La Alegoría de la fe , también conocida como Alegoría de la fe católica , es una pintura holandesa de la Edad de Oro de Johannes Vermeer de aproximadamente 1670-1672. Ha estado en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York desde 1931. [1]
La alegoría de la fe | |
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Artista | Johannes Vermeer |
Año | C. 1670–1672 |
Medio | Óleo sobre lienzo |
Movimiento | Pintura holandesa del Siglo de Oro |
Dimensiones | 114,3 cm × 88,9 cm (45,0 pulgadas × 35,0 pulgadas) |
Localización | Museo Metropolitano de Arte , Nueva York |
Adhesión | 32.100.18 |
Ésta y Art of Painting son sus únicas obras que caen dentro de la pintura de historia en la jerarquía contemporánea de géneros , aunque aún conservan su composición típica de una o dos figuras en un interior doméstico. Ambos comparten varias características: la perspectiva es casi la misma, y hay un tapiz multicolor a la izquierda de cada cuadro, tirado hacia la izquierda para revelar la escena. El arte de la pintura también utiliza el simbolismo de Cesare Ripa de Clio , musa de la historia. La carta de amor de Vermeer usa un panel dorado similar. [2] La alegoría y el arte de pintar difieren marcadamente en estilo y propósito de otras obras de Vermeer.
Descripción
La pintura representa a una mujer con un fino vestido de satén blanco y azul con adornos dorados. Se sienta en una plataforma un escalón más alta que el piso de mármol blanco y negro, su pie derecho sobre un globo terrestre y su mano derecha sobre su corazón mientras mira hacia arriba, con adoración, a una esfera de vidrio colgada del techo por una cinta azul. Su brazo izquierdo descansa sobre el borde de una mesa que sostiene un cáliz dorado, un libro grande y un crucifijo de madera oscura . Detrás del crucifijo hay un biombo de cuero dorado. [2] Debajo del libro hay un trozo de tela largo, posiblemente la estola de un sacerdote . [1] Sobre el libro descansa una corona de espinas . Todos estos elementos se encuentran en la plataforma, que está cubierta por una alfombra verde y amarilla, cuyo borde está en el piso. En la parte inferior de la imagen, más cerca del espectador, hay una manzana, y más cerca aún una serpiente que ha sido aplastada por una piedra angular. En la pared oscura y lejana detrás de la mujer, se cuelga una gran pintura de la crucifixión de Cristo . A la izquierda del espectador hay un tapiz multicolor, tirado hacia atrás en la parte inferior y aparentemente lo más parecido en la pintura al espectador. [2] Una silla con un paño azul está inmediatamente debajo y detrás del tapiz ya la izquierda de la serpiente y la piedra angular.
Iconografía
![](http://wikiimg.tojsiabtv.com/wikipedia/commons/thumb/5/5e/Jan_Vermeer_-_The_Art_of_Painting_-_Google_Art_Project.jpg/440px-Jan_Vermeer_-_The_Art_of_Painting_-_Google_Art_Project.jpg)
De la Iconología de Cesare Ripa
De Vermeer iconografía en la pintura se toma en gran parte de Cesare Ripa 's Iconologia , un libro de emblemas (una colección de ilustraciones alegóricas con el acompañamiento de la moral o poemas sobre un tema moral) que había sido traducida al holandés en 1644 por DP Pers. El artista usó varios símbolos que Ripa describió e ilustró en su libro, junto con símbolos tomados de otros libros y tradiciones. Dos de las cuatro figuras alegóricas de Faith ("Fede. Geloof" y "Fede Catholica. Catholijck de algemeen Geloof") que figuran en el libro de Ripa proporcionan muchos de los símbolos de la pintura, incluido el color de la ropa de la mujer, el gesto de la mano, y la presencia de la serpiente aplastada y la manzana. [2]
En su libro, Ripa afirma que la fe es la más importante de las virtudes. Una imagen del libro la muestra como una mujer, vestida de blanco (que significa luz y pureza) y azul (que se relaciona con el cielo, como dice Ripa en otro texto). La mano de Faith en su pecho simboliza que la virtud descansa en su corazón. Cristo está representado en la piedra angular aplastando a la serpiente (símbolo del diablo ), y la manzana (el fruto que Eva le dio a Adán) representa el pecado original , [2] que en la doctrina cristiana requería el sacrificio del Salvador . [1] Ripa describe a Faith como "tener el mundo bajo sus pies", y Vermeer usó el símbolo de manera bastante literal, mostrando un globo de la tierra debajo del pie derecho de la mujer. (El globo, con su distintivo cartucho (etiqueta decorativa) ha sido identificado como uno hecho por Hendrick Hondius ). [2]
