La animación experimental es una forma de animación en la que las películas tienen su propio ritmo y movimiento donde no tiene narración o una estructura específica en las películas animadas. Se considera subjetivo y no lineal el que trata de las inquietudes filosóficas y espirituales que transmiten los artistas y cineastas.
A pesar de que todavía se está investigando la historia temprana de la animación experimental, los artistas abstractos y animadores estadounidenses y europeos desempeñaron un papel importante en el desarrollo de la animación experimental durante las décadas de 1920 y 1930. [1] La animación experimental ha brindado a las personas la oportunidad de aprender y usar habilidades de animación en trabajos laborales, creando una plataforma para que las mujeres se expresen y combinando arte abstracto y tecnología para transmitir un mensaje que puede cambiar las perspectivas de las personas sobre el mundo. [2]
Estudios animados de renombre, como Walt Disney Animation Studios y Pixar , utilizan los elementos de la animación experimental como herramientas para sus películas de animación de corta y larga duración.
Historia
La animación abstracta y varias formas experimentales han recorrido un largo camino para convertirse en parte de las artes tradicionales, donde se han extendido a través de una gran cantidad de exposiciones de arte , festivales de animación , libros y videos relacionados con la animación experimental. La mayoría de los animadores experimentales eran conscientes de que sus trabajos no estaban obteniendo el reconocimiento suficiente en el mundo del entretenimiento, como el cine y la música . Sin embargo, han podido utilizar la animación como un medio que se utiliza para transmitir sus mensajes o inquietudes al público. Los animadores pueden usar sus habilidades de animación para involucrarse en actividades lucrativas, como películas y programas de televisión para toda la familia, comerciales de televisión y videos musicales . [3]
Europa
En 1912, Leopold Survage comenzó su serie de acuarelas abstractas llamada 'Ritmo de colores' , donde las planificó en movimiento utilizando técnicas de animación cinematográfica. Sin embargo, no encontró a nadie que estuviera dispuesto a animar su trabajo, por lo que pospuso su proyecto y luego se comprometió con la pintura por el resto de su vida. Durante el mismo período, Viking Eggeling estaba luchando con el concepto de imágenes abstractas como un lenguaje universal, y aún no sabía que la película era un medio. Aunque no había evidencia concreta de que Eggeling supiera sobre el proyecto de Survage, era probable que lo hubiera escuchado o leído desde que su amigo, Amedeo Modigliani conocía lo suficientemente bien a Survage y que ambos tienen un amigo cercano en común, Tristan Tzara . Tzara presentó Eggeling a Hans Richter, lo que los llevó a buscar un descubrimiento significativo de formas abstractas mediante el uso de imágenes en movimiento. A lo largo de este viaje, Eggeling creó 'Diagonal Symphony' y Richter hizo 'Rhythm 21' , 'Rhythm 23' y 'Rhythm 25' . Antes de que se produjeran estas películas, Walter Ruttmann exhibió su película abstracta pintada a mano 'Lightplay Opus I' en Alemania, que Bernhard Diebold describió como “un nuevo arte, la visión-música de las películas”. [4] El papel de Diebold a la hora de influir en los primeros animadores abstractos no quedó claro cuando revisó pinturas, danza, música y películas en 1916. Sin embargo, fue mentor de Oskar Fischinger, quien comenzó a hacer animación experimental durante la primera proyección de la película de Ruttmann. [4]
Más tarde, la música se incorporó a estos primeros trabajos de animadores abstractos. Survage, Eggeling y Richter compartían un interés y una historia comunes en la música en la que la habían abandonado para seguir su carrera artística. Mientras luchaban con sus primeros diseños abstractos, Ferruccio Busoni llamó su atención donde sugirió que deberían ampliar su comprensión del arte abstracto tocando los preludios y las fugas de Bach . Ruttmann y Fischinger también tenían una historia musical antes de hacer arte. Fischinger fue el primero en combinar talento técnico, musical y artístico en sus obras, además de ser el primero en hacer que la animación abstracta forme parte de su carrera artística. [5]
En 1935, las películas de animación abstracta ganaron más reconocimiento en Inglaterra, donde Len Lye y Norman McLaren aportaron nuevas ideas sobre el uso del sonido y el color en la animación. Si bien la animación abstracta estaba teniendo éxito en Europa, Fischinger, Malaren y Lye continuaron creando animación experimental en América del Norte para continuar sus carreras de animación abstracta en las que la animación experimental se mantuvo como un arte norteamericano desde entonces. [6]
Si bien los primeros animadores abstractos en Europa se convirtieron en una parte enorme del movimiento histórico en el arte abstracto y la animación, la calidad de su arte en sus obras atrae la atención de la gente. Aunque muchas películas apenas están recibiendo el reconocimiento total, continúan creciendo en lugar de disminuir su valor y los animadores dicen que sus obras reciben más reconocimiento de una gran audiencia mediante el uso de tecnologías de video, computadora y transmisión. [6] [7]
Estados Unidos
La animación abstracta comenzó a desarrollarse en Nueva York y California . En la década de 1940, Oskar Fischinger , Norman McLaren , John y James Whitney y Dwinell Grant recibieron subvenciones para sus películas abstractas de la Fundación Solomon Guggenheim con la baronesa Hilla Rebay como directora. [8]
