El teatro o teatro [a] es una forma colaborativa de arte escénico que utiliza artistas en vivo, generalmente actores o actrices , para presentar la experiencia de un evento real o imaginario ante una audiencia en vivo en un lugar específico, a menudo un escenario. Los artistas pueden comunicar esta experiencia a la audiencia a través de combinaciones de gestos , discursos, canciones, música y danza . Los elementos del arte, como la escenografía pintada y la escenografía , como la iluminación, se utilizan para mejorar la fisicalidad, la presencia y la inmediatez de la experiencia. [1]El lugar específico de la representación también recibe el nombre de la palabra "teatro" derivada del griego antiguo θέατρον (théatron, "un lugar para ver"), en sí mismo de θεάομαι (theáomai, "ver", "mirar", " para observar").
El teatro occidental moderno proviene, en gran medida, del teatro de la antigua Grecia , del que toma prestada terminología técnica, clasificación en géneros y muchos de sus temas , personajes comunes y elementos de la trama. El artista de teatro Patrice Pavis define la teatralidad, el lenguaje teatral , la escritura escénica y la especificidad del teatro como expresiones sinónimos que diferencian al teatro de las demás artes escénicas , la literatura y las artes en general. [2] [b]
El teatro moderno incluye representaciones de obras de teatro y teatro musical . Las formas de arte del ballet y la ópera también son teatro y utilizan muchas convenciones como la actuación , el vestuario y la puesta en escena. Fueron influyentes en el desarrollo del teatro musical ; consulte esos artículos para obtener más información.
Historia del teatro
Grecia clásica y helenística
La ciudad-estado de Atenas es donde se originó el teatro occidental. [3] [4] [5] [c] Era parte de una cultura más amplia de teatralidad y actuación en la Grecia clásica que incluía festivales , rituales religiosos , política , derecho , atletismo y gimnasia, música , poesía , bodas, funerales y simposios . [6] [5] [7] [8] [d]
La participación en los numerosos festivales de la ciudad-estado, y la asistencia obligatoria a la City Dionysia como miembro de la audiencia (o incluso como participante en las producciones teatrales) en particular, fue una parte importante de la ciudadanía . [10] La participación cívica también involucró la evaluación de la retórica de los oradores evidenciada en representaciones en el tribunal de justicia o asamblea política , las cuales fueron entendidas como análogas al teatro y llegaron a absorber cada vez más su vocabulario dramático. [11] [12] Los griegos también desarrollaron los conceptos de crítica dramática y arquitectura teatral. [13] [14] [15] Los actores eran aficionados o, en el mejor de los casos, semiprofesionales. [16] El teatro de la antigua Grecia constaba de tres tipos de drama : la tragedia , la comedia y el juego de sátiros . [17]
Los orígenes del teatro en la antigua Grecia, según Aristóteles (384–322 a. C.), el primer teórico del teatro, se encuentran en los festivales que honraban a Dioniso. Las actuaciones se realizaron en auditorios semicirculares cortados en laderas, con capacidad para entre 10.000 y 20.000 personas. El escenario constaba de una pista de baile (orquesta), un camerino y un área de construcción de escenas (skene). Dado que las palabras eran la parte más importante, una buena acústica y una entrega clara eran primordiales. Los actores (siempre hombres) llevaban máscaras adecuadas a los personajes que representaban, y cada uno podía interpretar varios papeles. [18]
La tragedia ateniense, la forma de tragedia más antigua que se conserva, es un tipo de danza- drama que formó una parte importante de la cultura teatral de la ciudad-estado. [3] [4] [5] [19] [20] [e] Habiendo surgido en algún momento durante el siglo VI a. C., floreció durante el siglo V a. C. (a partir del final del cual comenzó a extenderse por todo el mundo griego), y continuó siendo popular hasta el comienzo del período helenístico . [22] [23] [4] [f]
No han sobrevivido tragedias del siglo VI a.C. y solo 32 de las más de mil que se realizaron durante el siglo V a.C. [25] [26] [g] Tenemos textos completos existentes por Esquilo , Sófocles y Eurípides . [27] [h] Los orígenes de la tragedia siguen siendo oscuros, aunque en el siglo V a. C. se institucionalizó en concursos ( agon ) que se celebraban como parte de las festividades que celebraban a Dioniso (el dios del vino y la fertilidad ). [28] [29] Como concursantes en el concurso City Dionysia (el más prestigioso de los festivales de teatro), los dramaturgos debían presentar una tetralogía de obras (aunque las obras individuales no estaban necesariamente conectadas por historia o tema), que generalmente constaba de tres tragedias y una obra de teatro de sátiros. [30] [31] [i] La representación de tragedias en la ciudad de Dionysia puede haber comenzado ya en el 534 a. C. Los registros oficiales ( didaskaliai ) comienzan en el 501 a. C., cuando se introdujo el juego del sátiro. [32] [30] [j]
La mayoría de las tragedias atenienses dramatizan eventos de la mitología griega , aunque Los persas, que escenifica la respuesta persa a la noticia de su derrota militar en la batalla de Salamina en 480 a. C., es la excepción notable en el drama sobreviviente. [30] [k] Cuando Esquilo ganó el primer premio en la Ciudad Dionisia en 472 a. C., había estado escribiendo tragedias durante más de 25 años, sin embargo, su tratamiento trágico de la historia reciente es el primer ejemplo de drama que ha sobrevivido. [30] [34] Más de 130 años más tarde, el filósofo Aristóteles analizaron tragedia ateniense del siglo quinto en el trabajo más antiguo superviviente de teoría dramática -su Poética (c. 335 BCE).
