Look Mickey (¡también conocido como Look Mickey! ) Es un óleo sobre lienzo de 1961 de Roy Lichtenstein . Ampliamente considerado como el puente entre su expresionismo abstracto y susobras de arte pop , es notable por su humor irónico y valor estético, además de ser el primer ejemplo del empleo por parte del artista de puntos de Ben-Day , globos de diálogo e imágenes cómicas como fuente de una pintura. La pintura fue legada a la Galería Nacional de Arte de Washington, DCtras la muerte de Lichtenstein.
Mira Mickey | |
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Artista | Roy Lichtenstein |
Año | 1961 |
Medio | óleo sobre lienzo |
Dimensiones | 121,9 cm × 175,3 cm (48 pulg. × 69 pulg.) |
Localización | Galería Nacional de Arte . Adquirido mediante legado del autor, Washington, DC |
Sobre la base de sus dibujos de personajes de historietas de finales de la década de 1950 , Look Mickey marca el primer empleo completo de Lichtenstein de técnicas pictóricas para reproducir representaciones casi fieles de la cultura pop y, por lo tanto, satirizar y comentar el proceso de producción en masa de imágenes visuales en ese momento. En esto, Lichtenstein fue pionero en un motivo que se volvió influyente no solo en el arte pop de la década de 1960, sino que continuó con el trabajo de los artistas de hoy. Lichtenstein toma prestado de un libro de cuentos ilustrado del pato Donald, que muestra a Mickey Mouse y al pato Donald durante un accidente de pesca. Sin embargo, hace modificaciones significativas a la fuente original, incluida la modificación del esquema de color y la perspectiva, mientras parece hacer declaraciones sobre sí mismo.
La obra data de la primera exposición individual de Lichtenstein y los críticos de arte la consideran revolucionaria tanto como una progresión del arte pop como una obra de arte moderno en general. Más tarde se reprodujo en su pintura de 1973, Artist's Studio — Look Mickey , que muestra la pintura colgando de manera prominente en una pared de enfrente del estudio de Lichtenstein.
Fondo
A finales de la década de 1950 y principios de la de 1960, varios pintores estadounidenses comenzaron a adaptar las imágenes y los motivos de las historietas a su trabajo. Lichtenstein estaba entre ellos, y en 1958 comenzó a hacer dibujos de personajes de historietas. Andy Warhol produjo sus primeras pinturas en el estilo en 1960. Lichtenstein, sin conocer el trabajo de Warhol, produjo Look Mickey y Popeye en 1961. [1] Las obras de Lichtenstein de 1961, especialmente Look Mickey , se consideran un paso menor de su anterior arte pop de historietas. . [2]
Según la Fundación Lichtenstein, Look Mickey se basó en la serie Little Golden Book . [3] La National Gallery of Art señala que la fuente se titula Donald Duck Lost and Found , escrita en 1960 por Carl Buettner y publicada a través de Disney Enterprises . La imagen fue ilustrada por Bob Grant y Bob Totten. [4] [5] Una teoría alternativa sugiere que Look Mickey y Popeye eran ampliaciones de envoltorios de goma de mascar. [1] Esta imagen marcó la primera de numerosas obras en las que Lichtenstein recortó su fuente para acercar al espectador a la escena. [6]
Varias historias pretenden contar el momento de inspiración de Look Mickey . La crítica Alice Goldfarb Marquis escribe que el artista recordó a uno de sus hijos señalando un cómic y desafiando; "Apuesto a que no se puede pintar tan bien". [7] Otro dice que la pintura resultó de un esfuerzo por demostrar sus habilidades tanto a su hijo como a los compañeros de clase de su hijo que se burlaron de los resúmenes difíciles de comprender de Lichtenstein. [8] El pintor estadounidense Allan Kaprow dijo una vez, en referencia a un envoltorio Bazooka Dubble Bubble Gum, a Lichtenstein: "No se puede enseñar el color de Cézanne, solo se puede enseñar con algo como esto". Luego, Lichtenstein le mostró una de sus imágenes del pato Donald. [9]