De otras fuentes
Ripa no menciona el crucifijo, la pintura de la crucifixión y el orbe de cristal, y Vermeer cambió parte de la iconografía que Ripa dio: en lugar de la sugerencia de Ripa de que Faith sostuviera el cáliz y apoyara la mano en un libro, Vermeer los puso en el mesa junto a ella. Según Arthur Wheelock, académico de la Universidad de Maryland y curador de una exposición de Vermeer en la Galería Nacional de Arte de Washington, se trata de "un ensamblaje que le da a la imagen un carácter eucarístico que no se encuentra en el texto". Al colocar el cáliz dorado sobre el fondo oscuro del marco de la pintura y el crucifijo oscuro sobre el fondo de cuero dorado, los elementos adquieren un mayor protagonismo en la pintura. Wheelock, citando a su colega académico de la Universidad de Maryland , Quint Gregory, cree que la ligera superposición del cáliz y el fondo dorado del crucifijo "puede sugerir simbólicamente el papel esencial de la Eucaristía en unir los reinos físico y espiritual", una muy Idea católica. [2] Selena Cant llama al hecho de que el libro, el cáliz y el crucifijo juntos representan la Misa Católica. [3]
La pose de la mujer (mano en el corazón y ojos levantados) es similar a la imagen de Teología de Ripa. La pose era poco común en el arte holandés, pero Vermeer era considerado un experto en pintura italiana, en la que la imagen se usaba a menudo (especialmente las de Guido Reni [1575-1642], cuyas obras entonces eran propiedad de Holanda). [2] Wheelock cree que el libro grande, que tiene un broche de metal, es una Biblia, pero el Museo Metropolitano de Arte afirma en su sitio web que el volumen puede ser el Católico Missale Romanum . [1]
La iconografía de la pintura no es solo católica, sino que algunos creen que está fuertemente influenciada por las ideas jesuitas . Partiendo de la alusión de Ripa a la historia de Abraham e Isaac (una historia del Antiguo Testamento que se dice que prefigura el sacrificio fiel de Cristo en la Cruz), Vermeer en cambio usa una imagen de la crucifixión misma, una imagen querida por los jesuitas. Vermeer usó Crucifixión , una pintura de alrededor de 1620 de Jacob Jordaens (1593-1678). El pintor pudo haber tenido una copia de la pintura. [2] (Este puede ser "el gran cuadro que representa a Cristo en la cruz" descrito en un inventario de su casa a su muerte. Otros dos elementos del inventario pueden estar en este cuadro: el "cuero labrado en oro en la pared" de la cocina de su casa, y un "crucifijo de madera de ébano"). [3]
Se dice que otra influencia jesuita en la pintura es el orbe de vidrio en el que la mujer pone sus ojos. Según Eddy De Johgh, Vermeer parece haberlo tomado de un libro de emblemas de 1636 del jesuita Willem Hesius , Emblemata sacra de fide, spe, charitate . En el emblema, "Capit Quod Non Capit", se muestra a un niño alado, símbolo del alma, sosteniendo una esfera que refleja una cruz cercana y el sol. En un poema que acompaña al emblema, Hesius afirma que la capacidad de la esfera para reflejar el mundo es similar a la capacidad de la mente para creer en Dios. [4] Selena Cant ha escrito que la esfera es "símbolo de la mente humana y su capacidad tanto para reflejar como para contener el infinito". [3]
El collar de perlas de la mujer probablemente se relaciona con las perlas como antiguos símbolos de virginidad, según Cant. No hay ninguna fuente para la luz de su vestido, lo que quizás indique que está iluminada por una iluminación interior [3] , una fuerte indicación para el espectador de que no debe ser considerada un individuo, sino un símbolo, según Walter Liedtke . [5]