La comedia ateniense se divide convencionalmente en tres períodos, "Comedia antigua", "Comedia intermedia" y "Comedia nueva". La comedia antigua sobrevive hoy en gran parte en la forma de las once obras de teatro supervivientes de Aristófanes , mientras que la comedia media se pierde en gran medida (se conserva solo en fragmentos relativamente cortos en autores como Ateneo de Naucratis ). La Nueva Comedia se conoce principalmente por los importantes fragmentos de papiro de Menandro . Aristóteles definió la comedia como una representación de personas risibles que involucra algún tipo de pifia o fealdad que no causa dolor ni desastre. [l]
Además de las categorías de comedia y tragedia en el City Dionysia, el festival también incluyó el Satyr Play . Al encontrar sus orígenes en rituales agrícolas rurales dedicados a Dionisio, la obra del sátiro finalmente llegó a Atenas en su forma más conocida. Los propios sátiros estaban vinculados al dios Dioniso como sus leales compañeros del bosque, a menudo participando en juergas y travesuras borrachas a su lado. La obra de sátiro en sí fue clasificada como tragicomedia, y se inclinó por el lado de las tradiciones burlescas más modernas de principios del siglo XX. Las líneas argumentales de las obras de teatro estaban típicamente relacionadas con el trato del panteón de los dioses y su participación en los asuntos humanos, respaldadas por el coro de sátiros . Sin embargo, según Webster , los actores sátiros no siempre realizaban acciones típicas de los sátiros y romperían con las tradiciones de actuación asignadas al tipo de personaje de una criatura mítica del bosque. [35]
Teatro romano
El teatro occidental se desarrolló y se expandió considerablemente bajo los romanos . El historiador romano Livio escribió que los romanos experimentaron el teatro por primera vez en el siglo IV a. C., con una actuación de actores etruscos . [36] Beacham sostiene que habían estado familiarizados con las "prácticas pre-teatrales" durante algún tiempo antes de ese contacto grabado. [37] El teatro de la antigua Roma era una forma de arte próspera y diversa, que iba desde representaciones en festivales de teatro callejero , bailes desnudos y acrobacias , hasta la puesta en escena de las comedias de situación ampliamente atractivas de Plauto , pasando por el alto estilo , verbalmente elaborado tragedias de Séneca . Aunque Roma tenía una tradición escénica nativa, la helenización de la cultura romana en el siglo III a. C. tuvo un efecto profundo y vigorizante en el teatro romano y alentó el desarrollo de la literatura latina de la más alta calidad para el escenario. Las únicas obras del Imperio Romano que se conservan son diez dramas atribuidos a Lucius Annaeus Séneca (4 a. C.-65 d. C.), el filósofo estoico nacido en Corduba y tutor de Nerón. [38]
Teatro indio
Los primeros fragmentos supervivientes del drama sánscrito datan del siglo I d.C. [39] [40] La gran cantidad de evidencia arqueológica de períodos anteriores no ofrece indicios de la existencia de una tradición de teatro. [41] Los antiguos Vedas ( himnos de entre 1500 y 1000 a. C. que se encuentran entre los primeros ejemplos de literatura en el mundo) no contienen ningún indicio de ello (aunque un pequeño número está compuesto en una forma de diálogo ) y los rituales de los védicos período no parece haberse convertido en teatro. [41] El Mahābhāṣya de Patañjali contiene la referencia más antigua a lo que pudo haber sido la semilla del drama sánscrito. [42] Este tratado de gramática de 140 a. C. proporciona una fecha viable para los inicios del teatro en la India . [42]
La principal fuente de evidencia del teatro sánscrito es Un tratado sobre teatro ( Nātyaśāstra ), un compendio cuya fecha de composición es incierta (las estimaciones van desde el 200 a. C. al 200 d. C.) y cuya autoría se atribuye a Bharata Muni . El Tratado es la obra de dramaturgia más completa del mundo antiguo. Aborda la actuación , la danza , la música , la construcción dramática , la arquitectura , el vestuario , el maquillaje , la utilería , la organización de compañías, el público, los concursos y ofrece un relato mitológico del origen del teatro. [42] Al hacerlo, proporciona indicaciones sobre la naturaleza de las prácticas teatrales reales. El teatro sánscrito fue realizado en terreno sagrado por sacerdotes que habían sido entrenados en las habilidades necesarias (danza, música y recitación) en un [proceso hereditario]. Su objetivo era tanto educar como entretener.
Bajo el patrocinio de las cortes reales, los artistas pertenecían a compañías profesionales dirigidas por un director de escena ( sutradhara ), que también puede haber actuado. [39] [42] Se pensaba que esta tarea era análoga a la de un titiritero ; el significado literal de " sutradhara " es "sostener las cuerdas o hilos". [42] Los intérpretes fueron entrenados rigurosamente en técnica vocal y física. [43] No hubo prohibiciones contra las mujeres intérpretes; las empresas eran exclusivamente masculinas, exclusivamente femeninas y de género mixto. Sin embargo, se consideró que ciertos sentimientos eran inapropiados para que los hombres los manifestaran y se pensaba que se adaptaban mejor a las mujeres. Algunos artistas interpretaron personajes de su propia edad, mientras que otros interpretaron edades diferentes a las suyas (ya sean más jóvenes o mayores). De todos los elementos del teatro, el Tratado presta más atención a la actuación ( abhinaya ), que consta de dos estilos: realista ( lokadharmi ) y convencional ( natyadharmi ), aunque el enfoque principal está en el último. [43] [m]
Su drama se considera el mayor logro de la literatura sánscrita . [39] Se utilizó caracteres comunes , tales como el héroe ( nayaka ), heroína ( nayika ), o un payaso ( vidusaka ). Los actores pueden haberse especializado en un tipo particular. Kālidāsa en el siglo I a. C. se considera posiblemente el mayor dramaturgo sánscrito de la India antigua . Tres famosas obras románticas escritas por Kālidāsa son Mālavikāgnimitram ( Mālavikā y Agnimitra ), Vikramuurvashiiya ( Perteneciente a Vikrama y Urvashi ) y Abhijñānaśākuntala ( El reconocimiento de Shakuntala ). El último se inspiró en una historia del Mahabharata y es el más famoso. Fue el primero en ser traducido al inglés y al alemán . Śakuntalā (en traducción al inglés) influyó en el Fausto de Goethe (1808-1832). [39]
El siguiente gran dramaturgo indio fue Bhavabhuti (c. Siglo VII d. C.). Se dice que escribió las siguientes tres obras: Malati-Madhava , Mahaviracharita y Uttar Ramacharita . Entre estos tres, los dos últimos cubren entre ellos toda la epopeya del Ramayana . Al poderoso emperador indio Harsha (606–648) se le atribuye haber escrito tres obras: la comedia Ratnavali , Priyadarsika y el drama budista Nagananda .
