Teatro
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Sarah Bernhardt como Hamlet , en 1899
Las artes escénicas

El teatro o teatro [a] es una forma colaborativa de arte escénico que utiliza artistas en vivo, generalmente actores o actrices , para presentar la experiencia de un evento real o imaginario ante una audiencia en vivo en un lugar específico, a menudo un escenario. Los artistas pueden comunicar esta experiencia a la audiencia a través de combinaciones de gestos , discursos, canciones, música y danza . Los elementos del arte, como la escenografía pintada y la escenografía , como la iluminación, se utilizan para mejorar la fisicalidad, la presencia y la inmediatez de la experiencia. [1]El lugar específico de la representación también recibe el nombre de la palabra "teatro" derivada del griego antiguo θέατρον (théatron, "un lugar para ver"), en sí mismo de θεάομαι (theáomai, "ver", "mirar", " para observar").

El teatro occidental moderno proviene, en gran medida, del teatro de la antigua Grecia , del que toma prestada terminología técnica, clasificación en géneros y muchos de sus temas , personajes comunes y elementos de la trama. El artista de teatro Patrice Pavis define la teatralidad, el lenguaje teatral , la escritura escénica y la especificidad del teatro como expresiones sinónimas que diferencian al teatro de las demás artes escénicas , la literatura y las artes en general. [2] [b]

El teatro moderno incluye representaciones de obras de teatro y teatro musical . Las formas de arte del ballet y la ópera también son teatro y utilizan muchas convenciones como la actuación , el vestuario y la puesta en escena. Fueron influyentes en el desarrollo del teatro musical ; consulte esos artículos para obtener más información.

Historia del teatro

Artículo principal: Historia del teatro

Grecia clásica y helenística

Teatro griego en Taormina , Sicilia , Italia
Artículo principal: Teatro de la antigua Grecia
Una representación de actores interpretando los papeles de un maestro (derecha) y su esclavo (izquierda) en una obra griega phlyax , circa 350/340 a. C.

La ciudad-estado de Atenas es donde se originó el teatro occidental. [3] [4] [5] [c] Era parte de una cultura más amplia de teatralidad y actuación en la Grecia clásica que incluía festivales , rituales religiosos , política , derecho , atletismo y gimnasia, música , poesía , bodas, funerales y simposios . [6] [5] [7] [8] [d]

La participación en los numerosos festivales de la ciudad-estado, y la asistencia obligatoria a la City Dionysia como miembro de la audiencia (o incluso como participante en las producciones teatrales) en particular, fue una parte importante de la ciudadanía . [10] La participación cívica también involucró la evaluación de la retórica de los oradores evidenciada en representaciones en el tribunal de justicia o asamblea política , las cuales fueron entendidas como análogas al teatro y llegaron a absorber cada vez más su vocabulario dramático. [11] [12] Los griegos también desarrollaron los conceptos de crítica dramática y arquitectura teatral. [13][14] [15] Los actores eran aficionados o, en el mejor de los casos, semiprofesionales. [16] El teatro de la antigua Grecia constaba de tres tipos de drama : la tragedia , la comedia y el juego de sátiros . [17]

Los orígenes del teatro en la antigua Grecia, según Aristóteles (384–322 a. C.), el primer teórico del teatro, se encuentran en los festivales que honraban a Dioniso. Las actuaciones se realizaron en auditorios semicirculares cortados en laderas, con capacidad para entre 10.000 y 20.000 personas. El escenario constaba de una pista de baile (orquesta), un camerino y un área de construcción de escenas (skene). Dado que las palabras eran la parte más importante, una buena acústica y una entrega clara eran primordiales. Los actores (siempre hombres) llevaban máscaras adecuadas a los personajes que representaban, y cada uno podía interpretar varios papeles. [18]

La tragedia ateniense, la forma de tragedia más antigua que se conserva, es un tipo de danza- drama que formó una parte importante de la cultura teatral de la ciudad-estado. [3] [4] [5] [19] [20] [e] Habiendo surgido en algún momento durante el siglo VI a. C., floreció durante el siglo V a. C. (a partir del final del cual comenzó a extenderse por todo el mundo griego), y continuó siendo popular hasta el comienzo del período helenístico . [22] [23] [4] [f]

No han sobrevivido tragedias del siglo VI a.C. y solo 32 de las más de mil que se realizaron durante el siglo V a.C. [25] [26] [g] Tenemos textos completos existentes por Esquilo , Sófocles y Eurípides . [27] [h] Los orígenes de la tragedia siguen siendo oscuros, aunque en el siglo V a. C. se institucionalizó en concursos ( agon ) que se celebraban como parte de las festividades que celebraban a Dioniso (el dios del vino y la fertilidad ). [28] [29]Como concursantes en el concurso City Dionysia (el más prestigioso de los festivales de teatro), los dramaturgos debían presentar una tetralogía de obras (aunque las obras individuales no estaban necesariamente conectadas por historia o tema), que generalmente consistía en tres tragedias y una juego de sátiro. [30] [31] [i] La representación de tragedias en la ciudad de Dionysia puede haber comenzado ya en el 534 a. C. Los registros oficiales ( didaskaliai ) comienzan en el 501 a. C., cuando se introdujo el juego del sátiro. [32] [30] [j]

La mayoría de las tragedias atenienses dramatizan eventos de la mitología griega , aunque Los persas, que escenifica la respuesta persa a la noticia de su derrota militar en la batalla de Salamina en 480 a. C., es la excepción notable en el drama sobreviviente. [30] [k] Cuando Esquilo ganó el primer premio en la Ciudad Dionisia en 472 a. C., había estado escribiendo tragedias durante más de 25 años, sin embargo, su tratamiento trágico de la historia reciente es el primer ejemplo de drama que ha sobrevivido. [30] [34] Más de 130 años después, el filósofo Aristóteles analizó la tragedia ateniense del siglo V en la obra más antigua que se conserva deteoría dramática -su Poética (c. 335 BCE).

La comedia ateniense se divide convencionalmente en tres períodos, "Comedia antigua", "Comedia intermedia" y "Comedia nueva". La comedia antigua sobrevive hoy en gran parte en la forma de las once obras de teatro supervivientes de Aristófanes , mientras que la comedia media se pierde en gran medida (se conserva solo en fragmentos relativamente cortos en autores como Ateneo de Naucratis ). La Nueva Comedia se conoce principalmente por los importantes fragmentos de papiro de Menandro . Aristóteles definió la comedia como una representación de personas risibles que involucra algún tipo de pifia o fealdad que no causa dolor ni desastre. [l]

Además de las categorías de comedia y tragedia en el City Dionysia, el festival también incluyó el Satyr Play . Al encontrar sus orígenes en rituales agrícolas rurales dedicados a Dionisio, la obra del sátiro finalmente llegó a Atenas en su forma más conocida. Los propios sátiros estaban vinculados al dios Dioniso como sus leales compañeros del bosque, a menudo participando en juergas y travesuras borrachas a su lado. La obra de sátiro en sí fue clasificada como tragicomedia, y se inclinó por el lado de las tradiciones burlescas más modernas de principios del siglo XX. Las líneas argumentales de las obras de teatro estaban típicamente relacionadas con el trato del panteón de los dioses y su participación en los asuntos humanos, respaldadas por el coro de sátiros . Sin embargo, según Webster, los actores sátiros no siempre realizaban acciones típicas de los sátiros y rompían con las tradiciones de actuación asignadas al tipo de personaje de una criatura mítica del bosque. [35]

