Las copias de Vincent van Gogh forman un importante grupo de pinturas ejecutadas por Vincent van Gogh entre 1887 y principios de 1890 que pueden considerarse arte de apropiación . [1] [2] Mientras estaba en el asilo de Saint-Paul en Saint-Rémy-de-Provence , Francia, donde Van Gogh se admitió, se esforzó por tener sujetos durante los fríos meses de invierno. Buscando revitalizarse artísticamente, Van Gogh hizo más de 30 copias de obras de algunos de sus artistas favoritos. Aproximadamente veintiuna de las obras fueron copias de, o inspiradas por, Jean-François Millet. En lugar de replicar, Van Gogh buscó traducir los sujetos y la composición a través de su perspectiva, color y técnica. El significado espiritual y la comodidad emocional se expresaron a través del simbolismo y el color. Su hermano Theo van Gogh llamaría a las piezas de la serie algunos de sus mejores trabajos.
Mediodía - Descanso del trabajo (después de Millet) | |
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Artista | Vincent Van Gogh |
Año | 1890 |
Medio | Óleo sobre lienzo |
Localización | Musée d'Orsay , París |
Fondo
Durante los meses de invierno en Saint-Remy, Van Gogh tuvo escasez de temas para su trabajo. Residente en el asilo de Saint-Paul, no tenía la libertad que disfrutaba en el pasado, el clima era demasiado frío para trabajar al aire libre y no tenía acceso a modelos para pintar. Van Gogh comenzó a copiar algunas de sus obras favoritas de otros, [3] [4] que se convirtieron en la fuente principal de su trabajo durante los meses de invierno. [5] La Piedad (después de Delacroix ) marca el comienzo de una serie de pinturas que Van Gogh hizo después de artistas como Jean-François Millet , Honoré Daumier y Rembrandt . El trabajo de Millet, que influyó mucho en Van Gogh, ocupa un lugar destacado en esta serie. Le escribió a Theo acerca de estas copias: "Empecé a hacerlas sin darme cuenta y ahora descubro que puedo aprender de ellas y que me dan una especie de consuelo. Luego, mi pincel se mueve entre mis dedos como un arco sobre las cuerdas de un violín ... completamente para mi placer. " [4]
Varias obras religiosas, como La Piedad, se incluyeron en la serie, notables excepciones en su obra . El asilo de Saint-Paul, ubicado en un antiguo monasterio, puede haber proporcionado algo de inspiración para el tema específico. La devoción de las monjas a veces le molestaba, pero encontraba consuelo en la religión. Escribió: "No soy indiferente, y los pensamientos piadosos a menudo me consuelan en mi sufrimiento". [4]
El Museo Van Gogh afirma que Van Gogh pudo haberse identificado con Cristo "que también había sufrido y había sido incomprendido". También ofrecen la conjetura de algunos estudiosos del parecido entre Van Gogh y el Cristo de barba roja en La Piedad y Lázaro en la copia posterior a Rembrandt. Sin embargo, se desconoce si esta fue la intención de Van Gogh. [4]
Copia según Émile Bernard
Émile Bernard , artista y místico católico , era un amigo íntimo de Van Gogh. Bernard influyó artísticamente en Van Gogh de varias formas. Bernard delineó figuras en negro, replicando el aspecto de las imágenes religiosas grabadas en madera de la Edad Media . Esto resultó en una obra más primitiva y aplanada. Cuervos sobre el campo de trigo de Van Gogh es un ejemplo de cómo la forma simplificada de Bernard influyó en su trabajo. [6] Bernard también le enseñó a Van Gogh cómo manipular la perspectiva en su trabajo. Así como Van Gogh usó el color para expresar emociones, usó la distorsión de la perspectiva como un medio de expresión artística y un vehículo para "modernizar" su trabajo. [7]
Como demostración del intercambio de puntos de vista artísticos, Van Gogh pintó una copia en acuarela de un boceto realizado por la mujer Bernard de Breton . Van Gogh le escribió a Bernard sobre un ideal utópico en el que los artistas trabajaban cooperativamente, enfocados en una idea común, para alcanzar alturas artísticas "más allá del poder del individuo aislado". A modo de aclaración, afirmó que eso no significa que varios pintores trabajarán en el mismo cuadro, sino que cada uno creará una obra que "no obstante, van y se complementan". The Breton Women es uno de los muchos ejemplos de cómo Van Gogh y uno de sus amigos llevaron sus temperamentos y habilidades únicos a una sola idea. [8]
