Robert Bernard Altman ( / ɔː l t m ə n / ; 2 20, 1925 hasta 11 20, 2006 ) fue un director de cine, guionista, y productor. Altman es conocido como cinco veces nominado al Premio de la Academia al Mejor Director y una figura perdurable de la era del Nuevo Hollywood , comparable a directores como Martin Scorsese , Woody Allen , Sidney Lumet y David Lynch . Altman era considerado un "inconformista" en la realización de películas.con una estética muy naturalista pero estilizada y satírica, a diferencia de la mayoría de las películas de Hollywood. Constantemente está clasificado como uno de los cineastas más grandes e influyentes del cine estadounidense.
Robert Altman | |
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Nació | Robert Bernard Altman 20 de febrero de 1925 Kansas City, Misuri , EE. UU. |
Fallecido | 20 de noviembre de 2006 Los Ángeles , California , EE. UU. | (81 años)
Ocupación | Cineasta |
Años activos | 1947-2006 |
Conocido por | M * A * S * H (1970) McCabe y la Sra. Miller (1971) El largo adiós (1973) Nashville (1975) Tres mujeres (1977) El honor secreto (1984) El jugador (1992) Atajos (1993) Gosford Park (2001) |
Esposos) | LaVonne Elmer ( m. 1946 – 1951) Lotus Corelli ( m. 1954 – 1957) |
Niños | 6 |
Su estilo cinematográfico cubría muchos géneros, pero por lo general con un giro " subversivo " que típicamente se basaba en la sátira y el humor para expresar sus puntos de vista personales. Altman se ganó la reputación de ser "anti-Hollywood" e inconformista tanto en sus temas como en su estilo de dirección. Sin embargo, los actores disfrutaron especialmente trabajando bajo su dirección porque los animó a improvisar, inspirando así su propia creatividad.
Prefería grandes elencos para sus películas y desarrolló una técnica de grabación multipista que producía diálogos superpuestos de múltiples actores. Esto produjo una experiencia más natural, dinámica y compleja para el espectador. También utilizó el trabajo de cámara altamente móvil y lentes de zoom para mejorar la actividad que tiene lugar en la pantalla. La crítica Pauline Kael , escribiendo sobre su estilo de dirección, dijo que Altman podía "hacer fuegos artificiales cinematográficos con casi nada". [1] Los logros como director más famosos de Altman incluyen M * A * S * H (1970), McCabe & Mrs. Miller (1971), The Long Goodbye (1973), Nashville (1975), 3 Women (1977), The Player ( 1992), Short Cuts (1993) y Gosford Park (2001).
En 2006, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas reconoció el trabajo de Altman con un Premio Honorífico de la Academia . Nunca ganó un Oscar competitivo a pesar de siete nominaciones. Sus películas M * A * S * H , McCabe & Mrs. Miller y Nashville han sido seleccionadas para el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos . Altman es uno de los tres cineastas cuyas películas han ganado el Oso de Oro en Berlín , el León de Oro en Venecia y la Palma de Oro en Cannes (los otros dos son Henri-Georges Clouzot y Michelangelo Antonioni ).
Vida temprana
Altman nació el 20 de febrero de 1925 en Kansas City, Missouri , hijo de Helen (de soltera Matthews), descendiente de Mayflower de Nebraska , y Bernard Clement Altman, un rico vendedor de seguros y jugador aficionado, que provenía de una clase alta. familia. La ascendencia de Altman era alemana, inglesa e irlandesa; [2] [3] su abuelo paterno, Frank Altman, Sr., cambió la ortografía del apellido de "Altmann" a "Altman". [3] Altman tuvo una educación católica, [4] pero no continuó siguiendo o practicando la religión como adulto, [5] aunque se le ha referido como "una especie de católico" y un director católico. [4] [6] Fue educado en escuelas jesuitas , incluida Rockhurst High School , en Kansas City. [7] Se graduó de la Academia Militar Wentworth en Lexington, Missouri en 1943.
En 1943, Altman se unió a las Fuerzas Aéreas del Ejército de los Estados Unidos a la edad de 18 años. Durante la Segunda Guerra Mundial , Altman voló más de 50 misiones de bombardeo como tripulante en un B-24 Liberator con el 307th Bomb Group en Borneo y las Indias Orientales Holandesas. . [8]
Tras su baja en 1946, Altman se mudó a California. Trabajaba en publicidad para una empresa que había inventado una máquina de tatuar para identificar perros. Entró en el cine por capricho, vendiendo un guión a RKO para la película de 1948 Bodyguard , que coescribió con George W. George. El éxito inmediato de Altman lo alentó a mudarse a la ciudad de Nueva York , donde intentó forjar una carrera como escritor. Habiendo tenido poco éxito, regresó a Kansas City en 1949; donde aceptó un trabajo como director y guionista de películas industriales para Calvin Company . Altman dirigió unas 65 películas industriales y documentales para Calvin Company. A través de sus primeros trabajos en películas industriales, Altman experimentó con la técnica narrativa y desarrolló su característico uso del diálogo superpuesto. En febrero de 2012, el cineasta Gary Huggins encontró una de las primeras películas de Calvin dirigida por Altman, Modern Football (1951). [9] [10]
Carrera profesional
1950
Las primeras incursiones de Altman en la dirección de televisión fueron en la serie dramática Pulse of the City de DuMont (1953-1954) y en un episodio de la serie del oeste de 1956 The Sheriff of Cochise . En 1956, un empresario local lo contrató para escribir y dirigir un largometraje en Kansas City sobre la delincuencia juvenil . La película, titulada The Delinquents , hecha por $ 60,000, fue comprada por United Artists por $ 150,000 y lanzada en 1957. Aunque primitiva, esta película de explotación adolescente contenía los cimientos del trabajo posterior de Altman en su uso del diálogo natural y casual. Con su éxito, Altman se mudó de Kansas City a California por última vez. Codirigió The James Dean Story (1957), un documental que llegó a los cines para capitalizar la reciente muerte del actor y comercializarlo entre sus seguidores de culto emergentes. Ambos trabajos llamaron la atención de Alfred Hitchcock, quien contrató a Altman como director de su serie de antología de CBS Alfred Hitchcock Presents . Después de solo dos episodios, Altman renunció debido a diferencias con un productor, pero esta exposición le permitió forjar una exitosa carrera televisiva. Durante la siguiente década, Altman trabajó prolíficamente en televisión (y casi exclusivamente en series dramáticas) dirigiendo múltiples episodios de Whirlybirds , The Millionaire , US Marshal , The Troubleshooters , The Roaring 20s , Bonanza , Bus Stop , Kraft Mystery Theatre , Combat! , así como episodios individuales de varias otras series notables como Hawaiian Eye , Maverick (el episodio de la cuarta temporada "Bolt From the Blue" también escrito por Altman y protagonizado por Roger Moore ), Lawman , Surfside 6 , Peter Gunn y Route 66 .
1960
En la década de 1960, Altman se estableció como director de televisión debido a su capacidad para trabajar de manera rápida y eficiente con un presupuesto limitado. Aunque fue despedido con frecuencia de proyectos de televisión por negarse a cumplir con los mandatos de la red, Altman siempre pudo conseguir nuevas asignaciones. En 1964, los productores decidieron expandir "Once Upon a Savage Night", uno de sus episodios de Kraft Suspense Theatre , para su lanzamiento como película para televisión bajo el título Nightmare in Chicago .
Dos años más tarde, Altman fue contratado para dirigir la función de viajes espaciales de bajo presupuesto Countdown , pero fue despedido pocos días después de la conclusión del proyecto porque se había negado a editar la película a una duración manejable. No dirigió otra película hasta Ese frío día en el parque (1969), que fue un desastre de crítica y taquilla.
