Roy Fox Lichtenstein [1] ( / l ɪ k t ən ˌ s t aɪ n / ; 27 octubre 1923 a 29 septiembre 1997) fue un artista pop . Durante la década de 1960, junto con Andy Warhol , Jasper Johns y James Rosenquist, entre otros, se convirtió en una figura destacada del nuevo movimiento artístico. Su obra definió la premisa del pop art a través de la parodia . [2] Inspirado por la tira cómica , Lichtenstein produjo composiciones precisas que documentaron mientras parodiaban, a menudo en unmanera irónica . Su obra estuvo influenciada por la publicidad popular y el estilo del cómic. Su obra de arte se consideró "disruptiva". [3] Describió el arte pop como "no una pintura 'estadounidense', sino una pintura industrial". [4] Sus pinturas se exhibieron en la Galería Leo Castelli en la ciudad de Nueva York.
Roy Lichtenstein | |
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Nació | Roy Fox Lichtenstein 27 de octubre de 1923 Nueva York , EE. UU. |
Fallecido | 29 de septiembre de 1997 Nueva York, EE. UU. | (73 años)
Educación | Escuela Timothy Dwight |
alma mater | Universidad del Estado de Ohio |
Conocido por | Pintura, escultura |
Movimiento | Arte pop |
Esposos) | Isabel Wilson (1949-1965; divorciada; 2 hijos, incluido Mitchell ) Dorothy Herzka (m. 1968) |
Patrón (s) | Gunter Sachs |
¡Whaam! y Drowning Girl generalmente se consideran las obras más famosas de Lichtenstein. [5] [6] [7] Drowning Girl , Whaam ! Y Look Mickey son considerados sus trabajos más influyentes. [8] Su pieza más cara es Masterpiece , que se vendió por 165 millones de dólares en enero de 2017. [9]
Primeros años
Lichtenstein era judío , aunque "restó importancia a sus raíces" y "no hablaba a menudo de ser judío". [3] Su familia era de clase media alta . [1] [10] [11] Su padre, Milton, era corredor de bienes raíces, su madre, Beatrice (Werner), ama de casa. [12] Se crió en el Upper West Side y asistió a la escuela pública hasta los doce años. Luego asistió a la Dwight School de Nueva York , donde se graduó en 1940. Lichtenstein se interesó por primera vez en el arte y el diseño como pasatiempo, a través de la escuela. [13] Era un ávido fanático del jazz, y a menudo asistía a conciertos en el Teatro Apollo de Harlem . [13] Con frecuencia dibujó retratos de los músicos que tocaban sus instrumentos. [13] En su último año de secundaria, 1939, Lichtenstein se inscribió en clases de verano en la Art Students League de Nueva York , donde trabajó bajo la tutela de Reginald Marsh . [14]
Carrera profesional
Luego, Lichtenstein dejó Nueva York para estudiar en la Universidad Estatal de Ohio , que ofrecía cursos de estudio y una licenciatura en bellas artes. [1] Sus estudios fueron interrumpidos por un período de tres años en el ejército durante y después de la Segunda Guerra Mundial entre 1943 y 1946. [1] Después de estar en programas de capacitación en idiomas, ingeniería y entrenamiento de pilotos, todos los cuales fueron cancelados, se desempeñó como ordenado, dibujante y artista. [1]
Lichtenstein regresó a casa para visitar a su padre moribundo y fue dado de baja del ejército con elegibilidad para el GI Bill . [13] Regresó a los estudios en Ohio bajo la supervisión de uno de sus maestros, Hoyt L. Sherman , quien es ampliamente considerado por haber tenido un impacto significativo en su trabajo futuro (Lichtenstein más tarde nombraría un nuevo estudio que financió en OSU como el Hoyt L. Sherman Studio Art Center). [15]
Lichtenstein ingresó al programa de posgrado en Ohio State y fue contratado como instructor de arte, un puesto que ocupó de manera intermitente durante los siguientes diez años. En 1949, Lichtenstein recibió una Maestría en Bellas Artes de la Universidad Estatal de Ohio.
