Masaaki Yuasa (湯 浅 政 明, Yuasa Masaaki , nacido el 16 de marzo de 1965) es un director, guionista y animador japonés afiliado a Science SARU , un estudio de animación japonés que cofundó con el productor Eunyoung Choi en 2013. Yuasa anteriormente se desempeñó como presidente of Science SARU, pero renunció a este cargo en 2020. [1] Reconocido por su estilo artístico idiosincrásico y su voz de director, Yuasa comenzó su carrera como animador en la serie de televisión histórica Chibi Maruko-chan (1990-92) y Crayon Shin -chan (1992-presente), [2] antes de pasar a la dirección con el largometraje Mind Game(2004) y desarrollando un atractivo de culto a continuación. [3]
Masaaki Yuasa 湯 浅 政 明 | |
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Nació | Fukuoka , Japón | 16 de marzo de 1965
Nacionalidad | japonés |
alma mater | Universidad de Kyushu Sangyo |
Ocupación | |
Años activos | 1987-presente |
Empleador |
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Sitio web | www |
Yuasa pasó gran parte de la década de 2000 y principios de la de 2010 trabajando en dirección de televisión, dirigiendo un trío de series, Kemonozume (2006), Kaiba (2008) y The Tatami Galaxy (2010), antes de lanzar el cortometraje financiado por crowdfunding Kick-Heart (2013). . [4] Durante la producción de Kick-Heart , Choi propuso el establecimiento de Science SARU, [5] y las obras resultantes creadas en el estudio, combinadas con una mayor distribución internacional, llevaron a grandes éxitos en la década de 2010 y vieron a Yuasa ascender a prominencia como uno de los creadores independientes más importantes de Japón. [6] [7] En Science SARU, Yuasa se centró en la dirección de producciones de cine y televisión, comenzando con un episodio de la serie animada estadounidense Adventure Time (2014); [8] , y continuando con Ping Pong the Animation (2014), [9] , The Night Is Short, Walk On Girl (2017), [10] Lu Over the Wall (2017), [11] Devilman crybaby (2018) , [12] Ride Your Wave (2019), [13] Super Shiro (2019), [14] ¡ Mantén tus manos fuera de Eizouken! (2020), [15] y Japan Sinks: 2020 (2020). [dieciséis]
Las producciones de Yuasa han ganado elogios de la crítica internacional, recibiendo premios de Annecy , [17] [18] el Premio de Cine de la Academia de Japón , [19] los Premios de Cine Mainichi , [20] [21] y el Festival de Artes de Medios de Japón . [22] [23] [24] [25] El proyecto actual de Yuasa, el largometraje Inu-Oh , está programado para su estreno en 2021. [26]
Vida temprana
Masaaki Yuasa nació el 16 de marzo de 1965 en Fukuoka , Japón. Cuando era niño, a Yuasa le gustaba la animación, y ya en el jardín de infancia descubrió que podía entretener a sus compañeros de clase con sus dibujos. A pesar de la presión para abandonar la animación y pasar a intereses más serios a medida que llegaba a la adolescencia, Yuasa se sintió alentado por el auge inicial de la animación japonesa dirigida a adultos impulsado por el éxito de Space Battleship Yamato , [27] y esto lo llevó a continuar dibujando. [28] Se graduó de la Universidad de Kyushu Sangyo con una licenciatura en bellas artes y se especializó en pintura al óleo. Durante sus años universitarios, a Yuasa le preocupaba no poder ganarse la vida como animador, pero continuó estudiando animación televisiva mientras se transmitía y se familiarizó con los animadores cuyos estilos personales resonaban en él. [27]
Influencias
En su juventud, Yuasa se sintió atraído inicialmente por la serie de animación televisiva Mazinger Z (1972-74) y Space Battleship Yamato (1974-75). Una influencia crucial que llevó a Yuasa a trabajar en la industria fue el debut cinematográfico histórico de Hayao Miyazaki , Lupin III: El castillo de Cagliostro (1979). En la década de 1980, Yuasa comenzó a centrarse en el estudio de animadores individuales, a saber, Takashi Nakamura y su trabajo en Golden Warrior Gold Lightan (1981-82). [27] También estudió animación internacional, con influencias particulares siendo las obras de Tex Avery , [3] la película británica Yellow Submarine (1968), el rey y el ruiseñor (1980) por el francés realizador Paul Grimault , y Glen Keane 's trabajo de animación en la secuencia culminante de la pelea en The Fox and the Hound (1981). [29] Fuera de la animación, Yuasa también fue influenciado por el arte de Salvador Dalí . [3]
Yuasa describió su proceso de inspiración:
"Me inspiro con muchas cosas que veo, escucho, huelo y toco en la vida cotidiana ... A menudo me inspiro incluso en imágenes realmente modestas; un comercial, un corte de una película, un movimiento de un anime también como flores y pastos sin nombre que florecen en la carretera, nubes, estrellas y lunas en el cielo. También me inspira lo que me interesa y siento actualmente. Mi humilde deseo para crear anime es tener imágenes, conversaciones, y escenas sublimadas en obras de arte ". [3]
Carrera profesional
Inicios como animador