Durante la década, Altman comenzó a expresar subtextos políticos dentro de sus obras. En particular, expresó sentimientos contra la guerra con respecto a la Guerra de Vietnam . Debido a esto, la carrera de Altman sufriría un poco al ser asociado con el movimiento contra la guerra .
1970
En 1969, a Altman se le ofreció el guión de MASH , una adaptación de una novela poco conocida de la Guerra de Corea que satirizaba la vida en las fuerzas armadas; más de una docena de cineastas más lo habían dejado atrás. Altman había dudado en tomar la producción, y el rodaje fue tan tumultuoso que Elliott Gould y Donald Sutherland intentaron que Altman fuera despedido por sus métodos de filmación poco ortodoxos. Sin embargo, MASH fue ampliamente aclamado como un clásico inmediato en su lanzamiento en 1970. Ganó la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes de 1970 y obtuvo cinco nominaciones al Oscar. Fue la película más taquillera de Altman, estrenada durante una época de creciente sentimiento antibélico en los Estados Unidos. El Archivo de Cine de la Academia conservó MASH en 2000. [11]
Ahora reconocido como un gran talento, Altman logró éxitos de crítica con McCabe & Mrs. Miller (1971), un western revisionista en el que las mordaces canciones de Leonard Cohen subrayan una cruda visión de la frontera estadounidense; The Long Goodbye (1973), una controvertida adaptación de la novela de Raymond Chandler (con guión de Leigh Brackett ) ahora clasificada como una influencia fundamental en el subgénero neo-noir ; Thieves Like Us (1974), una adaptación de la novela de Edward Anderson filmada previamente por Nicholas Ray como They Live by Night (1949); California Split (1974), una comedia dramática de juegos de azar filmada parcialmente en una locación en Reno, Nevada ; y Nashville (1975), que tenía un fuerte tema político en contra del mundo de la música country . Las estrellas de la película escribieron sus propias canciones; Keith Carradine ganó un premio de la Academia por la canción " I'm Easy ". Aunque sus películas a menudo se encontraron con avisos divisivos, muchos de los críticos de cine prominentes de la época (incluidos Pauline Kael , Vincent Canby y Roger Ebert ) se mantuvieron firmes y leales a su estilo como director durante toda la década.
El público se tomó un tiempo para apreciar sus películas y no quería tener que satisfacer a los funcionarios del estudio. En 1970, tras el lanzamiento de MASH, fundó Lion's Gate Films para tener libertad de producción independiente. La compañía de Altman no debe confundirse con la actual Lionsgate , una compañía de entretenimiento de Canadá / EE. UU. [12] Las películas que hizo a través de su compañía incluyeron Brewster McCloud , A Wedding , 3 Women y Quintet .
Los ochenta
En 1980 dirigió la película musical Popeye . Producida por Robert Evans y escrita por Jules Feiffer , la película se basó en la tira cómica / caricatura del mismo nombre y protagonizada por Shelley Duvall y el comediante Robin Williams en su debut cinematográfico. Diseñado como un vehículo para aumentar la influencia comercial de Altman luego de una serie de películas de bajo presupuesto aclamadas por la crítica pero comercialmente infructuosas a fines de la década de 1970 (incluidas 3 Women , A Wedding y Quintet ), la producción se filmó en Malta . Pronto se vio asediado por el uso intensivo de drogas y alcohol entre la mayoría del elenco y el equipo, incluido el director; Altman supuestamente se enfrentó con Evans, Williams (quien amenazó con dejar la película) y el compositor Harry Nilsson (quien se fue a la mitad del rodaje, dejando a Van Dyke Parks para terminar las orquestaciones). Aunque la película recaudó $ 60 millones en todo el mundo con un presupuesto de $ 20 millones y fue la segunda película más taquillera que Altman había dirigido hasta ese momento, no cumplió con las expectativas del estudio y se consideró una decepción de taquilla.
En 1981, el director vendió Lion's Gate al productor Jonathan Taplin después de que su sátira política Health (filmada a principios de 1979 para un lanzamiento navideño) fuera archivada por el distribuidor 20th Century Fox luego de una prueba tibia y proyecciones en festivales a lo largo de 1980. Alan Ladd, Jr. de Fox también jugó un papel decisivo en la anticipación del estreno de la película.
Incapaz de asegurar una financiación importante en la era de los éxitos de taquilla posterior al nuevo Hollywood debido a su reputación voluble y los eventos particularmente tumultuosos que rodearon la producción de Popeye , Altman comenzó a "dirigir propiedades dramáticas alfabetizadas con presupuestos reducidos para teatro, videos caseros, televisión y películas limitadas". estreno en cines ", que incluye el aclamado Secret Honor y Come Back to the Five and Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean , una adaptación críticamente antípoda de una obra que Altman había dirigido en Broadway. [13] ( pág . 115 )
En 1982, Altman llevaron a cabo una producción de Igor Stravinsky 's del rastrillo Progreso en la Universidad de Michigan , donde enseñó al mismo tiempo un curso sobre sus películas. Poco después, volvió a filmar Secret Honor con los estudiantes. En 2008, la Biblioteca de la Universidad de Michigan adquirió el archivo de Altman. [14] También coescribió el exitoso sencillo de 1983 de John Anderson " Black Sheep ". [15]
La comedia adolescente O.C. y Stiggs (1985), un abortado regreso a la cinematografía de Hollywood caracterizada retrospectivamente por el British Film Institute como "probablemente la película menos exitosa de Altman", recibió un lanzamiento comercial limitado tardío en 1987 después de ser archivado por MGM .
Adaptado por Altman y Sam Shepard para The Cannon Group de la obra de este último nominada al Premio Pulitzer , Fool for Love (1985) presentó al dramaturgo y actor junto a Kim Basinger , Harry Dean Stanton y Randy Quaid ; le fue mejor que la mayoría de sus películas de la época, ganando $ 900,000 a nivel nacional con un presupuesto de $ 2 millones y críticas positivas de Roger Ebert y Vincent Canby . Aún así, la popularidad generalizada entre el público continuó eludiéndolo.
Continuó recuperando un mínimo de favor de la crítica por su falso documental televisivo Tanner '88 (1988), una colaboración con Garry Trudeau ambientada en el medio de una campaña presidencial de Estados Unidos, por la que ganó un premio Primetime Emmy .
Decenio de 1990
En 1990, Altman dirigió Vincent & Theo , una película biográfica sobre Vincent van Gogh que estaba pensada como una miniserie de televisión para su transmisión en el Reino Unido. Una versión teatral de la película fue un éxito modesto en los Estados Unidos, lo que marcó un punto de inflexión significativo en el resurgimiento crítico del director. [a] [b]
Revitalizó su carrera en serio con The Player (1992), una sátira de Hollywood. Coproducida por el influyente David Brown ( The Sting , Jaws , Cocoon ), la película fue nominada a tres premios de la Academia, incluido el de Mejor Director . Si bien no ganó el Oscar, fue galardonado como Mejor Director por el Festival de Cine de Cannes , BAFTA y el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York .
Luego, Altman dirigió Short Cuts (1993), una ambiciosa adaptación de varios cuentos de Raymond Carver , que retrataba la vida de varios ciudadanos de Los Ángeles a lo largo de varios días. El gran reparto de la película y el entrelazamiento de muchas historias diferentes eran similares a sus películas de gran reparto de la década de 1970; ganó el León de Oro en el Festival Internacional de Cine de Venecia de 1993 y otra nominación al Oscar al Mejor Director.