En 1951, Lichtenstein tuvo su primera exposición individual en la Galería Carlebach de Nueva York. [1] [16] Se mudó a Cleveland en el mismo año, donde permaneció durante seis años, aunque con frecuencia viajaba de regreso a Nueva York. Durante este tiempo realizó trabajos tan variados como de dibujante a decorador de ventanas entre períodos de pintura. [1] Su trabajo en este momento fluctuó entre el cubismo y el expresionismo. [13] En 1954, nació su primer hijo, David Hoyt Lichtenstein, ahora compositor. Su segundo hijo, Mitchell Lichtenstein , nació en 1956. [17]
En 1957, regresó al norte del estado de Nueva York y comenzó a enseñar nuevamente. [4] Fue en esta época que adoptó el estilo del Expresionismo Abstracto , siendo un tardío converso a este estilo de pintura. [18] Lichtenstein comenzó a enseñar en el norte del estado de Nueva York en la Universidad Estatal de Nueva York en Oswego en 1958. Por esta época, comenzó a incorporar imágenes ocultas de personajes de dibujos animados como Mickey Mouse y Bugs Bunny en sus trabajos abstractos. [19]
Subir a la prominencia
En 1960, comenzó a enseñar en la Universidad de Rutgers, donde fue fuertemente influenciado por Allan Kaprow , quien también era profesor en la universidad. Este entorno ayudó a reavivar su interés por las imágenes del Proto-pop. [1] En 1961, Lichtenstein comenzó sus primeras pinturas pop utilizando imágenes de dibujos animados y técnicas derivadas de la aparición de la impresión comercial. Esta fase continuaría hasta 1965 e incluía el uso de imágenes publicitarias que sugerían consumismo y tareas domésticas. [13] Su primer trabajo en presentar el uso a gran escala de figuras de bordes duros y puntos de Ben-Day fue Look Mickey (1961, Galería Nacional de Arte , Washington, DC). [20] Esta pieza surgió de un desafío de uno de sus hijos, quien señaló un cómic de Mickey Mouse y dijo; "Apuesto a que no puedes pintar tan bien, ¿eh, papá?" [21] En el mismo año produjo otras seis obras con personajes reconocibles de envoltorios de goma de mascar y dibujos animados. [22]
En 1961, Leo Castelli comenzó a exhibir el trabajo de Lichtenstein en su galería de Nueva York. Lichtenstein tuvo su primera exposición individual en la galería Castelli en 1962; la colección completa fue comprada por coleccionistas influyentes incluso antes de que se abriera la exposición. [1] Un grupo de pinturas realizadas entre 1961 y 1962 centradas en objetos domésticos solitarios como zapatillas de deporte, perros calientes y pelotas de golf. [23] En septiembre de 1963 se ausentó de su puesto de profesor en el Douglass College de Rutgers. [24]
Sus obras se inspiraron en los cómics que presentaban historias románticas y de guerra. "En ese momento", relató más tarde Lichtenstein, "estaba interesado en cualquier cosa que pudiera utilizar como tema emocionalmente fuerte, por lo general el amor, la guerra o algo que tuviera una gran carga y materia emocional opuesta a las técnicas de pintura removidas y deliberadas ". [25]
Período del perfil más alto de Lichtenstein
Fue en este momento que Lichtenstein comenzó a encontrar fama no solo en Estados Unidos sino en todo el mundo. Regresó a Nueva York para estar en el centro de la escena artística y renunció a la Universidad de Rutgers en 1964 para concentrarse en su pintura. [26] Lichtenstein aceite usado y Magna (principios acrílico) pintar en sus obras más conocidas, como el ahogamiento de chicas (1963), que se apropia de la historia principal en la DC Comics ' Secret Corazones Nº 83. ( Ahogamiento de la muchacha ahora cuelga en el Museo de Arte Moderno de Nueva York . [27] ) Drowning Girl también presenta contornos gruesos, colores llamativos y puntos de Ben-Day , como si hubiera sido creado por reproducción fotográfica. De su propio trabajo, Lichtenstein diría que los expresionistas abstractos "pusieron cosas en el lienzo y respondieron a lo que habían hecho, a las posiciones y tamaños de los colores. Mi estilo se ve completamente diferente, pero la naturaleza de poner líneas es básicamente la lo mismo; el mío simplemente no sale con un aspecto caligráfico, como el de Pollock o Kline ". [28]