Recepción
Muchos historiadores del arte han considerado la pintura como una de las obras menos exitosas de Vermeer. Cant, por ejemplo, lo llama "más duro, más frágil, menos convincente. Faith misma parece incómoda: elegantemente vestida, parece demasiado mundana para ser un símbolo espiritual, demasiado sólida para parecer transportada, la intimidad demasiado forzada y su expresión demasiado artificial". " [3]
Según Wheelock, "[L] as demandas iconográficas de este tema tensaron la credibilidad de su enfoque realista. Si bien es esencial para el contenido simbólico de la pintura, la pose extática de la mujer y la serpiente aplastada parecen incongruentes en este escenario holandés". [2] Walter Liedtke se opuso al punto de Wheelock al afirmar que el artista adoptó un enfoque muy realista principalmente al representar el globo terrestre y los reflejos en la esfera de vidrio. En cambio, según Liedtke, la pintura se compara mejor con pinturas holandesas contemporáneas que ilustran conceptos abstractos, incluida la Alegoría de la paz de Adriaen Hanneman (1664; todavía in situ en el Eerste Kamer en el Binnenhof), una imagen histriónica que muestra cuán reticente Vermeer estaba en este trabajo; y Karel Dujardin 's Alegoría del inmortal fama de Arte Vanquishing El tiempo y la envidia (1675; Museo Histórico, Bamberg); Gabriel Metsu 's Triumph de la justicia (década de 1650 a finales; Mauritshuis, La Haya); Adriaen van de Velde Es La Anunciación (1667; Rijksmuseum, Amsterdam), así como obras de Van Honthorst y las primeras obras de De Lairesse. [5]
Procedencia
El uso imaginativo del simbolismo de Vermeer en la pintura le indica a Wheelock que el pintor no recibió instrucciones específicas sobre la alegoría, sino que eligió los diversos elementos él mismo. Se desconoce el propietario original, pero pudo haber sido un católico en Delft , posiblemente los jesuitas de la ciudad. [2] El sitio web del Museo Metropolitano de Arte dice: "Este último trabajo seguramente fue encargado, probablemente por un mecenas que era tan culto como devoto". [1]
La pintura fue una de las que aparentemente no se encuentran entre las 21 obras de la colección de artistas del principal mecenas de Vermeer, Pieter Claesz van Ruijven (1624-1674), y fue subastada en la venta de Dissius de 1696. Su primer propietario conocido fue Herman Stoffelsz van Swoll (1632-1698), director de correos y protestante. Que Swoll estaba familiarizado con el coleccionismo de arte se indica por el hecho de que el padrino de su boda en 1656 fue un famoso coleccionista, Gerrit Reynst . Un año después de la muerte de Swoll, en 1699, la pintura fue subastada en Amsterdam junto con otras obras de la colección de Swoll (que incluía obras italianas). El catálogo de la venta describía la obra como "Una mujer sentada con profundos significados, que representa el Nuevo Testamento", y también decía, "pintada de manera poderosa y resplandeciente". Después de pasar un tiempo en una colección desconocida, la pintura (descrita como "que representa el Nuevo Testamento") fue subastada en 1718, nuevamente en Amsterdam. Fue subastado de nuevo en 1735 (descrito como "pintado ingeniosa y minuciosamente"), y en la venta de Ietswaart de 1749 (descrito como "tan bueno como Eglon van der Neer "). Las diversas fortunas de la reputación de Vermeer en el siglo XVIII se pueden ver en los precios pagados por el cuadro en estas diversas subastas: 400 f en 1699; f 500 en 1718; f 53 en 1735; f 70 en 1749). [2]
