la mayor parte de su obra. [25] (Sin embargo, según Gary Giddins , "En las entrevistas, Ayler no dejó ninguna duda sobre quién era el responsable de New Grass : 'Me dijeron que hiciera esto. Bob Thiele. ¿Crees que haría eso? Él dijo:" Mira Albert, tienes que estar con la generación joven ahora. "'" [27] ) New Grass comienza con la pista "Message from Albert", en la que Ayler habla directamente a su oyente, explicando que este álbum no se parece en nada a los de antes. , eso fue de "una dimensión diferente en [su] vida". Afirma que, "a través de la meditación, los sueños y las visiones, [se ha] convertido en un Hombre Universal, mediante el poder del Creador ..."
Aproximadamente en ese momento, hubo indicios de que Ayler se estaba volviendo emocionalmente inestable, culpándose a sí mismo por el colapso de su hermano. [28] En 1969, presentó una apasionada y laberíntica carta abierta a la revista Cricket titulada "Al Sr. Jones: tuve una visión", en la que describía visiones espirituales apocalípticas asombrosas. [25] Él "vio en una visión la nueva Tierra construida por Dios saliendo del Cielo" e imploró a los lectores que compartieran el mensaje de Apocalipsis, insistiendo en que "Esto es muy importante. El momento es ahora". [29] Noah Howard recordó haber visto a Ayler ese verano, con guantes y un abrigo de piel largo a pesar del calor, con la cara cubierta de vaselina y diciendo "Tengo que protegerme". [30]
Su último álbum, Music Is the Healing Force of the Universe , contó con músicos de rock como Henry Vestine de Canned Heat junto con músicos de jazz como el pianista Bobby Few . Este fue un regreso a sus raíces de blues con influencias de rock muy pesado, pero contó con más variaciones de timbre y solos enérgicos característicos de Ayler que el fallido New Grass .
En julio de 1970, Ayler regresó al idioma del free jazz para un grupo de espectáculos en Francia (incluso en la Fondation Maeght , documentada en Nuits de la Fondation Maeght ), pero la banda que pudo reunir (Call Cobbs, el bajista Steve Tintweiss y el baterista Allen Blairman ) no se consideraba del calibre de sus grupos anteriores. [31]
Ayler desapareció el 5 de noviembre de 1970 y fue encontrado muerto en el East River de la ciudad de Nueva York el 25 de noviembre, un presunto suicidio. [2] Durante algún tiempo después, circularon rumores de que Ayler había sido asesinado, con una antigua leyenda urbana de que la mafia lo había atado a una máquina de discos. [32]
Arte
Ayler exhibía rutinariamente su estilo de saxofón personal altamente poco tradicional en contextos musicales muy convencionales, incluidas canciones infantiles, melodías de marcha e himnos gospel. [2] Sin embargo, la energía salvaje de Ayler y las intensas improvisaciones los transformaron en algo casi irreconocible. Ayler adoptó un enfoque deconstructivo de su música, que era característico de la era del free jazz. Phil Hardy dice que Ayler "desmanteló" la melodía y la armonía para explorar más profundamente "las propiedades físicas" de su saxofón. [33] Ayler deseaba liberarse a sí mismo ya sus compañeros de banda para improvisar, relacionarse entre sí y relacionarse con sus instrumentos en un nivel más crudo y "primario". [34]
El aspecto intensamente espiritual de la música de Ayler estaba claramente alineado con las creencias del saxofonista de jazz John Coltrane , quien se vio profundamente afectado por los sonidos "de otro mundo" de la música de Ayler. Este efecto es especialmente evidente en los álbumes Meditaciones y Regiones estelares de Coltrane . [6] (Coltrane sirvió como mentor durante toda la vida de Ayler, proporcionando apoyo financiero y profesional. [35] ) Esta intensidad, los extremos a los que Ayler llevó su saxofón tenor, es el aspecto más definitorio de su sonido. Su estilo se caracteriza por variaciones de timbre , que incluyen chirridos, bocinazos e improvisación en registros muy altos y muy bajos. [36] Poseía un tono profundo y abrasador, logrado mediante el uso del plástico rígido Fibrecane núm. 4 lengüetas [37] en su saxofón tenor, y usaba un vibrato amplio y lleno de patetismo . [34]
Ayler experimentó con la microtonalidad en sus improvisaciones, buscando explorar los sonidos que caen entre las notas en una escala tradicional. [36] Esta técnica se mostró mejor cuando tocó, como lo hacía a menudo, sin piano, respaldado solo por el bajo y la batería. Ayler también resistió el ritmo del swing estándar y, en cambio, ganó impulso a través de la velocidad frenética de sus líneas de improvisación, que superó con fuerza con su saxofón. [8] El historiador del jazz Ted Gioia describe a Ayler como un "virtuoso de lo tosco y anómalo", y afirma que Ayler pretendía romper con las limitaciones de tocar notas y, en cambio, "entrar en un nuevo reino en el que el saxofón creaba" el sonido. "." [38] Sin lugar a dudas, Ayler logró hacer esto; produjo sonidos que no se parecían a ninguno de los saxofonistas de jazz antes que él. Sin embargo, mientras algunos encontraron una voz artística poderosa, incluso un genio musical, en estos sonidos, otros encontraron solo ruido.