En lugar de intentar reproducir sus sujetos, el trabajo de Lichtenstein abordó la forma en que los medios de comunicación los retratan. Sin embargo, nunca se tomaría a sí mismo demasiado en serio, diciendo: "Creo que mi trabajo es diferente de las tiras cómicas, pero no lo llamaría transformación; no creo que lo que sea que signifique sea importante para el arte". [29] Cuando se exhibió por primera vez el trabajo de Lichtenstein, muchos críticos de arte de la época desafiaron su originalidad. Su trabajo fue duramente criticado por vulgar y vacío. El título de un artículo de la revista Life en 1964 preguntaba: "¿Es él el peor artista en los Estados Unidos?" [30] Lichtenstein respondió a tales afirmaciones ofreciendo respuestas como las siguientes: "Cuanto más cerca está mi trabajo del original, más amenazante y crítico es el contenido. Sin embargo, mi trabajo se transforma por completo en el sentido de que mi propósito y percepción son completamente diferentes . Creo que mis pinturas se han transformado críticamente, pero sería difícil probarlo con una línea racional de argumentación ". [31] Habló de experimentar esta fuerte crítica en una entrevista con April Bernard y Mimi Thompson en 1986. Al sugerir que a veces era difícil ser criticado, Lichtenstein dijo: "No dudo cuando estoy pintando, es el crítica que te hace pensar, lo hace ". [32]
Su imagen más famosa es posiblemente Whaam! (1963, Tate Modern , Londres [33] ), uno de los primeros ejemplos conocidos de arte pop , adaptado de un cómic del panel dibujado por Irv Novick en una edición de 1962 de DC Comics ' Hombres All-American de la guerra . [34] La pintura muestra un avión de combate disparando un cohete contra un avión enemigo, con una explosión roja y amarilla. El estilo de dibujos animados se ve realzado por el uso de las letras onomatopéyicas "¡Whaam!" y la leyenda en el recuadro "Presioné el control de fuego ... y delante de mí los cohetes resplandecieron a través del cielo ..." Este díptico es de gran escala, mide 1,7 x 4,0 m (5 pies 7 pulgadas x 13 pies 4 pulgadas). [33] Whaam sigue los temas basados en tiras cómicas de algunas de sus pinturas anteriores y es parte de un conjunto de obras de temática bélica creada entre 1962 y 1964. Es una de sus dos grandes pinturas notables con temática bélica. Fue comprado por la Tate Gallery en 1966, después de ser exhibido en la Leo Castelli Gallery en 1963, y (ahora en la Tate Modern ) ha permanecido en su colección desde entonces. En 1968, el empresario de Darmstadt Karl Ströher adquirió varias obras importantes de Lichtenstein, como Enfermera (1964), Composiciones I (1964), Nos levantamos lentamente (1964) y Pinceladas amarillas y verdes (1966). Después de estar prestado en el Hessiches Landesmuseum Darmstadt durante varios años, el director fundador del Museum für Moderne Kunst Frankfurt, Peter Iden , pudo adquirir un total de 87 obras [35] de la colección Ströher [36] en 1981, principalmente Arte pop estadounidense y arte minimalista para el museo en construcción hasta 1991. [37]
Lichtenstein comenzó a experimentar con la escultura alrededor de 1964, demostrando una habilidad para la forma que estaba en desacuerdo con la insistente planitud de sus pinturas. Para Head of Girl (1964) y Head with Red Shadow (1965), colaboró con un ceramista que esculpió la forma de la cabeza en arcilla. Luego, Lichtenstein aplicó un esmalte para crear el mismo tipo de motivos gráficos que usó en sus pinturas; la aplicación de líneas negras y puntos de Ben-Day a objetos tridimensionales resultó en un aplanamiento de la forma. [38]
La mayoría de las obras más conocidas de Lichtenstein son copias relativamente cercanas, pero no exactas, de paneles de cómics, un tema que abandonó en gran medida en 1965, aunque ocasionalmente incorporó cómics a su trabajo de diferentes maneras en décadas posteriores. Estos paneles fueron dibujados originalmente por artistas de cómics como Jack Kirby y los artistas de DC Comics Russ Heath , Tony Abruzzo, Irv Novick y Jerry Grandenetti , quienes rara vez recibieron crédito. Jack Cowart , director ejecutivo de la Fundación Lichtenstein, refuta la noción de que Lichtenstein era un copista, diciendo: "El trabajo de Roy fue una maravilla de las fórmulas gráficas y la codificación del sentimiento que habían sido elaboradas por otros. Los paneles se cambiaron en escala , color, tratamiento, y en sus implicaciones. No hay copia exacta ". [39] Sin embargo, algunos [40] han criticado el uso de Lichtenstein de imágenes de cómics y piezas de arte, especialmente en la medida en que ese uso ha sido visto como un respaldo de una visión condescendiente de los cómics por parte de la corriente principal del arte; [40] El dibujante Art Spiegelman comentó que "Lichtenstein no hizo más ni menos por los cómics que Andy Warhol por la sopa". [40]
