Los Irascibles o Irascible 18 fueron las etiquetas que se le dieron a un grupo de artistas abstractos estadounidenses que pusieron nombre a una carta abierta , escrita en 1950, al presidente del Metropolitan Museum of Art , rechazando la exposición del museo American Painting Today - 1950 y boicoteando el competencia de acompañamiento. La posterior cobertura mediática de la protesta y una fotografía grupal ahora icónica , que apareció en la revista Life , les dio notoriedad, popularizó el término Expresionista Abstracto y los estableció como la llamada primera generación del movimiento putativo.
El surgimiento de la escuela de Nueva York
La aparición del arte abstracto coincidió con la invención del cubismo en París en la primera década del siglo XX. París siguió siendo el centro de gravedad de movimientos artísticos posteriores como el futurismo , el purismo , el vorticismo , el cubofuturismo , el dadaísmo , el constructivismo y el surrealismo hasta el estallido de la Segunda Guerra Mundial y la persecución nazi del " arte degenerado ", que precipitó una migración masiva de artistas. y artistas intérpretes o ejecutantes a los Estados Unidos. Nueva York se convirtió en el hogar de la vanguardia trasplantada. [1]
La década de 1940 fue de particular importancia en el arte estadounidense, ya que la pintura de escena estadounidense ( regionalismo ) llegó a ser vista como un modo inadecuado de expresión artística en una época tumultuosa. [2] En 1942, Peggy Guggenheim , que había huido de Europa con su marido, el artista surrealista Max Ernst , abrió su galería Art of This Century , que muestra a artistas de vanguardia europeos y prometedores estadounidenses. Jackson Pollock tuvo su primer espectáculo individual allí en 1943 y, en 1945, Guggenheim mostró a Mark Rothko . [1]
Cuando Guggenheim cerró su galería en 1947 para mudarse a Venecia, artistas como Pollock tuvieron que encontrar una nueva representación. La Galería Betty Parsons, que abrió el año anterior, comenzó a representar a Pollock, Barnett Newman , Mark Rothko y Clyfford Still . Parsons ya representaba a Adolph Gottlieb , Hedda Sterne y Theodoros Stamos . Fue mientras Pollock mostraba en la galería de Parsons que comenzó a hacer sus icónicas pinturas de goteo en 1947. También fue aquí donde Barnett Newman exhibió sus primeras obras revolucionarias en 1950. Rothko, quien había llegado a sus distintivas pinturas de tamaño mural en 1947, los expuso por primera vez en la Parsons Gallery. [2]
En ese momento, las únicas galerías que estaban preparadas para mostrar la llamada Escuela de Nueva York (término de Robert Motherwell ) eran Parsons Gallery, Samuel Kootz Gallery y Charles Egan Gallery . Para estas galerías en ciernes fue un desastre financiero. El precio más alto pagado por un Pollock, antes de 1947, era de $ 740 y Rothko había alcanzado su punto máximo con la venta de una pintura de $ 120 en 1946. En la Galería Kootz, de 1946 a 1948, Hans Hofmann, William Baziotes y Robert Motherwell se ofrecieron a entre $ 100 y $ 950, probablemente obteniendo precios de venta reales mucho más bajos. Kootz cerró en 1948 como resultado de la tensión financiera. [3] El éxito crítico y financiero del grupo solo vendría después de una serie de artículos de divulgación en la revista Life , más notablemente un artículo sobre Jackson Pollock en 1949 y el artículo y fotografía de Irascibles de 1951. [4]
Preámbulo de la protesta
Desde enero de 1943 existía un acuerdo entre el Whitney Museum of American Art y el Metropolitan Museum of Art sobre una coalición que culminaría con la combinación de sus colecciones de arte estadounidense en un nuevo edificio, financiado con la donación de Gertrude Vanderbilt Whitney . Mediante este acuerdo no escrito, Whitney adquirió el arte estadounidense, mientras que el Metropolitan concentró sus adquisiciones en lo que denominaron arte "clásico". [5] [6]
Juliana Force, directora del Whitney desde 1931 hasta su muerte el 28 de agosto de 1948, albergaba graves preocupaciones y abogó por el abandono de la coalición. El 1 de octubre de 1948, los fideicomisarios de Whitney citaron "serias divergencias", especialmente con respecto a la exhibición de tendencias avanzadas en el arte, algo que el Whitney hizo un punto especial. Retiraron unilateralmente al Whitney de la coalición. [7]
