La Virgen y el Niño con Canon van der Paele es una gran pintura al óleo sobre tabla de roble completada alrededor de 1434–1436 por elpintor holandés temprano Jan van Eyck . Muestra al donante de la pintura, Joris van der Paele , dentro de una aparición de santos. La Virgen María está entronizada en el centro del espacio semicircular, que muy probablemente representa el interior de una iglesia, con el Niño Jesús en su regazo. San Donatiano está a su derecha, San Jorge , el santo del nombre del donante, a su izquierda. El panel fue encargado por van der Paele como retablo . Entonces era un clérigo adinerado de Brujas., pero anciano y gravemente enfermo, y pretendía que la obra fuera su memorial.
![La Virgen María y el niño Jesús sentados en un trono elevado decorado con figuras bíblicas. A la izquierda está San Donatiano (de pie). El donante del panel, Joris van der Paele, se arrodilla en oración mientras San Donatiano se para a su lado.](http://wikiimg.tojsiabtv.com/wikipedia/commons/thumb/4/4e/La_Madone_au_Chanoine_Van_der_Paele.jpg/440px-La_Madone_au_Chanoine_Van_der_Paele.jpg)
Los santos son identificables por las inscripciones latinas que recubren los bordes del marco de imitación de bronce, que es original. Van der Paele es identificable a partir de registros históricos. Está vestido con las mejores galas de un canon medieval, incluida una sobrepelliz blanca , mientras lee piadosamente un libro de horas . Es presentado a María por San Jorge, su santo nombre, quien sostiene en alto su casco de metal con respeto. San Donatiano , vestido con vestimentas de vivos colores , está a la izquierda. El panel se destaca por la exquisitez de la ropa, que incluye exquisitas representaciones de pieles, sedas y brocados, y la iconografía religiosa elaborada y detallada . El trono de la Virgen está decorado con representaciones talladas de Adán y Eva , Caín y Abel , prefiguraciones de la Crucifixión y Resurrección de Jesús y escenas del Antiguo Testamento . La pintura está forrada con una serie de inscripciones que comentan sobre los santos e incluyen la firma de van Eyck.
El panel de van der Paele está considerado como una de las obras más ambiciosas y realizadas de van Eyck, y ha sido descrito como una "obra maestra de obras maestras". [1]
Comisión
Joris van der Paele es identificable tanto por su parecido como por el escudo de armas paterno y materno en las esquinas de cada cuadro. [2] Nació en Brujas alrededor de 1370 y pasó su carrera temprana como escriba papal en Roma antes de regresar a su ciudad natal en 1425 como un hombre rico. [3] Fue nombrado canonista de la colegiata de San Donatiano , cargo que le proporcionó ingresos de las diversas parroquias bajo su mandato. [4]
Una enfermedad alrededor de 1431 [5] dejó a van der Paele incapacitado para cumplir con las funciones de su cargo, y lo llevó a reflexionar sobre su posición como canónigo y sobre su mortalidad. En respuesta, dotó a una capellanía de la iglesia y encargó este trabajo a van Eyck. El artista estaba en el apogeo de su fama y tenía una gran demanda, y esto, junto con el gran tamaño del panel, hizo que el encargo tardara mucho más en completarse de lo que inicialmente se había previsto; Se pueden encontrar dos fechas de finalización en el marco, lo que implica que la fecha anterior fue una aspiración y se perdió. [6]
A cambio del legado, la iglesia otorgó al canónigo una misa de réquiem , una misa diaria y tres misas votivas a la semana, destinadas a interceder ante lo divino en su nombre. Una segunda capellanía en 1443 [7] se centró en las oraciones por su familia, [8] y garantizó que después de su muerte, la misa de réquiem terminaría con lecturas del Miserere mei y De profundis . [9]
Van der Paele pudo haber mantenido el panel en sus aposentos privados o como altar de la iglesia. [10] Lo donó a la iglesia en 1436 o en su muerte en 1443; [8] permaneció allí hasta que la iglesia fue demolida en 1779. Lo más probable es que la obra se ubicó en la nave como acompañamiento de un altar para los santos Pedro y Pablo y se usó para misas conmemorativas para van der Paele y su familia. Se instaló en el altar mayor después de la iconoclasia de 1566 . [11]