El resto de la década de 1990 vio un éxito limitado para Altman. Su lanzamiento de 1994 Prêt-à-Porter (también conocido como Ready to Wear ) obtuvo una importante publicidad previa al lanzamiento, pero fue un fracaso comercial y crítico, aunque obtuvo varias nominaciones para premios de fin de año, incluidas dos nominaciones al Globo de Oro y ganó el premio. Premio de la National Board of Review a la mejor interpretación de un conjunto . En 1996, Altman dirigió Kansas City , expresando su amor por el jazz de los años 30 a través de una complicada historia de secuestro. La historia recibió críticas de tibias a positivas, pero no tuvo casi nada en la taquilla, al igual que el thriller legal de 1998 The Gingerbread Man .
Cerró la década con una nota alta, con Cookie's Fortune de 1999 , una peculiar comedia negra sobre el suicidio de una viuda adinerada, su primera película en casi 6 años para recuperar su presupuesto, y que le valió elogios generalmente positivos de la crítica. Fue elegido miembro de la Academia Estadounidense de Artes y Ciencias en 1999. [18]
2000
Gosford Park (2001), un gran reparto de misterio de asesinatos en una casa de campo británica, se incluyó en las listas de muchos críticos de las diez mejores películas de ese año. Ganó el Premio de la Academia al Mejor Guión Original ( Julian Fellowes ) más seis nominaciones más, incluidas dos para Altman, como Mejor Director y Mejor Película.
Trabajar con estudios independientes como el ahora cerrado Fine Line, Artisan (que fue absorbido por el actual Lionsgate ) y USA Films (ahora Focus Features ), le dio a Altman la ventaja para hacer el tipo de películas que siempre quiso hacer sin la interferencia del estudio. . En junio de 2006 se lanzó una versión cinematográfica de la serie de radio pública A Prairie Home Companion de Garrison Keillor . Altman todavía estaba desarrollando nuevos proyectos hasta su muerte, incluida una película basada en Hands on a Hard Body: The Documentary (1997). [19]
En 2006, la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas otorgó a Altman un Premio Honorífico de la Academia por su trayectoria. Durante su discurso de aceptación, reveló que había recibido un trasplante de corazón aproximadamente diez u once años antes. Luego, el director bromeó diciendo que tal vez la Academia había actuado prematuramente al reconocer el cuerpo de su trabajo, ya que sentía que podría tener cuatro décadas más de vida por delante.
Estilo y técnica de dirección
Maverick y autor
Después de su exitosa carrera en televisión, Altman comenzó su nueva carrera en la industria del cine cuando estaba en la mediana edad. Comprendió los límites creativos impuestos por el género televisivo y ahora se propuso dirigir y escribir películas que expresaran sus visiones personales sobre la sociedad estadounidense y Hollywood. Más tarde, sus películas serían descritas como " ataques de autor " y "variaciones idiosincrásicas" de las películas tradicionales, utilizando típicamente la comedia sutil o la sátira como una forma de expresar sus observaciones. [1]
Sus películas estaban típicamente relacionadas con temas políticos, ideológicos y personales, y Altman era conocido por "negarse a comprometer su propia visión artística". [20] Ha sido descrito como "anti-Hollywood", a menudo ignorando las presiones sociales que afectaron a otros en la industria, lo que le hizo más difícil conseguir que se vieran muchas de sus películas. Sin embargo, todavía sentía que su independencia como cineasta le hizo poco daño en general:
No creo que haya un cineasta vivo, o que haya vivido alguna vez, que haya tenido una mejor sacudida que yo. Nunca me he quedado sin un proyecto y siempre ha sido un proyecto de mi propia elección. Así que no sé cuánto mejor podría ser. No me he convertido en magnate, no construyo castillos y no tengo una gran fortuna personal, pero he podido hacer lo que quise hacer y lo he hecho mucho. [21]
"Altman era un auténtico inconformista del cine", afirma el autor Ian Freer , porque iba en contra de la conformidad comercial de la industria cinematográfica: "Era el flagelo de la industria cinematográfica, y su trabajo en general arrojaba una mirada astuta y mordaz sobre la amplitud de la industria cinematográfica. La cultura estadounidense, a menudo explotando géneros y arquetipos de personajes; Altman estaba fascinado por las personas con imperfecciones, las personas como realmente son, no como las películas quieren hacerles creer ". [22] El director Alan Rudolph , durante un tributo especial a Altman, se refiere a su estilo cinematográfico como "Altmanesque". [23]
Con su estilo independiente de dirección, desarrolló una mala reputación entre los guionistas y aquellos en el lado comercial de las películas. Admite: "Tengo una mala reputación con los escritores, desarrollada a lo largo de los años: 'Oh, no hace lo que usted escribe, bla, bla, bla'". ... Ring Lardner estaba muy cabreado conmigo "por no seguir su guión. [24] ( p18 ) Altman tampoco se llevaba bien con los jefes de estudio, una vez golpeó a un ejecutivo en la nariz y lo tiró a una piscina porque insistió en cortar seis minutos de una película en la que estaba trabajando. [25] ( pág. 9 )
Sin embargo, su reputación entre los actores es bastante diferente. Con ellos, su independencia se extendió a veces a su elección de actores, a menudo en contra del consenso. Cher , por ejemplo, lo acredita por lanzar su carrera tanto con la obra de teatro como con la película, Come Back to the Five and Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean (1982). "Sin Bob nunca habría tenido una carrera cinematográfica. Todos le dijeron que no me eligieran. Todos ... Nadie me daría un respiro. Estoy convencido de que Bob fue el único que fue lo suficientemente valiente para hacerlo". Otros, como Julianne Moore , describen trabajar con él:
¿Sabes, toda esta charla sobre Bob como ese tipo de persona irascible y difícil? Bueno, nunca fue así con un actor o con una persona creativa que vi. Nunca nunca nunca. Ahorró todo eso para la gente del dinero. [26] ( p . 431 )
Sin embargo, afirma el director Robert Dornhelm , Altman "veía la película como un lugar artístico puro". Con Short Cuts (1993), por ejemplo, el distribuidor "le rogó" que recortara algunos minutos de la extensión, para mantenerla comercialmente viable: "Bob pensaba que el anticristo estaba tratando de destruir su arte. Eran personas bien intencionadas que quería que obtuviera lo que se merecía, que fue un gran éxito comercial. Pero cuando se trataba del arte o el dinero, él estaba con el arte ". [26] ( p438 )
Sally Kellerman , notando la actitud obstinada de Altman, todavía mira hacia atrás con pesar por haber renunciado a la oportunidad de actuar en una de sus películas:
Acababa de terminar de filmar Last of the Red Hot Lovers cuando Bob me llamó un día a casa. "Sally, ¿quieres estar en mi foto después de la próxima?" preguntó. "Solo si es una buena parte", dije. Me colgó.
