La historia de la danza es de difícil acceso porque la danza no suele dejar atrás artefactos físicos claramente identificables que perduran milenios, como herramientas de piedra , útiles de caza o pinturas rupestres . No es posible identificar con precisión exacta cuándo la danza se convirtió en parte de la cultura humana .
Baile temprano
El impulso natural de bailar puede haber existido en los primeros primates antes de que evolucionaran hacia los humanos. [1] La danza ha sido una parte importante de la ceremonia , los rituales , las celebraciones y el entretenimiento desde antes del nacimiento de las primeras civilizaciones humanas . La arqueología ofrece rastros de danza de tiempos prehistóricos , como las pinturas de los refugios rupestres de Bhimbetka de 10.000 años de antigüedad en la India y las pinturas de las tumbas egipcias que representan figuras de danza de c. 3300 AC. Muchas formas de danza contemporánea se remontan a danzas históricas , tradicionales , ceremoniales y étnicas del período antiguo.
Medios de comunicación social y vinculación.
La danza pudo haber sido utilizada como una herramienta de interacción social que promovió la cooperación esencial para la supervivencia entre los primeros humanos. Los estudios encontraron que los mejores bailarines de hoy comparten dos genes específicos asociados con una predisposición a ser buenos comunicadores sociales. [2]
Como celebraciones populares
Muchos bailes de los primeros períodos se realizaban para celebrar festividades, en ocasiones importantes o estacionales como la cosecha de cultivos o nacimientos y bodas. Tales bailes se encuentran en todo el mundo. [3]
En ceremonias y rituales
La danza se puede realizar en rituales religiosos o chamánicos, por ejemplo, en la danza de la lluvia que se realiza en tiempos de sequía. Los chamanes que bailan por la lluvia se mencionan en los textos chinos antiguos. La danza es un aspecto importante de algunos ritos religiosos en el antiguo Egipto, [4] de manera similar, la danza también es parte integral de muchas ceremonias y ritos entre los africanos. [5] Las danzas rituales también se pueden realizar en los templos y durante las festividades religiosas, por ejemplo, las danzas rituales Rasa de la India (varias danzas clásicas indias pueden tener su origen en danzas rituales) y las danzas Cham del Tíbet. [6]
Como método de curación
Otro uso temprano de la danza pudo haber sido como un precursor de los estados de trance extático en los rituales de curación. La danza es utilizada para este propósito por muchas culturas, desde la selva brasileña hasta el desierto de Kalahari . [7] Se pensaba que las danzas macabres europeas medievales habían protegido a los participantes de las enfermedades; sin embargo, la histeria y la duración de estos bailes a veces conducían a la muerte por agotamiento. [8]
Según una leyenda cingalesa, las danzas de Kandy se originaron hace 2500 años a partir de un ritual de danza mágica que rompió el hechizo sobre un rey hechizado para curar al rey de una misteriosa enfermedad.
Como método de expresión
Uno de los usos estructurados más tempranos de las danzas puede haber sido la representación y la narración de mitos. A veces también se usaba para mostrar sentimientos por alguien del sexo opuesto. También está relacionado con el origen de "hacer el amor". Antes de la producción de lenguajes escritos, la danza era uno de los métodos para transmitir estas historias de generación en generación. [9]
En la cultura europea, uno de los primeros registros de danza es el de Homero , cuya Ilíada describe la corea (χορεία khoreia ). Los primeros griegos convirtieron el arte de la danza en un sistema que expresaba todas las diferentes pasiones. Por ejemplo, la danza de las Furias , así representada, crearía un terror total entre quienes las presenciaran. El filósofo griego Aristóteles clasificó la danza con la poesía y dijo que ciertos bailarines, con el ritmo aplicado al gesto, podían expresar modales, pasiones y acciones. [10] Los escultores griegos más eminentes estudiaron la actitud de los bailarines por su arte de imitar la pasión.
Tradiciones culturales
Asia
Danza clásica india
Un manuscrito temprano que describe la danza es el Natya Shastra en el que se basa la interpretación moderna de la danza clásica india (por ejemplo, Bharathanatyam ).
Durante el reinado de los últimos mogoles y nawabs de Oudh, la danza cayó al estado de ' nautch ', una cosa sensual y poco ética de las cortesanas.