Una inscripción en el marco de imitación inferior se refiere al beneficio de der Paele : "Joris van der Paele, canónigo de esta iglesia, hizo que el pintor Jan van Eyck hiciera esta obra. Y fundó dos capellanías aquí en el coro del Señor. 1434. Él sin embargo, solo lo completó en 1436 ". [11]
Descripción
La Virgen y el Niño se encuentra en una iglesia redondeada con deambuladores laterales , [13] con María ocupando el área donde normalmente se colocaría el retablo. [8] El panel tiene un aspecto escultórico general; el trono, las ventanas, los arcos y los lienzos que cuelgan toman prestado de las convenciones de la arquitectura románica . [14] Después del panel "Adoración del Cordero Místico" del Retablo de Gante , es la segunda pintura más grande existente de Van Eyck, y la única en un marco horizontal. La Virgen y el Niño se caracteriza por su uso innovador del ilusionismo y la compleja composición espacial. Está en su marco de roble original, [15] que contiene varias inscripciones latinas, incluida la firma de van Eyck, la fecha de finalización, el nombre del donante y textos relacionados con San Jorge y San Donatiano. [16] [8] El borde superior contiene frases del Libro de la Sabiduría , comparando a María con un "espejo sin mancha". [11]
Las figuras, la ropa minuciosamente detallada y la arquitectura de la habitación y las ventanas están representadas con un alto grado de realismo. La maestría de Van Eyck en el manejo del aceite se puede ver en las diferentes amplitudes de las pinceladas. La precisión del detalle logrado se nota especialmente en la interpretación de los hilos de la capa y la mitra bordados en azul y dorado de San Donatiano , en el tejido de la alfombra oriental, y en la barba y las venas del rostro envejecido de van der Paele. [17]
Cifras
Al igual que con Madonna of Chancellor Rolin de van Eyck , el panel crea un entorno íntimo entre el donante y Virgin. Esto se enfatiza por la proximidad física del donante a la Virgen que, según el historiador de arte Jeffrey Chipps Smith , "mental y pictóricamente [rompe] las barreras entre el cielo y la tierra" e implica que "los patrocinadores son visualmente inmortalizados como merecedores de la imagen personal de la Virgen y el Niño". atención." [18] La intimidad se ve reforzada por pequeños detalles como la superposición entre el donante y San Jorge, que proyecta una sombra sobre van der Paele [19] y parece haber pisado accidentalmente su sobrepelliz mientras se inclina hacia adelante para presentar el canon. a la Virgen. [18]
San Donatiano
San Donatiano se coloca a la izquierda de la Virgen, la posición más significativa en términos heráldicos, y refleja su condición de dedicado de la catedral para la que se hizo la pintura y de la ciudad de Brujas. [20] Viste capa y mitra , vestiduras que se encuentran en los inventarios contemporáneos de la iglesia. [9] Su capa de brocado azul y dorado está bordada con imágenes de San Pablo y San Pedro . [13] La coloración de sus vestiduras es muy similar a las del Arcángel en el Tríptico de Dresde de van Eyck de 1437. [21]
Donatian se para frente a un conjunto de ventanas que están justo afuera del espacio pictórico. [22] Sostiene una cruz procesional con joyas en su mano izquierda, [20] y una rueda que contiene cinco velas ahusadas encendidas en la derecha. [14] La rueda es su atributo habitual, [13] y se refiere a un incidente en el que casi se ahoga después de ser arrojado al Tíber , pero se salvó después de que el Papa Dionisio le arrojara una rueda de carro que pudo usar como flotador. [23]
Virgen y niño
El panel es una de las pinturas de sacra conversazione (la Virgen y el Niño mostradas con un grupo de santos en una agrupación relativamente informal) más antiguas conocidas del norte de Europa . [24] La Virgen se sienta en un trono elevado, situado debajo de un baldaquino de brocado minuciosamente detallado y extravagantemente decorado que contiene dibujos de rosas blancas, que simbolizan su pureza. [25] Dado el entorno de la iglesia, María ocupa el área donde normalmente estaría el retablo. Los escalones que conducen al trono están cubiertos con una alfombra oriental . [24] Su tipo de rostro idealizado (y el de San Jorge) es muy similar al de la Virgen en la Anunciación de Washington de van Eyck . [26]