Bob era tan terco y arrogante como yo en ese momento, pero lo triste es que me engañé para no trabajar con alguien a quien amaba tanto, alguien que hacía que la actuación fuera divertida y fácil y que confiaba en sus actores. Bob amaba a los actores. Las estrellas se alinearían para trabajar por nada para Bob Altman. [27]
Temas y materias
A diferencia de los directores cuyo trabajo encaja dentro de varios géneros cinematográficos , como westerns, musicales, películas de guerra o comedias, el trabajo de Altman ha sido definido como más "anti-género" por varios críticos. [20] Esto se debe en parte a la naturaleza satírica y cómica de muchas de sus películas. Geraldine Chaplin , hija de Charlie Chaplin , comparó el humor de sus películas con las de su padre:
Son divertidos de la manera correcta. Divertido de una manera crítica, de lo que es el mundo y el mundo en el que vivimos. Ambos eran genios a su manera. Alteran tu experiencia de la realidad. Tienen su mundo y tienen su humor. Ese humor es tan raro. [26] ( p . 287 )
Altman dejó en claro que no le gustaba la "narración de historias" en sus películas, al contrario de la forma en que se hacen la mayoría de las películas de televisión y convencionales. Según el biógrafo de Altman, Mitchell Zuckoff , "no le gustaba la palabra 'historia', porque creía que una trama debería ser secundaria a una exploración de la conducta humana pura (o, mejor aún, impura)". [26] ( pxiii ) Zuckoff describe los propósitos subyacentes a muchas de las películas de Altman: "Le encantaba la naturaleza caótica de la vida real, con perspectivas en conflicto, giros sorprendentes, acciones inexplicables y finales ambiguos. Le encantaban especialmente muchas voces, a veces discutiendo, a veces acordando, idealmente superpuestos, un cóctel o una escena callejera capturada como él la experimentó. [26] ( pxiii ) Julianne Moore , después de ver algunas de sus películas, acredita el estilo de dirección de Altman por su decisión de convertirse en actriz de cine, una actriz de teatro:
Lo sentí con mucha fuerza. Y pensé: "No sé quién es este tipo, pero eso es lo que quiero hacer. Quiero hacer ese tipo de trabajo". A partir de entonces vería sus películas siempre que podía, y él siempre fue mi director favorito absoluto, por lo que decía temática y emocionalmente y por lo que sentía por la gente. [26] ( p324 )
El autor cinematográfico Charles Derry escribe que las películas de Altman "contienen característicamente observaciones perceptivas, intercambios contundentes y momentos de clara revelación de la locura humana". [20] Debido a que Altman era un observador astuto de la sociedad y "especialmente interesado en las personas", señala Derry, muchos de sus personajes cinematográficos tenían "esa imperfección descuidada asociada con los seres humanos tal como son, con la vida tal como se vive". [20] Como resultado, sus películas son a menudo una crítica indirecta de la sociedad estadounidense.
Para muchas de las películas de Altman, el contenido satírico es evidente: MASH (1970), por ejemplo, es una comedia negra satírica ambientada durante la Guerra de Corea; McCabe & Mrs. Miller (1971) es una sátira de los westerns; [28] el autor Matthew Kennedy afirma que Nashville (1975) es una "brillante sátira de Estados Unidos inmediatamente antes del Bicentenario"; [29] A Wedding (1978) es una sátira sobre los rituales matrimoniales estadounidenses y la hipocresía; [30] El mismo Altman dijo que The Player (1992) era "una sátira muy suave" sobre la industria cinematográfica de Hollywood, y Vincent Canby estuvo de acuerdo, afirmando que "como una sátira, The Player hace cosquillas. No hace sangrar". [31] Sin embargo, la sátira de sus películas a veces conducía a su fracaso en la taquilla si el distribuidor no entendía su naturaleza satírica. Altman culpa del fracaso de taquilla de The Long Goodbye (1973), una historia de detectives, al marketing erróneo de la película como un thriller:
Cuando se abrió la imagen, fue un gran, gran fracaso. ... Fui a David Picker y le dije: "No puedes hacer esto. No es de extrañar que la maldita imagen esté fallando. Da una impresión equivocada. Lo haces parecer un thriller y no lo es, es una sátira". [24 ]
De manera similar, Altman también culpa del fracaso de OC & Stiggs a su comercialización como una típica "película para adolescentes", en lugar de lo que él filmó como una "sátira de una película para adolescentes", dijo. [24]
Diálogo de improvisación
Altman favorecía las historias que expresaban las interrelaciones entre varios personajes, y estaba más interesado en la motivación de los personajes que en tramas intrincadas. Por lo tanto, tendió a esbozar solo una trama básica para la película, refiriéndose al guión como un "plan" para la acción. Al alentar a sus actores a improvisar diálogos, Altman se hizo conocido como un "director de actores", una reputación que atrajo a muchos actores notables a trabajar como parte de sus grandes elencos. Los intérpretes disfrutan trabajar con Altman en parte porque "les da la libertad de desarrollar sus personajes y, a menudo, alteran el guión mediante la improvisación y la colaboración", señala Derry. Richard Baskin dice que "Bob era bastante extraordinario en su forma de dejar que la gente hiciera lo que hacían. Él confiaba en que harías lo que hiciste y, por tanto, matarías por él". [20]
[26] ( p282 ) Geraldine Chaplin , quien actuó en Nashville , recuerda una de sus primeras sesiones de ensayo:
Él dijo: "¿Has traído tus guiones?" Dijimos que sí. Él dijo: "Bueno, tírelos a la basura. No los necesita. Necesita saber quién es y dónde está y con quién está". ... Era como estar en el escenario con una casa llena cada segundo. Todos los actos de circo que tenías dentro de tu cuerpo los harías solo por él. [26] ( p . 282 )
Altman regularmente deja que sus actores desarrollen un personaje a través de la improvisación durante el ensayo o, a veces, durante la filmación real. [25] Tal improvisación era poco común en el cine debido al alto costo de producción de la película, que requiere una planificación cuidadosa, guiones precisos y ensayos antes de que se exponga una película costosa. Sin embargo, Altman prefirió utilizar la improvisación como una herramienta para ayudar a sus actores a desarrollar su carácter. [32] Altman dijo que "una vez que empezamos a filmar es algo muy establecido. La improvisación se malinterpreta. No solo soltamos a la gente". [21] Aunque trató de evitar dictar todos los movimientos de un actor, prefiriendo dejar que tuvieran el control:
Cuando selecciono una película, la mayor parte de mi trabajo creativo está terminado. Tengo que estar allí para encender el interruptor y darles ánimo como figura paterna, pero ellos hacen todo el trabajo. ... Todo lo que intento hacer es ponérselo fácil al actor, porque una vez que empiezas a filmar, el actor es el artista. ... Tengo que darles confianza y ver que tengan cierta protección para que sean creativos. ... Les dejé hacer lo que se convirtieron en actores en primer lugar: crear. [21]
Carol Burnett recuerda que Altman admitió que muchas de las ideas en sus películas vinieron de los actores. "Nunca escuchas a un director decir eso. Eso fue realmente asombroso", dijo. [26] ( p328 ) Otros, como Jennifer Jason Leigh , se volvieron creativos:
Él te inspiraba por pura necesidad para inventar cosas de las que no sabías que eras capaz, que no sabías que tenías en ti. Era tan genuinamente travieso y malditamente divertido. [26] ( p435 )
Le gustaba trabajar con muchos de los mismos artistas para otras películas, incluidos Elliott Gould , Sally Kellerman , Keith Carradine , Shelley Duvall y Michael Murphy . Krin Gabbard agrega que Altman disfrutaba usando actores "que prosperan como improvisadores", como Elliott Gould, quien protagonizó tres de sus películas, MASH , The Long Goodbye y California Split . [25] Gould recuerda que cuando filmaba MASH , su primer trabajo como actor con Altman, él y su coprotagonista Donald Sutherland no creían que Altman supiera lo que estaba haciendo. Años después, escribió: "Creo que, en retrospectiva, Donald y yo éramos dos actores elitistas y arrogantes que realmente no entendían el genio de Altman". [26] ( p174 ) Otros miembros del elenco apreciaron de inmediato el estilo de dirección de Altman. René Auberjonois explica:
Pensamos que así eran las películas. Que fueron una experiencia tan alegre. Si tuviste algún tipo de carrera, rápidamente viste que la mayoría de los directores realmente no confían en los actores, realmente no quieren ver actores actuando. Esa fue la diferencia con Bob Altman. Amaba a los actores y quería ver actuar. [26] ( p . 175 )
A diferencia de la televisión y las películas tradicionales, Altman también evitó la "narración convencional" y optaría por mostrar la "confusión ocupada de la vida real", observa Albert Lindauer. [1] Entre las diversas técnicas para lograr este efecto, sus películas a menudo incluyen "una profusión de sonidos e imágenes, de grandes elencos o personajes locos, múltiples tramas o ninguna trama, ... y una dependencia de la improvisación". [1] Unos meses antes de morir, Altman trató de resumir los motivos detrás de su estilo cinematográfico:
Comparo este trabajo más con la pintura que con el teatro o la literatura. Las historias no me interesan. Básicamente, me interesa más el comportamiento. Yo no dirijo, miro. Tengo que estar emocionado si espero que la audiencia se emocione. Porque lo que realmente quiero ver de un actor es algo que nunca antes había visto, así que no puedo decirles qué es. Intento animar a los actores a que no se turnen. Tratar la conversación como conversación. Quiero decir, eso es lo que es el trabajo, creo. Es para hacer un área de comodidad para que un actor pueda ir más allá de lo que pensó que podía hacer. [26] ( pág. 8 )
Patricia Resnick solía escribir sus guiones.
