" Tomorrow Never Knows " es una canción de la banda de rock inglesa The Beatles , escrita principalmente por John Lennon y acreditada a Lennon-McCartney . [5] Fue lanzado en agosto de 1966 como la última pista de su álbum Revolver , aunque fue la primera canción grabada para el LP. La canción marcó un cambio radical para los Beatles, ya que la banda abrazó por completo el potencial del estudio de grabación sin considerar la reproducción de los resultados en concierto.
"Mañana nunca se sabe" | |
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Canción de los Beatles | |
del álbum Revolver | |
Liberado | 5 de agosto de 1966 |
Grabado | 6, 7 y 22 de abril de 1966 |
Estudio | EMI , Londres |
Género | |
Largo | 2 : 58 |
Etiqueta | Parlophone |
Compositor (es) | Lennon – McCartney |
Productor (es) | George Martin |
Muestra de audio | |
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Al escribir la canción, Lennon se inspiró en sus experiencias con la droga alucinógena LSD y en el libro The Psychedelic Experience: A Manual Based on the Tibetan Book of the Dead de Timothy Leary , Richard Alpert y Ralph Metzner . La grabación de The Beatles empleó elementos musicales ajenos a la música pop, incluida la música concreta , la composición de vanguardia y la manipulación del sonido electroacústico . [6] Cuenta con un acompañamiento modal inspirado en la India de tambura y sitar drone y bajo, con una desviación armónica mínima de un solo acorde, respaldado por un patrón de batería constante pero no estándar; Además de esto, los bucles de cinta preparados por la banda se sobregrabaron "en vivo" en la pista rítmica. Parte de la voz de Lennon se transmitió a través de un altavoz Leslie , normalmente utilizado para un órgano Hammond . Las partes de guitarra al revés y los efectos de la canción marcaron el primer uso de sonidos invertidos en una grabación pop, aunque " Rain " del lado B de 1966 de los Beatles , que grabaron poco después usando la misma técnica, se publicó más de tres meses antes de Revolver .
"Tomorrow Never Knows" fue una grabación temprana y muy influyente en los géneros de música psicodélica y electrónica , particularmente por su uso pionero de muestreo , manipulación de cintas y otras técnicas de producción. También introdujo temas líricos que propugnaban la expansión de la mente, el antimaterialismo y la espiritualidad oriental en la música popular. En el lanzamiento, la canción fue fuente de confusión y burla por parte de muchos fanáticos y periodistas; desde entonces ha recibido elogios como una representación eficaz de una experiencia psicodélica . Pitchfork colocó la pista en el número 19 en su lista de "Las 200 mejores canciones de la década de 1960", y Rolling Stone la ubicó en el número 18 en la lista de la revista de las 100 mejores canciones de los Beatles.
Antecedentes e inspiración
John Lennon escribió "Tomorrow Never Knows" en enero de 1966, con letra adaptada del libro The Psychedelic Experience: A Manual Based on the Tibetan Book of the Dead de Timothy Leary , Richard Alpert y Ralph Metzner , que a su vez fue adaptado del tibetano Libro de los muertos . [7] Aunque el asistente de los Beatles, Peter Brown, creía que la fuente de Lennon para la letra era el propio Libro tibetano de los muertos , que, según dijo, Lennon había leído mientras estaba bajo la influencia del LSD , [8] George Harrison declaró más tarde que la idea de la letra proviene del libro de Leary, Alpert y Metzner. [9] Paul McCartney confirmó esto, afirmando que cuando él y Lennon visitaron la librería Indica recién inaugurada , Lennon había estado buscando una copia de The Portable Nietzsche y encontró una copia de The Psychedelic Experience que contenía las líneas: "Siempre que tengas dudas, apaga tu mente, relájate, flota río abajo ". [10]
Lennon dijo que compró el libro, se fue a casa, tomó LSD y siguió las instrucciones exactamente como se indica en el texto. [11] [12] El libro sostenía que la " muerte del ego " experimentada bajo la influencia del LSD y otras drogas psicodélicas es esencialmente similar al proceso de la muerte y requiere una guía similar. [13] [14] Este es un estado de ser conocido por los místicos y maestros orientales como samādhi (un estado de ser totalmente consciente del momento presente; una mente unidireccional). [ cita requerida ] Harrison cuestionó si Lennon entendía completamente el significado de la letra de la canción:
Básicamente [la canción] dice de qué se trata la meditación. El objetivo de la meditación es ir más allá (es decir, trascender) de la vigilia, el sueño y el soñar ... No estoy muy seguro de si John realmente entendió completamente lo que estaba diciendo. Sabía que estaba en algo cuando vio esas palabras y las convirtió en una canción. ¿Pero haber experimentado de qué se trata realmente la letra de esa canción? No sé si lo entendió completamente. [9]
El título nunca aparece en la letra de la canción. Lennon más tarde reveló que, como " Noche de un día duro ", que fue tomado de uno de Ringo Starr 's malapropisms . [11] En una entrevista televisiva a principios de 1964, Starr había pronunciado la frase "El mañana nunca se sabe" al reírse de un incidente que tuvo lugar en la embajada británica en Washington, DC, durante el cual uno de los invitados había cortado una parte de su cabello. [15] [16] La pieza originalmente se tituló "Mark I" [10] [17] y fue referida como tal en la documentación de estudio de EMI hasta que los Beatles remezclaban pistas para el álbum Revolver en junio. [18] "The Void" se cita como otro título provisional, pero según el historiador de los Beatles Mark Lewisohn , esto fue el resultado de Neil Aspinall , el asistente y manager de gira de la banda , refiriéndose a él como tal en una edición contemporánea de The Beatles Book . [19] Lennon dijo que se decidió por la frase de Starr "para suavizar las pesadas letras filosóficas". [20] También dijo que "The Void" habría sido un título más adecuado, pero estaba preocupado por sus obvias connotaciones de drogas. [21] Según el relato de Aspinall en The Beatles Monthly , la parte musical de la canción fue el resultado del trabajo de los cuatro Beatles para garantizar que la música coincidiera con el poder de la letra de Lennon: "La melodía básica se escribió durante las primeras horas de la grabación. sesión." [22]