Durante la fase de cómic de su carrera, Lichtenstein a menudo alteró ligeramente la coloración de la fuente original. [10] Según Marco Livingstone, sus primeros temas cómicos comprenden un "estilo suelto e improvisado claramente derivado de De Kooning ". [1] El historiador del arte Jonathan Fineberg describe una pintura de Lichtenstein de 1960 como un "... cuadro expresionista abstracto con Mickey Mouse en él, relacionado estilísticamente con las mujeres de Kooning ". [11] Cuando Leo Castelli vio las grandes obras basadas en tiras cómicas de Lichtenstein y Warhol, eligió mostrar solo las de Lichtenstein, lo que hizo que Warhol creara la serie Campbell's Soup Cans para evitar competir con el estilo más refinado de los cómics que Lichtenstein estaba produciendo. [12] [13] Una vez dijo: "Tengo que hacer algo que realmente tendrá mucho impacto, que será lo suficientemente diferente de Lichtenstein y James Rosenquist , que será muy personal, que no se verá como yo". Estoy haciendo exactamente lo que están haciendo ". [14] La incursión de Lichtenstein en los cómics llevó al abandono del tema por parte de Warhol. [15] Aunque Lichtenstein continuó trabajando con fuentes cómicas, después de 1961 evitó las fuentes fácilmente identificables como Popeye y Mickey Mouse . [dieciséis]
Durante el otoño de 1961, Allan Kaprow, un profesor de la Universidad de Rutgers , presentó a Lichenstein al marchante de arte Ivan Karp , director de la Galería Leo Castelli. Lichtenstein le mostró a Karp varias pinturas, pero no a Look Mickey . En cambio, lo impresionó con Girl with Ball , y Karp decidió representar a Lichtenstein unas semanas después. [3]
Descripción
La pintura es una de las primeras obras no expresionistas de Lichtenstein y marca su empleo inicial de los puntos de Ben-Day, que utilizó para darle un efecto de semitono "industrial". La pintura es su primer uso tanto de un globo de diálogo [3] como de cómics como material de partida. [17] La obra tiene marcas de lápiz visibles y se realizó con un pincel de perro de cerdas de plástico para aplicar la pintura al óleo sobre el lienzo. [3] En el momento de su muerte, Look Mickey era considerado el trabajo revolucionario de Lichtenstein. [18]
—Lichtenstein sobre la germinación de su estilo [19]
Al reproducir una ilustración producida en serie con un estilo pictórico, Lichtenstein simplifica al reducir la composición a colores primarios, lo que sirve para acentuar su atractivo masivo y en gran medida le da un aspecto "pop". [4] Normalmente, los puntos de Ben-Day permiten a un artista producir una variedad de colores mediante el uso de puntos de unos pocos colores para dar la ilusión de una paleta más amplia. Al mezclar puntos de diferentes colores, como una impresora de inyección de tinta, solo unos pocos colores pueden crear un amplio espectro utilizando solo un número limitado de tonos primarios. Lichtenstein, como pintor y no como impresor de producción en masa, puede evitar esto, logrando sus tonos de color individuales sin mezclar los tonos existentes. En cambio, para cada color que quería incluir en una obra, usó esa pintura de color. [20]
Lichtenstein hizo varias alteraciones al trabajo original: eliminó varias figuras y giró el muelle para que Donald mirara hacia un lado en lugar de hacia el final. Al mismo tiempo, mantuvo a Donald y Mickey en casi las mismas posiciones que estaban en el original. [21] Lichtenstein no solo rediseñó el espacio, sino que también modificó la posición del cuerpo y la caña de pescar de Donald y eliminó los signos de estrés y esfuerzo. [22] También agrega un globo de diálogo, haciendo que Donald parezca inconsciente de que no ha lanzado su vara. Walt Disney dijo sobre el Pato Donald: "Tiene una gran boca, un gran ojo beligerante, un cuello giratorio y un trasero sustancial que es muy flexible. El pato se acerca a ser el sujeto ideal del animador". [23] La pintura de Lichtenstein refleja muchas de estas características físicas. [24]
En comparación con la fuente original, Donald se inclina más hacia el agua y Mickey menos. La cara de Mickey está más sonrojada. [25] La composición incorpora algunas de las debilidades de la impresión de cómics, incluida la desalineación de los contornos de las olas con el cielo amarillo para dar lugar a un área de espacio en blanco . [20]
Interpretación