Aunque el trono de la Virgen está en el medio, su cabeza está al nivel de las figuras de pie en primer plano, que están más cerca en perspectiva . El ábside en el que se sienta se suma a la ilusión de profundidad y es un área ampliada para su trono. [24] Un enfoque similar se puede ver en el Tríptico de Dresde posterior , pero ese trabajo contiene un mejor manejo de la profundidad espacial; El trono de María se mueve hacia atrás y los donantes y santos son relegados a paneles de alas. Las figuras de Canon van der Paele están dentro de un espacio más reducido, son algo estrechas, pero mucho más monumentales. [27]
El Niño tiene el pelo rubio rizado y está sentado sobre un paño blanco, animado y erguido, al lado del regazo de la Virgen. Como María, su cuerpo se muestra de frente, su cabeza en vista de tres cuartos. [28] Alcanza lo que parece ser un loro posado en su regazo. [29] En algún momento se ocultó la desnudez del Niño; esta pintura se eliminó durante una restauración de finales del siglo XX. [14] Tiene la intención de representar tanto la hostia como la Eucaristía , alusiones comunes en el arte holandés temprano y que refleja que el panel estaba destinado a la celebración de la misa . [8]
San Jorge
San Jorge luce una armadura lujosamente decorada y parece relajado y despreocupado, levantando su casco y su mano izquierda para presentar a van der Paele. [30] El santo era el santo del nombre del donante y la Catedral de San Donatiano fue construida ( c. 950 ) para albergar una reliquia de uno de los huesos de su brazo. [31] La armadura de George es similar a la de San Miguel en el Tríptico de Dresde de van Eyck , mientras que su escudo de acero se parece a los del panel de los Caballeros de Cristo del retablo de Gante. [22]
El historiador de arte Max Jakob Friedländer observa cómo St. George parece vacilante e inseguro de sí mismo en un entorno tan solemne y reservado. Tiene un rostro muy joven, y parece apenas un adolescente, con un rostro desgarbado, que según Friedländer "forma un extraño contraste con el canon anciano y pesado". George es inestable sobre sus pies, y parece luchar con tener que levantarse el casco mientras simultáneamente presenta al donante, y "esto parece avergonzarlo". [32] George es la única figura cuyos pies están expuestos. La manera insegura en la que hace gestos a la Virgen da la impresión de una naturaleza tímida e insegura; y se levanta el casco de manera vacilante. Friedländer observa que la cabeza de George está ligeramente inclinada, su rostro "torcido en una sonrisa vacía". [33]
La Virgen y el Niño se pueden ver en el reflejo del casco de George. Van Eyck alude a su propio arte al incluir su autorretrato como un reflejo del escudo del caballero. El artista se representa a sí mismo de pie en su caballete, de una manera que se asemeja mucho al autorretrato reflejado en el espejo en su Retrato de Arnolfini . [34]
Tanto en esa obra como aquí, se muestra luciendo un turbante rojo similar al que se ve en el posible autorretrato Retrato de un hombre , de 1433. [35] [36]
Joris van der Paele
La pintura marca una desviación de los epitafios europeos convencionales y contemporáneos al colocar a los santos y al donante mortal dentro del mismo espacio pictórico. [37] Van der Paele se arrodilla a la derecha de la Virgen y el Niño y parece una figura algo distraída y distraída. Esto es intencional, una indicación de que está, en palabras del historiador de arte Bret Rothstein, "desconectado del mundo perceptible" y completamente absorto en el reino espiritual. Esta noción se ve reforzada por sus gafas que, si bien implican educación, riqueza y aprendizaje, también aluden a la falibilidad de los sentidos humanos, terrenales. [38] De acuerdo con las convenciones del arte medieval tardío, van der Paele no mira directamente a ninguna de las figuras celestiales, sino que mira a la distancia media, observando el decoro social y espiritual. [39]
Van Eyck no duda en mostrar los efectos físicos de la enfermedad del canónigo, incluida la piel desgastada, agrietada y cansada, visión débil, arterias temporales agrandadas y dedos hinchados. La torpeza con la que van der Paele agarra su breviario sugiere debilidad en su brazo izquierdo; Van de Paele probablemente sufrió un dolor agudo en el brazo y el hombro, confirmado por los registros eclesiásticos de principios de la década de 1430 que documentan que estaba exento de sus deberes matutinos y que estuvo ausente todo el día en 1434. Los médicos modernos han diagnosticado su condición como posiblemente polimialgia reumática y arteritis temporal . [40] [41]