Teatro chino
La dinastía Tang a veces se conoce como "La era de los 1000 entretenimientos". Durante esta era, Ming Huang formó una escuela de actuación conocida como The Pear Garden para producir una forma de drama que era principalmente musical. Por eso a los actores se les suele llamar "Hijos del jardín de las peras". Durante la dinastía de la emperatriz Ling, los títeres de sombras surgieron por primera vez como una forma reconocida de teatro en China. Había dos formas distintas de títeres de sombras, pequinés (norte) y cantonés (sur). Los dos estilos se diferenciaron por el método de fabricación de los títeres y la colocación de las varillas en los títeres , a diferencia del tipo de juego realizado por los títeres. Ambos estilos representaban por lo general obras de teatro que representaban grandes aventuras y fantasía; rara vez se utilizaba esta forma tan estilizada de teatro para la propaganda política.
Los títeres de sombras cantoneses eran los más grandes de los dos. Fueron construidos con cuero grueso que creaba sombras más sustanciales. El color simbólico también fue muy frecuente; una cara negra representaba honestidad, una roja valentía. Las varillas utilizadas para controlar los títeres cantoneses se unieron perpendicularmente a las cabezas de los títeres. Por lo tanto, la audiencia no los vio cuando se creó la sombra. Las marionetas pequinés eran más delicadas y más pequeñas. Fueron creados con cuero fino y translúcido (generalmente tomado del vientre de un burro). Fueron pintados con pinturas vibrantes, por lo que arrojaron una sombra muy colorida. Las varillas delgadas que controlaban sus movimientos estaban unidas a un collar de cuero en el cuello del títere. Las varillas corrían paralelas a los cuerpos de la marioneta y luego giraban en un ángulo de noventa grados para conectarse al cuello. Si bien estas varas eran visibles cuando se proyectaba la sombra, se colocaban fuera de la sombra de la marioneta; por tanto, no interfirieron con la apariencia de la figura. Las varillas unidas en los cuellos para facilitar el uso de múltiples cabezas con un solo cuerpo. Cuando no se usaban las cabezas, se guardaban en un libro de muselina o en una caja forrada de tela. Las cabezas siempre se retiraban por la noche. Esto estaba en consonancia con la vieja superstición de que si se dejaban intactos, los títeres cobrarían vida por la noche. Algunos titiriteros llegaron a guardar las cabezas en un libro y los cuerpos en otro, para reducir aún más la posibilidad de reanimar a los títeres. Se dice que los títeres de sombras alcanzaron su punto más alto de desarrollo artístico en el siglo XI antes de convertirse en una herramienta del gobierno.
En la dinastía Song , hubo muchas obras populares que incluían acrobacias y música. Estos se desarrollaron en la dinastía Yuan en una forma más sofisticada conocida como zaju , con una estructura de cuatro o cinco actos. El drama yuan se extendió por China y se diversificó en numerosas formas regionales, una de las más conocidas es la Ópera de Pekín, que sigue siendo popular en la actualidad.
Xiangsheng es una determinada comedia tradicional china en forma de monólogo o diálogo.
Teatro indonesio
En Indonesia , las representaciones teatrales se han convertido en una parte importante de la cultura local, las representaciones teatrales en Indonesia se han desarrollado durante cientos de años. La mayoría de las formas de teatro más antiguas de Indonesia están vinculadas directamente a las tradiciones literarias locales (orales y escritas). Los prominentes teatros de marionetas - wayang golek (teatro de marionetas de varilla de madera) del sundanés y wayang kulit (teatro de marionetas de sombras de cuero) de los javaneses y balineses - extraen gran parte de su repertorio de versiones indigenizadas del Ramayana y el Mahabharata . Estos cuentos también proporcionan material de origen para el wayang wong (teatro humano) de Java y Bali , que utiliza actores. Sin embargo, algunas representaciones de wayang golek también presentan historias musulmanas, llamadas menak . [44] [45]
Teatro posclásico en Occidente
El teatro adoptó muchas formas alternativas en Occidente entre los siglos XV y XIX, incluida la commedia dell'arte y el melodrama . La tendencia general fue alejarse del drama poético de los griegos y el Renacimiento y hacia un estilo de diálogo en prosa más naturalista, especialmente después de la Revolución Industrial . [46]
El teatro hizo una gran pausa durante 1642 y 1660 en Inglaterra debido al Interregno Puritano . Viendo el teatro como algo pecaminoso, los puritanos ordenaron el cierre de los teatros de Londres en 1642 . [48] Este período de estancamiento terminó cuando Carlos II regresó al trono en 1660 en la Restauración . El teatro (entre otras artes) explotó, con influencia de la cultura francesa, ya que Carlos había sido exiliado en Francia en los años previos a su reinado.