La mayoría de los animadores abstractos estadounidenses exhibieron sus películas en programas especiales en el Museo de Arte Moderno o Cinema 16 , que es una sociedad cinematográfica de la ciudad de Nueva York fundada por Amos Vogel . Cinema 16 llevó a cabo programas mensuales de películas experimentales y documentales y su éxito inspiró a sociedades cinematográficas más pequeñas en otros lugares, particularmente en ciudades universitarias. Por ejemplo, Art in Cinema se presentó en el Museo de Arte de San Francisco, organizado por Richard Foster y Frank Stauffacher . En la década de 1950, el Film Advisory Center de Perry Miller patrocinó varios festivales de cine de arte en la ciudad de Nueva York para presentar la animación experimental creada por Mary Ellen Bute , Douglass Crockwell y Francis Lee , así como documentales sobre artistas y arte. [8]
Algunos animadores abstractos estadounidenses fueron inspirados o influenciados por los animadores abstractos europeos. Por ejemplo, Robert Bruce Rogers estaba bajo la influencia de Oskar Fischinger al incorporar música en su “pintura en movimiento” [9] cuando presentó su película ' Motion Painting No. 3 - Rhapsody ' (1951). Su película se basó en la Rapsodia húngara n. ° 6 de Liszt y compuso un "dispositivo espacial tridimensional [suyo] propio, el campo de operaciones es una réplica en escorzo del haz de proyección definitivo: un campo piramidal de aproximadamente 23 pulgadas por 32 pulgadas". en la base del límite de fondo, ya 38 pulgadas de la apertura de la cámara como vértice ”. [9] Aunque las películas abstractas de Rogers ya no existían, fue considerado como uno de los creadores estadounidenses de la animación abstracta. [9]
Oskar Fischinger, John y James Whitney y Harry Smith fueron los principales animadores de la animación experimental de nueva generación en la costa oeste. Hy Hirsh y Jordan Belson más tarde se convirtieron en parte de los pioneros estadounidenses en la animación abstracta, donde crearon sus propias películas abstractas utilizando patrones de osciloscopio superpuestos impresos en filtros de colores. Su película abstracta 'Come Closer' (1953) fue presentada en el Museo de Arte de San Francisco para los festivales de Arte en Cine, y fue conocida por ser "la primera película abstracta en 3D". [9]
Impactos
Cientos de estudiantes se han inscrito en clases de animación cada año a medida que la animación experimental comienza a expandirse en escuelas de arte, colegios y universidades. La mayoría de los estudiantes han asistido a estas clases porque tienen interés en aprender las habilidades que pueden ayudarlos a ser empleables. Mientras tanto, otros asistieron a clases de animación porque ven la animación como un medio artístico con el que se relacionan o pueden expresarse. Jules Engel cree que el futuro de la animación experimental, que él llama animación de bellas artes, depende de las personas que promoverán el cine abstracto como galerías. [10]
Las mujeres han tenido la oportunidad en las universidades y escuelas de arte de aprender habilidades de animación y convertirse en animadores por derecho propio. En la década de 1970, se realizó la primera ola de películas animadas donde las mujeres son capaces de expresarse y de sus autobiografías emocionales. Además, los personajes femeninos de las películas animadas han desarrollado personalidades a medida que muestran sus emociones. Sin embargo, muchas animadoras han abandonado sus carreras en el cine de animación para poder trabajar en películas de acción real. Esto no indica que la animación esté fallando; en cambio, les da a los animadores una mejor comprensión y experiencia sobre el proceso de animación. También es su decisión continuar con sus carreras de animación debido a sus habilidades, carácter y compromiso. [11]
El crecimiento de la tecnología, la informática y la comunicación electrónica está produciendo cambios profundos en el entorno cultural, que han afectado significativamente la percepción del mundo por parte de las personas. Debido a la animación experimental, los jóvenes animadores se están enfocando actualmente en usar sus habilidades creativas en publicidad televisiva y videos musicales en lugar de dedicarse a proyectos de arte. [7]
Animación experimental en el cine expandido
Se cree que el libro Expanded Cinema de Gene Youngblood es el creador del movimiento "Expanded Cinema", donde las películas se consideran una forma de arte y establece el campo de las artes mediáticas. Youngblood también explica que el cine expandido requiere una conciencia que pueda llegar a través de las tecnologías cinematográficas. Su principal objetivo es que el cine participe en los medios artísticos utilizando el cine como un medio para rechazar las expectativas de la estandarización de la industria. [12]
Se sabe que la práctica y la teoría intermedias son el aspecto central del cine expandido y la animación experimental, donde los animadores utilizan diferentes calidades de los medios en sus películas. Stan VanDerBeek es conocido por unir la animación experimental y el cine expandido, ya que está fascinado con los movimientos libres en la animación cuando emplea diferentes formas de arte en su película ' Move Movies' (1965). También se le considera el fundador de intermedia ya que su trabajo enfatiza las cualidades diferenciales de los medios combinados. [13]
La abstracción también juega un papel importante en la unión de la animación experimental y el cine expandido. Las películas abstractas traen imágenes que pueden no tener referencias del mundo real, pero también abarcan para capturar un significado más profundo que puede dar forma a las perspectivas y expectativas tradicionales de la sociedad del mundo real. [14] Y se pueden presentar en un rango de animación tradicional a animación por computadora . Existen varias conexiones entre el cine expandido, la animación y el cine experimentales y las artes en general.