Técnicas de sonido
Altman fue uno de los pocos realizadores que "prestó total atención a las posibilidades del sonido" durante el rodaje. [22] Trató de replicar los sonidos conversacionales naturales, incluso con elencos grandes, conectando micrófonos ocultos a los actores y luego grabándolos hablando unos sobre otros con múltiples bandas sonoras. [22] Durante la filmación, usó unos auriculares para asegurarse de que se pudieran escuchar los diálogos importantes, sin enfatizarlos. Esto produjo una "experiencia de audio densa" para los espectadores, permitiéndoles escuchar múltiples fragmentos de diálogo, como si estuvieran escuchando varias conversaciones privadas. Altman reconoció que aunque los elencos grandes perjudican comercialmente a una película, "me gusta ver que suceden muchas cosas". [21]
Altman utilizó por primera vez bandas sonoras superpuestas en MASH (1970), una técnica de sonido que el autor de la película Michael Barson describe como "una innovación impresionante en ese momento". [33] Lo desarrolló, dijo Altman, para obligar a los espectadores a prestar atención y participar en la película como si fueran un participante activo. [1] Según algunos críticos, uno de los usos más extremos de la técnica se encuentra en McCabe y Mrs. Miller (1971), también considerada entre sus mejores películas. [20]
Reparto de conjuntos
Sin embargo, el diálogo superpuesto entre grandes grupos de actores agrega complejidad a las películas de Altman, y a menudo fueron criticadas por parecer desordenadas o desconectadas en la primera vista. Algunos de sus críticos, sin embargo, cambiaron de opinión después de volver a verlos. El crítico de cine británico David Thomson le dio a Nashville (1975) una mala crítica después de verla por primera vez, pero luego escribió: "Pero volviendo a Nashville y algunas de las películas anteriores, ... me hizo reflexionar: sigue siendo enigmático cuán organizado o Nashville tiene un propósito ... El mosaico, o mezcla, permite una libertad y una idiosincrasia humana que Renoir podría haber admirado ". [34] Durante el rodaje de la película, los actores se inspiraron y la coprotagonista Ronee Blakley estaba convencida del éxito final de la película:
Sí, pensé que iba a ser genial, todo el trabajo era tan bueno, todos los actores estaban inspirados y el equipo de Altman era sumamente competente, y él era ese raro tipo de genio que sabe lo que funciona y lo que no en el momento en que está sucediendo. [35]
Thomson luego reconoció esos aspectos como parte del estilo de Altman, comenzando con MASH (1970): " MASH comenzó a desarrollar el estilo crucial de Altman de sonido superpuesto y borroso e imágenes tan resbaladizas con el zoom que no había sentido de composición. Eso es lo que hace que Nashville sea tan absorbente ". [34] Altman explicó que para él ese diálogo superpuesto en sus películas estaba más cerca de la realidad, especialmente con grupos grandes: "Si tienes catorce personas en una mesa, me parece que es bastante improbable que solo dos de ellos lo sean. va a estar hablando ". [21] Pauline Kael escribe que Altman, "el maestro de los grandes conjuntos, la acción suelta y las voces superpuestas, demuestra que ... puede hacer fuegos artificiales cinematográficos con casi nada". [1]
Fotografía
El estilo distintivo de dirección de Altman se trasladó a sus preferencias por el trabajo de cámara. Entre ellos se encontraba su uso de composiciones de pantalla ancha, destinadas a capturar a la gran cantidad de personas o actividades que tienen lugar en la pantalla al mismo tiempo. Para algunas películas, como McCabe y Mrs. Miller , creó una atmósfera visual poderosa con el director de fotografía Vilmos Zsigmond , como escenas con un trabajo de cámara fluido, lentes de zoom y un efecto ahumado con filtros de niebla especiales. [36] El director Stanley Kubrick le dijo a Altman que "el trabajo de cámara fue maravilloso" y le preguntó: "¿Cómo lo hiciste?" [37]
En Nashville , Altman usó conjuntos con colores notables de rojos, blancos y azules. Para The Long Goodbye , insistió en que Zsigmond mantuviera la cámara móvil montándola en objetos en movimiento. [20] Zsigmond afirma que Altman "quería hacer algo diferente" en esta película, y le dijo que "quería que la cámara se moviera, todo el tiempo. Arriba, abajo, adentro y afuera. De lado a lado". [37] El director de fotografía Roger Deakins , al comentar su uso de lentes con zoom, comentó: "Me parecería muy emocionante filmar una película con una lente con zoom si fuera ese tipo de mirada de observación e itinerante por la que se conocía a Robert Altman. Puse la cámara en un brazo y floté a través de la escena y seleccioné estas tomas a medida que avanzaba, una forma bastante agradable de trabajar ". [36]
Zsigmond también recuerda que trabajar con Altman fue divertido:
Más bien disfrutamos haciendo cosas "improvisadas". Altman es un gran improvisador. Durante los primeros días del rodaje, "creaba" diferentes enfoques en cualquier momento. Me mostraba cómo quería que se moviera la cámara, que siempre se moviera. Que fue divertido. A los actores les encantó, y siempre tuve el desafío de encontrar formas de filmar lo que se le ocurrió a Altman. [37]
La cinematografía de Vilmos Zsigmond en McCabe y Mrs. Miller recibió una nominación a los Premios de Cine de la Academia Británica .