Teatro romano

Artículo principal: Teatro de la antigua Roma
Mosaico que representa a actores enmascarados en una obra de teatro: dos mujeres consultan a una "bruja"

El teatro occidental se desarrolló y se expandió considerablemente bajo los romanos . El historiador romano Livio escribió que los romanos experimentaron el teatro por primera vez en el siglo IV a. C., con una actuación de actores etruscos . [36] Beacham sostiene que habían estado familiarizados con las "prácticas pre-teatrales" durante algún tiempo antes de ese contacto grabado. [37] El teatro de la antigua Roma era una forma de arte próspera y diversa, que iba desde representaciones en festivales de teatro callejero , bailes de desnudos y acrobacias , hasta la puesta en escena de las comedias de situación ampliamente atractivas de Plauto , hasta latragedias de Séneca de alto estilo y verbalmente elaboradas . Aunque Roma tenía una tradición escénica nativa, la helenización de la cultura romana en el siglo III a. C. tuvo un efecto profundo y vigorizante en el teatro romano y alentó el desarrollo de la literatura latina de la más alta calidad para el escenario. Las únicas obras del Imperio Romano que se conservan son diez dramas atribuidos a Lucius Annaeus Séneca (4 a. C.-65 d. C.), el filósofo estoico nacido en Corduba y tutor de Nerón. [38]

Teatro indio

Artículo principal: drama clásico indio
Véase también: Koothu
Véase también: Koodiyattam
Koothu es una forma antigua de arte escénico que se originó a principios de Tamilakam .

Los primeros fragmentos supervivientes del drama sánscrito datan del siglo I d.C. [39] [40] La gran cantidad de evidencia arqueológica de períodos anteriores no ofrece indicios de la existencia de una tradición de teatro. [41] Los antiguos Vedas ( himnos de entre 1500 y 1000 a. C. que se encuentran entre los primeros ejemplos de literatura en el mundo) no contienen ningún indicio de ello (aunque un pequeño número está compuesto en una forma de diálogo ) y los rituales del Védico período no parece haberse convertido en teatro. [41] El Mahābhāṣya de Patañjalicontiene la referencia más antigua a lo que pudo haber sido la semilla del drama sánscrito. [42] Este tratado de gramática de 140 a. C. proporciona una fecha viable para los inicios del teatro en la India . [42]

La principal fuente de evidencia del teatro sánscrito es Un tratado sobre teatro ( Nātyaśāstra ), un compendio cuya fecha de composición es incierta (las estimaciones van desde el 200 a. C. al 200 d. C.) y cuya autoría se atribuye a Bharata Muni . El Tratado es la obra de dramaturgia más completa del mundo antiguo. Aborda la actuación , la danza , la música , la construcción dramática , la arquitectura , el vestuario , el maquillaje , la utilería , la organización de empresas, el público, los concursos, y ofrece una visión mitológica.relato del origen del teatro. [42] Al hacerlo, proporciona indicaciones sobre la naturaleza de las prácticas teatrales reales. El teatro sánscrito fue realizado en terreno sagrado por sacerdotes que habían sido entrenados en las habilidades necesarias (danza, música y recitación) en un [proceso hereditario]. Su objetivo era tanto educar como entretener.

Intérprete interpretando Sugriva en la forma Koodiyattam del teatro sánscrito

Bajo el patrocinio de las cortes reales, los artistas pertenecían a compañías profesionales dirigidas por un director de escena ( sutradhara ), que también puede haber actuado. [39] [42] Se pensaba que esta tarea era análoga a la de un titiritero ; el significado literal de " sutradhara " es "sostener las cuerdas o hilos". [42] Los intérpretes fueron entrenados rigurosamente en técnica vocal y física. [43]No hay prohibiciones contra las mujeres artistas; las empresas eran exclusivamente masculinas, exclusivamente femeninas y de género mixto. Sin embargo, se consideró que ciertos sentimientos eran inapropiados para que los hombres los manifestaran y se pensaba que se adaptaban mejor a las mujeres. Algunos artistas interpretaron personajes de su propia edad, mientras que otros interpretaron edades diferentes a las suyas (ya sean más jóvenes o mayores). De todos los elementos del teatro, el Tratado presta más atención a la actuación ( abhinaya ), que consta de dos estilos: realista ( lokadharmi ) y convencional ( natyadharmi ), aunque el enfoque principal está en el último. [43] [m]

Su drama se considera el mayor logro de la literatura sánscrita . [39] Se utilizó caracteres comunes , tales como el héroe ( nayaka ), heroína ( nayika ), o un payaso ( vidusaka ). Los actores pueden haberse especializado en un tipo particular. Kālidāsa en el siglo I a. C. se considera posiblemente el mayor dramaturgo sánscrito de la India antigua . Tres famosas obras románticas escritas por Kālidāsa son Mālavikāgnimitram ( Mālavikā y Agnimitra ), Vikramuurvashiiya ( Perteneciente a Vikrama y Urvashi ) y Abhijñānaśākuntala (El reconocimiento de Shakuntala ). El último se inspiró en una historia del Mahabharata y es el más famoso. Fue el primero en ser traducido al inglés y al alemán . Śakuntalā (en traducción al inglés) influyó en el Fausto de Goethe (1808-1832). [39]

El siguiente gran dramaturgo indio fue Bhavabhuti (c. Siglo VII d. C.). Se dice que escribió las siguientes tres obras: Malati-Madhava , Mahaviracharita y Uttar Ramacharita . Entre estos tres, los dos últimos cubren entre ellos toda la epopeya del Ramayana . Al poderoso emperador indio Harsha (606–648) se le atribuye haber escrito tres obras: la comedia Ratnavali , Priyadarsika y el drama budista Nagananda .

Teatro chino

Actuación pública en el teatro al aire libre Jade Dragon Snow Mountain

La dinastía Tang a veces se conoce como "La era de los 1000 entretenimientos". Durante esta era, Ming Huang formó una escuela de actuación conocida como The Pear Garden para producir una forma de drama que era principalmente musical. Por eso a los actores se les suele llamar "Hijos del jardín de las peras". Durante la dinastía de la emperatriz Ling, los títeres de sombras surgieron por primera vez como una forma reconocida de teatro en China. Había dos formas distintas de títeres de sombras, pequinés (norte) y cantonés (sur). Los dos estilos se diferenciaron por el método de fabricación de los títeres y la colocación de las varillas en los títeres , a diferencia del tipo de juego.realizado por los títeres. Ambos estilos representaban por lo general obras de teatro que representaban grandes aventuras y fantasía; rara vez se utilizaba esta forma tan estilizada de teatro para la propaganda política.