Al graduarse, Yuasa buscó trabajo consultando anuncios de reclutamiento publicados en la revista de animación Animage . Después de responder a un anuncio publicado por Ajia-do , el estudio lo contrató como animador intermedio . Yuasa inicialmente luchó y llegó a creer que carecía de talento y, por lo tanto, no tenía futuro en el negocio. Después de una enfermedad, pensó en dejar de fumar, pero al no tener una buena oportunidad para hacerlo, continuó. Un punto de inflexión clave en su percepción de sus habilidades artísticas se produjo durante su transición del dibujo entre la animación, que requiere un trabajo de vida limpio y uniforme que sea consistente de artista a artista, al dibujo de animación clave , que establece las poses clave del movimiento y son más reflexivas. de las sensibilidades individuales de movimiento de cada artista. El estilo de dibujo natural de Yuasa era rápido, intuitivo y tosco; carecía de las líneas finas acentuadas como intermedias. Como resultado, cuando Yuasa se convirtió en un animador clave, pudo utilizar su estilo de línea más tosco para una mayor expresión personal y comenzó a hacerse un nombre. [27] Durante este tiempo, Yuasa también recibió aliento y consejos del cofundador de Ajia-do, Osamu Kobayashi , un animador veterano con décadas de experiencia. Kobayashi le dijo a Yuasa que no podía considerarse un maestro de la animación a menos que utilizara dibujos abstractos como parte de su movimiento; aunque estos fotogramas individuales no se distinguen en el desenfoque del movimiento completo, influyen subconscientemente en la percepción del movimiento y la escena en su conjunto por parte del espectador. Los consejos se sincronizaron con el propio estudio de Yuasa sobre las técnicas de animación internacional y, cada vez más, las integró en su trabajo. Yuasa también fue asesorado por otro cofundador de Ajia-do, el animador y director Tsutomu Shibayama , quien se desempeñó como mentor y le brindó orientación artística formativa. [29]
Yuasa obtuvo sus primeros créditos importantes como animador clave en 1990 en la histórica serie de televisión Chibi Maruko-chan (1990-92), en la que Ajia-do trabajó como estudio subcontratista. [30] Basado en un manga popular, Chibi Maruko-chan fue un gran éxito y brindó oportunidades para que Yuasa refinara sus habilidades. Su siguiente avance llegó con la película Chibi Maruko-chan: My Favorite Song (1992), en la que se le confió dos secuencias musicales. Yuasa hizo el guión gráfico de las secuencias, la primera vez que asumió esta responsabilidad, y pudo animarlas con su propio estilo característico; más tarde identificó estos segmentos como la primera vez que la apreciación de su trabajo por parte de otros artistas lo llevó a considerar su propio trabajo como bueno. [27]
En 1992, el siguiente gran paso en la carrera de animación de Yuasa ocurrió cuando se unió al equipo de producción de la serie Crayon Shin-chan (1992-presente) de larga duración e inmensamente popular . La franquicia Crayon Shin-chan, que consta de una serie de televisión, numerosos especiales de televisión y estrenos anuales de películas en cines, se convirtió rápidamente en una empresa masiva con trabajo continuo y oportunidades de producción. Trabajando bajo la guía del director supervisor Mitsuru Hongo , Yuasa asumió una variedad de roles dentro de las muchas producciones de cine y televisión de la franquicia, que incluyen animación clave, guiones gráficos, diseño de escenarios y fondos, diseño de utilería y vehículos, y contribución de conceptos e ideas de la historia. [31] Yuasa rápidamente se convirtió en un especialista en imaginar, diseñar y animar los inventivos clímax visuales de las películas anuales de Crayon Shin-chan , una práctica que continuó durante casi una década. [32] Fue durante su trabajo en Crayon Shin-chan que Yuasa finalmente encontró placer en su trabajo artístico, [27] así como su primer deseo de convertirse en director. [31] Ese mismo año, Yuasa tuvo su primera oportunidad de dirigir un episodio de la animación de vídeo original (OVA) serie del animado Rakugo Kan (1992). Yuasa dirigió el tercer episodio de la serie, titulado The Squash Seller . Estilísticamente, el episodio reflejó la admiración de Yuasa por la animación creada por Kobayashi y Shimoyama al principio de sus carreras y, por lo tanto, tuvo una estética visual diferente a las obras posteriores de Yuasa. Más que un homenaje, el episodio reflejó una continuación del arte personal de Yuasa; aunque inicialmente pensó que desarrollaría un estilo completamente diferente, al final, incorporó elementos de la animación de Kobayashi y Shimoyama en la suya. [31] [33]
1994 vio dos desarrollos significativos en la carrera de animación de Yuasa'a: dejar Ajia-do para convertirse en animador independiente y participar como director de animación en el cuarto episodio de la histórica serie de OVA The Hakkenden: A New Saga (1993-95). [31] Basado en la épica novela histórica Nansō Satomi Hakkenden (1814-42) y animada con un estilo serio y realista, El Hakkenden fue un desafío único para Yuasa, quien hasta ese momento había trabajado en obras cómicas con un estilo libre y suelto. estética visual fluida. Esto resultó en una desconfianza inicial de Yuasa por parte del equipo de producción de AIC , el estudio responsable de la serie. [27] Sin embargo, Yuasa había sido invitado a unirse a la producción por el director de episodios y animador inconformista Shinya Ohira, quien después de ver su trabajo en Crayon Shin-chan lo buscó y lo colocó en una posición de responsabilidad para supervisar la animación de su episodio. de la serie, titulada La resurrección de Hamaji . [31] Aunque la producción fue caótica debido a un programa comprimido que no permitió el tiempo suficiente para garantizar la coherencia visual tradicionalmente apreciada en la animación, el resultado fue un episodio distintivo con énfasis en el realismo, las técnicas de cámara en movimiento y la atención expresiva a los pequeños. detalles de la actuación del personaje. Como resultado de este trabajo, Ohira colaboró con Yuasa en producciones posteriores. [34] La resurrección de Hamaji generó una conversación considerable dentro de la industria de la animación japonesa, fue citada como una de las producciones animadas japonesas más importantes de la década de 1990 y descrita como una obra maestra de la animación japonesa. [27] [35] [36]