Las obras de Lichtenstein, basadas en paneles ampliados de libros de historietas, engendraron un debate generalizado sobre sus méritos como arte. [41] [42] El propio Lichtenstein admitió: "Estoy copiando nominalmente, pero en realidad estoy repitiendo lo copiado en otros términos. Al hacerlo, el original adquiere una textura totalmente diferente. No son pinceladas gruesas o finas, es puntos y colores planos y líneas inflexibles ". [43] Eddie Campbell escribió en su blog que "Lichtenstein tomó una imagen diminuta, más pequeña que la palma de la mano, la imprimió con tintas de cuatro colores en papel de periódico y la amplió al tamaño convencional en el que se hace y exhibe el 'arte' y lo terminó en pintar sobre lienzo ". [44] Con respecto a Lichtenstein, Bill Griffith dijo una vez: "Hay arte alto y arte bajo. Y luego está el arte alto que puede tomar el arte bajo, llevarlo a un contexto artístico elevado, apropiarse de él y elevarlo a otra cosa. " [45]
Aunque el trabajo basado en cómics de Lichtenstein ganó cierta aceptación, los críticos aún expresan preocupaciones que dicen que Lichtenstein no acreditó, pagó regalías ni buscó permiso de los artistas originales o titulares de los derechos de autor. [46] [47] En una entrevista para un documental de BBC Four en 2013, Alastair Sooke le preguntó al dibujante de cómics Dave Gibbons si consideraba a Lichtenstein un plagiario. Gibbons respondió: "Yo diría 'imitador'. En la música, por ejemplo, no se puede simplemente silbar la melodía de otra persona o interpretar la melodía de otra persona, sin importar lo mal que esté, sin acreditar y pagar de alguna manera al artista original. Es decir , esto es 'WHAAM! de Roy Lichtenstein, después de Irv Novick' ". [48] El propio Sooke sostiene que "Lichtenstein transformó la obra de arte de Novick de varias formas sutiles pero cruciales". [49]
Ernesto Priego , fundador de la revista, profesor de la City University London y PhD de la University College London , señala que el hecho de que Lichtenstein no acreditara a los creadores originales de sus cómics fue un reflejo de la decisión de National Periodical Publications , predecesora de DC Comics , de omitir cualquier crédito por sus escritores y artistas:
Además de encarnar el prejuicio cultural contra las historietas como vehículos de arte, ejemplos como la apropiación de Lichtenstein del vocabulario de las historietas resaltan la importancia de tomar en consideración el formato de publicación al definir las historietas, así como la economía política que implican tipos específicos de publicaciones históricas, en en este caso, el cómic convencional estadounidense. ¿Hasta qué punto fue National Periodical Publications (más tarde DC) responsable del rechazo de los roles de Kanigher y Novick como artistas por derecho propio al no otorgarles el crédito de autor completo en la publicación en sí? " [50]
Además, Campbell señala que hubo un momento en que los artistas del cómic a menudo declinaban la atribución de su trabajo. [44]
En un relato publicado en 1998, Novick dijo que había conocido a Lichtenstein en el ejército en 1947 y, como su oficial superior, había respondido a las conmovedoras quejas de Lichtenstein sobre las tareas serviles que le asignaron recomendándolo para un trabajo mejor. [51] Jean-Paul Gabilliet ha cuestionado este relato, diciendo que Lichtenstein había dejado el ejército un año antes del momento en que Novick dice que ocurrió el incidente. [52] Bart Beaty, señalando que Lichtenstein se había apropiado de Novick para obras como Whaam! y está bien Hot-Shot, ¡está bien! , dice que la historia de Novick "parece ser un intento de disminuir personalmente" al artista más famoso. [51]
En 1966, Lichtenstein pasó de sus famosas imágenes de principios de la década de 1960 y comenzó su serie Modern Paintings , que incluye más de 60 pinturas y dibujos que la acompañan. Utilizando sus característicos puntos de Ben-Day y formas y líneas geométricas, renderizó imágenes incongruentes y desafiantes a partir de estructuras arquitectónicas familiares, patrones tomados del Art Déco y otros motivos sutilmente evocadores, a menudo secuenciales. [53] La serie de Escultura Moderna de 1967–8 hizo referencia a motivos de la arquitectura Art Déco. [54]
Trabajo posterior
A principios de la década de 1960, Lichtenstein reprodujo obras maestras de Cézanne , Mondrian y Picasso antes de embarcarse en la serie Brushstrokes en 1965. [55] Lichtenstein continuó revisando este tema más adelante en su carrera con obras como El dormitorio en Arles, que derivó de Vincent van Gogh . s Dormitorio en Arles .