En 1660, dos compañías obtuvieron la licencia para actuar, Duke's Company y King's Company . Las actuaciones se llevaron a cabo en edificios convertidos, como la cancha de tenis de Lisle . El primer teatro del West End , conocido como Theatre Royal en Covent Garden , Londres, fue diseñado por Thomas Killigrew y construido en el sitio del actual Theatre Royal, Drury Lane . [47]
Uno de los grandes cambios fue el nuevo teatro. En lugar del tipo de la era isabelina, como el Globe Theatre , redondo sin lugar para que los actores se preparen realmente para el próximo acto y sin "modales teatrales", el teatro se transformó en un lugar de refinamiento, con un escenario al frente y asientos del estadio frente a él. Dado que los asientos ya no estaban alrededor del escenario, se convirtió en una prioridad: algunos asientos eran obviamente mejores que otros. El rey tendría el mejor asiento de la casa: el centro del teatro, que tenía la vista más amplia del escenario, así como la mejor manera de ver el punto de vista y el punto de fuga alrededor del cual se construyó el escenario. Philippe Jacques de Loutherbourg fue uno de los escenógrafos más influyentes de la época debido a su uso del suelo y la escenografía.
Debido a la agitación antes de este momento, todavía había cierta controversia sobre lo que debería y no debería ponerse en el escenario. Jeremy Collier , un predicador, fue uno de los protagonistas de este movimiento a través de su pieza A Short View of the Immorality and Blasfeness of the English Stage . Las creencias en este documento fueron sostenidas principalmente por personas que no asistieron al teatro y el resto de los puritanos y muy religiosos de la época. La pregunta principal era si ver algo inmoral en el escenario afecta el comportamiento en la vida de quienes lo ven, una controversia que aún se mantiene en la actualidad. [49]
El siglo XVII también había introducido a las mujeres en el escenario, lo que antes se consideró inapropiado. Estas mujeres eran consideradas celebridades (también un concepto más nuevo, gracias a las ideas sobre el individualismo que surgieron a raíz del humanismo renacentista ), pero por otro lado, todavía era muy nuevo y revolucionario que estuvieran en el escenario, y algunos decían no eran parecidos a una dama y los miraban desde arriba. A Carlos II no le gustaba que los hombres jóvenes interpretaran el papel de las mujeres jóvenes, por lo que pidió que las mujeres interpretaran sus propios papeles. [50] Debido a que se permitía que las mujeres subieran al escenario, los dramaturgos tenían más margen de maniobra con los giros de la trama, como las mujeres que se vestían como hombres y tenían escapes estrechos de situaciones moralmente difíciles como formas de comedia.
Las comedias estaban llenas de gente joven y estaban muy de moda, y la historia seguía sus vidas amorosas: comúnmente un joven héroe pícaro que profesaba su amor a la heroína casta y de mente libre cerca del final de la obra, muy parecido a La escuela del escándalo de Sheridan . Muchas de las comedias se crearon según la tradición francesa, principalmente Molière, y se remontan una vez más a la influencia francesa traída por el rey y la realeza después de su exilio. Molière fue uno de los mejores dramaturgos de la época, revolucionando la forma en que se escribía y representaba la comedia al combinar la commedia dell'arte italiana y la comedia francesa neoclásica para crear algunas de las comedias satíricas más duraderas e influyentes. [51] Las tragedias resultaron igualmente victoriosas en su sentido de enderezar el poder político, especialmente conmovedor debido a la reciente Restauración de la Corona. [52] También eran imitaciones de la tragedia francesa, aunque los franceses tenían una mayor distinción entre comedia y tragedia, mientras que los ingleses modificaban las líneas de vez en cuando y ponían algunas partes cómicas en sus tragedias. Las formas comunes de las obras de teatro no cómicas eran las comedias sentimentales y algo que luego se llamaría tragédie bourgeoise o tragedia doméstica , es decir, la tragedia de la vida común, fueron más populares en Inglaterra porque apelaron más a las sensibilidades inglesas. [53]
Si bien las compañías de teatro solían viajar anteriormente, la idea del teatro nacional ganó apoyo en el siglo XVIII, inspirada por Ludvig Holberg . El principal impulsor de la idea del teatro nacional en Alemania, y también de los poetas Sturm und Drang , fue Abel Seyler , propietario de la Hamburgische Entreprise y de la Seyler Theatre Company . [54]
A lo largo del siglo XIX , las formas teatrales populares del romanticismo , el melodrama , el burlesque victoriano y las obras bien hechas de Scribe y Sardou dieron paso a las obras problemáticas del naturalismo y el realismo ; las farsas de Feydeau ; Gesamtkunstwerk operística de Wagner ; teatro musical (incluidas las óperas de Gilbert y Sullivan ); Las comedias de salón de FC Burnand , WS Gilbert y Oscar Wilde ; Simbolismo ; proto- expresionismo a finales de obras de August Strindberg y Henrik Ibsen ; [56] y comedia musical eduardiana .
Estas tendencias continuaron a lo largo del siglo XX en el realismo de Stanislavski y Lee Strasberg , el teatro político de Erwin Piscator y Bertolt Brecht , el llamado Teatro del Absurdo de Samuel Beckett y Eugène Ionesco , musicales estadounidenses y británicos, las creaciones colectivas de compañías de actores y directores como el Theatre Workshop de Joan Littlewood , el teatro experimental y posmoderno de Robert Wilson y Robert Lepage , el teatro poscolonial de August Wilson o Tomson Highway , y el Teatro del oprimido de Augusto Boal .