Tras el éxito de Hamaji's Resurrection , Yuasa continuó trabajando como animadora independiente durante el resto de la década de 1990, incluido el trabajo en el largometraje de Studio Ghibli My Neighbors the Yamadas (1999). Este trabajo independiente trajo oportunidades adicionales de dirección y supervisión tempranas. Estos incluyeron la película piloto de televisión Vampiyan Kids (1999), que Yuasa dirigió e hizo un guión gráfico; el cortometraje Slime Adventures: Yay, the Sea! (1999), basada en la popular franquicia Dragon Quest , dirigida por Yuasa; y el aclamado cortometraje Cat Soup (2001), en el que se desempeñó como guionista y productor de animación. [37] Cat Soup fue un éxito de crítica, ganando un premio a la excelencia de animación en el Japan Media Arts Festival . [38] El proyecto Cat Soup , en particular, sirvió como trampolín para que Yuasa pasara de lleno a la fase de dirección de su carrera. [39]
Pasar a la dirección y al juego mental
La oportunidad de Yuasa de pasar a la dirección de largometrajes llegó cuando Eiko Tanaka , cofundadora y directora ejecutiva de Studio 4 ° C , le pidió a Yuasa que adaptara el manga Mind Game de Robin Nishi . Aunque el manga era poco conocido por el público en general, varios miembros prominentes del personal de Studio 4 ° C estaban apasionados por el título, y el cofundador del estudio, Kōji Morimoto, había presentado previamente a Yuasa a la serie. Yuasa sintió que el material le sentaba bien y accedió a dirigir el proyecto. [40] La producción utilizó una sensibilidad visual experimental, incorporando una variedad de estilos ilustrados e incluyendo el uso de imágenes de acción en vivo. Yuasa se inspiró para hacer uso de esta combinación de estilos con el fin de preservar la sensación del manga original, que fue dibujado en un estilo tosco y visual. En palabras de Yuasa, "quería que pareciera que no habíamos trabajado mucho en ello, aunque por supuesto que lo hicimos". [41] Aunque la historia de la película se apegó a la del manga original, Yuasa hizo un cambio significativo: alteró el final para que fuera más positivo para todos los personajes, no solo para el protagonista. La intención de este cambio se reflejaría en los trabajos futuros de Yuasa: un deseo de crear historias positivas, donde la acción apasionada da como resultado la culminación de sueños y deseos. [42]
Producido con un pequeño presupuesto, [41] la realización de Mind Game tomó dos años y nueve meses desde la planificación hasta su finalización. [39] La producción también fue el primer proyecto de Yuasa con su colaborador artístico frecuente Nobutake Ito, a quien se le encomendó la tarea de animar la secuencia culminante de la película; [43] Ito posteriormente se desempeñaría como diseñador de personajes y director de animación en muchos de los proyectos posteriores de Yuasa. [44] Mind Game fue lanzado en 2004 pero no logró un éxito comercial; Luego del lanzamiento de la película, Yuasa luchó por encontrar productores que lo apoyaran. [3] Sin embargo, Mind Game pasó a convertirse en un éxito de culto y ha logrado generalizado reconocimiento de la crítica mundial, ganando las concesiones de la película Mainichi ' Premio Noburō Ōfuji , [20] el Gran Premio de Japón Media Arts Festival de Animación, [22] y la Fantasía Premios del Festival Internacional de Cine a la Mejor Película, Director, Guión y Realización Visual, así como el Premio del Público a la Mejor Película de Animación. [45] Tras el eventual lanzamiento de la película en los Estados Unidos, Mind Game logró una calificación del 100% en el agregador de reseñas Rotten Tomatoes . [46]
Dirección de televisión en Madhouse
Tras el lanzamiento de Mind Game , la siguiente oportunidad de director de Yuasa llegó cuando Masao Maruyama , el cofundador de Madhouse , brindó una oportunidad única. Maruyama, quien a lo largo de sus décadas en el negocio se había ganado la reputación de realizar proyectos animados que ningún otro productor consideraría, [47] le ofreció a Yuasa la oportunidad de dirigir series de televisión en Madhouse. Además, Maruyama usó su poder como productor veterano para empujar a las cadenas de televisión a tomar riesgos, lo que le permitió a Yuasa libertad creativa y la oportunidad de crear precisamente el tipo de contenido que quería hacer. [4] [48] El primero de estos proyectos fue la serie original de romance de terror Kemonozume (2006), que Yuasa creó, dirigió y escribió. [37] La producción marcó un desarrollo significativo en la carrera de Yuasa, ya que resultó en que conoció a un colaborador clave: el artista surcoreano Eunyoung Choi, quien se había mudado recientemente a Japón para convertirse en animador. [49] El trabajo de Choi en Kemonozume como animadora clave y directora de animación de episodios ganó elogios de sus compañeros animadores y fans, [50] [51] y la llevó a participar en los proyectos posteriores de Yuasa. [52] Kemonozume fue galardonado con un Premio de Selección del Jurado en el Festival de Artes de Medios de Japón, continuando la racha de éxitos críticos de Yuasa. [53]