El 6 de diciembre de 1948, el Met anunció que formaría su propio Departamento de Arte Estadounidense, [8] lo que hizo el 1 de enero de 1949. [5] Robert Beverly Hale fue nombrado Curador Asociado de Pintura y Escultura Estadounidense y director de el Departamento. [8] Se creó un Comité de Fideicomisarios de Arte Americano para asesorar al Curador Asociado. Los miembros de este comité fueron Elihu Root, Jr., presidente, Walter C. Baker y Sam A. Lewisohn . [6] [9] Lewisohn, aunque un coleccionista de impresionistas muy respetado , se destacó por calificar el arte abstracto de vanguardia como "inhumano". [10]
En julio de 1949, Roland J. McKinney, ex director del Museo de Arte de Baltimore y del Museo de Arte del Condado de Los Ángeles , fue nombrado consultor. [9] Siguiendo su consejo, se decidió que The Met albergaría una serie de exhibiciones competitivas nacionales abiertas con cinco jurados regionales. El primero de ellos, American Painting Today - 1950 , fue anunciado como parte de una declaración de política el 1 de enero de 1950. [9]
Los cinco jurados regionales, reunidos respectivamente en Santa Bárbara , Dallas , Chicago , Richmond y Nueva York harían selecciones, que serían sometidas a un Jurado Nacional, compuesto por cinco jurados regionales y dos jurados designados por el Metropolitan. [5]
Asignaturas de la Escuela de Artista
En 1948, William Baziotes, David Hare , Robert Motherwell y Mark Rothko fundaron los Subjects of the Artist School , que celebró debates de artistas en un loft en 35 East Eighth Street, Manhattan . [11] [12] La escuela no tenía requisitos de admisión. Su catálogo decía que "... la escuela es para cualquiera que desee ir más allá de los modos de expresión convencionales". [13] La escuela duró poco, cerró en 1949. Fue asumida por la Universidad de Nueva York y pasó a llamarse Studio 35. [14]
Un simposio de panel cerrado tuvo lugar del 21 al 23 de abril de 1950. Fue organizado por Robert Goodnough y moderado por Richard Lippold , Robert Motherwell y Alfred H. Barr, Jr. director del Museo de Arte Moderno (MoMA). El propósito era el encuadre de un movimiento artístico . [15] : 303
Al final de la sesión cerrada, Adolph Gottlieb sugirió que los artistas reunidos protestaran por el sesgo conservador del jurado para la próxima competencia en el Metropolitan. [16] : 48
La carta abierta
Gottlieb pasó la mayor parte de las tres semanas redactando una carta abierta al presidente del Metropolitan, conversando con Ad Reinhardt y Barnett Newman mientras solicitaba el consenso entre otros artistas por correo o teléfono. La versión final se envió a los artistas individuales para que la firmen; 28 haciéndolo. Newman llamó a Jackson Pollock desde el apartamento de Gottlieb en Brooklyn y le pidió que fuera a la ciudad de inmediato para firmar la carta. Pollock envió un telegrama en su lugar: [17] : 602
RESPALDÉ LA CARTA OPONENTE AL MUSEO DE ARTE METROPOLITANO 1950 JURADO SHOW STOP JACKSON POLLOCK
La carta fue suscrita por Jimmy Ernst , Adolph Gottlieb, Robert Motherwell, William Baziotes, Hans Hofmann , Barnett Newman, Clyfford Still, Richard Pousette-Dart , Theodoros Stamos , Ad Reinhardt , Jackson Pollock , Mark Rothko , Bradley Walker Tomlin , Willem de Kooning , Hedda Sterne , James Brooks , Weldon Kees y Fritz Bultman . Los escultores de apoyo fueron Herbert Ferber , David Smith , Ibram Lassaw , Mary Callery , Day Schnabel , Seymour Lipton , Peter Grippe , Theodore Roszak , David Hare y Louise Bourgeois . [18]
El domingo 21 de mayo de 1950, Barnett Newman llevó la declaración firmada al editor de la ciudad del New York Times . [16] Se había postulado para alcalde de Nueva York como candidato por escrito en 1933 y sabía que el lunes era un día de noticias lento en el Times . [19] La declaración, titulada CARTA ABIERTA A ROLAND L. REDMOND, de fecha 20 de mayo, apareció en la portada del Times del 22 de mayo. [18]