Influencia y legado
En ningún momento de su carrera se permitió a Ayler el consuelo de una audiencia estable. A pesar de la recepción crítica en gran medida positiva, siguió siendo pobre durante toda su vida y, a menudo, buscó el apoyo financiero de su familia y compañeros músicos, incluido Coltrane. [24]
Sin embargo, la influencia de Ayler todavía se siente, y no solo entre los músicos de jazz. Su sonido salvaje presagiaba estilos contemporáneos de hardcore, ruido y rock experimental. [2] Albert Ayler es una de las figuras históricas más veneradas en el género del free jazz junto con personas como Sun Ra , Cecil Taylor, John Coltrane, Ornette Coleman y Milford Graves (que tocaba la batería con Ayler). Hasta el día de hoy, sus álbumes se encuentran entre los más vendidos en el estrecho género del "free jazz", junto con las leyendas antes mencionadas. Los llamados "titanes" del free jazz en el siglo XXI que tocan el saxofón, como Charles Gayle , [39] Ken Vandermark , [40] Peter Brötzmann , [41] y el fallecido David S. Ware , [42] fueron todo fuertemente influenciado por Albert Ayler. Ayler también fue una influencia crucial en algunos de sus contemporáneos de renombre como Frank Lowe , el reverendo Frank Wright , Charles Tyler (en el álbum Bells de Ayler ), Marion Brown y Frank Smith (en ESP-Disk Burton Greene Quartet ).
Ayler desarrolló una estrecha amistad con John Coltrane , y los dos influyeron en la forma de tocar del otro. Coltrane dijo que Ayler "llenó un área que parece que yo no tuve. Creo que lo que está haciendo parece mover la música a frecuencias aún más altas". [43] Ayler declaró: "cuando él [Coltrane] comenzó a tocar, tuve que escuchar solo su tono ... Escucharlo tocar era como si me estuviera hablando a mí, diciendo: 'Hermano, reúnase espiritualmente. Sólo un sonido: así de profundo era este hombre ... " [23] Según Val Wilmer ," la relación entre los dos hombres era muy especial. Se hablaban constantemente por teléfono y por telegrama y Coltrane estaba muy influenciado por el joven ". [44] Coltrane escuchó a Ayler por primera vez en 1962, después de lo cual le dijo a Ayler que "se había escuchado a sí mismo tocar así en un sueño una vez". [45] En febrero del año siguiente, Ayler se sentó con el grupo de Coltrane por primera vez durante un concierto en el Jazz Temple en Cleveland, Ohio . [46] A partir de ese año, "Coltrane y Ayler, cuando ambos estaban en Nueva York, a menudo estaban en la misma habitación. Varios recuerdos han colocado a Coltrane mirando a Ayler y Cecil Taylor en el Take 3 Coffeehouse en West Village en el otoño de 1963; ver a Ayler y Eric Dolphy juntos en el Half Note en algún momento de ese año; invitar a Ayler al escenario en el Half Note en marzo de 1964; escuchar al grupo de Ayler con Rashied Ali en un pequeño espacio para presentaciones en 27 Cooper Square a principios de 1965 ". [47] Después de la grabación de Ascension en junio de 1965 (después de que Ayler le enviara copias de sus álbumes Ghosts and Spiritual Unity ), Coltrane "llamó a Ayler y le dijo: 'Grabé un álbum y descubrí que tocaba como tú. ' La respuesta de Albert: "No, hombre, ¿no ves? Estabas jugando como tú mismo. Solo sentías lo que yo siento y clamabas por la unidad espiritual". [21] Mientras estaba en Antibes un mes después, Coltrane "permaneció ... en su habitación de hotel, practicando como de costumbre, tocando una cinta de un concierto de Ayler". [48]
El cineasta sueco Kasper Collin estaba tan inspirado por la música y la vida de Ayler que produjo un documental, My Name Is Albert Ayler , que incluye entrevistas con el fundador de ESP-Disk, Bernard Stollman , junto con entrevistas con la familia, novias y compañeros de banda de Ayler. [49] La película incluye imágenes de Albert Ayler (de 1962, 1964, 1966 y 1970) y se basa en su música y grabaciones de su voz (de entrevistas realizadas entre 1963 y 1970).
En su álbum de 1969 Folkjokeopus , el guitarrista y cantautor inglés Roy Harper , dedicó la canción "One for All" (" One for Al ") a Albert Ayler, "a quien conocí y amé durante mi estancia en Copenhague". [50] [51] Harper consideró a Ayler como "uno de los principales jazzistas de la época". [52] En las notas del transatlántico Folkjokeopus , Harper afirma: "En muchos sentidos, él [Ayler] era el rey".