Antes de comenzar su próximo proyecto en Madhouse, Yuasa regresó brevemente a Studio 4 ° C para dirigir un cortometraje para el proyecto de antología del estudio Genius Party (2007). La película, titulada Happy Machine , se centra en los viajes de un bebé a través de un mundo misterioso y peligroso. Producida con un pequeño equipo de solo cuatro animadores clave, [54] Happy Machine representó una continuación del desarrollo del estilo visual surrealista de Yuasa, ganando elogios tanto por su sensación atmosférica de asombro, [55] como por el propio Yuasa como líder de Japón. escena de animación experimental. [56]
Al año siguiente, Yuasa dirigió su próxima producción de televisión en Madhouse, la serie dramática de ciencia ficción original Kaiba (2008), que creó, dirigió y escribió. [57] El proyecto vio una expansión de la colaboración con Eunyoung Choi, quien dirigió y guió episodios de la serie, así como coescribió un episodio con Yuasa. [58] Una serie narrativamente ambiciosa que trata sobre la memoria, la identidad y la desigualdad social, Kaiba recibió un Premio a la Excelencia en el Festival de Artes de Medios de Japón, [59] y obtuvo una atención crítica positiva por sus imágenes de ensueño e historia imaginativa, con especial énfasis en el impacto emocional generado al combinar imágenes infantiles con temas maduros y, en ocasiones, una pérdida devastadora. [60] [61] [62]
En 2010, Yuasa completó su tercera y última serie de televisión en Madhouse, el absurdo drama psicológico The Tatami Galaxy (2010). Adaptada de una novela de Tomihiko Morimi , la serie sigue las desventuras de un estudiante sin nombre que, a través de medios sobrenaturales, revive repetidamente su último año en la universidad en un intento por lograr sus concepciones idealizadas del romance y la felicidad. [63] Después de ser abordado con la oportunidad de adaptar la novela, Yuasa rápidamente vio el atractivo de la historia y estuvo de acuerdo, aunque el proyecto presentaba desafíos para transferir el estilo ingenioso e intensivo en diálogos del trabajo original a un medio visual. Para capturar el atractivo de la novela, Yuasa enfatizó el uso de una edición rápida y un diálogo acelerado, con el fin de transmitir el flujo de narración de la conciencia del protagonista . [64] A diferencia de los anteriores Kemonozume y Kaiba , que se transmitieron en la red de televisión por satélite WOWOW , [65] El Tatami Galaxy se transmitió en la televisión nacional a través del bloque de programación Noitamina de Fuji TV . [48] El acuerdo de transmisión con Fuji TV marcó el comienzo de una relación continua con el productor Kōji Yamamoto, quien se desempeñó como productor principal de Noitamina antes de partir para fundar su propia compañía de desarrollo Twin Engine ; esta relación cubriría el lanzamiento de varios proyectos posteriores durante la década siguiente. [66] El Tatami Galaxy fue un éxito crítico inmediato, ganando el Gran Premio de Animación del Festival de Artes de Medios de Japón, [23] así como el Premio a la Animación de Televisión Sobresaliente en el Festival de Premios de Anime de Tokio . [67] Como el primero de los proyectos de Yuasa en recibir un lanzamiento en streaming en Norteamérica, [68] la serie ayudó a aumentar la conciencia de su trabajo a nivel mundial, y posteriormente fue nombrada una de las mejores series animadas japonesas de la década. [69] [70]
Tras la finalización de The Tatami Galaxy , Madhouse fue adquirida por el conglomerado de medios de radiodifusión NTV , [71] . La cultura corporativa del estudio experimentó un cambio y el director creativo de Madhouse, Masao Maruyama, se fue para fundar una nueva productora. [72] Yuasa buscó una vez más oportunidades con otros estudios, [4] incluyendo unirse a la producción de la brevemente A-1 Fotos película bienvenido al programa espacial (2010), por la que dirigió y animó una secuencia corta. [37] [73] También dirigió la serie corta Shin-men (2010-12), un grupo de episodios especiales integrados en la serie de televisión principal de Crayon Shin-chan . [37]
Colaboración, crowdfunding y fundación de Science SARU
Yuasa aprovechó la conclusión de su trabajo en Madhouse para reunirse con su colaborador Eunyoung Choi, quien había dejado Madhouse después de trabajar en The Tatami Galaxy para dirigir Ankama Japan, una subsidiaria con sede en Japón de la compañía francesa de entretenimiento y animación Ankama . [74] El estudio recién inaugurado combinó técnicas de animación tradicional dibujada a mano con animación digital creada a través de Adobe Animate y otros programas, [75] un nuevo enfoque que Yuasa no había utilizado anteriormente. [76] El estudio no solo era una empresa comercial internacional, sino también creativa, con 25 animadores europeos trabajando en el estudio con sede en Tokio. En una inversión de sus roles anteriores, Yuasa se unió a un proyecto que Choi había organizado, un episodio de la serie animada Wakfu de la compañía titulada Noximilien the Watchmaker (2010); Choi dirigió el episodio, mientras que Yuasa se desempeñó como diseñadora de personajes. [77] Poco después de la finalización del episodio, se produjo el terremoto y tsunami de Tōhoku de 2011 y Ankama cerró el estudio de Japón. [74] [76] Sin embargo, la experiencia en Ankama Japón, que mezcló un equipo de animación internacional con un método de producción que utiliza animación tradicional y digital, sirvió de modelo para el estudio posterior de Yuasa y Choi, Science SARU.