Van Gogh le escribió a Bernard su oficio de las mujeres bretonas a Paul Gauguin : "Permítanme dejar perfectamente claro que estaba deseando ver el tipo de cosas que hay en ese cuadro suyo que tiene Gauguin, esas mujeres bretonas que caminan en un prado tan bellamente compuesto, el color con una distinción tan ingenua ". [9] Gauguin hizo una obra, Breton Women at a Pardon, que puede haberse inspirado en la obra de Bernard sobre las mujeres bretonas. [10]
Mujeres bretonas en la pradera de Émile Bernard , agosto de 1888
Vincent van Gogh , Mujeres y niños bretones , noviembre de 1888, Civica Galleria d'Arte Moderna , Milán , Italia (F1422)
Copia después de Virginie Demont Breton
Van Gogh pintó una obra del grabado El hombre en el mar realizado por Virginie Demont-Breton , hija de Jules Breton . Su grabado se exhibió en el Salón de 1889 . [11] La imagen muestra, casi en su totalidad en tonos violetas, una escena pacífica de una madre sentada junto a un fuego con su bebé en su regazo. [12]
Su hombre está en el mar de Virginie Demont-Breton
The Man is at Sea (después de Demont-Breton), 1889, Colección privada (F644)
Copia según Honoré Daumier
En 1882, Van Gogh comentó que las cuatro edades de un bebedor de Honoré Daumier le parecían hermosas y conmovedoras. [13]
Van Gogh le escribió a su hermano Theo sobre la perspectiva artística y la humanidad de Daumier: "Lo que me impresionó tanto en ese momento fue algo tan fuerte y varonil en la concepción de Daumier, algo que me hizo pensar que debe ser bueno pensar y sentir así y pasar por alto o ignorar una multitud de cosas y concentrarnos en lo que nos hace sentarnos y pensar y lo que nos toca como seres humanos de manera más directa y personal que los prados o las nubes ". [14] Los talentos artísticos de Daumier incluían pintar, esculpir y crear litografías. Era bien conocido por sus comentarios sociales y políticos. [15]
Van Gogh hizo Hombres bebiendo después del trabajo de Daumier en Saint-Remy alrededor de febrero de 1890. [16]
Honoré Daumier , Los bebedores , 1862; de Monde Illustré , 25 de octubre de 1862, con el título "Physiologie du buveur, les quatre age" ("Psicología de los bebedores, las cuatro edades")
Vincent van Gogh, Hombres bebiendo (después de Daumier), 1890, Instituto de Arte de Chicago , Illinois (F667)
Copias según Eugène Delacroix
Fondo
Van Gogh, motivado por el libro La imitación de Cristo, que incluía la representación de Cristo como un siervo sufriente, trabajó en repeticiones de la Piedad y el buen samaritano de Eugène Delacroix . En lugar de representar a "un Cristo triunfante en la gloria", describió a Cristo en su período más peligroso y doloroso, su crucifixión y muerte. [17] Al capturar las escenas de su obra religiosa de hace mucho tiempo, Van Gogh describió la perspectiva de Delacroix de cómo pintar las figuras religiosas históricas: "Eug. Delacroix, cuando hizo un Getsemaní, había estado de antemano para ver qué era un olivar como en el lugar, y lo mismo para el mar agitado por un fuerte mistral, y porque debe haberse dicho a sí mismo, estas personas que conocemos de la historia, dogos de Venecia, cruzados, apóstoles, santas mujeres, eran del mismo tipo. como y vivió de manera similar a sus descendientes actuales ". [18]
La influencia de Delacroix ayudó a Van Gogh a desarrollarse artísticamente y a adquirir conocimientos sobre la teoría del color. A su hermano Theo le escribió: "Lo que tanto admiro de Delacroix ... es que nos hace sentir la vida de las cosas, y la expresión del movimiento, que domina absolutamente sus colores". [19]
Cuadro de cuadros
Imagen de Van Gogh | Nombre y detalles | Comentarios |
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El buen samaritano (después de Delacroix) 1890 Museo Kröller-Müller , Otterlo , Países Bajos (F630) | En 1889, Van Gogh expresó su deseo de hacer copias de pinturas, incluido El buen samaritano de Delacroix como una experiencia de aprendizaje. [20] | |