Partituras musicales
Al usar música en sus películas, se sabía que Altman era muy selectivo, a menudo eligiendo la música que le gustaba personalmente. El director Paul Thomas Anderson , que trabajó con él, señala que "el uso de la música por parte de Altman siempre es importante", y agrega: "Bob amaba su música, ¿no? Dios mío, amaba su música". [25] Como era un "gran fan" de la música de Leonard Cohen , por ejemplo, diciendo que "simplemente se drogaría y tocaría esas cosas" todo el tiempo [24] , usó tres de sus canciones en McCabe and Mrs. Miller (1971) y otro para la escena final de A Wedding (1978). [38]
Para Nashville (1975), Altman tenía numerosas canciones de música country nuevas escritas por su elenco para crear una atmósfera realista. Incorporó una "melodía inquietantemente repetida" en The Long Goodbye (1973), y empleó a Harry Nilsson y Van Dyke Parks para componer la banda sonora de Popeye (1980). [13] ( p347 )
Varios expertos en música han escrito sobre el uso que hace Altman de la música, incluido Richard R. Ness, quien escribió sobre las partituras de muchas de las películas de Altman en un artículo, considerado un recurso valioso para comprender la técnica cinematográfica de Altman. [39] De manera similar, el profesor de estudios cinematográficos Krin Gabbard [40] escribió un análisis del uso de la música jazz por Altman en Short Cuts (1993), señalando que pocos críticos han considerado la "importancia de la música" en la película. [25]
El jazz también fue significativo en Kansas City (1996). En esa película, se considera que la música es la base de la historia. Altman afirma que "la idea general no era ser demasiado específico sobre la historia", sino que la película en sí fuera "más bien una especie de jazz". [41] La técnica de Altman de convertir el tema de una película en una forma de música fue considerada "un experimento que nadie ha probado antes", y Altman admitió que era arriesgado. "No sabía si funcionaría ... Si la gente 'lo entiende', entonces realmente tiende a gustarle". [42]
Influencia
Los directores que están influenciados por Altman incluyen a Paul Thomas Anderson , Richard Linklater , Alejandro González Iñárritu , Noah Baumbach , David Gordon Green y Michael Winterbottom . [43] [44] Los críticos han señalado que el trabajo de Paul Thomas Anderson, Boogie Nights (1997), Magnolia (1999) e Inherent Vice (2014), son versiones de portada virtuales de Altman. "Le he robado a Bob lo mejor que puedo", admitió Anderson, quien más tarde le dedicó There Will Be Blood (2007). [43]
Filmografia
Pantalones cortos
Año | Película | Tipos | Notas |
---|---|---|---|
1949 | Luna de miel para Harriet | Cortometraje industrial: International Harvester | escritor |
1951 | Fútbol moderno | Cortometraje Industrial: Servicio Oficial de Cine Deportivo | |
La mirada sucia | Cortometraje industrial: Gulf Oil | ||
1952 | La última milla | Cortometraje industrial: Caterpillar Tractor Company | |
El sonido de las campanas | Cortometraje industrial: Goodrich Corporation | ||
Rey Baloncesto | Cortometraje Industrial: Servicio Oficial de Cine Deportivo | ||
1953 | Béisbol moderno | Cortometraje Industrial: Servicio Oficial de Cine Deportivo | |
1954 | Los constructores | Cortometraje industrial: Wire Reinforcement Institute | |
Mejor fútbol | Cortometraje Industrial: Servicio Oficial de Cine Deportivo | ||
El crimen perfecto | Cortometraje industrial: Caterpillar Tractor Company | ||
1955 | El lazo mágico | Cortometraje industrial: Veteranos de guerras extranjeras | |
1956 | El manual del modelo | Cortometraje industrial: | |
1965 | La historia de Katherine Reed | Documental corto | |
Pot au feu | Corto | ||
1966 | Charla de chicas | ColorSonics Corto | |
La fiesta | ColorSonics Corto | ||
Habla bajo | ColorSonics Corto | ||
Reflujo | ColorSonics Corto |
Película
Como director
Año | Título | Escritor | Productor | Distribución |
---|---|---|---|---|
1957 | Los delincuentes | sí | sí | Artistas Unidos |
1968 | cuenta regresiva | No | No | Warner Bros. |
1969 | Ese día frío en el parque | No | No | Commonwealth United Entertainment |
1970 | MEZCLA | No | No | 20th Century Fox |
1970 | Brewster McCloud | No | No | Metro Goldwyn Mayer |
1971 | McCabe y la Sra. Miller | sí | No | Warner Bros. |
1972 | Imagenes | sí | No | Fotos de Columbia |
1973 | El largo adiós | No | No | Artistas Unidos |
1974 | Ladrones como nosotros | sí | No | |
1974 | División de California | No | sí | Fotos de Columbia |
1975 | Nashville | No | sí | Imágenes Paramount |
1976 | Buffalo Bill y los indios, o la lección de historia del Toro Sentado | sí | sí | Artistas Unidos |
1977 | 3 mujeres | sí | sí | 20th Century Fox |
1978 | Una boda | sí | sí | |
1979 | Quinteto | sí | sí | |
Una pareja perfecta | sí | sí | ||
1980 | Salud | sí | sí | |
Popeye | sí | No | Imágenes Paramount | |
mil novecientos ochenta y dos | Vuelve al Five and Dime, Jimmy Dean, Jimmy Dean | No | No | Fotos de Cinecom |
1983 | Serpentinas | No | sí | Artistas Unidos |
1984 | Honor secreto | No | sí | Fotos de Cinecom |
1985 | Tonto por amor | No | No | Grupo de cañones |
OC y Stiggs | No | sí | Metro Goldwyn Mayer | |
1987 | Más allá de la terapia | sí | No | Imágenes del Nuevo Mundo |
1990 | Vincent y Theo | No | No | Metro Goldwyn Mayer |
1992 | El jugador | No | No | Funciones de línea fina |
1993 | Atajos | sí | No | |
1994 | Prêt-à-Porter | sí | sí | Películas Miramax |
1996 | ciudad de Kansas | sí | sí | Funciones de línea fina |
1998 | El hombre de pan de jengibre | sí | No | Entretenimiento PolyGram |
1999 | La fortuna de la galleta | No | sí | Películas de octubre |
2000 | Dr. T y las mujeres | No | sí | Entretenimiento artesanal |
2001 | Parque Gosford | No | sí | Funciones de enfoque |
2003 | La empresa | No | sí | Sony Pictures Classics |
2006 | Un compañero de casa de la pradera | No | sí | New Line Cinema |
Televisión
Año | Título | Notas |
---|---|---|
1953 | Pulso de la ciudad | Episodio: El caso del capitán Denning |
1957-58 | Alfred Hitchcock presenta | 2 episodios |
1958 | Escuadrón M | Episodio: Asesinato en el carril de los amantes |
1958 | Sheriff de Cochise | Episodio: El hombre que nunca fue |
1959 | Ojo hawaiano | Episodio: Tres boletos para Lani |
1958-59 | El millonario | 13 episodios |
1958-59 | Whirlybirds | 20 episodios |
1959-60 | Sugarfoot | 2 episodios |
1960 | El espectáculo de la tormenta vendaval | Episodio: Es mágico |
1959-60 | Solucionadores de problemas | 14 episodios |
1959-60 | Marshall de Estados Unidos | 15 episodios |
1960 | Potro cerril | Episodio: Los Mustangers |
1960 | Disidente | Episodio: Rayo del azul |
1960-61 | Los locos años 20 | 9 episodios |
1960-61 | Bonanza | 8 episodios |
1961 | Lawman | Episodio: El robo |
1961 | Surfside 6 | Episodio: Ladrones entre el honor |
1961 | Peter Gunn | Episodio: The Murder Bond |
1961 | Ruta 66 | Episodio: Algunas personas, algunas veces |
1961-62 | Parada de autobús | 8 episodios |
1962 | Cien de Caín | Episodio: El lado izquierdo de Canadá |
1962 | Teatro de Televisión Kraft | 3 episodios |
1962 | Los hombres galantes | Piloto |
1962-63 | ¡Combate! | 10 episodios |
1964 | Pesadilla en Chicago | película de televisión |
1963-64 | Teatro de suspenso Kraft | 3 episodios |
1965 | El largo y caluroso verano | Episodio: El largo y caluroso verano |
1968 | Estreno | Episodio: Camina por el cielo |
1977 | Sábado noche en directo | Episodio: Sissy Spacek / Richard Baskin Segmento: El papel de Sissy |
mil novecientos ochenta y dos | Serpiente de cascabel en una hielera | película de televisión |