En 1970, Lichtenstein recibió el encargo del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (dentro de su programa de Arte y Tecnología desarrollado entre 1967 y 1971) para realizar una película. Con la ayuda de Universal Film Studios , el artista concibió y produjo Three Landscapes , una película de paisajes marinos, directamente relacionada con una serie de collages con temas de paisajes que creó entre 1964 y 1966. [56] Aunque Lichtenstein había planeado Al producir 15 cortometrajes, la instalación de tres pantallas, realizada con el cineasta independiente Joel Freedman , con sede en Nueva York , resultó ser la única incursión del artista en el medio. [57]
También en 1970, Lichtenstein compró una antigua cochera en Southampton, Long Island, construyó un estudio en la propiedad y pasó el resto de la década de 1970 en relativa reclusión. [58] En las décadas de 1970 y 1980, su estilo comenzó a aflojarse y amplió lo que había hecho antes. Lichtenstein comenzó una serie de pinturas de Espejos en 1969. En 1970, mientras continuaba con la serie de Espejos , comenzó a trabajar sobre el tema de los entablamentos . The Entablatures consistió en una primera serie de pinturas de 1971 a 1972, seguida de una segunda serie en 1974-1976, y la publicación de una serie de grabados en relieve en 1976. [59] Produjo una serie de "Artists Studios" que incorporaron elementos de su trabajo anterior. Un ejemplo notable es Artist's Studio, Look Mickey (1973, Walker Art Center , Minneapolis ) que incorpora otras cinco obras anteriores, encajadas en la escena. [1]
Durante un viaje a Los Ángeles en 1978, Lichtenstein quedó fascinado con la colección de grabados y libros ilustrados expresionistas alemanes del abogado Robert Rifkind . Comenzó a producir obras que tomaban prestados elementos estilísticos que se encuentran en las pinturas expresionistas. El Árbol Blanco (1980) evoca líricos Der Blaue Reiter paisajes, mientras que el Dr. Waldmann (1980) recuerda Otto Dix 's Dr. Mayer-Hermann (1926). Se utilizaron pequeños dibujos a lápiz de colores como plantillas para los grabados en madera, un medio preferido por Emil Nolde y Max Pechstein , así como por Dix y Ernst Ludwig Kirchner . [60] También a finales de la década de 1970, el estilo de Lichtenstein fue reemplazado por obras más surrealistas como Pow Wow (1979, Ludwig Forum für Internationale Kunst, Aachen ). Una serie importante de pinturas pop surrealistas de 1979 a 1981 se basa en temas de los nativos americanos. [61] [62] Estas obras van desde Amerind Figure (1981), una escultura estilizada de tamaño natural que recuerda a un tótem aerodinámico en bronce patinado en negro, hasta el monumental tapiz de lana Amerind Landscape (1979). Las obras "indias" tomaron sus temas, como las otras partes de la serie surrealista, del arte contemporáneo y otras fuentes, incluidos libros sobre diseño indio americano de la pequeña biblioteca de Lichtenstein. [63]
Las pinturas, esculturas y dibujos de bodegones de Lichtenstein , que abarcan desde 1972 hasta principios de la década de 1980, cubren una variedad de motivos y temas, incluidos los más tradicionales, como frutas, flores y jarrones. [64] En 1983, Lichtenstein hizo dos carteles contra el apartheid , titulados simplemente "Contra el apartheid". [65] [66] En su serie Reflection , producida entre 1988 y 1990, Lichtenstein reutilizó sus propios motivos de trabajos anteriores. [67] Interiors (1991-1992) es una serie de obras que representan ambientes domésticos banales inspirados en anuncios de muebles que el artista encontró en guías telefónicas o vallas publicitarias. [68] Inspirándose en las impresiones monocromáticas de Edgar Degas presentadas en una exposición de 1994 en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, los motivos de su serie Paisajes en el estilo chino se forman con puntos Benday simulados y contornos de bloques, representados en color duro, vivo, con todo rastro de la mano eliminado. [69] El desnudo es un elemento recurrente en el trabajo de Lichtenstein de la década de 1990, como en Collage for Nude with Red Shirt (1995).
Además de pinturas y esculturas, Lichtenstein también realizó más de 300 impresiones, principalmente en serigrafía . [70]
Comisiones
En 1969, Gunter Sachs le encargó a Lichtenstein la creación de Composition y Leda and the Swan , para el dormitorio del coleccionista Pop Art en el Palace Hotel de St. Moritz . A finales de la década de 1970 y durante la de 1980, Lichtenstein recibió importantes encargos de obras en lugares públicos: las esculturas Lamp (1978) en St. Mary's, Georgia ; Mermaid (1979) en Miami Beach; los 26 pies de altura Brushstrokes in Flight (1984, trasladados en 1998) en el Aeropuerto Internacional de Port Columbus ; el Mural de cinco pisos con pinceladas azules (1984-1985) en el Equitable Center , Nueva York; y El Cap de Barcelona (1992) en Barcelona. [54] En 1994, Lichtenstein creó el mural de Times Square de esmalte sobre metal de 53 pies de largo en la estación de metro de Times Square . [71] En 1977, BMW le encargó pintar una versión de carreras del Grupo 5 del BMW 320i para la tercera entrega del BMW Art Car Project . El logotipo de DreamWorks Records fue su último proyecto completado. [1] "No estoy en el negocio de hacer algo así (un logotipo corporativo) y no tengo la intención de hacerlo de nuevo", admite Lichtenstein. "Pero conozco a Mo Ostin y David Geffen y me pareció interesante". [72]
Reconocimiento
- 1977 Medalla Skowhegan de Pintura, Escuela Skowhegan, Skowhegan, Maine .