La Piedad (después de Delacroix), primera versión 1889 Colección Vaticana de Arte Religioso Moderno , Ciudad del Vaticano (F757) | Van Gogh hizo las pinturas de la Piedad a partir de una litografía de la pintura de Delacroix. El tema y la composición del original permanecen, pero Van Gogh aporta su propio estilo a la obra de arte. [4] De la Pietà, Van Gogh escribe: "El Delacroix es una" Pietà ", es decir, el Cristo muerto con la Mater Dolorosa . El cadáver exhausto yace en el suelo en la entrada de una cueva, las manos delante de él. en el lado izquierdo, y la mujer está detrás de él. Es por la tarde después de una tormenta, y esa figura desamparada con ropa azul - la ropa holgada está agitada por el viento - se perfila nítidamente contra un cielo en el que las nubes violetas con doradas Los bordes flotan. Ella también extiende sus brazos vacíos ante sí en un gran gesto de desesperación, y se ven las manos buenas y robustas de una trabajadora. La forma de la figura con sus ropas onduladas es casi tan ancha como alta. Y el rostro del muerto está en la sombra, pero la cabeza pálida de la mujer se destaca claramente contra una nube, un contraste que hace que esas dos cabezas parezcan una flor de tonalidad sombría y una flor pálida, dispuestas en tal forma. tanto como para intensificar mutuamente el efecto ". [21] | |
La Piedad (después de Delacroix) 1889 Museo Van Gogh , Ámsterdam , Países Bajos (F630) | El Museo Van Gogh relata cómo Van Gogh se apresuró a comenzar a trabajar en la Piedad: "La litografía de Delacroix La Pietà, así como varias otras, se cayeron en mis óleos y pinturas y se dañaron. Esto me molestó terriblemente, y ahora estoy ocupado haciendo un pintura de ella, como verá. " Aunque manchada, la litografía sobrevivió. [4] |
Copia según Gustave Doré
La ronda de prisioneros (después de Gustave Doré) fue realizada por Van Gogh en el asilo de Saint-Paul en Saint-Rémy . Esta obra, como las repeticiones de las obrasde Eugène Delacroix y Rembrandt , evoca la sensación de aislamiento de Van Gogh, como un hombre encarcelado o moribundo. Aunque triste, se ofrece una sensación de consuelo. [22] En una carta a su hermano, Theo, Van Gogh mencionó que le resultababastante difícilhacerlo y Men Drinking (después de Daumier) . [dieciséis]
Gustave Doré, patio de ejercicios de Newgate , de 'Londres: una peregrinación' de Gustave Dore y Blanchard Jerrold 1872
Vincent van Gogh, Ronda de prisioneros (después de Gustave Doré) , 1890, Museo Pushkin , Moscú , Rusia (F669)
Tras el funeral de Van Gogh, Émile Bernard escribió sobre los estudios en torno a su ataúd: "En las paredes de la habitación donde estaba tendido su cuerpo estaban colgados todos sus últimos lienzos formando una especie de halo para él y la brillantez del genio que irradiaba hicieron que esta muerte fuera aún más dolorosa para los artistas que estuvimos allí ". De la repetición de Doré, dijo: "Convictos caminando en círculo rodeados de altos muros de la prisión, un lienzo inspirado en Doré de una ferocidad aterradora y que también es símbolo de su fin. ¿No era la vida así para él, una alta prisión?" así con muros tan altos, tan altos ... y esta gente caminando sin cesar alrededor de este pozo, ¿no eran los pobres artistas, las pobres almas condenadas que pasaban bajo el látigo del Destino? " [23]
Copia después de Keisai Eisen
Mientras vivía en Amberes, Van Gogh se familiarizó con los grabados japoneses en bloques de madera . En París, el grabado de Keisai Eisen apareció en la portada de mayo de 1886 de la revista Paris Illustré que inspiró a Van Gogh a hacer La cortesana. [24] [25] El número de la revista se dedicó íntegramente a Japón . El autor japonés Tadamasa Hayashi , que vivía en París, familiarizó a los parisinos con información sobre Japón. Además de brindar información sobre su historia, clima y artes visuales, Hayashi explicó cómo era vivir en Japón, como sus costumbres, religión, educación, religión y la naturaleza de su gente . [25]