Los títeres de sombras cantoneses eran los más grandes de los dos. Fueron construidos con cuero grueso que creaba sombras más sustanciales. El color simbólico también fue muy frecuente; una cara negra representaba honestidad, una roja valentía. Las varillas utilizadas para controlar los títeres cantoneses se unieron perpendicularmente a las cabezas de los títeres. Por lo tanto, la audiencia no los vio cuando se creó la sombra. Las marionetas pequinés eran más delicadas y más pequeñas. Fueron creados con cuero fino y translúcido (generalmente tomado del vientre de un burro). Fueron pintados con pinturas vibrantes, por lo que arrojaron una sombra muy colorida. Las varillas delgadas que controlaban sus movimientos estaban unidas a un collar de cuero en el cuello del títere. Las varillas corrían paralelas a los cuerpos de la marioneta y luego giraban en un ángulo de noventa grados para conectarse al cuello.Si bien estas varas eran visibles cuando se proyectaba la sombra, se colocaban fuera de la sombra de la marioneta; por tanto, no interfirieron con la apariencia de la figura. Las varillas unidas en los cuellos para facilitar el uso de múltiples cabezas con un solo cuerpo. Cuando no se usaban las cabezas, se guardaban en un libro de muselina o en una caja forrada de tela. Las cabezas siempre se retiraban por la noche. Esto estaba en consonancia con la vieja superstición de que si se dejaban intactos, los títeres cobrarían vida por la noche. Algunos titiriteros llegaron a guardar las cabezas en un libro y los cuerpos en otro, para reducir aún más la posibilidad de reanimar a los títeres. Se dice que los títeres de sombras alcanzaron su punto más alto de desarrollo artístico en el siglo XI antes de convertirse en una herramienta del gobierno.por tanto, no interfirieron con la apariencia de la figura. Las varillas unidas en los cuellos para facilitar el uso de múltiples cabezas con un solo cuerpo. Cuando no se usaban las cabezas, se guardaban en un libro de muselina o en una caja forrada de tela. Las cabezas siempre se retiraban por la noche. Esto estaba en consonancia con la vieja superstición de que si se dejaban intactos, los títeres cobrarían vida por la noche. Algunos titiriteros llegaron a guardar las cabezas en un libro y los cuerpos en otro, para reducir aún más la posibilidad de reanimar a los títeres. Se dice que los títeres de sombras alcanzaron su punto más alto de desarrollo artístico en el siglo XI antes de convertirse en una herramienta del gobierno.por tanto, no interfirieron con la apariencia de la figura. Las varillas unidas en los cuellos para facilitar el uso de múltiples cabezas con un solo cuerpo. Cuando no se usaban las cabezas, se guardaban en un libro de muselina o en una caja forrada de tela. Las cabezas siempre se retiraban por la noche. Esto estaba en consonancia con la vieja superstición de que si se dejaban intactos, los títeres cobrarían vida por la noche. Algunos titiriteros llegaron a guardar las cabezas en un libro y los cuerpos en otro, para reducir aún más la posibilidad de reanimar a los títeres. Se dice que los títeres de sombras alcanzaron su punto más alto de desarrollo artístico en el siglo XI antes de convertirse en una herramienta del gobierno.Cuando no se usaban las cabezas, se guardaban en un libro de muselina o en una caja forrada de tela. Las cabezas siempre se retiraban por la noche. Esto estaba en consonancia con la vieja superstición de que si se dejaban intactos, los títeres cobrarían vida por la noche. Algunos titiriteros llegaron a guardar las cabezas en un libro y los cuerpos en otro, para reducir aún más la posibilidad de reanimar a los títeres. Se dice que los títeres de sombras alcanzaron su punto más alto de desarrollo artístico en el siglo XI antes de convertirse en una herramienta del gobierno.Cuando no se usaban las cabezas, se guardaban en un libro de muselina o en una caja forrada de tela. Las cabezas siempre se retiraban por la noche. Esto estaba en consonancia con la vieja superstición de que si se dejaban intactos, los títeres cobrarían vida por la noche. Algunos titiriteros llegaron a guardar las cabezas en un libro y los cuerpos en otro, para reducir aún más la posibilidad de reanimar a los títeres. Se dice que los títeres de sombras alcanzaron su punto más alto de desarrollo artístico en el siglo XI antes de convertirse en una herramienta del gobierno.para reducir aún más la posibilidad de reanimar marionetas. Se dice que los títeres de sombras alcanzaron su punto más alto de desarrollo artístico en el siglo XI antes de convertirse en una herramienta del gobierno.para reducir aún más la posibilidad de reanimar marionetas. Se dice que los títeres de sombras alcanzaron su punto más alto de desarrollo artístico en el siglo XI antes de convertirse en una herramienta del gobierno.

En la dinastía Song , hubo muchas obras populares que incluían acrobacias y música. Estos se desarrollaron en la dinastía Yuan en una forma más sofisticada conocida como zaju , con una estructura de cuatro o cinco actos. El drama yuan se extendió por China y se diversificó en numerosas formas regionales, una de las más conocidas es la Ópera de Pekín, que sigue siendo popular en la actualidad.

Xiangsheng es una determinada comedia tradicional china en forma de monólogo o diálogo.

Teatro indonesio

Artículos principales: Teatro de Indonesia y teatro balinés
Rama y Shinta en la actuación de Wayang Wong cerca del complejo del templo de Prambanan

En Indonesia , las representaciones teatrales se han convertido en una parte importante de la cultura local, las representaciones teatrales en Indonesia se han desarrollado durante miles de años. La mayoría de las formas de teatro más antiguas de Indonesia están vinculadas directamente a las tradiciones literarias locales (orales y escritas). Los prominentes teatros de marionetas , wayang golek (teatro de títeres de varilla de madera) del sundanés y wayang kulit (teatro de marionetas de sombras de cuero) de los javaneses y balineses, extraen gran parte de su repertorio de versiones autóctonas del Ramayana y el Mahabharata.. Estos cuentos también proporcionan material de origen para el wayang wong (teatro humano) de Java y Bali , que utiliza actores. Sin embargo, algunas representaciones de wayang golek también presentan historias musulmanas, llamadas menak . [44] [45] Wayang es una forma antigua de narración que es famosa por sus elaborados estilos musicales de marionetas / humanos y complejos. [46] La evidencia más temprana es de finales del primer milenio EC, en textos de la era medieval y sitios arqueológicos. [47] El registro más antiguo conocido que se refiere a wayang es del siglo IX. Alrededor del 840 d.C., unas inscripciones antiguas de Java (Kawi) llamadas Inscripciones Jaha emitidas por el maharajá Sri Lokapalaform Medang Kingdom enJava central menciona tres tipos de artistas: atapukan, aringgit y abanol. Aringgit significa espectáculo de marionetas Wayang, Atapukan significa espectáculo de danza de máscaras y abanwal significa arte de broma. Ringgit se describe en un poema javanés del siglo XI como una figura de sombra de cuero.