Tradiciones teatrales orientales
La primera forma de teatro indio fue el teatro sánscrito . [57] Comenzó después del desarrollo del teatro griego y romano y antes del desarrollo del teatro en otras partes de Asia. [57] Surgió en algún momento entre el siglo II a. C. y el siglo I d. C. y floreció entre el siglo I d. C. y el 10, que fue un período de relativa paz en la historia de la India durante el cual se escribieron cientos de obras de teatro. [58] [41] Las formas japonesas de Kabuki , Nō y Kyōgen se desarrollaron en el siglo XVII EC. [59] El teatro en el mundo islámico medieval incluía el teatro de marionetas (que incluía títeres de mano, obras de teatro de sombras y producciones de marionetas ) y obras de teatro de pasión en vivo conocidas como ta'ziya , donde los actores recrean episodios de la historia musulmana . En particular, las obras de teatro islámicas chiítas giraban en torno al shaheed (martirio) de los hijos de Ali , Hasan ibn Ali y Husayn ibn Ali . Las obras seculares se conocían como akhraja , registradas en la literatura adab medieval , aunque eran menos comunes que los títeres y el teatro ta'ziya . [60]
Tipos
Drama
El drama es el modo específico de ficción representado en la interpretación . [61] El término proviene de una palabra griega que significa " acción ", que se deriva del verbo δράω, dráō , "hacer" o "actuar". La puesta en escena del drama en el teatro, interpretada por actores en un escenario ante una audiencia , presupone modos de producción colaborativos y una forma colectiva de recepción. La estructura de los textos dramáticos , a diferencia de otras formas de literatura , está directamente influenciada por esta producción colaborativa y recepción colectiva. [62] La temprana tragedia moderna Hamlet (1601) de Shakespeare y la clásica tragedia ateniense Edipo Rey (c. 429 a. C.) de Sófocles se encuentran entre las obras maestras del arte del drama. [63] Un ejemplo moderno es Long Day's Journey into Night de Eugene O'Neill (1956). [64]
Considerado como un género de la poesía en general, el modo dramático ha sido contrastada con la épica de los y líricos modos Desde que Aristóteles 's Poética (c. 335 aC), el primer trabajo de la teoría dramática . [n] El uso de "drama" en el sentido estricto para designar un tipo específico de juego data del siglo XIX . En este sentido, drama se refiere a una obra que no es ni comedia ni tragedia, por ejemplo, Thérèse Raquin de Zola (1873) o Ivanov de Chejov (1887). En la antigua Grecia, sin embargo, la palabra drama abarcaba todas las obras de teatro, trágicas, cómicas o cualquier cosa intermedia.
El drama a menudo se combina con música y danza : el drama de la ópera generalmente se canta de principio a fin; los musicales generalmente incluyen tanto diálogos hablados como canciones ; y algunas formas de drama tienen música incidental o acompañamiento musical que subraya el diálogo ( melodrama y Nō japonés , por ejemplo). [o] En ciertos períodos de la historia (el romano antiguo y el romántico moderno ) algunos dramas se han escrito para ser leídos en lugar de representados. [p] En la improvisación , el drama no preexiste al momento de la representación; los artistas intérpretes o ejecutantes idean un guión dramático de forma espontánea ante una audiencia. [q]
Teatro musical
La música y el teatro han tenido una estrecha relación desde la antigüedad: la tragedia ateniense , por ejemplo, era una forma de danza , drama que empleaba un coro cuyas partes se cantaban (con el acompañamiento de un aulos, un instrumento comparable al clarinete moderno ), al igual que algunas de las respuestas de los actores y sus "canciones en solitario" ( monodías ). [65] El teatro musical moderno es una forma de teatro que también combina música, diálogo hablado y danza. Surgió de la ópera cómica (especialmente Gilbert y Sullivan ), la variedad , el vodevil y los géneros de music hall de finales del siglo XIX y principios del XX . [66] Después de la comedia musical eduardiana que comenzó en la década de 1890, los musicales de Princess Theatre de principios del siglo XX y las comedias de las décadas de 1920 y 1930 (como las obras de Rodgers y Hammerstein ), ¡con Oklahoma! (1943), los musicales se movieron en una dirección más dramática. [r] Los musicales famosos de las décadas siguientes incluyen My Fair Lady (1956), West Side Story (1957), The Fantasticks (1960), Hair (1967), A Chorus Line (1975), Les Misérables (1980), Cats ( 1981), Into the Woods (1986) y The Phantom of the Opera (1986), [67] así como éxitos más contemporáneos como Rent (1994), The Lion King (1997), Wicked (2003) y Hamilton ( 2015).
El teatro musical puede producirse en una escala íntima fuera de Broadway , en teatros regionales y en otros lugares, pero a menudo incluye espectáculo. Por ejemplo, los musicales de Broadway y West End a menudo incluyen lujosos disfraces y decorados respaldados por presupuestos multimillonarios.
Comedia
Las producciones teatrales que utilizan el humor como vehículo para contar una historia se califican como comedias. Esto puede incluir una farsa moderna como Boeing Boeing o una obra clásica como As You Like It . El teatro que expresa un tema sombrío, controvertido o tabú de una manera deliberadamente humorística se conoce como comedia negra . La comedia negra puede tener varios géneros como el humor slapstick, la comedia oscura y sarcástica.
Tragedia
La tragedia, entonces, es una imitación de una acción que es seria, completa y de cierta magnitud: en un lenguaje embellecido con cada tipo de adorno artístico, los diversos tipos se encuentran en partes separadas de la obra; en forma de acción, no de narrativa; a través de la piedad y el miedo efectuando la debida purga de estas emociones.
- Aristóteles , Poética [68]
La frase de Aristóteles "se encuentran varios tipos en partes separadas de la obra" es una referencia a los orígenes estructurales del drama. En él, las partes habladas se escribieron en el dialecto ático, mientras que las corales (recitadas o cantadas) en el dialecto dórico , estas discrepancias reflejan los diferentes orígenes religiosos y metros poéticos de las partes que se fusionaron en una nueva entidad, el drama teatral .