Van Gogh copió y amplió la imagen. Creó un fondo amarillo brillante y un kimono colorido . Influenciado por otros grabados japoneses, añadió un "paisaje acuático" de bambú y nenúfares. Ranas y grullas, términos utilizados en la Francia del siglo XIX para las prostitutas, con un barco de distancia adornan la frontera. [24]
Una cortesana, Nishiki-e, por Keisai Eisen
La cortesana (después de Eisen) de Vincent van Gogh, 1887, Museo Van Gogh , Amsterdam (F373)
Copias después de Utagawa Hiroshige
A mediados del siglo XIX, Japón se abrió al comercio, poniendo el arte japonés a disposición de Occidente. [26] Las obras de los impresores japoneses , Hiroshige y Hokusai , influyeron mucho en Van Gogh, tanto por el hermoso tema como por el estilo de los patrones planos de colores, sin sombras. Van Gogh recopiló cientos de grabados japoneses y comparó las obras de los grandes artistas japoneses, como Hiroshige, con las de Rembrandt , Hals y Vermeer . Van Gogh exploró las diversas influencias, moldeándolas en un estilo que era exclusivamente suyo. [27] Las pinturas japonesas representan la búsqueda de serenidad de Van Gogh, que describe en una carta a su hermana durante este período, "Tener tanta serenidad como sea posible, aunque uno sepa poco - nada - con certeza, es quizás un mejor remedio para todas las enfermedades que todas las cosas que se venden en la farmacia ". [5] [28]
Hiroshige , uno de los últimos grandes maestros de Ukiyo-e , era bien conocido por series de grabados de famosos monumentos japoneses. [29]
Japonaiserie: Ciruelo floreciente (después de Hiroshige)
Se cree que El ciruelo floreciente es la primera de las tres pinturas al óleo realizadas por Van Gogh de los grabados en madera japoneses de Utagawa Hiroshige . Usó el color para emular el efecto de la tinta de la impresora, como el rojo y el verde en el fondo y el tinte verde en las flores blancas. Después de mudarse a Arles , Van Gogh le escribió a su hermana que ya no necesitaba soñar con ir a Japón, "porque siempre me digo a mí mismo que aquí estoy en Japón". [30]
El huerto de ciruelos en Kameido de Hiroshige
Japonaiserie: Ciruelo floreciente (después de Hiroshige), de Vincent van Gogh, 1887, Museo Van Gogh , Ámsterdam (F371)
Japonaiserie: Bridge in the Rain (después de Hiroshige)
La ducha vespertina de Utagawa Hiroshige en Atake y el grabado en madera del Gran Puente , que tenía en su colección, [31] inspiraron a Van Gogh por su simplicidad. El aguacero, por ejemplo, se transmite mediante líneas paralelas. Estas técnicas fueron veneradas, pero también difíciles de ejecutar al crear el sello de bloque de madera para imprimir. Al hacer una pintura, las pinceladas de Van Gogh "suavizaron la audacia del grabado en madera japonés". [27] Figuras caligráficas, tomadas de otros grabados japoneses, llenan el borde alrededor de la imagen. En lugar de seguir los patrones de color del grabado en madera original, utilizó colores brillantes o colores contrastantes. [31]
Ducha vespertina en Atake y el Gran Puente, por Hiroshige
Japonaiserie: Puente bajo la lluvia (después de Hiroshige), de Vincent van Gogh, 1887, Museo Van Gogh , Ámsterdam (F372)
Copia después de Jacob Jordaens
Van Gogh usó el tema y la composición de Jordaen para su interpretación de Cows. Un artista posterior, Edward Hopper, también utilizó las vacas de Jordaen como fuente de inspiración para su trabajo. [32] La pintura se encuentra en el Musée des Beaux-Arts de Lille en Francia. [33] Jan Hulsker señala que la pintura es un estudio de color de un grabado que el Dr. Gachet hizo con la pintura de Jordaen. [34]
Vacas , Jordaens
Vacas (después de Jordaens) 1890 Palais des Beaux-Arts de Lille, Lille, Francia (F822, JH2095)
Copias según Jean-François Millet
Fondo
El " género campesino " que influyó mucho en Van Gogh comenzó en la década de 1840 con las obras de Jean-François Millet , Jules Breton y otros. En 1885, Van Gogh describió la pintura de los campesinos como la contribución más esencial al arte moderno . Describió las obras de Millet y Breton de significado religioso, "algo en lo alto". [35] Un denominador común en sus autores y artistas favoritos fue el trato sentimental hacia los indigentes y oprimidos. Él mantuvo a los trabajadores en un alto nivel de cuán dedicación debería abordar la pintura: "Uno debe emprender con confianza, con cierta seguridad de que está haciendo algo razonable, como el granjero que conduce su arado ... (uno que) arrastra la grada detrás de él. Si uno no tiene un caballo, es su propio caballo ". Refiriéndose a la pintura de los campesinos, Van Gogh le escribió a su hermano Theo : "¿Cómo voy a lograr pintar lo que amo tanto?". [36]