Más tarde, al vincular la danza con el tráfico inmoral y la prostitución, el gobierno británico prohibió la representación pública de la danza. Muchos lo desaprobaron. En 1947, India ganó su libertad y creó para la danza un ambiente donde podría recuperar su gloria pasada. Se redescubrieron las formas clásicas y las distinciones regionales, se honraron las especialidades étnicas y, sintetizándolas con los talentos individuales de los maestros en la línea y con las innovaciones frescas, emergió la danza con un nuevo rostro pero con el clasicismo del pasado.
En Sri Lanka , la antigua crónica cingalesa Mahavamsa afirma que cuando el rey Vijaya aterrizó en Sri Lanka en 543 a. C. escuchó sonidos de música y baile de una ceremonia de boda. Los orígenes de las danzas de Sri Lanka se remontan a las tribus aborígenes ya la época mitológica de los gemelos yingyang aborígenes y los " yakkas " (demonios). Las danzas clásicas de Sri Lanka (danzas de Kandy) presentan un sistema altamente desarrollado de tala (ritmo), proporcionado por platillos llamados thalampataa.
Danza china
Hay una larga historia registrada de danzas chinas. Algunas de las danzas mencionadas en los textos antiguos, como la danza con movimientos de manga, todavía se realizan en la actualidad. Algunas de las primeras danzas se asociaron con rituales chamánicos. Las danzas folclóricas del período temprano también se convirtieron en danzas de la corte. Las danzas importantes del período antiguo fueron el yayue ceremonial que data de la dinastía Zhou del primer milenio antes de Cristo. El arte de la danza en China alcanzó su punto máximo durante la dinastía Tang , un período en el que bailarines de muchas partes del mundo también actuaban en la corte imperial. Sin embargo, la ópera china se hizo popular durante la dinastía Song y Yuan, y muchos bailes se fusionaron en la ópera china. [11] El arte de la danza en las mujeres también declinó desde la dinastía Song en adelante como resultado de la creciente popularidad de vendarse los pies , [12] una práctica que, irónicamente, puede haberse originado al bailar cuando una bailarina le envolvía los pies para poder bailar ballet Moda. [13] [14] Las danzas tradicionales chinas más conocidas son la danza del dragón y la danza del león . La danza del león se describió en la dinastía Tang en una forma que se asemeja a la danza actual. [11]
Europa
Siglos XV al XIX: de la danza de la corte al romanticismo
Los orígenes de la danza del ballet se remontan a las cortes renacentistas italianas del siglo XV. Los maestros de danza enseñarían los pasos a la nobleza y la corte participaría en actuaciones como una forma de entretenimiento social. Esta práctica continuó durante varios siglos. En el siglo XVII, el ballet cortesano alcanzó su punto máximo bajo el gobierno del rey Luis XIV . [15]
En el siglo XVIII, el ballet había migrado de las cortes reales francesa e italiana a la Ópera de París bajo la cuidadosa dirección del compositor y bailarín Jean-Baptiste Lully . Lully buscó convertir el ballet en un arte más serio. Bajo su influencia, el ballet se convirtió en un arte reconocido que fue interpretado por bailarines profesionales en lugar de cortesanos.
Durante el siglo XVIII, el ballet pasó de una danza cortesana de imágenes en movimiento como espectáculo a una actuación artística por derecho propio. Las representaciones de ballet se desarrollaron en torno a una narrativa central y contenían un movimiento expresivo que revelaba las relaciones entre los personajes. Este estilo dramático de ballet se conoció como ballet d'action . El ballet d'action se esforzó por expresar, por primera vez, emociones humanas extraídas directamente de los propios bailarines. Se quitaron las máscaras que usaban previamente los artistas para que el contenido emocional pudiera derivarse de las expresiones faciales. [15]
Los disfraces durante este tiempo eran muy restrictivos para los bailarines. Aunque se fomentó un uso más expresivo del cuerpo, los movimientos de los bailarines aún estaban restringidos debido a los materiales pesados y los vestidos encorsetados. Los disfraces a menudo cubrían el físico de un bailarín y dificultaban ver coreografías complejas o intrincadas. No fue hasta que el coreógrafo Jean Georges Noverre pidió reformas en la danza en 1760 con sus Letters on Dancing and Ballets que el vestuario se volvió más propicio. Noverre instó a que los disfraces se elaboren con telas ligeras que se muevan con fluidez con el cuerpo, complementando la figura de una bailarina. Además, los bailarines usaban pantuflas suaves que se ajustaban cómodamente a lo largo del pie. Este diseño de zapato infundió confianza en la bailarina , desafiándola a bailar de puntillas. El vestuario naturalista permitió a los bailarines traspasar los límites del movimiento y, finalmente, elevarse en punta .