Yuasa y Choi continuaron su colaboración en su próximo proyecto, el cortometraje financiado por crowdfunding Kick-Heart (2013), que Yuasa dirigió y escribió, y para el cual Choi se desempeñó como asistente de dirección. [78] Una historia de amor poco probable que gira en torno a un luchador masculino masoquista y su oponente femenina sádica, la película fue producida en Production IG y fue el primer proyecto animado japonés a gran escala en ser financiado con éxito en Kickstarter , recaudando más de $ 200,000 de más de 3,200. patrocinadores en todo el mundo. [79] La película recibió un par de proyecciones sorpresa sin previo aviso por Cartoon Network 's Toonami bloque de programación que alcanzó índices de audiencia de 708.000 y 618.000, [80] y obtuvo críticas positivas por su colorido narración visual. [81] [82] Kick-Heart fue una selección oficial de la competencia en Annecy , [83] fue galardonado con un Premio de Selección del Jurado en el Festival de Artes de Medios de Japón, [84] y ganó el premio al Mejor Cortometraje de Animación en el Festival Fantasia . [85]
Durante la producción de Kick-Heart , Choi propuso establecer un estudio con Yuasa. [86] En febrero de 2013, la nueva empresa se estableció con el nombre de Science SARU . [87] Yuasa y Choi se decidieron por el nombre, que se traduce al inglés como "Science Monkey", en un intento de combinar un enfoque tecnológico internacional (la parte 'Science' del nombre, traducido en inglés), con un japonés , identidad de animación tradicional (la parte 'SARU', renderizada en japonés). [86] Además, Yuasa, que con frecuencia se dibujaba a sí mismo como un mono en los autorretratos, quería que el estudio fuera más inteligente que un mono; como resultado, agregó la palabra Ciencia frente a SARU con la intención de tener una empresa que posea tanto instinto como inteligencia. [88] La primera ubicación de producción del estudio fue una pequeña casa suburbana convertida en un espacio de trabajo improvisado; a finales de 2013, la empresa se había expandido a cinco empleados. [89]
Primeros trabajos en Science SARU
El nuevo estudio de Yuasa inició su actividad corporativa asumiendo trabajos de subcontratación, así como colaborando con otras empresas. El primer proyecto de Science SARU fue un episodio de la serie de televisión estadounidense Adventure Time ; el episodio, titulado Food Chain (2014), fue dirigido por Yuasa, codirigido por Choi, [90] y producido íntegramente en la empresa. [91] Food Chain recibió elogios de la crítica como uno de los mejores episodios de la serie, [92] [93] [94] fue una selección oficial de la competencia en Annecy, [95] y fue nominada para el premio Annie por Mejor Dirección de Televisión. [90]
Más tarde, ese mismo año, Yuasa regresó a la dirección de series de televisión con una adaptación del manga deportivo de Taiyō Matsumoto , Ping Pong the Animation (2014). Además de dirigir la serie, Yuasa escribió e hizo un storyboard de todos los episodios. [96] Science SARU proporcionó servicios de producción de animación "asistidos digitalmente", [9] mientras que Tatsunoko Production sirvió como estudio principal. [96] La serie también reunió a Yuasa con su antiguo colaborador de animación Shinya Ohira, quien contribuyó con la secuencia de créditos de apertura. [36] Un gran éxito de crítica, la serie se destacó como una de las mejores series animadas japonesas de la década. [69] [97] [98] [99] Ping Pong the Animation fue galardonado con un premio de selección del jurado en el Japan Media Arts Festival, [100] y ganó el gran premio de animación televisiva en el Tokyo Anime Awards Festival; Además, el diseñador de personajes y colaborador de muchos años Nobutake Ito ganó el premio al Mejor Animador por logros individuales. [101]
Yuasa terminó 2014 dirigiendo un episodio de la serie de televisión BONES Space Dandy (2014). [102] El episodio, titulado "Slow and Steady Wins the Race, Baby" , fue producido conjuntamente por BONES y Science SARU y recibió elogios de la crítica. [103] [104] [105]
Volver a largometrajes
A principios de 2016, Science SARU había ganado experiencia y estaba lista para emprender proyectos a gran escala. La primera producción cinematográfica del estudio, la película de fantasía para familias Lu Over the Wall (2017), se produjo en menos de 16 meses utilizando técnicas de animación 'asistidas digitalmente'. [89] Yuasa dirigió y coescribió Lu Over the Wall ; fue su primer largometraje con una historia original. [11] La película presenta la importancia de la autoexpresión como tema central; Yuasa hizo hincapié en este aspecto de la historia con la esperanza de animar a los jóvenes de Japón, que sentía que a menudo no podían expresar sus verdaderos sentimientos y emociones. Yuasa también decidió enfocar este proyecto en una audiencia familiar con el deseo de volver a la sensibilidad de sus trabajos anteriores como animador, incluidos Crayon Shin-chan y Chibi Maruko-chan . [106]