La tragedia se refiere a una específica tradición de teatro que ha jugado un papel único e importante históricamente en la autodefinición de la civilización occidental . [69] [70] Esa tradición ha sido múltiple y discontinua, sin embargo, el término se ha utilizado a menudo para invocar un efecto poderoso de identidad cultural y continuidad histórica: "los griegos y los isabelinos , en una forma cultural; helenos y cristianos , en una actividad común ", como dice Raymond Williams . [71] Desde sus oscuros orígenes en los teatros de Atenas hace 2.500 años, de los que sólo sobrevive una fracción de la obra de Esquilo , Sófocles y Eurípides , a través de sus singulares articulaciones en las obras de Shakespeare , Lope de Vega , Racine y Schiller , hasta la tragedia naturalista más reciente de Strindberg , las meditaciones modernistas de Beckett sobre la muerte, la pérdida y el sufrimiento, y las reelaboraciones posmodernistas de Müller del canon trágico, la tragedia sigue siendo un lugar importante de experimentación cultural, negociación, lucha y cambio. [72] [73] A raíz de la Poética de Aristóteles (335 a. C.), la tragedia se ha utilizado para hacer distinciones de género , ya sea en la escala de la poesía en general (donde lo trágico se divide contra la épica y la lírica ) o en la escala de la drama (donde la tragedia se opone a la comedia ). En la era moderna , la tragedia también se ha definido frente al drama, el melodrama , lo tragicómico y el teatro épico . [s]
Improvisación
La improvisación ha sido una característica constante del teatro, y la Commedia dell'arte en el siglo XVI fue reconocida como la primera forma de improvisación. Popularizado por el premio Nobel Dario Fo y compañías como la Upright Citizens Brigade, el teatro de improvisación continúa evolucionando con muchas corrientes y filosofías diferentes. Keith Johnstone y Viola Spolin son reconocidos como los primeros maestros de improvisación en los tiempos modernos, con Johnstone explorando la improvisación como una alternativa al teatro con guiones y Spolin y sus sucesores explorando la improvisación principalmente como una herramienta para desarrollar el trabajo dramático o habilidades o como una forma de situaciones situacionales. comedia. Spolin también se interesó en cómo el proceso de aprendizaje de la improvisación era aplicable al desarrollo del potencial humano. [74] El hijo de Spolin, Paul Sills, popularizó el teatro de improvisación como una forma de arte teatral cuando fundó, como su primer director, The Second City en Chicago.
Teorías
Having been an important part of human culture for more than 2,500 years, theatre has evolved a wide range of different theories and practices. Some are related to political or spiritual ideologies, while others are based purely on "artistic" concerns. Some processes focus on a story, some on theatre as event, and some on theatre as catalyst for social change. The classical Greek philosopher Aristotle, in his seminal treatise, Poetics (c. 335 BCE) is the earliest-surviving example and its arguments have influenced theories of theatre ever since.[13][14] In it, he offers an account of what he calls "poetry" (a term which in Greek literally means "making" and in this context includes drama—comedy, tragedy, and the satyr play—as well as lyric poetry, epic poetry, and the dithyramb). He examines its "first principles" and identifies its genres and basic elements; his analysis of tragedy constitutes the core of the discussion.[75]
Aristotle argues that tragedy consists of six qualitative parts, which are (in order of importance) mythos or "plot", ethos or "character", dianoia or "thought", lexis or "diction", melos or "song", and opsis or "spectacle".[76][77] "Although Aristotle's Poetics is universally acknowledged in the Western critical tradition", Marvin Carlson explains, "almost every detail about his seminal work has aroused divergent opinions."[78] Important theatre practitioners of the 20th century include Konstantin Stanislavski, Vsevolod Meyerhold, Jacques Copeau, Edward Gordon Craig, Bertolt Brecht, Antonin Artaud, Joan Littlewood, Peter Brook, Jerzy Grotowski, Augusto Boal, Eugenio Barba, Dario Fo, Viola Spolin, Keith Johnstone and Robert Wilson (director).
Stanislavski treated the theatre as an art-form that is autonomous from literature and one in which the playwright's contribution should be respected as that of only one of an ensemble of creative artists.[79][80][81][82][t] His innovative contribution to modern acting theory has remained at the core of mainstream western performance training for much of the last century.[83][84][85][86][87] That many of the precepts of his system of actor training seem to be common sense and self-evident testifies to its hegemonic success.[88] Actors frequently employ his basic concepts without knowing they do so.[88] Thanks to its promotion and elaboration by acting teachers who were former students and the many translations of his theoretical writings, Stanislavski's 'system' acquired an unprecedented ability to cross cultural boundaries and developed an international reach, dominating debates about acting in Europe and the United States.[83][89][90][91] Many actors routinely equate his 'system' with the North American Method, although the latter's exclusively psychological techniques contrast sharply with Stanislavski's multivariant, holistic and psychophysical approach, which explores character and action both from the 'inside out' and the 'outside in' and treats the actor's mind and body as parts of a continuum.[92][93]
Aspectos técnicos
Theatre presupposes collaborative modes of production and a collective form of reception. The structure of dramatic texts, unlike other forms of literature, is directly influenced by this collaborative production and collective reception.[62] The production of plays usually involves contributions from a playwright, director, a cast of actors, and a technical production team that includes a scenic or set designer, lighting designer, costume designer, sound designer, stage manager, production manager and technical director. Depending on the production, this team may also include a composer, dramaturg, video designer or fight director.
Stagecraft is a generic term referring to the technical aspects of theatrical, film, and video production. It includes, but is not limited to, constructing and rigging scenery, hanging and focusing of lighting, design and procurement of costumes, makeup, procurement of props, stage management, and recording and mixing of sound. Stagecraft is distinct from the wider umbrella term of scenography. Considered a technical rather than an artistic field, it relates primarily to the practical implementation of a designer's artistic vision.