La era del romanticismo produjo ballets inspirados en la fantasía, la mística y las culturas desconocidas de lugares exóticos. Ballets que se centraron más en las emociones, la fantasía y los mundos espirituales, anunciaron el comienzo del verdadero trabajo de puntas. Ahora, de puntillas, la bailarina deificada (encarnada en este período por la legendaria bailarina Marie Taglioni ) parecía rozar mágicamente la superficie del escenario, un ser etéreo que nunca tocaba el suelo. Fue durante este período que la estrella ascendente de la bailarina eclipsó bastante la presencia del pobre bailarín, que en muchos casos se redujo a la condición de una estatua en movimiento, presente solo para levantar a la bailarina. Este triste estado en realidad solo se corrigió con el ascenso de la estrella del ballet masculino Vaslav Nijinsky , con los Ballets Rusos , a principios del siglo XX. El ballet tal como lo conocemos había evolucionado bien y verdaderamente en ese momento, con todas las convenciones familiares del vestuario, la forma coreográfica, la trama, la pompa y las circunstancias firmemente fijadas en su lugar.
Principios del siglo XX: del ballet a la danza contemporánea
Desde que los Ballets Rusos comenzaron a revolucionar el ballet a principios del siglo XX, ha habido continuos intentos de romper el molde del ballet clásico. Actualmente, el alcance artístico de la técnica del ballet (y la música que lo acompaña, el jumper y la multimedia ) es más abarcador que nunca. Los límites que clasifican una obra de ballet clásico se estiran, enturbian y difuminan constantemente hasta que tal vez todo lo que queda hoy son rastros de modismos técnicos como la participación .
Fue durante la explosión de nuevos pensamientos y exploraciones a principios del siglo XX que los artistas de la danza comenzaron a apreciar las cualidades del individuo, las necesidades del ritual y la religión, lo primitivo, lo expresivo y lo emocional. En este ambiente, la danza moderna inició una explosión de crecimiento. De repente, hubo una nueva libertad en lo que se consideraba aceptable, lo que se consideraba arte y lo que la gente quería crear. Muchas otras cosas se valoraron repentinamente tanto como, o más allá, el vestuario y los trucos del ballet.
La mayoría de los coreógrafos y bailarines modernos de principios del siglo XX veían el ballet bajo la luz más negativa. Isadora Duncan pensó que era feo, nada más que una gimnasia sin sentido. Martha Graham lo vio como europeo e imperialista, sin tener nada que ver con el pueblo estadounidense moderno. Merce Cunningham , si bien utilizó algunos de los fundamentos de la técnica del ballet en su enseñanza, abordó la coreografía y la interpretación desde un punto de vista totalmente radical en comparación con el formato de ballet tradicional.
El siglo XX fue de hecho un período de ruptura con todo lo que representaba el ballet. Fue una época de crecimiento creativo sin precedentes, para bailarines y coreógrafos. También fue un momento de conmoción, sorpresa y ampliación de la mente para el público, en términos de sus definiciones de lo que era la danza.
Finales del siglo XX y principios del XXI
Posmodernismo
Después de la explosión de la danza moderna a principios del siglo XX, la década de 1960 vio el crecimiento del posmodernismo . El posmodernismo se inclinó hacia la simplicidad, la belleza de las cosas pequeñas, la belleza del cuerpo inexperto y el movimiento poco sofisticado. El famoso manifiesto del "No" que rechaza todos los disfraces, historias y adornos exteriores en favor de un movimiento crudo y sin pulir fue quizás el extremo de esta ola de pensamiento. Desafortunadamente, la falta de vestuario, historias y adornos externos no hacen un buen espectáculo de danza, y no pasó mucho tiempo antes de que los decorados, la decoración y el valor impactante volvieran a entrar en el vocabulario de los coreógrafos modernos.