Sangre Preciosa | película de televisión | |
1985 | La lavandería | película de televisión |
1987 | Sótanos | película de televisión |
1988 | La corte marcial del motín de Caine | película de televisión |
1988 | Tanner '88 | Mini series; 11 episodios |
1990 | Vincent y Theo | Mini series; 4 episodios |
1993-1997 | Grandes Actuaciones | 3 episodios |
1993 | Pistola | Episodio: Todas las mujeres del presidente |
2004 | Tanner en Tanner | 4 episodios |
Como un actor
Año | Título | Papel | Notas |
---|---|---|---|
1947 | la vida secreta de Walter Mitty | Hombre bebiendo | Sin acreditar |
1966 | Pot au feu | Jugador | Cortometraje |
1970 | Eventos | Beto | Largometraje |
1973 | El largo adiós | Chofer de ambulancia | Sin acreditar |
1981 | Amor sin fin | Gerente del hotel |
Premios y nominaciones
premios de la Academia
Año | Categoría | Trabajo nominado | Resultado | Árbitro. |
---|---|---|---|---|
1970 | Mejor director | MEZCLA | Nominado | [45] |
1975 | Mejor imagen | Nashville | Nominado | |
Mejor director | Nominado | |||
1992 | El jugador | Nominado | ||
1993 | Atajos | Nominado | ||
2001 | Parque Gosford | Nominado | ||
Mejor imagen | Nominado | |||
2006 | Premio de honor de la Academia | N / A | Ganado |
Premios de la Academia Británica de Cine :
Año | Categoría | Trabajo nominado | Resultado | Árbitro. |
---|---|---|---|---|
1970 | Mejor dirección | MEZCLA | Nominado | [45] |
1978 | Mejor dirección | Una boda | Nominado | |
Mejor guion | Nominado | |||
1992 | La mejor película | El jugador | Nominado | |
Mejor dirección | Ganado | |||
2001 | Mejor película británica | Parque Gosford | Ganado | |
Mejor director | Nominado |
Premios Primetime Emmy
Año | Categoría | Trabajo nominado | Resultado | Árbitro. |
---|---|---|---|---|
1989 | Dirección en una serie dramática | Tanner '88 : La sala de calderas | Ganado | [45] |
1993 | Dirigir un programa musical o de variedades | Grandes actuaciones : negro y azul | Nominado |
Premios Globo de Oro
Año | Categoría | Trabajo nominado | Resultado | Árbitro. |
---|---|---|---|---|
1970 | Mejor director | MEZCLA | Nominado | [45] |
1975 | Mejor director | Nashville | Nominado | |
1992 | Mejor director | El jugador | Nominado | |
1993 | Mejor guion | Atajos | Nominado | |
2001 | Mejor director | Parque Gosford | Ganado |
Premios Independent Spirit
Año | Categoría | Trabajo nominado | Resultado | Árbitro. |
---|---|---|---|---|
1993 | Mejor director | Atajos | Ganado | [45] |
Mejor guion | Atajos | Ganado | ||
1994 | Mejor característica | Sra. Parker y el círculo vicioso | Nominado | |
1999 | Mejor característica | La fortuna de la galleta | Nominado | |
2006 | Mejor director | Un compañero de casa de la pradera | Nominado |
Festival de cine de cannes
Año | Categoría | Trabajo nominado | Resultado | Árbitro. |
---|---|---|---|---|
1970 | Palma de Oro | MEZCLA | Ganado | [45] |
1972 | Imagenes | Nominado | ||
1977 | 3 mujeres | Nominado | ||
1986 | Tonto por amor | Nominado | ||
1987 | Aria | Nominado | ||
1992 | El jugador | Nominado | ||
Mejor director | El jugador | Ganado | ||
1996 | Palma de Oro | ciudad de Kansas | Nominado |
Festival Internacional de Cine de Berlín
Año | Categoría | Trabajo nominado | Resultado | Árbitro. |
---|---|---|---|---|
1976 | Oso dorado | Buffalo Bill y los indios, o la lección de historia del Toro Sentado | Ganado | [45] |
1985 | Premio FIPRESCI | Honor secreto | Ganado | |
1999 | Oso dorado | La fortuna de la galleta | Nominado | [46] |
Premio del gremio | La fortuna de la galleta | Ganado | [45] | |
2002 | Oso de oro honorario | N / A | Ganado | |
2006 | Oso dorado | Un compañero de casa de la pradera | Nominado | |
2006 | Jurado de lectores | Un compañero de casa de la pradera | Ganado |
Festival de Cine de Venecia
Año | Categoría | Trabajo nominado | Resultado | Árbitro. |
---|---|---|---|---|
1983 | Leon de Oro | Serpentinas | Nominado | |
1993 | Atajos | Ganado | [45] | |
Premio FIPRESCI | Ganado | |||
Premio Pasinetti | Ganado | |||
1996 | Carrera León de Oro | N / A | Ganado | |
2000 | Leon de Oro | Dr. T y las mujeres | Nominado |
Premios del Gremio de Directores de América
Año | Categoría | Trabajo nominado | Resultado | Árbitro. |
---|---|---|---|---|
1971 | Directorial excepcional en películas cinematográficas | MEZCLA | Nominado | [45] |
1976 | Directorial excepcional en películas cinematográficas | Nashville | Nominado | |
1993 | Directorial excepcional en películas cinematográficas | El jugador | Nominado | |
1994 | Premio a la Trayectoria | N / A | Ganado | |
2005 | Logro destacado como director en películas para televisión | Tanner en Tanner | Nominado |
Vida personal
Familia
Altman estuvo casado tres veces: su primera esposa fue LaVonne Elmer. Estuvieron casados entre 1947 y 1949 y tuvieron una hija, Christine. Su segunda esposa fue Lotus Corelli. Estuvieron casados entre 1950 y 1955 y tuvieron dos hijos, Michael y Stephen. A los catorce años, Michael escribió la letra de " Suicide Is Painless ", el tema principal de la película de Altman, MASH . Steven es un diseñador de producción que solía trabajar con su padre. La tercera esposa de Altman fue Kathryn Reed. Estuvieron casados desde 1957 hasta su muerte en 2006. Tuvieron dos hijos, Robert y Matthew. Altman se convirtió en el padrastro de Konni Reed cuando se casó con Kathryn. [47] [48] [49]
Kathryn Altman, quien murió en 2016, fue coautora de un libro sobre Altman que se publicó en 2014. [50] Se había desempeñado como consultora y narradora del documental Altman de 2014 , y había hablado en muchas proyecciones retrospectivas de las películas de su esposo. [51]
Casas
En la década de 1960, Altman vivió durante años en Mandeville Canyon en Brentwood, California . [52] Residió en Malibú durante la década de 1970, pero vendió esa casa y la compañía de producción Lion's Gate en 1981. "No tenía otra opción", le dijo a The New York Times . "Nadie contestaba el teléfono" tras el fracaso de Popeye . Trasladó a su familia y la sede comercial a la ciudad de Nueva York, pero finalmente se mudó de regreso a Malibú, donde vivió hasta su muerte. [ cita requerida ]
Puntos de vista políticos
En noviembre de 2000, Altman afirmó que se mudaría a París si George W. Bush fuera elegido, pero bromeó diciendo que se había referido a París, Texas , cuando sucedió. Señaló que "el estado estaría mejor si él (Bush) se fuera de él". [53] Altman era un consumidor de marihuana abierto y se desempeñó como miembro de la junta asesora de NORML . [54] También era ateo y activista contra la guerra. [55] Fue una de las numerosas figuras públicas, incluido el lingüista Noam Chomsky y la actriz Susan Sarandon , que firmaron la declaración " No en nuestro nombre " oponiéndose a la invasión de Irak en 2003 . [56] [57] Julian Fellowes cree que la postura anti-guerra y anti-Bush de Altman le costó el Oscar al Mejor Director por Gosford Park . [26] ( p478 )
Altman despreciaba la serie de televisión M * A * S * H que siguió a su película de 1970, citando que era la antítesis de lo que trataba su película, y citando sus mensajes contra la guerra como "racistas". En el comentario del DVD de 2001 para MASH , declaró claramente las razones por las que desaprobaba la serie. [ aclaración necesaria ] [ cita requerida ]
Muerte y legado
Altman murió el 20 de noviembre de 2006, a los 81 años, en el Centro Médico Cedars-Sinai en Los Ángeles. Según su compañía de producción en Nueva York, Sandcastle 5 Productions, murió de complicaciones de leucemia .