La reproducción a gran escala de un marco de historieta se consideró radical y revolucionaria en ese momento. [26] Los críticos aplaudieron la alegría, el humor inherente y la irreverencia de la obra. Según Diane Waldman del Solomon R. Guggenheim Museum , " Look Mickey es una comedia amplia y entra en la categoría de payasadas ..." [27] En el obituario de Lichtenstein , el crítico de Los Angeles Times Christopher Knight describió el trabajo como "un astuto hilarante riff sobre el expresionismo abstracto ". [18] Las leves alteraciones de Lichtenstein a su "claridad lineal y color", escribe el crítico, se suman a su valor estético y grandeza, reforzados por su elección de escala. [28] Un error común sobre Lichtenstein proviene del hecho de que en sus obras más conocidas, su enfoque meticuloso de la pintura está deliberadamente disfrazado porque busca superficialmente que sus pinturas parezcan facsímiles de íconos de la cultura pop producidos industrialmente. [22] Graham Bader escribió que "la pintura de Lichtenstein, de hecho, parece más el producto de la fabricación industrial que la imagen de pulpa en la que se basa". [29] Look Mickey se considera autorreferencial en el sentido de que el artista está pintando algo a través del cual el espectador puede ver elementos del artista. [30]
Bader observa que Look Mickey se preocupa tanto por el proceso artístico como por las nuevas técnicas de pintura de Lichtenstein. Cree que puede considerarse un autorretrato en el sentido de que "sitúa explícitamente al propio autor de la pintura dentro del circuito narcisista encerrado en sí mismo en su centro". Los espectáculos de pintura Donald busca en el agua reflectante en azul 'RFL' firma de Lichtenstein "como una especie de sustituto para el creador de la imagen", de una manera que recuerda a Caravaggio 's Narciso , en el que las miradas sujetos en su propio reflejo en el agua. [30] Esto se ve como una alegoría de la posición de Lichtenstein como artista entrenado para desarrollar sus instintos realistas a pesar de la prominencia del expresionismo abstracto . Visto de esta manera, Mickey sirve como el superyó " modernista de vanguardia " que se eleva sobre Lichtenstein y se ríe de sus esfuerzos retrógrados. [25]
Lichtenstein usa puntos rojos de Ben-Day para colorear la cara de Mickey. Según algunos críticos de arte, esto le da al personaje la apariencia de sonrojarse . Otras interpretaciones son que la coloración es simplemente pigmentación de la piel o que es el tono asociado con un "brillo saludable", ya que históricamente a Mickey se le ha visto como una criatura con piel en lugar de pelaje. [31] Otra interpretación, respaldada por la fuente original en la que Mickey dice que si Donald puede desembarcar el pescado, puede comerlo para el almuerzo, es que la cara de Mickey está roja debido al esfuerzo necesario para contener su incredulidad y risa mientras experimenta su superioridad divertida. [25] Aquellos que se adhieren a la interpretación del rubor se ven reforzados por las manchas desiguales de los puntos rojos, pero otros se apresuran a señalar que la técnica de puntos Ben-Day de Lichtenstein todavía estaba en una etapa primitiva. No desarrolló el uso de una plantilla (es decir, la técnica de presionar la pintura líquida sobre la superficie a través de una pantalla de puntos) para presentar puntos distribuidos uniformemente hasta 1963. [32]
—Graham Bader [33]
Graham Bader, describiéndolo como el motor de la narrativa de la pintura, señala la intriga creada por la yuxtaposición del sentido elevado de percepción visual de Donald en lo que se refiere a su captura anticipada, y su sentido amortiguado de percepción táctil en lo que se refiere a tener un anzuelo de pesca. en la parte de atrás de su propia camisa. En este sentido, Lichtenstein ha optado por representar una fuente que tiene como tema una división entre una mayor conciencia visual y un sentido del tacto ausente: [33]
Donald es un sujeto explícitamente dividido, toda experiencia sensorial en un extremo y, literalmente, entumecimiento en el otro (y, visualmente, toda profundidad y toda planitud, porque el rostro de Donald es, con mucho, el elemento espacialmente más ilusionista de la pintura, mientras que su chaqueta atrapada, fusionado con las ondas esquemáticas detrás de él, enfáticamente una de sus más planas). De hecho, Donald es un retrato de precisamente la separación de la vista y el sentimiento, la visión y el tacto ... Lo que divide la visión y el tacto en Look Mickey, lo que marca este cambio entre ellos, es el texto: las palabras que Donald (y Lichtenstein) introduce en la escena. , y que atraviesa el palo y el cepillo del pato antes de engancharse en su propio trasero.
