Judit decapitando a Holofernes
El relato de la decapitación de Holofernes por Judith se da en el Libro deuterocanónico de Judith , y es el tema de muchas pinturas y esculturas del Renacimiento y el Barroco . En la historia, Judith, una hermosa viuda, logra entrar en la tienda de Holofernes debido a su deseo por ella. Holofernes era un general asirio que estaba a punto de destruir la casa de Judit, la ciudad de Betulia . Abrumado por la bebida, se desmaya y es decapitado por Judith; le quitan la cabeza en una canasta (a menudo representada como si la llevara una sirvienta anciana).
Los artistas han elegido principalmente una de dos escenas posibles (con o sin el sirviente): la decapitación, con Holofernes boca abajo en la cama, o la heroína sosteniendo o cargando la cabeza, a menudo asistida por su doncella.
En el arte europeo, Judith suele ir acompañada de su doncella al hombro, lo que ayuda a distinguirla de Salomé , que también lleva la cabeza de su víctima en un plato (plato) de plata. Sin embargo, se desarrolló una tradición del norte según la cual Judith tenía tanto una criada como un cargador, famosamente tomado por Erwin Panofsky como un ejemplo del conocimiento necesario en el estudio de la iconografía . [1] Para muchos artistas y académicos, la feminidad sexualizada de Judith se combinó de manera interesante ya veces contradictoria con su agresión masculina. Judith fue una de las mujeres virtuosas que Van Beverwijck mencionó en su disculpa publicada (1639) por la superioridad de las mujeres sobre los hombres, [2] y un ejemplo común de laTema iconográfico del poder de la mujer en el Renacimiento del Norte .
El Libro de Judit fue aceptado por Jerónimo como canónico y aceptado en la Vulgata y Clemente de Roma se refirió a él a fines del primer siglo (1 Clemente 55), y por lo tanto las imágenes de Judit eran tan aceptables como las de otras mujeres bíblicas. En el cristianismo primitivo, sin embargo, las imágenes de Judit estaban lejos de ser sexuales o violentas: generalmente se la representaba como "un tipo de la Virgen orante o de la iglesia o como una figura que pisotea a Satanás y desgarra el infierno", es decir, de una manera que no traicionó ninguna ambivalencia sexual: "la figura de la propia Judith permaneció inmóvil e irreal, separada de las imágenes sexuales reales y, por lo tanto, protegida". [3]
Judith y Holofernes , la famosa escultura de bronce de Donatello , lleva el subtexto alegórico implícito que era ineludible en la Florencia del Renacimiento temprano, el del coraje de la comuna contra la tiranía. [4]
A finales del Renacimiento, Judith cambió considerablemente, un cambio descrito como una "caída en desgracia": de una imagen de María se convierte en una figura de Eva . [5] Las imágenes de Judith del Renacimiento temprano tienden a representarla completamente vestida y desexualizada; además de la escultura de Donatello, esta es la Judith que se ve en El regreso de Judith a Bethulia de Sandro Botticelli (1470-1472), Judith y Holofernes de Andrea Mantegna (1495, con la cabeza separada), y en la esquina de la de Michelangelo . Capilla Sixtina (1508-1512). Artistas del Renacimiento posteriores, en particular Lucas Cranach el Viejo, que con su taller pintó al menos ocho Judith , mostró una Judith más sexualizada, una "seductora-asesina": "la misma ropa que se había introducido en la iconografía para enfatizar su castidad se carga sexualmente cuando expone la cabeza ensangrentada a la espectador conmocionado pero fascinado”, en palabras del crítico de arte Jonathan Jones . [6] Esta transición, de una imagen desexualizada de la Virtud a una mujer más sexual y agresiva, está señalada en Judith de Giorgione .(c. 1505): "Giorgione muestra el ejemplo heroico, el triunfo de la victoria de Judith al pisar la cabeza cortada y en descomposición de Holofernes. Pero el emblema de la Virtud es defectuoso, ya que la pierna desnuda que aparece a través de un corte especial en el vestido evoca erotismo , indica ambigüedad y es así una primera alusión a las futuras reversiones de Judith de María a Eva, de guerrera a femme fatale . [5] Otros pintores italianos del Renacimiento que pintaron el tema incluyen a Botticelli , Tiziano y Paolo Veronese .