Iconografía
La Virgen y el Niño es rica en iconografía entretejida a la perfección. [42] En términos generales, los elementos de la izquierda, incluidas las tallas de imitación, hacen referencia a la muerte de Cristo y los de la derecha a su resurrección. [43] [11] La pintura contiene ejemplos del hábito de van Eyck de presentar al espectador lo que el historiador de arte Craig Harbison describe como "una visión transfigurada de la realidad visible", mediante la colocación de detalles pequeños y discretos que "ilustran la existencia no terrenal pero lo que [van Eyck] consideraba una verdad sobrenatural. Habrían sido fáciles de discernir para un espectador medieval ". [44]
Las figuras están en una iglesia, rodeadas por una arcada de arcos semicirculares, lo que sugiere que podría tratarse de un coro . [45] La escena parece estar iluminada desde ventanas invisibles, con luz que se derrama desde el primer plano izquierdo y las ventanas emplomadas detrás del trono de la Virgen. [46] El trono de María se coloca donde normalmente se colocaría el altar. [30] La tela blanca del Niño se cubre sobre la túnica roja de María, que puede representar la hostia velada durante la celebración de la Eucaristía; una referencia a la muerte y resurrección de Cristo . [3]
Las iglesias en la obra de van Eyck no se basan en edificios históricos, sino que eran amalgamas de diferentes edificios y espacios ficticios. [47] La iglesia podría parecerse a la de San Donatiano, que desde entonces ha sido demolida; parece compartir similitudes con la Iglesia del Santo Sepulcro de Jerusalén , con elementos de la arquitectura románica. [45] Las pinturas de Van Eyck son a menudo espacialmente ambiguas; cuanto más los mira el espectador, más preguntas surgen. Reflejando un consenso entre los historiadores del arte, Ward interpreta las contradicciones como "curiosamente incoherentes o deliberadamente diseñadas para representar un mensaje simbólico complejo". [29] María sostiene un tallo que parece crecer a partir de las plumas del loro, culminando en un ramo de flores rojas, blancas y azules. [29] A veces se usaba un loro como emblema de la Virgen, pero su yuxtaposición con la planta es incongruente. El loro y la planta enfatizan el fondo floral, que simboliza el Jardín del Edén, acentuado por las figuras de Adán de Eva. Los colores de las flores representan pureza, amor y humildad; sus pétalos son un símbolo de la cruz y el sacrificio de Cristo. La narrativa del pecado original , la expulsión y la redención queda así capturada en un único dispositivo realista. [48]
Las representaciones talladas de Adán y Eva aparecen en los montantes del trono. Los capiteles en los brazos del trono muestran a Caín golpeando a Abel hasta matarlo con un garrote a la izquierda de María, y Sansón abriendo las mandíbulas del león a su izquierda. [49] Las tallas en los capiteles arquitectónicos representan escenas del Antiguo Testamento, incluida la reunión de Abraham y Melquisedec y el sacrificio de Isaac . [9] [11]
Marco e inscripciones
El panel está formado por seis tableros horizontales unidos por juntas a tope reforzadas con varilla cilíndrica , con las juntas encoladas con fibras vegetales. El reverso no está pintado, lo que indica que fue diseñado para colgarlo contra una pared. [51] El marco comprende un marco principal clavado y atornillado lateralmente a dos partes exteriores. Los bordes no muestran signos de tener bisagras, lo que indica que la obra fue pensada como un panel independiente y no como parte de un tríptico. [52] Las esquinas se ensamblan con mortaja y espiga. Cada esquina está reforzada por dos clavijas. [53] Las tablas se pintaron originalmente de un marrón uniforme y se degradaron por el brillo y la sobreimpresión a lo largo de los siglos. Después de una serie de restauraciones, principalmente por Jef Van der Veken en 1933-34 y Edmond Florens en 1977, [54] están en buenas condiciones. [54] Las inscripciones se colocaron en tiras planas entre las molduras . [15]