- 1979 Academia Estadounidense de Artes y Letras , Nueva York.
- 1989 Academia Americana en Roma , Roma, Italia. Artista en residencia.
- 1991 Premio de Artes Creativas en Pintura, Brandeis University , Waltham, Massachusetts .
- 1993 Amici de Barcelona, del alcalde Pasqual Maragall , L'Alcalde de Barcelona.
- 1995 Premio de Kioto , Fundación Inamori, Kioto , Japón.
- 1995 Medalla Nacional de las Artes, Washington DC
Lichtenstein recibió numerosos doctorados honorarios de, entre otros, la Universidad George Washington (1996), Bard College , Royal College of Art (1993), Ohio State University (1987), Southampton College (1980) y el Instituto de Artes de California. (1977). También formó parte de la junta directiva de la Academia de Música de Brooklyn . [58]
Vida personal
En 1949, Lichtenstein se casó con Isabel Wilson, quien anteriormente había estado casada con el artista de Ohio Michael Sarisky . [73] Sin embargo, los brutales inviernos del norte del estado afectaron a Lichtenstein y su esposa, [74] después de que comenzó a enseñar en la Universidad Estatal de Nueva York en Oswego en 1958. La pareja vendió la casa familiar en Highland Park, Nueva Jersey . en 1963 [75] y divorciado en 1965.
Lichtenstein se casó con su segunda esposa, Dorothy Herzka, en 1968. [76] En 1966, alquilaron una casa en Southampton, Nueva York, que Larry Rivers había comprado a la vuelta de la esquina de su propia casa. [77] Tres años más tarde, compraron una cochera de 1910 frente al océano en Gin Lane. [77] Desde 1970 hasta su muerte, Lichtenstein dividió su tiempo entre Manhattan y Southampton. [78] También tenía una casa en la isla de Captiva . [79]
Lichtenstein murió de neumonía el 29 de septiembre de 1997 [21] en el Centro Médico de la Universidad de Nueva York , donde estuvo hospitalizado durante varias semanas, cuatro semanas antes de cumplir 74 años. [12] Le sobreviven su segunda esposa, Dorothy Herzka, [80] y sus hijos, David y Mitchell , de su primer matrimonio.
Relevancia
El arte pop sigue influyendo en el siglo XXI. Lichtenstein y Andy Warhol fueron utilizados en el PopMart Tour de U2 en 1997, 1998 y en una exposición en 2007 en la Galería Nacional Británica de Retratos . [ cita requerida ]
Entre muchas otras obras de arte perdidas en los ataques al World Trade Center el 11 de septiembre de 2001, una pintura de The Entablature Series de Lichtenstein fue destruida en el incendio posterior. [81]
Su obra Crying Girl fue una de las obras de arte que cobraron vida en Night at the Museum: Battle of the Smithsonian . [ cita requerida ]
Exposiciones
En 1964, Lichtenstein se convirtió en el primer estadounidense en exponer en la Tate Gallery de Londres, con motivo de la muestra "54–64: Pintura y escultura de una década". En 1967, su primera exposición retrospectiva en un museo se llevó a cabo en el Museo de Arte de Pasadena en California. El mismo año, su primera exposición individual en Europa se llevó a cabo en museos de Ámsterdam, Londres, Berna y Hannover. [73] Lichtenstein participó más tarde en documentas IV (1968) y VI en (1977). Lichtenstein tuvo su primera retrospectiva en el Museo Guggenheim en 1969, organizada por Diane Waldman . El Guggenheim presentó una segunda retrospectiva de Lichtenstein en 1994. [59] Lichtenstein se convirtió en el primer artista vivo en tener una exposición individual de dibujo en el Museo de Arte Moderno de marzo a junio de 1987. [82] Recientes encuestas retrospectivas incluyen el 2003 "All About Art , " Louisiana Museum of Modern Art , en Dinamarca (que viajó a la Hayward Gallery , Londres, Museo Reina Sofía , Madrid, [83] y el San Francisco Museum of Modern Art , hasta 2005); y "Clásico de lo nuevo", Kunsthaus Bregenz (2005), "Roy Lichtenstein: Meditaciones sobre el arte" Museo Triennale, Milán (2010, viajó al Museo Ludwig , Colonia). A finales de 2010, The Morgan Library & Museum mostró Roy Lichtenstein: The Black-and-White Drawings, 1961-1968 . [84] Otra gran retrospectiva se inauguró en el Instituto de Arte de Chicago en mayo de 2012 antes de ir a la Galería Nacional de Arte en Washington, [85] Tate Modern en Londres y el Centro Pompidou en París en 2013. [86] 2013: Roy Lichtenstein, Bellas Artes de Olyvia. 2014: Roy Lichtenstein: Esculturas íntimas, The FLAG Art Foundation. Roy Lichtenstein: Opera Prima, Galería Cívica de Arte Moderno y Contemporáneo, Turín. [87] 2018: Exposición en The Tate Liverpool, Merseyside, Reino Unido.