Teatro posclásico en Occidente

El teatro adoptó muchas formas alternativas en Occidente entre los siglos XV y XIX, incluida la commedia dell'arte y el melodrama . La tendencia general fue alejarse del drama poético de los griegos y el Renacimiento y hacia un estilo de diálogo en prosa más naturalista, especialmente después de la Revolución Industrial . [48]

Theatre Royal, Drury Lane en el West End . Inaugurado en mayo de 1663, es el teatro más antiguo de Londres. [49]

El teatro hizo una gran pausa durante 1642 y 1660 en Inglaterra debido al Interregno Puritano . Viendo el teatro como algo pecaminoso, los puritanos ordenaron el cierre de los teatros de Londres en 1642 . [50] Este período de estancamiento terminó cuando Carlos II regresó al trono en 1660 en la Restauración . El teatro (entre otras artes) explotó, con influencia de la cultura francesa, ya que Carlos había sido exiliado en Francia en los años previos a su reinado.

En 1660, dos compañías obtuvieron la licencia para actuar, Duke's Company y King's Company . Las actuaciones se llevaron a cabo en edificios convertidos, como la cancha de tenis de Lisle . El primer teatro del West End , conocido como Theatre Royal en Covent Garden , Londres, fue diseñado por Thomas Killigrew y construido en el sitio del actual Theatre Royal, Drury Lane . [49]

Uno de los grandes cambios fue el nuevo teatro. En lugar del tipo de la era isabelina, como el Globe Theatre , redondo sin lugar para que los actores se preparen realmente para el próximo acto y sin "modales teatrales", el teatro se transformó en un lugar de refinamiento, con un el escenario al frente y los asientos del estadio frente a él. Dado que los asientos ya no estaban alrededor del escenario, se convirtió en una prioridad: algunos asientos eran obviamente mejores que otros. El rey tendría el mejor asiento de la casa: el centro del teatro, que tenía la vista más amplia del escenario, así como la mejor manera de ver el punto de vista y el punto de fuga alrededor del cual se construyó el escenario. Philippe Jacques de Loutherbourg fue uno de los diseñadores de escenarios más influyentes de la época debido a su uso del espacio en el piso y la escenografía.

Debido a la agitación antes de este momento, todavía había cierta controversia sobre lo que debería y no debería ponerse en el escenario. Jeremy Collier , un predicador, fue uno de los protagonistas de este movimiento a través de su pieza A Short View of the Immorality and Blasfeness of the English Stage . Las creencias en este documento fueron sostenidas principalmente por personas que no asistieron al teatro y el resto de los puritanos y muy religiosos de la época. La pregunta principal era si ver algo inmoral en el escenario afecta el comportamiento en la vida de quienes lo ven, una controversia que aún se mantiene en la actualidad. [51]

Facturación de un teatro británico en 1829

El siglo XVII también había introducido a las mujeres en el escenario, lo que antes se consideró inapropiado. Estas mujeres eran consideradas celebridades (también un concepto más nuevo, gracias a las ideas sobre el individualismo que surgieron a raíz del humanismo renacentista ), pero por otro lado, todavía era muy nuevo y revolucionario que estuvieran en el escenario, y algunos decían no eran parecidos a una dama y los miraban desde arriba. A Carlos II no le gustaba que los hombres jóvenes interpretaran el papel de las mujeres jóvenes, por lo que pidió que las mujeres interpretaran sus propios papeles. [52] Debido a que se permitía que las mujeres subieran al escenario, los dramaturgos tenían más margen de maniobra con los giros de la trama, como las mujeres que se vestían como hombres y tenían escapes estrechos de situaciones moralmente difíciles como formas de comedia.

Las comedias estaban llenas de gente joven y estaban muy de moda, y la historia seguía sus vidas amorosas: comúnmente un joven héroe pícaro que profesaba su amor a la heroína casta y de mente libre cerca del final de la obra, muy parecido a La escuela del escándalo de Sheridan . Muchas de las comedias se crearon según la tradición francesa, principalmente Molière, y se remontan una vez más a la influencia francesa traída por el rey y la realeza después de su exilio. Molière fue uno de los mejores dramaturgos cómicos de la época, revolucionando la forma en que se escribía y representaba la comedia al combinar la commedia dell'arte italiana y la comedia francesa neoclásica para crear algunas de las comedias satíricas más duraderas e influyentes. [53]Las tragedias resultaron igualmente victoriosas en su sentido de enderezar el poder político, especialmente conmovedor debido a la reciente Restauración de la Corona. [54] También eran imitaciones de la tragedia francesa, aunque los franceses tenían una mayor distinción entre comedia y tragedia, mientras que los ingleses modificaban las líneas de vez en cuando y ponían algunas partes cómicas en sus tragedias. Las formas comunes de las obras de teatro no cómicas eran las comedias sentimentales y algo que luego se llamaría tragédie bourgeoise o tragedia doméstica , es decir, la tragedia de la vida común, fueron más populares en Inglaterra porque apelaron más a las sensibilidades inglesas. [55]

Si bien las compañías de teatro solían viajar anteriormente, la idea del teatro nacional ganó apoyo en el siglo XVIII, inspirada por Ludvig Holberg . El principal impulsor de la idea del teatro nacional en Alemania, y también de los poetas Sturm und Drang , fue Abel Seyler , propietario de la Hamburgische Entreprise y de la Seyler Theatre Company . [56]

La "Casita" del Teatro Vanemuine de 1918 en Tartu , Estonia . [57]

A lo largo del siglo XIX , las formas teatrales populares del romanticismo , el melodrama , el burlesque victoriano y las obras bien hechas de Scribe y Sardou dieron paso a las obras problemáticas del naturalismo y el realismo ; las farsas de Feydeau ; Gesamtkunstwerk operística de Wagner ; teatro musical (incluidas las óperas de Gilbert y Sullivan ); FC Burnand 's, WS Gilbert 's y Las comedias de salón de Oscar Wilde ; Simbolismo ; proto- expresionismo a finales de obras de August Strindberg y Henrik Ibsen ; [58] y comedia musical eduardiana .

Estas tendencias continuaron a lo largo del siglo XX en el realismo de Stanislavski y Lee Strasberg , el teatro político de Erwin Piscator y Bertolt Brecht , el llamado Teatro del Absurdo de Samuel Beckett y Eugène Ionesco , musicales estadounidenses y británicos, las creaciones colectivas de compañías de actores y directores como Joan Littlewood 's Theatre Workshop , teatro experimental y posmoderno de Robert Wilson y Robert Lepage , la poscolonialteatro de August Wilson o Tomson Highway , y Augusto Boal 's Teatro del Oprimido .