A principios del siglo XIX, la pintura aparentemente había llegado a Austria, donde fue representada en el fondo del Retrato de un cartógrafo y su esposa de Ferdinand Georg Waldmüller en 1824 (ahora en Westfälisches Landesmuseum , Münster ). Los atlas representados en esta pintura contienen mapas principalmente de Vorarlberg y Tirol en el extremo occidental de Austria, por lo que quizás la pintura estaba en esa área, según Wheelock. [2] A finales de siglo, la pintura (en ese momento atribuida erróneamente a Eglon van der Neer) formaba parte de la colección de Ilya Ostroukhov (y más tarde Dmitry Shchukin ) en Moscú, lo que la convierte en la cuarta Vermeer propiedad de los rusos en ese momento. [6] En 1899 fue puesto a la venta por un comerciante, Wächtler, en Berlín. Ese año, Abraham Bredius lo compró por alrededor de 700 DM. Un periódico holandés en ese momento elogió a Bredius por la compra: "Con esta adquisición del nuevo Delft Vermeer, el Nuevo Testamento , como un Eglon van der Neer, el Dr. Bredius ha vuelto a encontró una ganga con su mirada perspicaz ". Luego, Bredius prestó la obra a Mauritshuis , donde permaneció durante los siguientes 24 años, hasta 1923, cuando Bredius la entregó al Museo Boijmans Van Beuningen en Rotterdam para un préstamo a largo plazo. [2]
A Bredius no le gustó el trabajo, llamándolo (en 1907) "un Vermeer grande pero desagradable". En 1928, lo vendió a través del marchante Kleinberger a Michael Friedsam en Nueva York, [2] quien lo legó en 1931 como parte de la Colección Friedsam al Museo Metropolitano de Arte, donde ha permanecido. [1]
Exposiciones
La pintura ha sido cedida por The Met para una serie de exposiciones que incluyeron a varios Vermeers reunidos de diferentes museos. Entre estos estaban:
- Vermeer. Il secolo d'oro dell'arte olandese ”en la Scuderie del Quirinale de Roma , que se inauguró el 27 de septiembre de 2012 y se prolongó hasta el 20 de enero de 2013 [7]
- "Rembrandt y el Siglo de Oro holandés" en el Museo de Bellas Artes de Budapest , que se inauguró el 30 de octubre de 2014 y se prolongó hasta el 15 de febrero de 2015 [8]
- ”Vermeer et les maîtres de la peinture de genre” en el Louvre de París, que se inauguró el 22 de febrero de 2017 y se extendió hasta el 22 de mayo de 2017 [9] (la pintura no figuraba en el catálogo de la exposición) [10]
Referencias
- ^ a b c d e f "Obra maestra de Vermeer La lechera / Alegoría de la fe católica, alrededor de 1670–72" . Sitio web del Museo Metropolitano de Arte . Consultado el 20 de septiembre de 2009 .
- ^ a b c d e f g h i j k l m n o Arthur K. Wheelock Jr., editor, Johannes Vermeer , catálogo de una exposición del mismo nombre organizada por la National Gallery of Art, Washington, y el Royal Cabinet de Pinturas Mauritshuis, La Haya; págs. 190–195, New Haven: Yale University Press, 1995
- ^ a b c d e Cant, Serena (2009). Vermeer y su mundo 1632–1675 . Quercus Publishing Plc. ISBN 978-1-84866-001-4.
- ^ Arthur K. Wheelock Jr., editor, Johannes Vermeer , catálogo de una exposición del mismo nombre organizada por la Galería Nacional de Arte, Washington, y el Gabinete Real de Pinturas Mauritshuis, p 192, citando a Eddy de Jongh , "Perlas de Virtud y perlas del vicio ", Simiolus 8: 69–97, 1975/1976, La Haya; págs. 190–195, New Haven: Yale University Press, 1995
- ^ a b Liedtke, Walter A. (2001). Vermeer y la escuela de Delft . Museo Metropolitano de Arte . págs. 399–402. ISBN 9780870999734.
- ^ " " Географ "Йоханнеса Вермеера /" Путешествие в Эрмитаж "/ Радиостанция" Радио России " " .
- ^ Bandera, Sandrina; Liedtke, Walter; Wheelock Jr., Arthur K., eds. (2012). Vermeer. Il secolo d'oro dell'arte olandese . Milán: Skira . pag. 218–219. ISBN 978-88-572-1580-8.
- ^ Ember, Ildikó, ed. (2014). Rembrandt y el Siglo de Oro holandés . Budapest: Szépművészeti Múzeum, Budapest. pag. 448–451. ISBN 978-615-5304-34-7.
- ^ "Alegoría de la fe católica (sección Historia de la exposición)" . El Museo Metropolitano de Arte . Consultado el 23 de septiembre de 2020 .
- ^ Waiboer, Adriaan E., ed. (2017). Vermeer y los maestros de la pintura de género . New Haven y Londres: Yale University Press. pag. 250–252. ISBN 978-0-300-22293-7.
enlaces externos
- Página web del Museo Metropolitano de Arte sobre la pintura
- Vermeer and The Delft School , catálogo de la exposición completamente en línea como PDF del Museo Metropolitano de Arte, que contiene material sobre esta pintura (ver índice)
- La lechera de Johannes Vermeer , catálogo de la exposición totalmente en línea como PDF del Museo Metropolitano de Arte, que contiene material sobre esta pintura (cat. No. 10)