Durante la producción de Lu Over the Wall , a Yuasa se le ofreció la oportunidad de producir un segundo largometraje, la comedia romántica The Night Is Short, Walk On Girl (2017), basada en la novela de Tomihiko Morimi. [10] La oferta sirvió como una oportunidad única para Yuasa, quien previamente había esperado adaptar la novela en 2010 después de la finalización de The Tatami Galaxy , pero debido a circunstancias en ese momento no pudo hacerlo. Cuando se le dio otra oportunidad en 2016, aceptó de inmediato y aprovechó el trabajo preparatorio que había realizado cuando se le ofreció inicialmente el proyecto. La película reunió a la mayoría del personal creativo clave que había trabajado en The Tatami Galaxy , y la historia sirvió como un sucesor espiritual y como una narrativa paralela a la serie anterior. El momento del proyecto dio como resultado que el trabajo de preproducción de The Night is Short, Walk On Girl se superpusiera con la postproducción de Lu Over the Wall . [107] [108] Aunque Lu Over the Wall se completó primero, se lanzó después de The Night is Short, Walk On Girl ; esto se debió en parte a una sugerencia de marketing de que sería preferible que la primera película del estudio se basara en una propiedad preexistente familiar para el público japonés. [109]
Tanto Lu Over the Wall como The Night is Short, Walk On Girl recibieron elogios inmediatos de la crítica. Lu Over the Wall recibió el Annecy Cristal du long métrage, [17] [89] el Premio Ōfuji Noburō de los Mainichi Film Awards, [21] y el Gran Premio de Animación del Japan Media Arts Festival. [24] The Night is Short, Walk On Girl recibió el Premio de Cine de la Academia Japonesa a la Animación del Año , [19] el Gran Premio del Festival Internacional de Animación de Ottawa a la Mejor Película de Animación, [110] un Premio de Selección del Jurado en Japan Media Arts Festival, [111] y ha sido catalogado como una de las mejores películas animadas japonesas de la década. [112] [113] [114]
Reconocimiento internacional
En 2018, Yuasa logró un amplio reconocimiento internacional tras el lanzamiento de sus trabajos cinematográficos anteriores, así como el debut de una nueva serie histórica. [115] El comienzo del año vio Mind Game , Lu Over the Wall y The Night is Short, Walk On Girl con licencia para su lanzamiento en Norteamérica por el aclamado distribuidor de animación GKIDS . [116] Sin embargo, aún más importante para la prominencia internacional de Yuasa fue el lanzamiento de la serie de Netflix Devilman crybaby (2018), basada en el manga de Go Nagai . [12] Yuasa había sido fanático del manga original desde la infancia, pero nunca había soñado que tendría la oportunidad de adaptarlo. Entre sus decisiones creativas clave en la adaptación de la historia se encuentran la de representar el contenido sexual y violento de una manera irrestricta que no era posible cuando se publicó inicialmente el manga, y actualizar los personajes delincuentes juveniles del original como jóvenes raperos que usan la música para hablar. sus mentes libremente. [117] Devilman crybaby fue un éxito internacional inmediato y masivo; [118] [119] con el 90% de sus espectadores fuera de Japón, la serie logró la mayor audiencia mundial tanto para Yuasa como para Science SARU hasta esa fecha. [65] La serie inspiró memes de Internet , [21] [120] fue perfilada por YouTuber PewDiePie , [121] y fue ampliamente discutida en Twitter . [122] La serie fue nominada en 7 categorías en los Crunchyroll Anime Awards y ganó como Anime del año y Director del año, [123] recibió un premio de selección del jurado en el Japan Media Arts Festival, [124] fue citado por Vulture contiene una de las 100 secuencias más influyentes en la historia mundial de la animación, [125] y fue catalogado como una de las mejores series animadas japonesas de la década. [69] [97] [98] [126] [127]
En 2019, Yuasa dirigió su próximo largometraje, el romance Ride Your Wave (2019). Una historia original, [13] la película se centra en una pareja poco probable que es capaz de unirse a pesar de la angustia, y trata sobre temas meditativos de la pérdida. A pesar del éxito de Lu Over the Wall , tras la finalización de esa película, Yuasa lidiaba con la misma falta de confianza en su trabajo que había marcado su carrera anterior. Sintió que representar una historia con dos personajes que carecían de confianza en sí mismos, pero fueron capaces de superar este y otros obstáculos aceptando el riesgo y montando las olas metafóricas de la vida, sería significativo tanto para el público como para él mismo. [128] [129] Ride Your Wave recibió elogios de la crítica mundial y le valió a Science SARU las mejores críticas del estudio hasta la fecha. [130] La película fue una selección oficial de la competencia en Annecy, [131] fue nominada al premio Mainichi Film Award a la mejor película de animación, [132] fue nominada a los premios Annie en las categorías de Mejor Largometraje Indie y Mejor Dirección de Largometraje, [ 133] recibió un premio de selección del jurado en el Festival de artes mediáticas de Japón, [134] y ganó los premios a Mejor largometraje de animación en el Festival Internacional de Cine de Shanghai , [135] Festival Internacional de Cine Fantasia, [136] y Festival de Cine de Sitges . [137]