El director de cine Paul Thomas Anderson dedicó su película de 2007 There Will Be Blood a Altman. [58] Anderson había trabajado como director de reserva en A Prairie Home Companion con fines de seguro en caso de que el enfermo Altman de 80 años no pudiera terminar de filmar.
Durante una celebración en homenaje a Altman unos meses después de su muerte, fue descrito como un "cineasta apasionado" y autor que rechazó las convenciones, creando lo que el director Alan Rudolph llamó un estilo de películas "altmanesco". [23] Prefería grandes elencos de actores, conversaciones superpuestas de forma natural, y animaba a sus actores a improvisar y expresar su creatividad innata, pero sin miedo a fallar. Lily Tomlin lo comparó con "un gran patriarca benigno que siempre te cuidó como actor", y agregó que "no tienes miedo de arriesgarte con él". [59]
Muchas de sus películas se describen como "sátiras ácidas y estudios de carácter contracultural que redefinieron y revitalizaron el cine moderno". [59] Aunque sus películas abarcaron la mayoría de los géneros cinematográficos, como westerns, musicales, películas de guerra o comedias, se le consideró "anti-género" y sus películas eran "francamente subversivas". Se sabía que odiaba la "falsedad" que veía en la mayoría de las películas convencionales, y "quería hacerlas explotar" a través de la sátira. [60]
El actor Tim Robbins , quien protagonizó varias películas de Altman, describe algunos de los aspectos únicos de su método de dirección:
Creó un mundo único y maravilloso en sus sets, ... donde el travieso papá soltó a los "niños actores" para que jugaran. Donde su imaginación fue alentada, alimentada, reída, abrazada y Altmanizada. Una dulce anarquía que muchos de nosotros no habíamos sentido desde el patio de la escuela, desatada por el corazón salvaje de Bob. [61]
Los archivos personales de Altman se encuentran en la Universidad de Michigan , que incluyen alrededor de 900 cajas de documentos personales, guiones, registros legales, comerciales y financieros, fotografías, accesorios y material relacionado. Altman había filmado Secret Honor en la universidad y también había dirigido varias óperas allí. [14] [62]
Desde 2009, el premio Robert Altman se otorga al director, director de casting y elenco de películas en los premios Independent Spirit Awards anuales .
En 2014, se estrenó un largometraje documental, Altman , que analiza su vida y su trabajo con clips de películas y entrevistas. [63]
Ver también
- Cine hipervínculo
Notas al pie
- ↑ El estudio realizado con fuerza sobre Vincent van Gogh y su hermano Theo marca un regreso a la arena convencional para el director Robert Altman. Las películas espléndidas y brillantemente interpretadas deberían ser bien recibidas en las casas de especialidades y más allá. [dieciséis]
- ^ Cuando The Player salió en 1992, fue recibido como un regreso bienvenido por el director Robert Altman, quien pasó gran parte de la década anterior trabajando en pequeño, haciendo obras de teatro filmadas en lugar de las reinvenciones de género ambiciosas y llenas de personajes por las que era conocido. en los 1970s. Pero Altman en realidad recuperó su estatus de "querido de los críticos" dos años antes con Vincent & Theo , una luminosa película biográfica sobre el pintor Vincent Van Gogh (interpretado por Tim Roth) y su hermano comerciante de arte (Paul Rhys). [17]
Referencias
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Aún así, vale la pena señalar que a la edad de 20 años, este denunciante se había resistido a dos de las instituciones más poderosas: la iglesia y el ejército, ambas. Él es ateo, "Y desde entonces he estado en contra de todas estas guerras".
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Bibliografía
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Otras lecturas
- Caso, Frank (2015). Robert Altman en American Grain . Londres: Reaktion Books. ISBN 978-1-78023-522-6.
- El comentario del director sobre el DVD McCabe & Mrs. Miller , aunque se centra en esa película, también cubre hasta cierto punto la metodología general de Altman como director.
- Judith M. Kass. Robert Altman: Evaluación de American Innovator temprana (1978) del trabajo del director y su interés en los juegos de azar. Parte de Leonard Maltin 's Biblioteca Popular serie realizador.
- La banda inglesa Maxïmo Park tiene una canción llamada "Robert Altman", una cara B de su single " Our Velocity ".
- The Criterion Collection ha lanzado varias de las películas de Altman en DVD (Short Cuts, 3 Women, Tanner '88, Secret Honor) que incluyen comentarios de audio y entrevistas en video con él que arrojan luz sobre su estilo de dirección.
- Warren, Charles (2006). Crouse, Jeffey (ed.). "Cavell, Altman y Cassavetes". Cine internacional . Número especial de Stanley Cavell. Vol. 4 no. 22. págs. 14-20.
- Rick Armstrong, "Robert Altman: Critical Essays" Actores, historiadores, estudiosos del cine y teóricos culturales reflexionan sobre Altman y su carrera de cinco décadas ... (McFarland, 18 de febrero de 2011)
- Mitchell Zuckoff, Robert Altman: La biografía oral. Nueva York: Alfred A. Knopf, 2009. ISBN 978-0-307-26768-9
- Descripción y detalles de la banda sonora de Short Cuts para obtener información más detallada sobre este título.
- Helene Keyssar, América de Robert Altman. Oxford, 1991
enlaces externos
- Robert Altman en IMDb
- Robert Altman en Internet Broadway Database
- Robert Altman en la base de datos de Internet Off-Broadway
- Robert Altman en la colección Criterion
- Escuche a Robert Altman hablar sobre su carrera : una grabación de la Biblioteca Británica.
- Bibliografía de Robert Altman vía UC Berkeley Media Resources Center
- Aún a la altura de las travesuras - The Guardian , 1 de mayo de 2004
- Entrevista de Reverse Shot
- Compañero de casa Altman de Ebert
- Entrevista a Gerald Peary
- Literatura sobre Robert Altman
- "Altman: ¿Irías a una película que fuera aclamada como obra maestra?" por Roger Ebert
- Entrevista a la revista Bomb
- Artista del mes: Robert Altman de Hyena Productions
- Robert Altman en Find a Grave
- Las películas de Robert Altman , Hell Is For Hyphenates , 30 de junio de 2014
- Obituario de Robert Altman, por Stephen Rea, 'Field Day Review 3' (Dublín, 2007)
- Videos
- Robert Altman recibió el Premio Honorífico de la Academia en 2006 en YouTube , 11 min.
- Robert Altman en el programa de Dick Cavett en YouTube , 7 min.
- Documental sobre la realización de Short Cuts de Robert Altman en YouTube , 90 min.
- Documental: Robert Altman en Inglaterra en YouTube , 60 min.