El Museo Van Gogh dice de la influencia de Millet en Van Gogh: "Las pinturas de Millet, con sus representaciones sin precedentes de los campesinos y sus labores, marcan un punto de inflexión en el arte del siglo XIX. Antes de Millet, las figuras campesinas eran solo uno de los muchos elementos pintorescos o nostálgicos En el trabajo de Millet, hombres y mujeres individuales se volvieron heroicos y reales. Millet era el único artista importante de la Escuela de Barbizon que no estaba interesado en la pintura de paisajes 'pura' ". [37]
Van Gogh realizó veintiún cuadros en Saint-Rémy que eran "traducciones" de la obra de Jean-François Millet . Van Gogh no pretendía que sus obras fueran copias literales de los originales. Hablando específicamente de las obras posteriores a Millet, explicó, "no es copiar puro y simple lo que se estaría haciendo. Es más bien traducir a otro lenguaje, el de los colores, las impresiones del claroscuro y el blanco y el negro". [38] Hizo una copia de The Gleaners (Des glaneuses) de Millet.
Theo escribió a Van Gogh: "Las copias posteriores a Millet son quizás las mejores cosas que ha hecho hasta ahora, y me inducen a creer que el día que comience a pintar composiciones de figuras, podemos esperar grandes sorpresas". [39]
Cuadro de cuadros
Imagen de mijo | Imagen de Van Gogh | Comentarios |
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Mañana: Ir a trabajar ca. 1858-60 Museo Van Gogh , Ámsterdam, Países Bajos | Mañana: Pareja de campesinos yendo a trabajar 1890 Museo del Hermitage , San Petersburgo , Rusia (F684) | Millet creó una serie de grabados en madera titulados Las cuatro horas del día (1860) . Según se informa, esta idea se deriva del "Libro de Horas" medieval que sostenía que la vida rural estaba estructurada por los ritmos de Dios y la naturaleza. [38] En esta obra, el hombre y la mujer caminan hacia los campos, recortados por el sol de la mañana. La composición simple representa la dureza de sus vidas. Van Gogh dijo de la obra de Millet, "parecen haber sido pintadas con la misma tierra que iban a labrar". [40] |
Mediodía: descanso 1866 Museo de Bellas Artes, Boston | La siesta o el mediodía - Descanso del trabajo 1890 Musée d'Orsay , París , Francia (F686) | Sin dejar de ser fiel a la composición de Millet, Van Gogh utiliza el color para representar la naturaleza pacífica del descanso del mediodía. El uso de colores contrastantes, azul-violeta contra amarillo-naranja aporta una intensidad al trabajo que es únicamente su estilo. [41] |
The End of the Day 1867-69 Galería de arte conmemorativa de la Universidad de Rochester, Rochester | Hombre en un campo o por la noche, el final del día de noviembre de 1889 Museo de Arte Menard , Komaki , Japón (F649) | En este trabajo, el granjero termina su día con el telón de fondo de un cielo vespertino. Van Gogh pintó colores vivos de amarillo y violeta en su estilo puntillista único . Si bien marca el trabajo con su propio estilo, se mantiene fiel a la composición de Millet. [42] |
Noche de 1867 Museo de Bellas Artes, Boston | La obra describe la vida feliz de una familia rural: padre, madre e hijo. Aquí la imagen parece bañada por una luz amarilla como la de la Sagrada Familia . [43] Una lámpara proyecta largas sombras de muchos colores en el suelo de la humilde cabaña. La pintura incluye suaves tonos de verde y morado. El trabajo se basó en una impresión de Millet de su serie, las cuatro horas del día. [44] | |