También en 2019, Yuasa se desempeñó como directora de la serie Super Shiro (2019-20), una entrega de la popular franquicia Crayon Shin-chan . Yuasa colaboró en tareas de dirección con el veterano animador Tomohisa Shimoyama , quien hizo su debut como director con la serie. El proyecto, animada en Ciencia SARU y producida en asociación con el principal Shin-chan estudio Shin-Ei Animación , sirvió como culminación de una larga y duradera asociación de Yuasa con Shin-chan , que de nuevo a sus años como animador de fecha. [14] La serie se distribuyó por streaming y se emitió en Japón y en toda la región de Asia y el Pacífico , excluida China. [138] El final del año vio la década de 2010 anunciada como la "década de ruptura" de Masaaki Yuasa; [6] [7] colectivamente, Devilman crybaby y el estreno de las películas de Yuasa en los Estados Unidos lo llevaron a ser reconocido como uno de los directores de animación más importantes y emocionantes. [2] [21] [65]
¡En 2020, Yuasa dirigió la serie de televisión de comedia Keep Your Hands Off Eizouken! (2020), basado en el manga de Sumito Ōwara. La serie gira en torno a tres chicas de secundaria que crean animación como apasionadas amateurs. [15] Antes de que se propusiera el proyecto, Yuasa había descubierto el manga después de ver comentarios de fans en línea que sugerían que adaptara el título. La producción alentó a los miembros del personal de Science SARU, incluida Yuasa, a compartir sus propias experiencias sobre la creación de animación, todo lo cual se sumó a la historia. [5] La serie impulsó las ventas del manga original, [139] inspiró memes de Internet, [140] [141] y ganó el Galaxy Award mensual de la Asociación Japonesa de Críticos de Transmisiones durante su transmisión. [142] Después de la conclusión de la transmisión, ¡ mantén tus manos fuera de Eizouken! recibió elogios de la crítica como una de las mejores series animadas japonesas tanto de la temporada que se emitió como del año en su conjunto, [143] [144] [145] [146] [147] [148] [149] y fue reconocida por The New York Times y The New Yorker como una de las mejores series de televisión de 2020. [150] [151] La serie fue nominada en 10 categorías en los Crunchyroll Anime Awards y ganó como Director del Año y Mejor Animación, [152] fue galardonado con el Gran Premio de Animación de Televisión en el Tokyo Anime Awards Festival, [153] y recibió el Gran Premio de Animación del Japan Media Arts Festival. [25]
Más tarde ese año, Science SARU produjo la serie de Netflix Japan Sinks: 2020 (2020), basada en la novela de desastres de Sakyo Komatsu . Yuasa dirigió junto con Pyeon-Gang Ho, quien hizo su debut como directora con la serie. [16] El proyecto representó un desafío único para Science SARU ya que describió un tema serio en un estilo más realista. [154] En el centro de la concepción de Yuasa de la serie fue la inmediatez del enfoque en una sola familia en medio de una catástrofe nacional, [155] así como la idea de la reencarnación social, donde el proceso de ruptura y reconstrucción puede producir algo mejor que lo que vino antes. . [156] La serie atrajo críticas dentro de Japón por su condena del nacionalismo japonés , [157] pero también recibió atención positiva por su multiculturalismo e inclusión, [155] y fue nombrada como una de las mejores series de anime de 2020. [147] [ 158] El primer episodio de la serie recibió el premio del jurado de Annecy por una serie de televisión, [18] y la serie en su conjunto recibió dos nominaciones en los Crunchyroll Anime Awards. [152] Una versión de recopilación de películas de la serie se estrenó posteriormente en los cines japoneses en noviembre de 2020, [159] y recibió un premio de selección del jurado en el Festival de Artes de Medios de Japón. [160]
El 25 de marzo de 2020, Yuasa dimitió como presidente y director representante de Science SARU. Citó su deseo de tomarse un descanso de la dirección después de siete años de trabajo continuo, pero reafirmó su compromiso de completar proyectos adicionales con Science SARU en el futuro. [1] Eunyoung Choi posteriormente se convirtió en CEO y presidente del estudio. Asimismo, afirmó la continua participación de Yuasa con el estudio como creadora. [161]
A principios de 2021, Yuasa fue reconocido por la Agencia de Asuntos Culturales del gobierno japonés , que le otorgó el Premio del Ministro del Gabinete de Bellas Artes de Medios por sus logros profesionales. [162] Yuasa agradeció a los colaboradores creativos, al personal artístico y a los miembros del elenco de sus obras, diciendo que compartían conjuntamente el honor. [163]
El último proyecto de Yuasa es el drama musical Inu-Oh (2021), basado en la novela de Hideo Furukawa. [26] Ambientada en el Japón del siglo XIV, la historia se centra en un músico ciego y un actor de Noh afligidos por una terrible maldición; Los objetivos de Yuasa con la película son retratar a ambos personajes como equivalentes históricos de las estrellas del pop de hoy en día y utilizar los temas de la narrativa para destacar a las personas marginadas por la sociedad. [164] La película contará con diseños de personajes del creador de Ping Pong , Taiyō Matsumoto, y ha sido licenciada para distribución de videos caseros y teatrales en Norteamérica por GKIDS. [165]
Obras
- Anime Rakugo Kan - Episodio 3 (1992)
- Slime Adventures: ¡Yay, el mar! (1999)
- Vampiyan Kids - Piloto de televisión (1999)
- Juego mental (2004)
- Kemonozume (2006)
- Fiesta de los genios: Máquina feliz (2007)
- Kaiba (2008)
- La galaxia Tatami (2010)
- Shin-men (2010-12)
- Golpe de corazón (2013)
- Space Dandy - Episodio 16: Lento y constante gana la carrera, bebé (2014)
- Ping Pong La animación (2014)