Tradiciones teatrales orientales

Rakshasa o el demonio representado en Yakshagana , una forma de danza musical- drama de la India

La primera forma de teatro indio fue el teatro sánscrito . [59] Comenzó después del desarrollo del teatro griego y romano y antes del desarrollo del teatro en otras partes de Asia. [59] Surgió en algún momento entre el siglo II a. C. y el siglo I d. C. y floreció entre el siglo I d. C. y el 10, que fue un período de relativa paz en la historia de la India durante el cual se escribieron cientos de obras de teatro. [60] [41] Las formas japonesas de Kabuki , Nō y Kyōgen se desarrollaron en el siglo XVII EC. [61] Teatro en elEl mundo islámico medieval incluía teatro de marionetas (que incluía títeres de mano, juegos de sombras y producciones de marionetas ) y obras de teatro de pasión en vivo conocidas como ta'ziya , donde los actores recrean episodios de la historia musulmana . En particular, las obras de teatro islámicas chiítas giraban en torno al shaheed (martirio) de los hijos de Ali , Hasan ibn Ali y Husayn ibn Ali . Las obras seculares se conocían como akhraja , registradas en la literatura adab medieval , aunque eran menos comunes que los títeres y el teatro ta'ziya . [62]


Tipos

Drama

Artículo principal: Drama

El drama es el modo específico de ficción representado en la interpretación . [63] El término proviene de una palabra griega que significa " acción ", que se deriva del verbo δράω, dráō , "hacer" o "actuar". La puesta en escena del drama en el teatro, interpretada por actores en un escenario ante una audiencia , presupone modos de producción colaborativos y una forma colectiva de recepción. La estructura de los textos dramáticos , a diferencia de otras formas de literatura., está directamente influenciado por esta producción colaborativa y recepción colectiva. [64] La temprana tragedia moderna Hamlet (1601) de Shakespeare y la clásica tragedia ateniense Edipo Rey (c. 429 a. C.) de Sófocles se encuentran entre las obras maestras del arte dramático. [65] Un ejemplo moderno es Long Day's Journey into Night de Eugene O'Neill (1956). [66]

Considerado como un género de la poesía en general, el modo dramático ha sido contrastada con la épica de los y líricos modos Desde que Aristóteles 's Poética (c. 335 aC), el primer trabajo de la teoría dramática . [n] El uso de "drama" en el sentido estricto para designar un tipo específico de juego data del siglo XIX . El drama en este sentido se refiere a una obra que no es ni una comedia ni una tragedia, por ejemplo, Thérèse Raquin (1873) de Zola o Ivanov de Chejov. (1887). En la antigua Grecia, sin embargo, la palabra drama abarcaba todas las obras de teatro, trágicas, cómicas o cualquier cosa intermedia.

El drama a menudo se combina con música y danza : el drama de la ópera generalmente se canta de principio a fin; los musicales generalmente incluyen tanto diálogos hablados como canciones ; y algunas formas de drama tienen música incidental o acompañamiento musical que subraya el diálogo ( melodrama y Nō japonés , por ejemplo). [o] En ciertos períodos de la historia (el romano antiguo y el romántico moderno ) algunos dramas se han escrito para ser leídos en lugar de representados. [p] En improvisación, el drama no preexiste al momento de la representación; los artistas intérpretes o ejecutantes idean un guión dramático de forma espontánea ante una audiencia. [q]

Teatro musical

Artículo principal: Teatro musical
Gatos en el London Palladium

La música y el teatro han tenido una estrecha relación desde la antigüedad: la tragedia ateniense , por ejemplo, era una forma de danza , drama que empleaba un coro cuyas partes se cantaban (con el acompañamiento de un aulos, un instrumento comparable al clarinete moderno ), al igual que algunas de las respuestas de los actores y sus "canciones en solitario" ( monodías ). [67] El teatro musical moderno es una forma de teatro que también combina música, diálogo hablado y danza. Surgió de la ópera cómica (especialmente Gilbert y Sullivan ), variedad ,vodevil y géneros de music hall de finales del siglo XIX y principios del XX . [68] Después de la comedia musical eduardiana que comenzó en la década de 1890, los musicales Princess Theatre de principios del siglo XX y las comedias de las décadas de 1920 y 1930 (como las obras de Rodgers y Hammerstein ), ¡con Oklahoma! (1943), los musicales se movieron en una dirección más dramática. [r] Los musicales famosos de las décadas siguientes incluyen My Fair Lady (1956), West Side Story (1957), The Fantasticks (1960), Hair (1967),A Chorus Line (1975), Les Misérables (1980), Cats (1981), Into the Woods (1986) y The Phantom of the Opera (1986), [69] así como éxitos más contemporáneos como Rent (1994), El Rey León (1997), Wicked (2003) y Hamilton (2015).

El teatro musical puede producirse en una escala íntima fuera de Broadway , en teatros regionales y en otros lugares, pero a menudo incluye espectáculo. Por ejemplo, los musicales de Broadway y West End a menudo incluyen lujosos disfraces y decorados respaldados por presupuestos multimillonarios.

Máscaras teatrales de tragedia y comedia. Mosaico, obra de arte romana , siglo II d.C. Museos Capitolinos , Roma

Comedia

Artículo principal: Comedia

Las producciones teatrales que utilizan el humor como vehículo para contar una historia se califican como comedias. Esto puede incluir una farsa moderna como Boeing Boeing o una obra clásica como As You Like It . El teatro que expresa un tema sombrío, controvertido o tabú de una manera deliberadamente humorística se conoce como comedia negra . La comedia negra puede tener varios géneros como el humor slapstick, la comedia oscura y sarcástica.

Tragedia

Artículo principal: Tragedia

La tragedia, entonces, es una imitación de una acción que es seria, completa y de cierta magnitud: en un lenguaje embellecido con cada tipo de adorno artístico, los diversos tipos se encuentran en partes separadas de la obra; en forma de acción, no de narrativa; a través de la piedad y el miedo efectuando la debida purga de estas emociones.

-  Aristóteles , Poética [70]

La frase de Aristóteles "se encuentran varios tipos en partes separadas de la obra" es una referencia a los orígenes estructurales del drama. En él, las partes habladas se escribieron en el dialecto ático, mientras que las corales (recitadas o cantadas) en el dialecto dórico , estas discrepancias reflejan los diferentes orígenes religiosos y metros poéticos de las partes que se fusionaron en una nueva entidad, el drama teatral .

La tragedia se refiere a una específica tradición de teatro que ha jugado un papel único e importante históricamente en la autodefinición de la civilización occidental . [71] [72] Esa tradición ha sido múltiple y discontinua, sin embargo, el término se ha utilizado a menudo para invocar un efecto poderoso de identidad cultural y continuidad histórica: "los griegos y los isabelinos , en una forma cultural; helenos y cristianos , en una actividad común ", como dice Raymond Williams . [73] Desde sus oscuros orígenes en los teatros de AtenasHace 2.500 años, de la que sólo sobrevive una fracción de la obra de Esquilo , Sófocles y Eurípides , a través de sus singulares articulaciones en las obras de Shakespeare , Lope de Vega , Racine y Schiller , hasta la más reciente tragedia naturalista de Strindberg , la obra de Beckett. meditaciones modernistas sobre la muerte, la pérdida y el sufrimiento, y las reelaboraciones posmodernistas de Müller del canon trágico, la tragedia sigue siendo un lugar importante de experimentación, negociación, lucha y cambio cultural. [74] [75]A raíz de la Poética de Aristóteles (335 a. C.), la tragedia se ha utilizado para hacer distinciones de género , ya sea en la escala de la poesía en general (donde lo trágico se divide contra la épica y la lírica ) o en la escala del drama (donde la tragedia se opone. a la comedia ). En la era moderna , la tragedia también se ha definido frente al drama, el melodrama , lo tragicómico y el teatro épico . [s]