Elementos de animación experimental
Abstracción
La animación experimental es subjetiva, que es la forma más pura y compleja de animación. Requiere que el artista invente formas, formas y colores únicos que tengan su propio ritmo y movimiento de una manera nueva y expresiva. [15]
No continuidad específica
La animación experimental no tiene continuidad lógica y lineal. Se define a sí mismo por tener conexiones ilógicas, irracionales y múltiples en las películas animadas debido a que ignora la estructura narrativa o narrativa. [15]
Forma interpretativa
La animación experimental ignora la naturaleza conservadora y predecible del mundo exterior porque generalmente enfoca las formas abstractas en movimiento. Debido a su naturaleza subjetiva, las audiencias tienen diferentes perspectivas a medida que interpretan las obras animadas experimentales por sí mismas y crean sus propios significados y especulaciones que están más allá del valor superficial. Por lo tanto, la animación experimental utiliza la animación de una manera metafórica, pero no apoya por completo el área de lo puramente
resumen. [dieciséis]
Evolución de la materialidad
Las formas, las formas y los colores se enfocan principalmente en lo que simbolizan y evocan las emociones y pensamientos del artista o cineasta en la animación experimental. Los cineastas sugieren que estos aspectos deberían tener sus propios derechos sobre su ritmo y movimiento en lugar de estar involucrados con una estructura específica de una narrativa. [17]
Varios estilos
Los diferentes estilos de animación se combinan en la animación experimental en la que opera ayudando a las múltiples capas de la visión personal del artista. También opera desafiando y reelaborando la estructura de la animación ortodoxa y creando nuevos efectos de la animación. [17]
Presencia del artista
Se sabe que la animación experimental son respuestas personales, subjetivas y originales que los artistas transmiten sobre temas particulares. Debido a la relación emocional y espiritual entre el artista y su obra, el público también desarrolla conexiones emocionales, filosóficas y espirituales con el artista. La animación experimental se centra en las preocupaciones filosóficas y espirituales, así como en los sentimientos personales del artista o cineasta. [17]
Dinámica de la musicalidad
Existe una fuerte relación entre la animación experimental y la música, donde la música se puede visualizar como colores y formas que pueden moverse en diferentes ritmos y velocidades. También se afirma que "la animación y el sonido tienen una relación psicológica y emocional que puede expresarse a través de la forma libre que caracteriza a la animación". [18] La animación experimental a menudo resiste el diálogo, los efectos de sonido cliché y la emotividad fácil de ciertos géneros musicales. En cambio, el silencio, una partitura de vanguardia y sonidos inusuales se utilizan en películas de animación experimentales para crear una variedad de mensajes más profundos que transmite el artista o el cineasta. [18]
Diferencia entre animación ortodoxa y animación experimental
Si bien la animación experimental es subjetiva y no lineal, la animación ortodoxa se usa comúnmente como el método más apropiado para dibujos animados donde las figuras pueden identificarse como un ser humano y una criatura ortodoxos. La animación ortodoxa tiene una continuidad lógica o específica al priorizar el personaje y el contexto para hacer un escenario, mientras que la animación experimental tiene continuidades no lineales y múltiples que no tienen contexto. También es importante saber que la animación ortodoxa tiene una forma narrativa que se mantiene en su lugar por la continuidad específica. Quiere que el público se centre en su contenido, específicamente en el personaje y la narrativa en lugar de centrarse en los colores, diseños y materiales que muestran la falta de presencia del artista en su trabajo. Si bien la animación experimental tiene múltiples capas y estilos, la animación ortodoxa permanece consistente, es decir, tiene un estilo bidimensional fijo en lugar de los modos tridimensionales. En la animación ortodoxa, los personajes de dibujos animados a menudo se definen por la dinámica del diálogo; por ejemplo, Bugs Bunny ha sido un personaje popular en Warner Brothers ' Looney Tunes debido a su icónica zanahoria masticando diciendo: ‘¿Qué hay de nuevo?’