- La noche es corta, camina sobre niña (2017)
- Lu sobre el muro (2017)
- Devilman llorón (2018)
- Monta tu ola (2019)
- Super Shiro (2019-20)
- ¡Mantén tus manos fuera de Eizouken! (2020)
- Fregaderos de Japón: 2020 (2020)
- Japan Sinks: 2020 Theatrical Edition (2020)
- Inu-Oh (2021)
Temas y sensibilidades creativas
Se ha descrito que las obras de Yuasa enfatizan el amor, la bondad y la aceptación. [3] La importancia de la comunicación, la autoexpresión y la capacidad de revelar los verdaderos sentimientos son temas que Yuasa ha expresado y destacado repetidamente como centrales en sus obras. [106] [117] Yuasa siente una afinidad particular por las historias de amor intensamente sentidas; [4] en representaciones de sexo y erotismo, busca visualizar las emociones que experimentan sus personajes y comprender cómo se expresarían sus deseos. [166] Al representar emociones, la intención de Yuasa es mantener el realismo y la autenticidad, pero las imágenes a través de las cuales se representan las emociones pueden ser expresionistas; [4] además, es la opinión de Yuasa que los personajes que se mueven libremente y sin restricciones por un realismo estricto pueden expresar una gama más grande y más fiel de emocionalidad. [106] La transformación también es un motivo central y recurrente, ya sea que se utilice para el espantoso horror corporal de Kemonozume y Devilman: llorón , la visualización de los ciclos de vida en Food Chain , la transformación inesperada de un perro en un superhéroe de Super Shiro , el mágico cambio de forma de Lu Over the Wall , o la renovación social de Japan Sinks: 2020 . [43] [115] [156] [167] Los protagonistas masculinos de Yuasa han sido descritos como esencialmente desamparados, desventurados y temerosos de comunicarse honestamente, [63] [168] pero que son capaces de encontrar su voz a lo largo de la historia. . [106] Si bien los personajes femeninos en sus trabajos anteriores recibieron algunas críticas por no estar tan bien desarrollados, [2] los trabajos posteriores de Yuasa han recibido reconocimiento por protagonistas femeninas fuertes e independientes que no están definidas ni restringidas por supuestos de género. [169] [170] Los problemas generacionales también se presentan en las obras de Yuasa, con un tema recurrente de jóvenes que utilizan la aceptación y la positividad para ayudar a las generaciones mayores a superar los miedos que han causado dolor y discriminación en el pasado. [2] Una identificación representativa y humanista con las personas marginadas por la sociedad, ya sea por raza, discapacidad, identidad de género, sexualidad u otras razones, se encuentra en todo el trabajo de Yuasa. [164] [171] [172] [173] [174] Al contar una historia, Yuasa ha notado que espera darle a la audiencia la libertad de sentir una variedad de formas diferentes sobre el trabajo. No lo ve como su lugar para decirle a los espectadores cómo deben sentirse, sino más bien para mantener un espacio entre su intención y la interpretación de la audiencia que permita impresiones individuales de significado. [4]
Con respecto a las opiniones de Yuasa sobre la industria de la animación japonesa, Yuasa ha expresado el deseo de alejarse de una cultura de trabajo excesivo y largas horas que tradicionalmente han sido endémicas del negocio y, en cambio, centrarse en prácticas que se asemejan más a las utilizadas en Animación americana y europea. Como resultado, Science SARU se ha basado en estas ideas, con énfasis en brindar descanso, tomarse un tiempo libre y mantener un horario de trabajo regular. En opinión de Yuasa, para que la animación japonesa logre un verdadero éxito mundial, la industria debe crear un mejor entorno de trabajo para sus artistas y creadores. [128]
Premios y aclamaciones
Las obras de Masaaki Yuasa han obtenido un gran reconocimiento tanto en Japón como en todo el mundo. Los proyectos que Yuasa ha dirigido, o para los que ha trabajado como principal colaborador creativo, han sido reconocidos por el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy (2 premios, 3 nominaciones), [17] [83] [95] [131] [18 ] la Asociación del Premio de Cine de la Academia de Japón (1 victoria), [19] los Premios de Cine Mainichi (2 victorias, 1 nominación), [20] [21] [132] el Festival de Artes de Medios de Japón (4 victorias, 2 premios de excelencia, 7 selecciones del jurado), [22] [23] [24] [25] [38] [53] [59] [84] [100] [111] [124] [134] [160] los Tokyo Anime Awards (4 victorias ), [67] [101] [153] los Premios Crunchyroll Anime (4 victorias, 16 nominaciones), [123] [152] el Festival Internacional de Animación de Ottawa (1 victoria, 1 nominación), [110] [175] el Shanghai Festival Internacional de Cine (1 victoria, 1 nominación) [135] [176] el Festival de Sitges (1 victoria, 3 nominaciones), [137] [177] [178] el Festival Internacional de Cine de Fantasía (2 victorias, 1 plata, 1 bronce), [85] [136] [179] y los premios Annie (3 nominaciones). [90] [133] Además, Yuasa ha sido reconocido por la Agencia de Asuntos Culturales de Japón con el Premio del Ministro del Gabinete de Bellas Artes de Medios en honor a sus logros profesionales. [162]
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enlaces externos
- Masaaki Yuasa en IMDb
- Masaaki Yuasa en la enciclopedia de Anime News Network