Colecciones
En 1996, la Galería Nacional de Arte en Washington, DC se convirtió en el depósito individual más grande del trabajo del artista cuando Lichtenstein donó 154 grabados y 2 libros. El Art Institute of Chicago tiene varias obras importantes de Lichtenstein en su colección permanente, incluyendo Brushstroke with Spatter (1966) y Mirror No. 3 (Six Panels) (1971). Las posesiones personales de la viuda de Lichtenstein, Dorothy Lichtenstein, y de la Fundación Roy Lichtenstein se cuentan por cientos. [88] En Europa, el Museo Ludwig de Colonia tiene uno de los fondos más completos de Lichtenstein con Takka Takka (1962), Enfermera (1964), Composiciones I (1964), además del Museo de Frankfurt für Moderne Kunst con Nos levantamos lentamente ( 1964) y Pinceladas amarillas y verdes (1966). Fuera de los Estados Unidos y Europa, la Colección Kenneth Tyler de la Galería Nacional de Australia tiene una amplia colección de grabados de Lichtenstein, que suman más de 300 obras. En total hay unas 4.500 obras que se estima están en circulación. [1]
Fundación Roy Lichtenstein
Después de la muerte del artista en 1997, la Fundación Roy Lichtenstein se estableció en 1999. En 2011, la junta de la fundación decidió que los beneficios de la autenticación se veían compensados por los riesgos de demandas prolongadas. [89]
A finales de 2006, la fundación envió una tarjeta navideña con una imagen de Electric Cord (1961), una pintura que había desaparecido desde 1970 después de ser enviada al restaurador de arte Daniel Goldreyer por la Galería Leo Castelli . La tarjeta instaba al público a reportar cualquier información sobre su paradero. [90] En 2012, la fundación autenticó la pieza cuando apareció en un almacén de la ciudad de Nueva York. [91]
Entre 2008 y 2012, tras la muerte del fotógrafo Harry Shunk en 2006, [92] la Fundación Lichtenstein adquirió la colección de material fotográfico filmado por Shunk y su János Kender , así como los derechos de autor de los fotógrafos. [93] En 2013, la fundación donó el tesoro Shunk-Kender a cinco instituciones: el Instituto de Investigación Getty en Los Ángeles; el Museo de Arte Moderno de Nueva York; la Galería Nacional de Arte de Washington; el Centro Pompidou de París; y la Tate de Londres, que permitirá que cada museo acceda a la participación de los demás. [93]
Mercado del arte
Desde la década de 1950, el trabajo de Lichtenstein se ha exhibido en Nueva York y en otros lugares con Leo Castelli en su galería y en Castelli Graphics, así como con Ileana Sonnabend en su galería en París, y en Ferus Gallery , Pace Gallery , Gagosian Gallery , Mitchell-Innes. & Nash, Mary Boone , Brooke Alexander Gallery , Carlebach, Rosa Esman, Marilyn Pearl, James Goodman, John Heller, Blum Helman, Hirschl & Adler, Phyllis Kind , Getler Pall, Condon Riley, 65 Thompson Street, Holly Solomon y Sperone Westwater Galerías entre otros. La Galería Leo Castelli representó a Lichtenstein exclusivamente desde 1962, [12] cuando una muestra individual del artista se agotó antes de su inauguración. [94]
A partir de 1962, la Leo Castelli Gallery, Nueva York, realizó exposiciones periódicas de la obra del artista. [95] Gagosian Gallery ha estado exhibiendo obras de Lichtenstein desde 1996. [96]
Big Painting No. 6 (1965) se convirtió en la obra de Lichtenstein más cotizada en 1970. [97] Como toda la serie Brushstrokes , el tema de la pintura es el proceso depintura expresionista abstracta a través de amplias pinceladas y goteos, pero el resultado de la simplificación de Lichtenstein que utiliza unfondo de puntos de Ben-Day es una representación de la reproducción de impresión en color mecánica / industrial. [98]
El cuadro de Lichtenstein Torpedo ... Los! (1963) vendido en Christie's por 5,5 millones de dólares en 1989, una suma récord en ese momento, lo que lo convierte en uno de los tres únicos artistas vivos que han atraído sumas tan enormes. [73] En 2005, In the Car se vendió por un récord de $ 16,2 millones (£ 10 millones).