. [19]
Influencias en las películas animadas
Fantasía de Walt Disney
Leonard Maltin (2015) describe a Walt Disney como un artista futurista , surrealista y abstracto , sobre todo cuando creó Fantasia (1940), que sigue siendo “una de las películas más asombrosas de Hollywood”. [20] John C. Flinn Sr. (1940) define Fantasia como un experimento exitoso que destaca la relación entre la animación y la música clásica. Disney había colaborado con su propio equipo de animadores y narradores altamente capacitados junto con Leopold Stokowski y la Orquesta Sinfónica de Filadelfia . La película ilustra cómo se representa la música clásica a través de los dibujos y colores únicos y creativos de los animadores. [21]
Su secuela Fantasia 2000 incorpora tanto música clásica como música moderna. En la escena de apertura, lanzó la Sinfonía n. ° 5 de Beethoven, que está representada visualmente por los movimientos abstractos de triángulos en forma de mariposa que se mueven siguiendo las indicaciones de la música. [22] En su tercer segmento, Rhapsody in Blue de George Gershwin se presentó mediante el uso de dibujos de líneas y diseños abstractos e historias fragmentarias para ilustrar cuentos emocionales paralelos a la música. [22]
Ver también
- Arte abstracto
- Animación
- Película experimental
Citas
- ^ Russett y Starr 1988 , p. 14
- ↑ Frank, Priscilla (9 de diciembre de 2015). "Por qué la animación experimental es mejor (y más extraña) que nunca" . HuffPost . Consultado el 15 de octubre de 2019 .
- ^ Russett y Starr 1988 , págs. 13-14
- ↑ a b Russett y Starr , 1988 , págs. 33
- ^ Russett y Starr 1988 , págs. 33–34
- ↑ a b Russett y Starr , 1988 , págs. 34
- ↑ a b Russett y Starr , 1988 , p. 24
- ↑ a b Russett y Starr , 1988 , p. 100
- ↑ a b c d Russett y Starr 1988 , p. 101
- ^ Russett y Starr 1988 , p. 17
- ^ Russett y Starr 1988 , págs. 19-22
- ^ Smith y Hamlyn 1988 , p. 6
- ^ Smith y Hamlyn 1988 , p. 7
- ^ Smith y Hamlyn 1988 , págs. 9-10
- ↑ a b Wells , 1988 , pág. 43
- ^ Wells 1988 , págs. 43–44
- ↑ a b c Wells , 1988 , pág. 45
- ↑ a b Wells , 1988 , pág. 46
- ^ Wells 1988 , págs. 35–39
- ^ Maltin, Leonard (12 de noviembre de 2015). "Cuando Disney se volvió loco" . BBC.
- ^ Flinn Sr., John C. (12 de noviembre de 1940). "Fantasía" . Variedad.
- ^ a b McCarthy, Todd (22 de diciembre de 1999). "Fantasía 2000" . Variedad.
Referencias
- Flinn Sr., John C. (12 de noviembre de 1940). "Fantasía" . Variedad . Consultado el 18 de mayo de 2019 .
- Maltin, Leonard (12 de noviembre de 2015). "Cuando Disney se volvió loco" . BBC . Consultado el 18 de mayo de 2019 .
- McCarthy, Todd (22 de diciembre de 1999). "Fantasía 2000" . Variedad . Consultado el 30 de mayo de 2019 .
- Russett, Robert; Starr, Cecile (1988). Animación experimental: orígenes de un nuevo arte . Nueva York, NY: Da Capo Press .
- Shepherd, Jack (30 de mayo de 2017). "Pixar lanza un nuevo departamento de cortos animados experimentales" . The Independent . Consultado el 18 de mayo de 2019 .
- Smith, Vicky; Hamlyn, Nicky (2018). Animación experimental y ampliada: nuevas perspectivas y prácticas . Basingstoke, Reino Unido: Palgrave Macmillan . ISBN 978-3-319-73873-4.
- Wells, Paul (1998). Entendiendo la animación . Londres: Routledge . ISBN 978-1-136-15873-5.