Newman le dijo al Times que eran críticos con la membresía de los cinco jurados regionales y especialmente se oponían al jurado de Nueva York, el Jurado Nacional de Selección y el Jurado de Premios. Los jurados de Nueva York fueron Charles Burchfield , Yasuo Kuniyoshi , Leon Kroll , Ogden Pleissner , Vaclav Vytlacil y Paul Sample . El jurado nacional estuvo formado por Robert Beverly Hale, Ogden Pleissner, Maurice Sterne , Millard Sheets , Howard Cook , Lamar Dodd , Francis Chapin , Zoltan Sepeshy y Esther Williams. El jurado de premios incluyó a William M. Milliken, Franklin C. Watkins y Eugene Speicher . [18]
Polémica resultante
La primera respuesta a la carta llegó en la página editorial de The Herald Tribune del 23 de mayo de 1950. El editorial atacó a los artistas por "distorsión de los hechos" al afirmar que el Metropolitan tenía "desprecio" por la pintura moderna. [20] La crítica de arte del Herald Tribune en ese momento era Emily Genauer . Se asumió ampliamente que ella había escrito el editorial, que dio nombre al grupo. [21] [22]
Gottlieb, con la ayuda de Newman y Reinhardt, redactó una refutación, que fue firmada por 12 pintores y tres escultores, y dirigida al editor del Tribune . Nunca se publicó. Weldon Kees discutió el tema de la carta abierta en la edición del 5 de junio de The Nation , llamando al director del Museo Metropolitano de Arte, Francis Henry Taylor, un filisteo . [23] : 133 Dos días después, la revista Time señaló la protesta en un artículo titulado The Revolt of the Pelicans , [24] una referencia indirecta a los comentarios de Taylor de 1948 en el Atlantic Monthly .
En lugar de volar como un águila a través de los cielos como lo hicieron sus antepasados ... el artista contemporáneo ha sido reducido al estado de un pelícano de pecho plano, pavoneándose sobre los páramos intelectuales y las playas, contento de tomar todo el alimento que pueda de su propio pecho demasiado magro.
- Francis Henry Taylor, Atlantic Monthly , diciembre de 1948 [25]
Alfred Barr, buscando distinguir al MoMA, electrificó aún más la situación al seleccionar a Arshile Gorky , Willem de Kooning y Jackson Pollock para el pabellón estadounidense de la 25a Bienal de Venecia , celebrada de junio a octubre de 1950. En la edición de junio de 1950 de ARTnews , se refirió a los pintores como "líderes" de una "vanguardia predominante". El acto de Barr señaló al mundo del arte que los museos deberían considerar seriamente el expresionismo abstracto . [15] : 305–306
El 3 de julio de 1950, un grupo de 75 artistas emitió un comunicado a través de una carta abierta al presidente del Met, defendiendo el museo. Los firmantes incluyeron a Milton Avery , Will Barnet , Philip Evergood , Xavier González , George Grosz , Henry Koerner , Reginald Marsh , Waldo Peirce , Manfred Schwartz y Harry Sternberg . [26]
Fotografía de la vida
La revista Life decidió publicar una historia fotográfica para su edición del 15 de enero de 1951, que documentaría los resultados de la competencia y presentaría una fotografía de los manifestantes. [27] Life inicialmente quería fotografiar a los pintores en los escalones del Metropolitan, con sus pinturas. Se negaron con el argumento de que parecía que estaban tratando de ingresar al museo, pero estaban siendo rechazados. [16] : 48–49 [28] : 272 La revista capituló; La editora de arte de Life , Dorothy Seiberling , envió a la fotógrafa Nina Leen a fotografiarlos en un estudio en la calle 44. Se reunieron allí el 24 de noviembre, y solo tres de los firmantes originales estuvieron ausentes: Weldon Kees, Hans Hofmann y Fritz Bultman. [16] : 49 Pollock hizo un viaje especial con James Brooks para la sesión. [17] : 602
Leen tomó doce fotografías, de las cuales una apareció en Life . Barnett Newman había insistido en que el grupo fuera fotografiado "como banqueros". A los artistas se les permitió posicionarse. [28] : 272 Hedda Sterne , que había llegado tarde, aparece en la parte de atrás (de pie sobre una mesa). La única mujer en la fotografía, luego describiría la experiencia como "probablemente lo peor que me pasó". [22] El pintor Lee Krasner creía que se le permitió a Sterne ante la insistencia de la marchante de arte Betty Parsons , que representaba a muchos en el grupo. [29] : 402
Todos estaban muy furiosos porque yo estaba en eso porque todos eran lo suficientemente machistas como para pensar que la presencia de una mujer le quitaba la seriedad a todo.