In its most basic form, stagecraft is managed by a single person (often the stage manager of a smaller production) who arranges all scenery, costumes, lighting, and sound, and organizes the cast. At a more professional level, for example in modern Broadway houses, stagecraft is managed by hundreds of skilled carpenters, painters, electricians, stagehands, stitchers, wigmakers, and the like. This modern form of stagecraft is highly technical and specialized: it comprises many sub-disciplines and a vast trove of history and tradition. The majority of stagecraft lies between these two extremes. Regional theatres and larger community theatres will generally have a technical director and a complement of designers, each of whom has a direct hand in their respective designs.
Subcategorías y organización
There are many modern theatre movements which go about producing theatre in a variety of ways. Theatrical enterprises vary enormously in sophistication and purpose. People who are involved vary from novices and hobbyists (in community theatre) to professionals (in Broadway and similar productions). Theatre can be performed with a shoestring budget or on a grand scale with multimillion-dollar budgets. This diversity manifests in the abundance of theatre sub-categories, which include:
- Broadway theatre and West End theatre
- Street theatre
- Community theatre
- Playback theatre
- Dinner theater
- Fringe theatre
- Off-Broadway and Off West End
- Off-Off-Broadway
- Regional theatre in the United States
- Touring theatre
- Summer stock theatre
Repertory companies
While most modern theatre companies rehearse one piece of theatre at a time, perform that piece for a set "run", retire the piece, and begin rehearsing a new show, repertory companies rehearse multiple shows at one time. These companies are able to perform these various pieces upon request and often perform works for years before retiring them. Most dance companies operate on this repertory system. The Royal National Theatre in London performs on a repertory system.
Repertory theatre generally involves a group of similarly accomplished actors, and relies more on the reputation of the group than on an individual star actor. It also typically relies less on strict control by a director and less on adherence to theatrical conventions, since actors who have worked together in multiple productions can respond to each other without relying as much on convention or external direction.[94]
Producing vs. presenting
In order to put on a piece of theatre, both a theatre company and a theatre venue are needed. When a theatre company is the sole company in residence at a theatre venue, this theatre (and its corresponding theatre company) are called a resident theatre or a producing theatre, because the venue produces its own work. Other theatre companies, as well as dance companies, who do not have their own theatre venue, perform at rental theatres or at presenting theatres. Both rental and presenting theatres have no full-time resident companies. They do, however, sometimes have one or more part-time resident companies, in addition to other independent partner companies who arrange to use the space when available. A rental theatre allows the independent companies to seek out the space, while a presenting theatre seeks out the independent companies to support their work by presenting them on their stage.
Some performance groups perform in non-theatrical spaces. Such performances can take place outside or inside, in a non-traditional performance space, and include street theatre, and site-specific theatre. Non-traditional venues can be used to create more immersive or meaningful environments for audiences. They can sometimes be modified more heavily than traditional theatre venues, or can accommodate different kinds of equipment, lighting and sets.[95]
A touring company is an independent theatre or dance company that travels, often internationally, being presented at a different theatre in each city.
Unions
There are many theatre unions including: Actors' Equity Association (for actors and stage managers), the Stage Directors and Choreographers Society (SDC), and the International Alliance of Theatrical Stage Employees (IATSE, for designers and technicians). Many theatres require that their staff be members of these organizations.
Ver también
- Acting
- Antitheatricality
- Black light theatre
- Culinary theatre
- Illusionistic tradition
- List of awards in theatre
- List of playwrights
- List of theatre personnel
- List of theatre festivals
- List of theatre directors
- Lists of theatres
- Performance art
- Puppetry
- Reader's theatre
- Site-specific theatre
- Theatre consultant
- Theatre for development
- Theater (structure)
- Theatre technique
- Theatrical style
- World Theatre Day
Notas explicatorias
- ^ Originally spelled theatre and teatre. From around 1550 to 1700 or later, the most common spelling was theater. Between 1720 and 1750, theater was dropped in British English, but was either retained or revived in American English (Oxford English Dictionary, 2nd edition, 2009, CD-ROM: ISBN 978-0-19-956383-8). Recent dictionaries of American English list theatre as a less common variant, e.g., Random House Webster's College Dictionary (1991); The American Heritage Dictionary of the English Language, 4th edition (2006); New Oxford American Dictionary, third edition (2010); Merriam-Webster Dictionary (2011).
- ^ Drawing on the "semiotics" of Charles Sanders Peirce, Pavis goes on to suggest that "the specificity of theatrical signs may lie in their ability to use the three possible functions of signs: as icon (mimetically), as index (in the situation of enunciation), or as symbol (as a semiological system in the fictional mode). In effect, theatre makes the sources of the words visual and concrete: it indicates and incarnates a fictional world by means of signs, such that by the end of the process of signification and symbolization the spectator has reconstructed a theoretical and aesthetic model that accounts for the dramatic universe."[2]
- ^ Brown writes that ancient Greek drama "was essentially the creation of classical Athens: all the dramatists who were later regarded as classics were active at Athens in the 5th and 4th centuries BCE (the time of the Athenian democracy), and all the surviving plays date from this period".[3] "The dominant culture of Athens in the fifth century", Goldhill writes, "can be said to have invented theatre".[5]
- ^ Goldhill argues that although activities that form "an integral part of the exercise of citizenship" (such as when "the Athenian citizen speaks in the Assembly, exercises in the gymnasium, sings at the symposium, or courts a boy") each have their "own regime of display and regulation," nevertheless the term "performance" provides "a useful heuristic category to explore the connections and overlaps between these different areas of activity".[9]
- ^ Taxidou notes that "most scholars now call 'Greek' tragedy 'Athenian' tragedy, which is historically correct".[21]
- ^ Cartledge writes that although Athenians of the 4th century judged Aeschylus, Sophocles, and Euripides "as the nonpareils of the genre, and regularly honoured their plays with revivals, tragedy itself was not merely a 5th-century phenomenon, the product of a short-lived golden age. If not attaining the quality and stature of the fifth-century 'classics', original tragedies nonetheless continued to be written and produced and competed with in large numbers throughout the remaining life of the democracy—and beyond it".[24]
- ^ We have seven by Aeschylus, seven by Sophocles, and eighteen by Euripides. In addition, we also have the Cyclops, a satyr play by Euripides. Some critics since the 17th century have argued that one of the tragedies that the classical tradition gives as Euripides'—Rhesus—is a 4th-century play by an unknown author; modern scholarship agrees with the classical authorities and ascribes the play to Euripides; see Walton (1997, viii, xix). (This uncertainty accounts for Brockett and Hildy's figure of 31 tragedies.)