El marco está ricamente inscrito, con la firma de van Eyck, los escudos de armas de las familias paterna y materna de Van der Paele, [16] letras que identifican a cada uno de los dos santos asistentes, y un pasaje alabando a la Virgen. [15] Las inscripciones están pintadas de manera ilusionista. Aquellos en el borde inferior parecen estar en letras de latón fundido en relieve, aquellos en los bordes de la orden parecen haber sido cortados en la madera del marco. [34]
La inscripción en el marco al lado de St. Donatian dice "SOLO P [AR] TV NON [VS] FR [ATRV] M. MERS [VS] REDIT [VR]. RENAT [VS] ARCH [IEPISC] O [PVS] PR [ I] M [VS]. REMIS CONSTITVITVR. QVI NV [N] C DEO FRVITVR. " ( Era el menor de nueve hermanos; arrojado al agua, volvió a la vida y se convirtió en el primer arzobispo de Reims. Ahora disfruta de la gloria de Dios ). [7] [55] Los que estaban al lado de St. George leían "NATUS CAPADOCIA. X [PIST] O MILITAVIT. MVNDI FVG [I] E [N] S OTIA. CESU TRIVMPHAVIT. HIC DRACONEM STRAVIT" ( Nacido en Capadocia, fue soldado de Cristo. Huyendo de la ociosidad / placeres del mundo, triunfó sobre la muerte y venció al dragón . Las letras ADONAI están inscritas en la coraza de George. [7]
La túnica de María está bordada con texto latino, tomado de la Sabiduría de Salomón 7:29 : Est enim haec speciosior sole et super omnem stellarum dispositionem. Luci conparata invenitur prior ("Porque es más hermosa que el sol y supera a todas las constelaciones de estrellas. Comparada con la luz, resulta superior"). Van Eyck usó un dispositivo similar en su Madonna de Berlín en la Iglesia , completado c. 1438–40 . [56]
![](http://wikiimg.tojsiabtv.com/wikipedia/commons/b/b4/Van_der_Paele_Frame_lower_border.jpg)
Procedencia e influencia
El cuadro permaneció en la iglesia para la que fue pintado hasta después de la Revolución Francesa , y fue una de las atracciones artísticas más conocidas de Brujas para los visitantes. Se presume que era una de las pinturas de la iglesia alabadas por Alberto Durero en su diario en 1521. En 1547, María de Hungría , gobernanta de los Países Bajos españoles , quiso comprarlo para su colección, pero el capítulo se negó cortésmente, diciendo que esto crearía "Lamentos, protestas, alborotos y quejas" del pueblo. Durante una avalancha de iconoclastia de la mafia calvinista en 1578, se trasladó a una casa privada por seguridad, y en 1600 se le había dado un escenario con alas laterales y ahora formaba el retablo principal, reemplazando un retablo de orfebrería destruido del siglo XIV. Pero quizás hacia 1628 estaba en la sacristía y desde 1643 sobre un nuevo altar lateral. [57]
La pintura fue adquirida, junto con muchas otras obras holandesas y flamencas, por el Musée du Louvre en 1794, [14] durante el saqueo de las propiedades de los aristócratas en los años de la ocupación del ejército revolucionario francés del sur de los Países Bajos. Otras obras adquiridas de este modo incluyen los paneles centrales de Van Eyck Retablo de Gante , Hans Memling 's Moreel tríptico y Gerard David ' s juicio de Cambyses . Muchos, incluido el panel de van der Paele, fueron devueltos a Brujas en 1816. [58] El regreso del panel se enredó en una disputa sobre el control y la propiedad entre los funcionarios de Brujas de habla francesa y holandesa, [59] pero fue confiado a la Academia Flamenca de Brujas. En 1855 pasó a formar parte de las colecciones municipales, al principio en el Museo Bogaerdeschool, hasta que pasó a formar parte de la colección del Groeningemuseum en 1930. [15]
La pintura fue muy influyente en los siglos XV y XVI. La pieza de la Virgen entronizada de Van Eyck, con un Niño distraído en su regazo, fue copiado ampliamente y se convirtió en un estándar durante los siguientes 150 años. Existen numerosos ejemplares contemporáneos cercanos y gratuitos, el más significativo de los cuales es el Museo Real de Bellas Artes de Amberes . [33] Adriaen Isenbrandt incluyó la cabeza de van der Paele en su Misa de San Gregorio de 1550. [33]
Tanto el panel como el marco están en buenas condiciones. Que el panel conserve su marco original lo hace especialmente interesante para los historiadores del arte, además de sus cualidades estéticas. El lienzo ha sufrido poca pérdida de pintura, agrietamiento de la tabla u otros daños, y se ha limpiado varias veces desde que entró en posesión del Groeningemuseum. [54]
Referencias
Citas
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enlaces externos
Medios relacionados con Madonna con Canon van der Paele en Wikimedia Commons