La videoinstalación del artista canadiense Stan Douglas Hors-champs (que significa "fuera de la pantalla") aborda el contexto político del free jazz en la década de 1960, como una extensión de la conciencia negra . [53] Improvisando "Spirits Rejoice" de Ayler, cuatro músicos estadounidenses, George Lewis (trombón), Douglas Ewart (saxofón), Kent Carter (bajo) y Oliver Johnson (batería), que vivieron en Francia durante el período del free jazz en la década de 1960 , actúan en la instalación, una recreación de la televisión francesa de los años sesenta. [54]
En 1990, el pianista Giorgio Gaslini lanzó Ayler's Wings , un CD que consiste enteramente en interpretaciones en solitario de las composiciones de Ayler. [55] En 1999, John Lurie de Lounge Lizards lanzó una pieza titulada "La resurrección de Albert Ayler". [56] El compositor y guitarrista Marc Ribot grabó un álbum dedicado a la Unidad espiritual de Ayler en 2005 con el ex bajista de Ayler y líder de free jazz Henry Grimes . [57]
La melodía de Ayler "Ghosts" ha sido grabada por varios músicos, incluidos Gary Lucas , [58] David Moss , [59] Crazy Backwards Alphabet , [60] Lester Bowie , [61] Eugene Chadbourne , [62] y Gary Windo . [63]
Albert Ayler es el 'fantasma de un jazzman' titular en la novela de ciencia ficción de Maurice G. Dantec de 2009 Comme le fantôme d'un jazzman dans la station Mir en deroute.
A partir de 2018, el saxofonista de Chicago Mars Williams ha grabado y lanzado cuatro CD en una serie llamada "Mars Williams Presents An Ayler Xmas", que documenta los conciertos anuales en vivo de Navidad, grabados en Chicago, Viena, Cracovia y la ciudad de Nueva York y presenta estándares navideños entrelazados. y la música de Albert Ayler. [64]
El 25 de junio de 2019, The New York Times Magazine incluyó a Albert Ayler entre los cientos de artistas cuyo material, según los informes, fue destruido en el incendio de Universal de 2008 . [sesenta y cinco]
Discografia
Lanzado [66] | Grabado [67] | Álbum | Emisión original |
---|---|---|---|
1963 | 1962 | ¡¡¡¡¡¡Algo diferente!!!!!! (Las primeras grabaciones vol. 1 y 2) | Notas de aves |
1964 | 1963 | Mi nombre es Albert Ayler | Debut |
1964 | 1964 | Espíritus (relanzado como Witches & Devils ) | Debut |
1971 | 1964 | Columpio Bajo Dulce Espiritual | Ósmosis |
1975 | 1964 | Profecía [en vivo] | ESP-Disk |
1996 | 1964 | Albert sonríe con Sunny [en vivo] | Respeto |
1965 | 1964 | Unidad espiritual | ESP |
1966 | 1964 | Control de ojos y oídos de Nueva York | ESP |
2002 | 1964 | Las cintas de Copenhague | Ayler |
1965 | 1964 | Fantasmas (relanzado como Vibraciones ) | Debut |
1980 | 1964 | La sesión de Hilversum | Ósmosis |
1965 | 1965 | Bells [en vivo] | ESP |
1965 | 1965 | Los espíritus se regocijan | ESP |
1965 | 1965 | Sonny's Time Now (álbum de Sunny Murray ) [68] | Yihad |
mil novecientos ochenta y dos | 1966 | En Slug's Saloon, vol. 1 y 2 [en vivo] | ESP |
1990 | 1964-1966 | Albert Ayler [en vivo] | Filología |
2011 | 1966 | Estocolmo, Berlín 1966 [en vivo] | sombrero MUSICAS |
mil novecientos ochenta y dos | 1966 | Lörrach / Paris 1966 [Live] | sombrero MUSICAS |
1967 | 1965-1967 | En Greenwich Village [en vivo] | ¡Impulso! |
1968 | 1967–68 | Amor llora | ¡Impulso! |
1969 | 1968 | Hierba nueva | ¡Impulso! |
1970 | 1969 | La música es la fuerza curativa del universo | ¡Impulso! |
1971 | 1969 | El ultimo album | ¡Impulso! |
2005 | 1970 | Live on the Riviera [Live] | ESP |
1971 | 1970 | Nuits de la Fondation Maeght Vol. 1 [en vivo] | Shandar |
1971 | 1970 | Nuits de la Fondation Maeght Vol. 2 [en vivo] | Shandar |
2004 | 1960–70 | Espíritu Santo: grabaciones raras y no publicadas (1962–70) | Revenant |
Compilaciones
[69] (esta lista está incompleta)
- Las grabaciones completas en disco ESP (ESP, 2006)
- European Radio Studio Recordings 1964 ( hatOLOGY , 2016)
- La colección de primeros álbumes (Ilustración, 2020)
Notas
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Referencias
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enlaces externos
- Albert Ayler en AllMusic Albert Ayler en Bandcamp Discografía de Albert Ayler en Discogs Discografía de Albert Ayler en MusicBrainz
- Albert Ayler: His Life and Music (libro electrónico de Jeff Schwartz, 1992)
- Albert Ayler
- "Albert Ayler" . Archivado desde el original el 18 de julio de 2011 . Consultado el 28 de junio de 2008 ., en idioma alemán.
- Proyecto Discografía Albert Ayler
- Albert Ayler en NPR Music
- Albert Ayler en Find a Grave