Improvisación

Artículo principal: Teatro improvisado

La improvisación ha sido una característica constante del teatro, y la Commedia dell'arte en el siglo XVI fue reconocida como la primera forma de improvisación. Popularizado por el premio Nobel Dario Fo y compañías como la Upright Citizens Brigade, el teatro de improvisación continúa evolucionando con muchas corrientes y filosofías diferentes. Keith Johnstone y Viola Spolinson reconocidos como los primeros maestros de improvisación en los tiempos modernos, con Johnstone explorando la improvisación como una alternativa al teatro con guión y Spolin y sus sucesores explorando la improvisación principalmente como una herramienta para desarrollar el trabajo o las habilidades dramáticas o como una forma de comedia situacional. Spolin también se interesó en cómo el proceso de aprendizaje de la improvisación era aplicable al desarrollo del potencial humano. [76] El hijo de Spolin, Paul Sills, popularizó el teatro de improvisación como una forma de arte teatral cuando fundó, como su primer director, The Second City en Chicago.

Teorías

Artículo principal: Teoría dramática
Fiesta en el pueblo con representaciones teatrales alrededor de 1600

Habiendo sido una parte importante de la cultura humana durante más de 2.500 años, el teatro ha desarrollado una amplia gama de diferentes teorías y prácticas. Algunos están relacionados con ideologías políticas o espirituales, mientras que otros se basan puramente en preocupaciones "artísticas". Algunos procesos se centran en una historia, otros en el teatro como evento y otros en el teatro como catalizador del cambio social. El filósofo griego clásico Aristóteles , en su tratado fundamental, Poética (c. 335 a. C.) es el ejemplo más antiguo que ha sobrevivido y sus argumentos han influido en las teorías del teatro desde entonces. [13] [14] En él, ofrece un relato de lo que él llama "poesía" (un término que en griego significa literalmente "hacer" y en este contexto incluye drama- comedia , tragedia y la obra de sátiro —así como poesía lírica , poesía épica y el ditirambo ). Examina sus "primeros principios" e identifica sus géneros y elementos básicos; su análisis de la tragedia constituye el núcleo de la discusión. [77]

Aristóteles sostiene que la tragedia consta de seis partes cualitativas, que son (en orden de importancia) mito o "trama", ethos o "carácter", dianoia o "pensamiento", léxico o "dicción", melos o "canción" y opsis. o "espectáculo". [78] [79] "Aunque la poética de Aristóteles es universalmente reconocida en la tradición crítica occidental ", explica Marvin Carlson , "casi todos los detalles de su obra fundamental han suscitado opiniones divergentes".[80] Entre los profesionales del teatro más importantes del siglo XX se incluyenKonstantin Stanislavski , Vsevolod Meyerhold , Jacques Copeau , Edward Gordon Craig , Bertolt Brecht , Antonin Artaud , Joan Littlewood , Peter Brook , Jerzy Grotowski , Augusto Boal , Eugenio Barba , Dario Fo , Viola Spolin , Keith Johnstone y Robert Wilson (director) .

Stanislavski trató el teatro como una forma de arte que es autónoma de la literatura y en la que la contribución del dramaturgo debe ser respetada como la de uno solo de un conjunto de artistas creativos. [81] [82] [83] [84] [t] Su contribución innovadora a la teoría de la interpretación moderna se ha mantenido en el centro del entrenamiento de interpretación occidental convencional durante gran parte del siglo pasado. [85] [86] [87] [88] [89] El hecho de que muchos de los preceptos de su sistema de formación de actores parecen ser de sentido común y es un testimonio evidente de su éxito hegemónico.[90] Los actores emplean con frecuencia sus conceptos básicos sin saber que lo hacen. [90] Gracias a su promoción y elaboración por profesores en funciones que fueron exalumnos y las muchas traducciones de sus escritos teóricos, el 'sistema' de Stanislavski adquirió una capacidad sin precedentes para cruzar fronteras culturales y desarrolló un alcance internacional, dominando los debates sobre la actuación en Europa y los Estados Unidos. [85] [91] [92] [93] Muchos actores equiparan rutinariamente su 'sistema' con el Método Norteamericano, aunque las técnicas exclusivamente psicológicas de este último contrastan marcadamente con las técnicas multivariantes, holísticas y psicofísicas de Stanislavski.enfoque, que explora el carácter y la acción tanto desde "adentro hacia afuera" como desde "afuera hacia adentro" y trata la mente y el cuerpo del actor como partes de un continuo. [94] [95]

Aspectos técnicos

Un escenario de teatro en el backstage de la Ópera Estatal de Viena
Artículo principal: Stagecraft

El teatro presupone modos de producción colaborativos y una forma colectiva de recepción. La estructura de los textos dramáticos , a diferencia de otras formas de literatura , está directamente influenciada por esta producción colaborativa y recepción colectiva. [64] La producción de obras de teatro generalmente involucra contribuciones de un dramaturgo , director , un elenco de actores y un equipo de producción técnica que incluye un escenógrafo o escenógrafo , diseñador de iluminación , diseñador de vestuario , diseñador de sonido., Director de escena , jefe de producción y director técnico. Dependiendo de la producción, este equipo también puede incluir un compositor , dramaturgo , diseñador de video o director de lucha .

El auditorio giratorio del Teatro de Verano Pyynikki al aire libre en Tampere , Finlandia

Stagecraft es un término genérico que se refiere a los aspectos técnicos de la producción teatral, cinematográfica y de video. Incluye, pero no se limita a, la construcción y montaje de escenografía, colgar y enfocar la iluminación, diseño y adquisición de vestuario, maquillaje, adquisición de utilería, dirección de escenario y grabación y mezcla de sonido. Stagecraft es distinto del término general más amplio de escenografía. Considerado un campo técnico más que artístico, se relaciona principalmente con la implementación práctica de la visión artística de un diseñador.

En su forma más básica, la escenografía es administrada por una sola persona (a menudo el director de escena de una producción más pequeña) que arregla todos los escenarios, vestuario, iluminación y sonido, y organiza el elenco. A un nivel más profesional, por ejemplo, en las casas modernas de Broadway, el arte escénico está dirigido por cientos de carpinteros, pintores, electricistas, tramoyistas, grapadoras, peluqueros y similares. Esta forma moderna de arte escénico es altamente técnica y especializada: comprende muchas subdisciplinas y un vasto tesoro de historia y tradición. La mayor parte del arte escénico se encuentra entre estos dos extremos. Los teatros regionales y los teatros comunitarios más grandes generalmente tendrán un director técnico y un complemento de diseñadores, cada uno de los cuales participa directamente en sus respectivos diseños.