- ^ The theory that Prometheus Bound was not written by Aeschylus adds a fourth, anonymous playwright to those whose work survives.
- ^ Exceptions to this pattern were made, as with Euripides' Alcestis in 438 BCE. There were also separate competitions at the City Dionysia for the performance of dithyrambs and, after 488–7 BCE, comedies.
- ^ Rush Rehm offers the following argument as evidence that tragedy was not institutionalised until 501 BCE: "The specific cult honoured at the City Dionysia was that of Dionysus Eleuthereus, the god 'having to do with Eleutherae', a town on the border between Boeotia and Attica that had a sanctuary to Dionysus. At some point Athens annexed Eleutherae—most likely after the overthrow of the Peisistratid tyranny in 510 and the democratic reforms of Cleisthenes in 508–07 BCE—and the cult-image of Dionysus Eleuthereus was moved to its new home. Athenians re-enacted the incorporation of the god's cult every year in a preliminary rite to the City Dionysia. On the day before the festival proper, the cult-statue was removed from the temple near the theatre of Dionysus and taken to a temple on the road to Eleutherae. That evening, after sacrifice and hymns, a torchlight procession carried the statue back to the temple, a symbolic re-creation of the god's arrival into Athens, as well as a reminder of the inclusion of the Boeotian town into Attica. As the name Eleutherae is extremely close to eleutheria, 'freedom', Athenians probably felt that the new cult was particularly appropriate for celebrating their own political liberation and democratic reforms."[33]
- ^ Jean-Pierre Vernant argues that in The Persians Aeschylus substitutes for the usual temporal distance between the audience and the age of heroes a spatial distance between the Western audience and the Eastern Persian culture. This substitution, he suggests, produces a similar effect: "The 'historic' events evoked by the chorus, recounted by the messenger and interpreted by Darius' ghost are presented on stage in a legendary atmosphere. The light that the tragedy sheds upon them is not that in which the political happenings of the day are normally seen; it reaches the Athenian theatre refracted from a distant world of elsewhere, making what is absent seem present and visible on the stage"; Vernant and Vidal-Naquet (1988, 245).
- ^ Aristotle, Poetics, line 1449a: "Comedy, as we have said, is a representation of inferior people, not indeed in the full sense of the word bad, but the laughable is a species of the base or ugly. It consists in some blunder or ugliness that does not cause pain or disaster, an obvious example being the comic mask which is ugly and distorted but not painful'."
- ^ The literal meaning of abhinaya is "to carry forwards".
- ^ Francis Fergusson writes that "a drama, as distinguished from a lyric, is not primarily a composition in the verbal medium; the words result, as one might put it, from the underlying structure of incident and character. As Aristotle remarks, 'the poet, or "maker" should be the maker of plots rather than of verses; since he is a poet because he imiates, and what he imitates are actions'" (1949, 8).
- ^ See the entries for "opera", "musical theatre, American", "melodrama" and "Nō" in Banham 1998
- ^ While there is some dispute among theatre historians, it is probable that the plays by the Roman Seneca were not intended to be performed. Manfred by Byron is a good example of a "dramatic poem." See the entries on "Seneca" and "Byron (George George)" in Banham 1998.
- ^ Some forms of improvisation, notably the Commedia dell'arte, improvise on the basis of 'lazzi' or rough outlines of scenic action (see Gordon 1983 and Duchartre 1966). All forms of improvisation take their cue from their immediate response to one another, their characters' situations (which are sometimes established in advance), and, often, their interaction with the audience. The classic formulations of improvisation in the theatre originated with Joan Littlewood and Keith Johnstone in the UK and Viola Spolin in the US; see Johnstone 2007 and Spolin 1999.
- ^ The first "Edwardian musical comedy" is usually considered to be In Town (1892), even though it was produced eight years before the beginning of the Edwardian era; see, for example, Fraser Charlton, "What are EdMusComs?" (FrasrWeb 2007, accessed May 12, 2011).
- ^ See Carlson 1993, Pfister 2000, Elam 1980, and Taxidou 2004. Drama, in the narrow sense, cuts across the traditional division between comedy and tragedy in an anti- or a-generic deterritorialization from the mid-19th century onwards. Both Bertolt Brecht and Augusto Boal define their epic theatre projects (Non-Aristotelian drama and Theatre of the Oppressed respectively) against models of tragedy. Taxidou, however, reads epic theatre as an incorporation of tragic functions and its treatments of mourning and speculation.[73]
- ^ In 1902, Stanislavski wrote that "the author writes on paper. The actor writes with his body on the stage" and that the "score of an opera is not the opera itself and the script of a play is not drama until both are made flesh and blood on stage"; quoted by Benedetti (1999a, 124).
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enlaces externos
- Theatre Archive Project (UK) British Library & University of Sheffield.
- University of Bristol Theatre Collection
- Music Hall and Theatre History of Britain and Ireland