En 2010, su pintura de 1964 con estilo de dibujos animados Ohhh ... Muy bien ... , anteriormente propiedad de Steve Martin y más tarde de Steve Wynn , [99] se vendió a un precio récord de 42,6 millones de dólares (£ 26,7 millones) en una venta en Christie's. en Nueva York. [100] [101]
Basado en un dibujo de 1961 de William Overgard para una historia de dibujos animados de Steve Roper , [102] Puedo ver toda la habitación de Lichtenstein ... ¡y no hay nadie en ella! (1961) muestra a un hombre mirando a través de un agujero en una puerta. Fue vendido por la coleccionista Courtney Sale Ross por $ 43 millones, el doble de su estimación, en Christie's en la ciudad de Nueva York en 2011; el marido del vendedor, Steve Ross, lo había adquirido en una subasta en 1988 por 2,1 millones de dólares. [103] La pintura mide cuatro pies por cuatro pies y está en grafito y aceite. [104]
La pintura cómica Sleeping Girl (1964) de la colección de Beatrice y Phillip Gersh estableció un nuevo récord de Lichtenstein de 44,8 millones de dólares en Sotheby's en 2012. [105] [106]
En octubre de 2012, su cuadro Cable eléctrico (1962) fue devuelto a la viuda de Leo Castelli, Barbara Bertozzi Castelli, después de haber estado desaparecido durante 42 años. Castelli había enviado la pintura a un restaurador de arte para que la limpiara en enero de 1970 y nunca la recuperó. Murió en 1999. En 2006, la Fundación Roy Lichtenstein publicó una imagen de la pintura en su tarjeta de felicitación navideña y pidió a la comunidad artística que la ayudara a encontrarla. [107] La pintura fue encontrada en un almacén de Nueva York, luego de haber sido exhibida en Bogotá, Colombia. [108]
En 2013, el cuadro Mujer con sombrero florecido estableció otro récord con 56,1 millones de dólares, ya que fue comprado por el joyero británico Laurence Graff al inversor estadounidense Ronald O. Perelman . [109]
Esto fue superado en 2015 por la venta de Nurse por 95,4 millones de dólares en una subasta de Christie's. [110]
En enero de 2017, Masterpiece se vendió por 165 millones de dólares. Las ganancias de esta venta se utilizarán para crear un fondo para la reforma de la justicia penal. [9]
Trabaja | Fecha | Precio | Fuente |
---|---|---|---|
Cuadro grande n. ° 6 | Noviembre de 1970 | $ 75 000 | [97] |
Torpedo ... ¡Los! | 7 de noviembre de 1989 | $ 5,5 millones | [111] [112] |
Beso II | 1990 | $ 6,0 millones | [112] [113] |
Lágrimas de felicidad | Noviembre de 2002 | $ 7.1 millones | [113] [114] |
En el coche | 2005 | $ 16,2 millones | [114] [115] |
Ohhh ... Está bien ... | Noviembre de 2010 | $ 42.6 millones | [100] [115] |
Puedo ver toda la habitación ... ¡y no hay nadie en ella! | Noviembre de 2011 | $ 43.0 Millones | [103] |
Chica durmiente | 9 de mayo de 2012 | $ 44.8 Millones | [105] [106] |
Mujer con sombrero de flores | 15 de mayo de 2013 | $ 56.1 Millones | [109] |
Enfermero | 9 de noviembre de 2015 | $ 95.4 Millones | [116] |
Obra maestra | Enero de 2017 | $ 165 millones | [9] |
Referencias
Citas
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- Roy Lichtenstein Interview with Chris Hunt Image Entertainment video, 1991
- Roy Lichtenstein Interview with Melvyn Bragg video
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enlaces externos
External video | |
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Lichtenstein's Rouen Cathedral Set V, (3:10) Smarthistory | |
Roy Lichtenstein: A Retrospective, (5:50), National Gallery of Art | |
TateShots: Roy Lichtenstein, (3:31) Tate Gallery | |
Dorothy Lichtenstein on Roy Lichtenstein: A Retrospective on YouTube, (1:16), Art Institute of Chicago |
- Roy Lichtenstein Foundation
- Roy Lichtenstein at the Museum of Modern Art
- Roy Lichtenstein at Find a Grave
Biographical:
- Roy Lichtenstein timeline
- Roy Lichtenstein – slideshow by The New York Times
- How Nail Art And Roy Lichtenstein Belong Together – article by Forbes
- Roy Lichtenstein: Pop Art's Most Popular; His Whimsical Paintings Once Evoked the "Shock of the New"; Now They Evoke Record Prices on the Auction Block
Works:
- Roy Lichtenstein's public artwork at Times Square-42nd Street, commissioned by MTA Arts for Transit.
- Roy Lichtenstein in the National Gallery of Australia's Kenneth Tyler collection
Other:
- Deconstructing Roy Lichtenstein (sources for Lichtenstein's comic-book paintings)