Subcategorías y organización

Hay muchos movimientos teatrales modernos que se ocupan de producir teatro de diversas formas. Las empresas teatrales varían enormemente en sofisticación y propósito. Las personas involucradas varían desde novatos y aficionados (en el teatro comunitario) hasta profesionales (en Broadway y producciones similares). El teatro se puede realizar con un presupuesto reducido o a gran escala con presupuestos multimillonarios. Esta diversidad se manifiesta en la abundancia de subcategorías de teatro, que incluyen:

  • Teatro de Broadway y teatro del West End
  • Teatro callejero
  • Teatro comunitario
  • Teatro de reproducción
  • Cena teatro
  • Teatro marginal
  • Off-Broadway y Off West End
  • Fuera de Broadway
  • Teatro regional en los Estados Unidos
  • Teatro itinerante
  • Teatro de valores de verano

Empresas de repertorio

Theatre Royal, Drury Lane , Londres, c. 1821

Mientras que la mayoría de las compañías de teatro modernas ensayan una pieza de teatro a la vez, interpretan esa pieza para una "ejecución" fija, retiran la pieza y comienzan a ensayar un nuevo espectáculo, las compañías de repertorio ensayan varios espectáculos a la vez. Estas empresas pueden realizar estas diversas piezas a pedido y, a menudo, realizan trabajos durante años antes de retirarlos. La mayoría de las compañías de danza operan con este sistema de repertorio. El Royal National Theatre de Londres actúa con un sistema de repertorio.

El teatro de repertorio generalmente involucra a un grupo de actores con logros similares y se basa más en la reputación del grupo que en un actor estrella individual. También suele depender menos del control estricto de un director y menos de la adherencia a las convenciones teatrales, ya que los actores que han trabajado juntos en múltiples producciones pueden responder entre sí sin depender tanto de la convención o la dirección externa. [96]

Producir frente a presentar

Interior del Teatro Colón , un teatro moderno

Para montar una obra de teatro, tanto una compañía de teatro como una sala de teatroSe necesitan. Cuando una compañía de teatro es la única compañía residente en un lugar de teatro, este teatro (y su correspondiente compañía de teatro) se denomina teatro residente o teatro productor, porque el lugar produce su propia obra. Otras compañías de teatro, así como compañías de danza, que no tienen su propia sala de teatro, actúan en teatros de alquiler o en teatros de presentación. Tanto los teatros de alquiler como los de presentación no tienen empresas residentes a tiempo completo. Sin embargo, a veces tienen una o más empresas residentes a tiempo parcial, además de otras empresas asociadas independientes que hacen arreglos para utilizar el espacio cuando esté disponible. Un teatro de alquiler permite a las compañías independientes buscar el espacio, mientras que un teatro de presentación busca a las compañías independientes para apoyar su trabajo presentándolas en su escenario.

Algunos grupos de actuación actúan en espacios no teatrales. Estas representaciones pueden tener lugar en el exterior o en el interior, en un espacio de representación no tradicional, e incluyen teatro callejero y teatro específico para el lugar . Se pueden utilizar lugares no tradicionales para crear entornos más envolventes o significativos para el público. A veces, pueden modificarse más que las salas de teatro tradicionales, o pueden acomodar diferentes tipos de equipos, iluminación y decorados. [97]

Una compañía en gira es una compañía independiente de teatro o danza que viaja, a menudo internacionalmente, y se presenta en un teatro diferente en cada ciudad.

Sindicatos

Hay muchos sindicatos de teatro, entre ellos: Actors 'Equity Association (para actores y directores de escena), la Sociedad de Directores de Escenario y Coreógrafos (SDC) y la Alianza Internacional de Empleados de Escenarios Teatrales (IATSE, para diseñadores y técnicos). Muchos teatros requieren que su personal sea miembro de estas organizaciones.

Ver también

Artículo principal: Esquema del teatro
  • Interino
  • Antiteatralidad
  • Teatro de luz negra
  • Teatro culinario
  • Tradición ilusionista
  • Lista de premios en teatro
  • Lista de dramaturgos
  • Lista de personal del teatro
  • Lista de festivales de teatro
  • Lista de directores de teatro
  • Listas de teatros
  • Arte de performance
  • Títeres
  • Teatro del lector
  • Teatro específico del sitio
  • Consultor de teatro
  • Teatro para el desarrollo
  • Teatro (estructura)
  • Técnica de teatro
  • Estilo teatral
  • Día mundial del teatro