- Hedda Sterne, entrevista con Phyllis Tuchman , 1981 [22]
La leyenda de la fotografía publicada se refería al grupo como solemne . Era cierto que muchos miembros del grupo tenían reservas al aparecer en una publicación de los principales medios de comunicación ; Rothko especialmente. [28] : 272 Sin embargo, nadie podría haber confundido las consecuencias de la publicación de tres páginas de Pollock en Life of August 8, 1949. [30] La próxima exposición de Pollock, inaugurada el 21 de noviembre de 1949, en Betty Parsons Gallery, fue un triunfo inconfundible. [17] : 597 Famoso, se escuchó a Willem de Kooning decirle a Milton Resnick : "Mira a tu alrededor. Estos son los peces gordos. Jackson finalmente ha roto el hielo". [17] : 598 En el año siguiente, Betty Parsons envió cheques Pollock por un total de $ 6,508.23 sobre ventas brutas de más de $ 10,000, en un momento en que más de dos tercios de las familias estadounidenses vivían con menos de $ 4,000 por año. [4] Pollock parece haber sido invitado a firmar la carta abierta de Studio 35, al menos en parte, debido a su notoriedad, casi enteramente atribuible al artículo de Life . Al final, la sesión fue un acomodo incómodo entre el sistema de valores bajo el cual los artistas habían trabajado y su deseo de éxito profesional. [4]
Creo que les encantó que les tomaran fotos, pero parecían tener miedo de ser amables, no querían parecer demasiado comerciales.
- Nina Leen, Vogue , noviembre de 1985 [31]
El legado de la polémica
El artículo posterior de Life hizo más que proporcionar al público una imagen del grupo, luciendo más "como banqueros" que irascibles. Colocó la imagen más grande y antes que las imágenes de las obras de arte ganadoras del concurso Metropolitano. También reiteró la palabra avanzada , haciéndose eco del discurso publicitario de Madison Avenue del día. [4] El pie de foto también se refirió a la protesta como de acuerdo con la tradición de vanguardia , mencionando el Salon des Refusés de 1863 y la Escuela Ashcan . [27]
Irving Sandler , historiador de la Escuela de Nueva York y del Expresionismo Abstracto, escribió que la fotografía de Leen "se ha convertido en la imagen mediante la cual imaginamos a los artistas que lograron el triunfo de la pintura estadounidense". [32] : 42
El malestar de los artistas por ser etiquetados, individualmente o en grupo, era evidente. Al final del simposio de tres días en Studio 35 en 1950, Alfred Barr desafió al grupo a que se nombraran a sí mismos, a lo que De Kooning respondió: "es desastroso nombrarnos a nosotros mismos". [15] : 305 Pollock, por su parte, se negó a firmar la carta del Times a menos que estuviera claro que no eran un grupo; es digno de mención que no lo hizo. [32] : 42
A pesar de sus etiquetas posteriores como expresionista abstracto, pintores de acción, etc., esta es una imagen de un grupo que nunca fue un grupo, una imagen de quince individuos, unificados solo por el clic de una cámara en un momento y lugar determinados.
- BH Friedman, Arts , septiembre de 1978 [33]
Ya en 1951, las relaciones se habían deteriorado lo suficiente como para que Pollock, Newman, Still y Rothko se acercaran a Betty Parsons con la idea de mostrárselas en exclusiva, dejando a sus antiguos colegas a su suerte. [2] [4] Ella rechazó la oferta. Durante los siguientes tres años, Pollock, Still y Rothko se mudaron a la Galería Sidney Janis . [2] Después de que sus compañeros artistas no defendieron su exposición en Betty Parsons en 1951 y no se incluyó en la exposición Fifteen Americans de 1952 en el Museo de Arte Moderno, Newman no volvió a mostrar en Nueva York hasta 1959. [2] [ 28] : 346
En 1954, Ad Reinhardt se burló públicamente de Rothko, Newman, de Kooning, Gottlieb y Still, lo que provocó que Newman lo demandara por difamación. [2] [28] : 347 Clyfford todavía repudió a Mark Rothko por "vivir un mal, una vida falsa". [28] : 348 "Todo pasó del amor al odio en cuatro años", recordó Betty Parsons en 1975. [2]
La fotografía Life de 1951 de Nina Leen se ha convertido en la piedra de toque de las listas canónicas de la Escuela de Nueva York. Irving Sandler lo utilizó como fotografía del frontispicio y la sobrecubierta trasera de su El triunfo de la pintura estadounidense: una historia del expresionismo abstracto , publicado en 1970. [34] Este libro definió el expresionismo abstracto para una generación de estudiosos. [35]
Referencias
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