Danza contemporánea vs.Ballet
En la década de 1980, la danza había completado el círculo y la danza moderna (o, en ese momento, la " danza contemporánea ") era claramente todavía un vehículo altamente técnico y político para muchos practicantes. Al existir junto al ballet clásico, las dos formas de arte ahora vivían pacíficamente una al lado de la otra con poca rivalidad y antipatía de épocas anteriores. En un comentario ingeniosamente diseñado sobre esta rivalidad en curso, finalmente se logró la brillante colaboración de Twyla Tharp (una de las danzas vanguardistas / contemporáneas de vanguardia del siglo XX) y la danza del ballet. El tiempo actual nos ve todavía en la atmósfera artística muy competitiva donde los coreógrafos compiten para producir la obra más impactante; sin embargo, todavía quedan destellos de belleza y mucho baile increíble en una época en la que la técnica de la danza ha progresado más en destreza, fuerza y flexibilidad que nunca antes en la historia.
Baile callejero / Baile hip-hop
Al mismo tiempo, la cultura de masas experimentó la expansión del baile callejero . En 1973, el famoso grupo Jackson 5 realizó en televisión un baile llamado Robot (coreografiado por el artista posmoderno [16] Michael Jackson ), una forma de baile cultivada en Richmond, CA. Este evento y las actuaciones posteriores de Soul Train de bailarines negros (como Don Cambell) encendieron una revolución de la cultura callejera, en cierto sentido. B-boying en Nueva York, Locking en LA, Popping en Fresno, CA, Boogaloo en Oakland, CA, Robot en Richmond, CA, todos tuvieron sus propias explosiones creativas alrededor de finales de los 60 y 70. Cada uno con sus propias historias, prácticas, innovadores y fundamentos.
Para conocer el surgimiento de la danza moderna del siglo XX, consulte también: Mary Wigman , Gret Palucca , Harald Kreutzberg , Yvonne Georgi e Isadora Duncan .
El baile hip-hop comenzó cuando Clive Campbell, también conocido como Kool DJ Herc y padre del hip-hop, llegó a Nueva York desde Jamaica en 1967. Llevando las semillas del reggae de su tierra natal, se le atribuye ser el primer DJ en usar dos tocadiscos y copias idénticas del mismo disco para crear sus jams. Pero fue su extensión de las pausas en estas canciones, la sección musical donde los ritmos de percusión eran más agresivos, lo que le permitió crear y nombrar una cultura de chicos y chicas de pausa que la dejaron cuando surgieron las pausas. Brevemente denominados b-boys y b-girls, estos bailarines fundaron el breakdance , que ahora es una piedra angular del baile hip-hop.
Ver también
- Historia del ballet
Referencias
- ^ Frederick, Eva (23 de diciembre de 2019). "Los chimpancés bailarines pueden revelar cómo los humanos comenzaron a bailar" . Ciencia . doi : 10.1126 / science.aba6904 .
- ^ Heather Whipps (10 de marzo de 2006). "Danza de supervivencia: cómo los humanos bailaron a través de la edad de hielo" . Ciencia viva .
- ^ Manorma Sharma (2007). Patrimonio musical de la India . pag. 65. ISBN 978-8131300466.
- ^ "Música y Danza" . Pan Historia .
- ^ Kassing, Gayle (15 de agosto de 2014). Descubriendo la Danza . Editores de cinética humana. pag. 132. ISBN 978-1450468862.
- ^ Manohar Laxman Varadpande (1987). Historia del teatro indio, volumen 2 . págs. 36–40. ISBN 9788170172789.
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- ^ Marie-Josèphe Bossan (2004). El arte del zapato . Parkstone Press Ltd. pág. 164. ISBN 978-1859958032.
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- ^ Ensayo de Ntongela Masilela.
Otras lecturas
- Adshead-Lansdale, J. (ed.) (1994). Historia de la danza: una introducción . Routledge. ISBN 0-415-09030-X .
- Charman, S. Kraus, R, G. Chapman, S. y Dixon-Stowall, B. (1990). Historia de la Danza en el Arte y la Educación . Educación Pearson. ISBN 0-13-389362-6 .
- Dils, A. (2001). Historia en movimiento / Culturas de la danza: un lector de historia de la danza . Prensa de la Universidad Wesleyana. ISBN 0-8195-6413-3 .
- Wallace, Carol McD .; et al. (1986). Danza: una historia muy social . Nueva York: Museo Metropolitano de Arte. ISBN 9780870994869.
- Madera, Melusine (1952). Algunas danzas históricas del siglo XII al XIX; su manera de actuar y su lugar en la vida social de la época , Londres: Sociedad Imperial de Maestros de Danza.
enlaces externos
- Ilustraciones históricas de danza desde el 3300 a. C. hasta el 1911 d. C. del Proyecto Gutenberg
- La historia de las zapatillas de punta y la técnica (ballet)