Primeros pasos ca. 1858 Museo de Arte Lauren Rogers, Laurel, Mississippi | Primeros pasos 1890 Museo Metropolitano de Arte , Nueva York (F668) | Van Gogh usó una fotografía de la pintura original para este trabajo. [45] En lugar de colores vibrantes, aquí utilizó tonos más suaves de amarillo, verde y azul. La imagen muestra al padre, después de dejar sus herramientas, con los brazos extendidos para los primeros pasos de su hijo. La madre guía de manera protectora el movimiento del niño. [46] |
The Sower 1850 Museo de Bellas Artes, Boston | The Sower 1889 Colección Niarchos, Zúrich (F690) | Habiendo realizado más de 30 obras del sembrador, Van Gogh exploró el simbolismo de la siembra: "Uno no espera obtener de la vida lo que ya ha aprendido que no puede dar; más bien, comienza a ver más claramente que la vida es una especie de sembrar". tiempo, y la siega aún no ha llegado ". [47] Mientras el sembrador arroja semillas, se ve a otro agricultor en un campo cercano arando el campo. Van Gogh representó al sembrador en "su forma más simple" y con los colores azul, rojo, amarillo, violeta y naranja, dando vida y significado a la composición de los ciclos eternos de la vida. [48] |
The Sower 1850 Museo de Bellas Artes, Boston | El sembrador 1889 Museo Kroller-Muller (F689) | El aprecio de Van Gogh por el trabajo de Millet se debió a la conmoción que aportó a las obras, en especial honrando el papel agrícola de los campesinos. Van Gogh consideraba que arar, sembrar y cosechar eran símbolos del dominio del hombre sobre la naturaleza y sus ciclos eternos de vida. [49] Kay Larson de la revista New York Magazine escribió sobre el trabajo de Millet: El Sembrador, que avanza como una fuerza elemental de la naturaleza a través de la tierra fría y recién rota, es un ícono tal que Simon & Schuster lo usa como logotipo " [50]. ] |
Colección privada Reaper 1889 (F688) | En el dominio del hombre de los ciclos de la naturaleza: "el sembrador y la gavilla de trigo representaban la eternidad, y el segador y su guadaña la muerte irrevocable". [35] Del segador, Van Gogh expresó su visión simbólica y espiritual de aquellos que trabajaron cerca de la naturaleza en una carta a su hermana en 1889: "¿no somos nosotros, que vivimos de pan, en una medida considerable como el trigo, al menos? ¿No nos vemos obligados a someternos a crecer como una planta sin poder moverse, lo que quiero decir de cualquier manera que nos impulse la imaginación, ya ser cosechados cuando estamos maduros, como el mismo trigo? " [51] Van Gogh habló del significado simbólico del segador: "Porque veo en este segador - una figura vaga luchando como un diablo en medio del calor para llegar al final de su tarea - veo en él la imagen de la muerte, en el sentido de que la humanidad podría ser el trigo que está cosechando. Entonces es, si quieres, lo opuesto a ese sembrador que intenté hacer antes. Pero no hay nada triste en esta muerte, sigue su camino a plena luz del día con el sol inundando todo con una luz de oro puro ". [52] | |
The Reaper with a Sickle 1889 Van Gogh Museum , Amsterdam, Países Bajos (F687) | Al hacer esta pintura, y otras de la serie El trabajo en el campo de Millet , Van Gogh mencionó que, a falta de modelos, estaba complacido de haber completado siete de los diez de la serie. [53] | |
Mujer campesina con rastrillo 1889 Colección particular (F698) | ||
Mujer campesina atando gavillas 1889 Museo Van Gogh , Ámsterdam , Países Bajos (F700) | En Mujer campesina atando gavillas (después de Millet), la obra de Van Gogh muestra que es hermosa por su simplicidad y apreciación de la naturaleza. La expresión de la mujer se nos oculta y aparece como uno de los fardos de trigo que aguardan. El verdadero foco de la escena es la espalda encorvada de la mujer. [54] | |
The Sheaf-Binder 1889 Museo Van Gogh , Ámsterdam , Países Bajos (F693) | ||
Mujer campesina cortando paja 1889 Museo Van Gogh , Ámsterdam (F697) | ||
The Thresher 1889 Van Gogh Museum , Amsterdam , Países Bajos (F692) | ||
Dos hombres dando vueltas al suelo 1866 Museum of Fine Arts, Boston. | Dos campesinos cavando 1889 El Museo Stedelijk, Ámsterdam, Países Bajos (F648) | |
El leñador ca. 1853 Musée du Louvre, París | El leñador 1890 Museo Van Gogh , Ámsterdam (F670) | |