- Bader, [33]
Lichtenstein exploró con frecuencia temas relacionados con la visión después de comenzar a trabajar en el género del arte pop; los primeros ejemplos incluyen Puedo ver toda la habitación ... ¡y no hay nadie en ella! y mira Mickey . [34] En esta pintura, los ojos grandes de Donald indican su creencia de que ha captado algo grande, mientras que los ojos pequeños de Mickey indican su incredulidad de que Donald haya captado algo significativo. [35] Como las obras de Lichenstein con sujetos que miran a través de un periscopio ( Torpedo ... Los! ), Un espejo ( Girl in Mirror ) o una mirilla ( ¡Puedo ver toda la habitación ... y no hay nadie en ella! ), Mira Mickey , con un sujeto que mira su reflejo en el agua, es un ejemplo destacado del tema de la visión. Utiliza la narrativa para enfatizar este motivo, al tiempo que presenta varios elementos visuales. [34]
Legado
La pintura se incluyó en la primera exposición individual de Lichtenstein en The Leo Castelli Gallery, una muestra en la que todas las obras se habían pre-vendido antes de su inauguración en febrero de 1962. [7] La exposición, que se desarrolló del 10 de febrero al 3 de marzo de 1962, [36] incluía Anillo de compromiso , Blam y The Refrigerator . [37] Incluyó la pintura en su Artist's Studio — Look Mickey (1973), mostrándola colgando de manera prominente en la pared del espacio pictórico destinado a representar su estudio como el estudio ideal, e implicando que su popularidad entre la crítica y el público ratifica su elección del tema de la cultura popular. [38] Reflexionando sobre Look Mickey muchos años después, dijo:
Se me acaba de ocurrir la idea de hacer [una pintura de dibujos animados] sin alteraciones aparentes ... e hice una casi medio en serio para tener una idea de cómo se vería. Y mientras estaba pintando esta pintura, me interesé en organizarla como una pintura y la llevé a algún tipo de conclusión como una declaración estética, lo que en realidad no tenía la intención de hacer al principio. Y luego volví a mi otro tipo de pintura, que era bastante abstracta. O lo intenté. Pero tenía esta pintura de dibujos animados en mi estudio y era demasiado formidable. No podía apartar la vista de él, y de alguna manera me impedía pintar de otra manera, y luego decidí que esto era realmente serio ... Diría que lo tuve en mi caballete durante una semana. Solo me gustaría ver cómo se veía. Traté de convertirlo en una obra de arte. No estaba intentando simplemente copiar. Me di cuenta de que esto era mucho más convincente.
- Lichtenstein, [28]
La pintura fue legada a la Galería Nacional de Arte de Washington después de la muerte de Lichtenstein en 1997, luego de una promesa de 1990 en honor al 50 aniversario de la institución. [4] [39] Permanece en la colección de la galería, donde, a noviembre de 2012[actualizar], está a la vista permanente. [4]
Harold Rosenberg describió una vez la reelaboración de Lichtenstein de la fuente de los cómics de la siguiente manera: "... la diferencia entre una tira cómica de Mickey Mouse y una pintura de Lichtenstein de la misma era la historia del arte, o el hecho de que Lichtenstein pinta con la idea del museo en mente." [40]
Ver también
- 1961 en el arte
Notas
- ^ a b c Livingstone 2000 , págs. 72–73
- ^ Rondeau y Wagstaff 2012 , p. 21
- ^ a b c d "Cronología" . Fundación Roy Lichtenstein. Archivado desde el original el 7 de mayo de 2012 . Consultado el 9 de mayo de 2012 .
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- ^ Bader 2009 , p. 190, "Adormecimiento de Donald"
- ↑ a b c Rondeau y Wagstaff , 2012 , p. 27
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Su primer espectáculo en Castelli, en febrero de 1962, se agotó antes de la inauguración. Los precios eran ridículos según los estándares actuales: $ 1,000 por Blam , $ 1,200 por Engagement Ring , $ 800 por The Refrigerator . Los compradores fueron Richard Brown Baker, Giuseppe Panza, Robert Scull, personas que habían contribuido a crear el mercado del expresionismo abstracto y que se estaban convirtiendo en la década de 1960 en un factor importante del arte contemporáneo ...
- ^ Alloway 1983 , p. 87
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Referencias
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- Watson, Steven (2003). Fabricado en fábrica: Warhol y los años sesenta . Libros Pantheon . ISBN 0-679-42372-9.
enlaces externos
- Sitio web de la Colección de la Galería Nacional de Arte
- Sitio web de la Fundación Lichtenstein