Notas explicatorias

  1. ^ Teatro y teatre originalmente deletreados. Desde alrededor de 1550 hasta 1700 o más tarde, la ortografía más común fue teatro . Entre 1720 y 1750, el teatro se abandonó en inglés británico , pero se retuvo o se revivió en inglés americano ( Oxford English Dictionary , 2ª edición, 2009, CD-ROM: ISBN 978-0-19-956383-8 ). Los diccionarios recientes de inglés americano enumeran el teatro como una variante menos común, por ejemplo, Random House Webster's College Dictionary (1991); The American Heritage Dictionary of the English Language , 4ª edición (2006); New Oxford American Dictionary , tercera edición (2010); Diccionario Merriam-Webster (2011) .
  2. ↑ Basándose en la " semiótica " de Charles Sanders Peirce , Pavis continúa sugiriendo que "la especificidad de los signos teatrales puede residir en su capacidad para utilizar las tres funciones posibles de los signos : como icono ( miméticamente ), como índice (en la situación de enunciación ), o como símbolo (como sistema semiológico en el modo ficcional) .En efecto, el teatro hace que las fuentes de las palabras sean visuales y concretas: indica yencarna un mundo de ficción mediante signos, de manera que al final del proceso de significación y simbolización el espectador ha reconstruido un modelo teórico y estético que da cuenta del universo dramático ". [2]
  3. ↑ Brown escribe que el drama griego antiguo "fue esencialmente la creación de la Atenas clásica : todos los dramaturgos que luego fueron considerados clásicos estuvieron activos en Atenas en los siglos V y IV a. C. (la época de la democracia ateniense ), y todas las obras supervivientes fecha de este período ". [3] "Se puede decir que la cultura dominante de Atenas en el siglo V ", escribe Goldhill, "inventó el teatro". [5]
  4. ↑ Goldhill sostiene que aunque las actividades que forman "una parte integral del ejercicio de la ciudadanía" (como cuando "el ciudadano ateniense habla en la Asamblea, se ejercita en el gimnasio, canta en el simposio o corteja a un niño") cada una tiene su "propio régimen de exhibición y regulación", sin embargo, el término "desempeño" proporciona "una categoría heurística útil para explorar las conexiones y superposiciones entre estas diferentes áreas de actividad". [9]
  5. ↑ Taxidou señala que "la mayoría de los eruditos ahora llaman tragedia 'griega' tragedia 'ateniense', lo cual es históricamente correcto". [21]
  6. ↑ Cartledge escribe que aunque los atenienses del siglo IV juzgaban a Esquilo , Sófocles y Eurípides "como los incomparables del género , y honraban regularmente sus obras con resurgimientos, la tragedia en sí misma no era simplemente un fenómeno del siglo V, el producto de una breve vivió la edad de oro . Si no alcanzó la calidad y la estatura de los 'clásicos' del siglo V, las tragedias originales continuaron escribiéndose y produciéndose y compitiendo con grandes cantidades durante el resto de la vida de la democracia, y más allá de ella ". [24]
  7. ↑ Tenemos siete de Esquilo, siete de Sófocles y dieciocho de Eurípides. Además, también tenemos el Cyclops , una obra de teatro sátiro de Eurípides. Algunos críticos desde el siglo XVII han argumentado que una de las tragedias que la tradición clásica da como Eurípides —Rhesus— es una obra de teatro del siglo IV de un autor desconocido; la erudición moderna está de acuerdo con las autoridades clásicas y atribuye la obra a Eurípides; véase Walton (1997, viii, xix). (Esta incertidumbre explica la cifra de 31 tragedias de Brockett y Hildy).
  8. ↑ La teoría de que Prometheus Bound no fue escrito por Esquilo agrega un cuarto dramaturgo anónimo a aquellos cuyo trabajo sobrevive.
  9. ^ Se hicieron excepciones a este patrón, al igual que con Eurípides ' Alcestis en el año 438 antes de Cristo. También hubo competencias separadas en la Ciudad Dionisia para la interpretación de ditirambos y, después de 488-7 a. C., comedias .
  10. ↑ Rush Rehm ofrece el siguiente argumento como evidencia de que la tragedia no se institucionalizó hasta el 501 a. C.: "El culto específico honrado en la ciudad de Dionisia fue el de Dionisio Eleutero, el dios 'que tiene que ver con Eleutera ', una ciudad en la frontera entre Beocia y Ática que tenía un santuario para Dioniso. En algún momento Atenas anexó Eleuterae, muy probablemente después del derrocamiento de latiranía de Peisistratid en 510 y las reformas democráticas de Clístenesen 508–07 a. C., y la imagen de culto de Dionysus Eleuthereus se trasladó a su nuevo hogar. Los atenienses recrearon la incorporación del culto al dios cada año en un rito preliminar a la Ciudad Dionisíaca. El día antes del festival propiamente dicho, la estatua de culto fue retirada del templo cerca del teatro de Dionisio y llevada a un templo en el camino a Eleutherae. Esa noche, después de los sacrificios y los himnos, una procesión de antorchas llevó la estatua de regreso al templo, una recreación simbólica de la llegada del dios a Atenas, así como un recordatorio de la inclusión de la ciudad beocia en Ática. Como el nombre Eleutherae está muy cerca de eleutheria, 'libertad', los atenienses probablemente sintieron que el nuevo culto era particularmente apropiado para celebrar su propia liberación política y reformas democráticas " [33].
  11. ↑ Jean-Pierre Vernant sostiene que en Los persas Esquilo sustituye la distancia temporal habitual entre la audiencia y la era de los héroes por una distancia espacial entre la audiencia occidental y la cultura persa oriental.. Esta sustitución, sugiere, produce un efecto similar: "Los hechos 'históricos' evocados por el coro, narrados por el mensajero e interpretados por el fantasma de Darío se presentan en el escenario en una atmósfera legendaria. La luz que arroja sobre ellos la tragedia es no aquél en el que normalmente se ven los acontecimientos políticos del día, llega al teatro ateniense refractado de un mundo lejano de otro lugar, haciendo que lo ausente parezca presente y visible en el escenario ”; Vernant y Vidal-Naquet (1988, 245).
  12. ↑ Aristóteles, Poética , línea 1449a : "La comedia, como hemos dicho, es una representación de personas inferiores, no en el pleno sentido de la palabra mala, pero lo risible es una especie de lo básico o feo. Consiste en algunos pifia o fealdad que no causa dolor ni desastre, un ejemplo evidente es la máscara cómica que es fea y distorsionada pero no dolorosa ”.
  13. ^ El significado literal de abhinaya es "llevar adelante".
  14. ↑ Francis Fergusson escribe que "un drama, a diferencia de una letra , no es principalmente una composición en el medio verbal; las palabras resultan, como podría decirse, de la estructura subyacente del incidente y el carácter . Comoseñala Aristóteles , 'el el poeta, o "hacedor", debería ser el hacedor de tramas más que de versos, ya que es poeta porque imita , y lo que imita son acciones ”(1949, 8).
  15. ^ Ver las entradas para "ópera", "teatro musical, estadounidense", "melodrama" y "Nō" en Banham 1998
  16. ↑ Si bien existe cierta controversia entre los historiadores del teatro, es probable que las obras del romano Séneca no estuvieran pensadas para ser representadas. Manfred de Byron es un buen ejemplo de " poema dramático ". Vea las entradas sobre "Séneca" y "Byron (George George)" en Banham 1998 .
  17. ↑ Algunas formas de improvisación, en particular la Commedia dell'arte , improvisan sobre la base de " lazzi " o bosquejos de la acción escénica (ver Gordon 1983 y Duchartre 1966 ). Todas las formas de improvisación se inspiran en su respuesta inmediata entre sí, las situaciones de sus personajes (que a veces se establecen de antemano) y, a menudo, su interacción con el público. Las formulaciones clásicas de la improvisación en el teatro se originaron con Joan Littlewood y Keith Johnstone en el Reino Unido y Viola Spolin en los Estados Unidos; ver Johnstone 2007 y Spolin 1999 .
  18. ↑ La primera " comedia musical eduardiana " generalmente se considera In Town (1892), a pesar de que se produjo ocho años antes del comienzo de la era eduardiana ; ver, por ejemplo, Fraser Charlton, "¿Qué son EdMusComs?" (FrasrWeb 2007, consultado el 12 de mayo de 2011).
  19. ^ Ver Carlson 1993 , Pfister 2000 , Elam 1980 y Taxidou 2004 . El drama , en sentido estricto, atraviesa la división tradicional entre comedia y tragedia en una desterritorialización antigénica o genérica a partir de mediados del siglo XIX . Tanto Bertolt Brecht como Augusto Boal definen susproyectos de teatro épico ( drama no aristotélico y Teatro del oprimido respectivamente) frente a modelos de tragedia. Taxidou, sin embargo, lee el teatro épico como una incorporación de funciones trágicas y sus tratamientos de duelo y especulación. [75]
  20. ↑ En 1902, Stanislavski escribió que "el autor escribe en papel. El actor escribe con su cuerpo en el escenario" y que "la partitura de una ópera no es la ópera en sí misma y el guión de una obra no es drama hasta que ambos se hacen carne y hueso en el escenario "; citado por Benedetti (1999a, 124).

Citas

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  2. ↑ a b Pavis , 1998 , págs. 345–346.
  3. ↑ a b c Brown , 1998 , pág. 441.
  4. ^ a b c Cartledge 1997 , págs. 3-5.
  5. ↑ a b c d Goldhill , 1997 , p. 54.
  6. ^ Cartledge 1997 , págs.3, 6.
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Fuentes generales

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Otras lecturas

Recursos de la biblioteca sobre el
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  • Recursos en tu biblioteca
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enlaces externos

  • Theatre Archive Project (Reino Unido) Biblioteca Británica y Universidad de Sheffield.
  • Colección de teatro de la Universidad de Bristol
  • Music Hall and Theatre Historia de Gran Bretaña e Irlanda
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