Esquila de ovejas ca. 1852-53 Museo de Bellas Artes de Boston | The Sheep-Shearers 1889 Van Gogh Museum , Amsterdam , Países Bajos (F634) | |
La grande bergère assise Xilografía, c. 1874 Varias colecciones | La Pastora 1889 Museo de Arte de Tel Aviv, Israel (F699) | La fuente fue un grabado en madera (27,3 x 21,9 cm) de Jean-Baptise Millet según su hermano Jean-François Millet. Su fuerte línea de contorno fue la inspiración para El dolor de Vincent van Gogh . [55] |
Mujer Spinning 1889 Colección Sara y Moshe Mayer, Museo de Arte de Tel Aviv, Israel (F696) | ||
Invierno: La llanura de Chailly 1862 Osterreichische Gallerie, Viena | Campo cubierto de nieve con una rastra o arado y la rastra Enero de 1890 Museo Van Gogh , Ámsterdam , Países Bajos (F632) | Van Gogh utilizó el trabajo de Millet y el grabado de Alfred Delaunay del trabajo de Millet como inspiración para esta pintura. En la versión de Van Gogh, agregó cuervos negros e hizo que la escena invernal fuera más sombría, desierta y fría. Su elección de color, composición y pincelada hacen que este trabajo sea exclusivamente suyo. [56] |
Dos campesinas cavando en la nieve Abril de 1890 Fundación EG Bührle, Zúrich , Suiza (F695) | Van Gogh usó a las mujeres de The Gleaners de Millet como inspiración para esta pintura de mujeres cavando en la nieve helada. A diferencia de los demás, este trabajo no es una traducción literal del cuadro original. El sol poniente arroja un cálido resplandor sobre los campos de nieve. Los colores fríos del campo contrastan con el rojo del sol y el cielo. [57] Jan Hulsker sitúa la pintura como una de las " reminiscencias del norte " de Van Gogh . |
Copias después de Rembrandt
De Rembrandt, Van Gogh aprendió a pintar la luz en la oscuridad. La influencia de Rembrandt parecía estar presente una noche de 1877 cuando Van Gogh caminó por Ámsterdam. Escribió: "el suelo estaba oscuro, el cielo aún iluminado por el resplandor del sol, ya se había puesto, la hilera de casas y torres sobresalían arriba, las luces en las ventanas por todas partes, todo reflejado en el agua". Van Gogh encontró a Rembrandt particularmente hábil en su observación de la naturaleza y expresando emociones con gran ternura. [49]
No está claro si Van Gogh estaba copiando después de trabajos particulares de Rembrandt para sus copias o el espíritu de las figuras que retrató. Ejemplos de los ángeles de Rembrandt y Lázaro se encuentran aquí con fines ilustrativos.
Abraham con tres ángeles, Rembrandt
El ángel que se aparece a los pastores, Rembrandt
Jacob con un ángel, Rembrandt 1659
Media figura de un ángel (después de Rembrandt) 1889 (F624)
En la versión de Van Gogh de La resurrección de Lázaro (después de Rembrandt) , Cristo es representado simbólicamente a través del sol para evocar los poderes curativos de la fe. Además, se hace referencia a Cristo de dos maneras por el entorno y las circunstancias. Primero, milagrosamente, resucitó a Lázaro. También predijo la propia muerte y resurrección de Cristo. [17] La pintura incluye al Lázaro muerto y sus dos hermanas. El blanco, el amarillo y el violeta se usaron para Lázaro y la cueva. Una de las mujeres tiene un vestido verde vibrante y cabello naranja. El otro lleva un vestido a rayas de color verde y rosa y tiene el pelo negro. Detrás de ellos está la campiña azul y un sol amarillo brillante. [58]
En La resurrección de Lázaro (después de Rembrandt) , Van Gogh recortó drásticamente la composición del grabado de Rembrandt y eliminó la figura de Cristo, centrándose así en Lázaro y sus hermanas. Se especula que en sus rostros pueden detectarse las semejanzas del artista y sus amigos Augustine Rouline y Marie Ginoux. [59] Van Gogh acababa de recuperarse de un largo episodio de enfermedad, y es posible que se haya identificado con el milagro de la resurrección bíblica, cuyas "personalidades son los personajes de mis sueños".
Resurrección de Lázaro , de Rembrandt
La resurrección de Lázaro, de Rembrandt
La resurrección de Lázaro, de Rembrandt
La resurrección de Lázaro (después de Rembrandt) de Vincent van Gogh 1890 Museo Van Gogh, Ámsterdam, Países Bajos (F677)
Referencias
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