Estructura musical
McCartney recordó que a pesar de que la armonía de la canción estaba restringida principalmente al acorde de C , George Martin , el productor de los Beatles, la aceptó tal como estaba y dijo que era "bastante interesante". [9] [nb 1] La estructura armónica se deriva de la música india , un género que Harrison había introducido al sonido de los Beatles a finales de 1965 con su sitar parte en ' Norwegian Wood ', y se basa en un alto volumen C avión no tripulado jugado en una tambura . [24] La clave musical de la canción es C Mixolydian . [25] El acorde sobre el dron es generalmente C mayor, pero algunos cambios en B ♭ mayor son el resultado de modulaciones vocales, así como bucles de cinta orquestal y de guitarra. [26] [27]
Según el autor Peter Lavezzoli, la composición es la primera canción pop que evita por completo los cambios formales de acordes. [28] [nb 2] A pesar de esta limitación, el musicólogo Dominic Pedler ve el ingenio armónico de los Beatles mostrado en las armonías superiores - "Turn off your mind", por ejemplo, es una serie de notas de melodía E invariables, antes de que "relax" implique un cambio de nota de melodía E-G y "flotar corriente abajo" un descenso E-C-G. [32] "No está muriendo" implica una serie de tres notas de melodía G que se elevan al "morir" a un B ♭ , al comienzo del quinto compás del verso, [33] creando un ♭ VII / I (B ♭ / C) policordio "barra". [32] [nb 3] Debido a la adherencia de Lennon al texto de Leary, "Tomorrow Never Knows" fue también la primera canción de los Beatles en apartarse de cualquier forma de esquema de rimas. [17]
Grabación
"Tomorrow Never Knows" fue la primera canción que se intentó durante las sesiones de Revolver , [35] que comenzaron a las 8 pm el 6 de abril de 1966, [36] en Studio 3 en EMI Studios (posteriormente Abbey Road Studios ). [10] Geoff Emerick , quien fue ascendido al rol de ingeniero de grabación de los Beatles para Revolver , recordó que la banda "nos animó a romper las reglas" y asegurarnos de que cada instrumento "suene diferente a sí mismo". [37] Lennon buscó capturar la atmósfera de una ceremonia budista tibetana ; [38] le dijo a Martin que la canción debería sonar como si la cantaran mil monjes tibetanos, con su voz evocando al Dalai Lama cantando desde la cima de una montaña. [39] [40] Este último efecto se logró mediante el uso de un altavoz Leslie. Cuando se le explicó el concepto a Lennon, preguntó si se podía lograr el mismo efecto colgándolo boca abajo y girándolo alrededor de un micrófono mientras cantaba en él. [10] [41] Emerick hizo un conector para entrar en el circuito electrónico del gabinete Leslie y luego volvió a grabar la voz a medida que salía del altavoz giratorio. [42] [43]
Además de su enfoque al grabar Rubber Soul a fines del año anterior, los Beatles y Martin adoptaron la idea del estudio de grabación como un instrumento en Revolver , particularmente "Tomorrow Never Knows". [44] Como Lennon odiaba hacer una segunda toma para duplicar su voz, Ken Townsend , el gerente técnico del estudio, desarrolló una forma alternativa de seguimiento doble llamado sistema de seguimiento doble artificial (ADT), tomando la señal del cabezal de sincronización de una cinta. máquina y retrasándola ligeramente a través de una segunda máquina de cinta. [45] Las dos máquinas de cinta utilizadas no estaban alimentadas por la red eléctrica, sino por un generador separado que emitía una frecuencia particular, la misma para ambas, manteniéndolas así bloqueadas juntas. [45] Al alterar la velocidad y las frecuencias, pudo crear varios efectos, que los Beatles usaron durante la grabación de Revolver . [46] La voz de Lennon tiene doble pista en los primeros tres versos de la canción: el efecto de la caja de Leslie se puede escuchar después del solo de guitarra (al revés). [47]
La pista incluye la batería altamente comprimida que los Beatles preferían en ese momento, con platillos inversos, guitarra inversa, voces procesadas, efectos de cinta en bucle y drones de sitar y tambura. [41] En la descripción del musicólogo Russell Reising, el "estado meditativo" de una experiencia psicodélica se transmite a través del zumbido musical, realzando la imaginería lírica, mientras que el "zumbido" de un "subidón" inducido por drogas se reproduce sonoramente en Harrison. tambura ritmo y el sonido de batería fuertemente tratado de Starr. [33] A pesar de los cambios de acordes implícitos en los versos y repetidamente al final de la canción, [33] el bajo de McCartney mantiene un ostinato constante en C. [48] Reising escribe sobre la parte de batería:
El acompañamiento de Starr a lo largo de la pieza consiste en una especie de marcha a trompicones, proporcionando un poco de interrupción temporal ... [El] primer acento de cada compás cae en el primer tiempo del compás y el segundo acento ocurre en la segunda mitad del tercer cuarto del compás. , semicorcheas dobles en tartamudeo preventivo del énfasis rítmico normal en el segundo tiempo de fondo - difícilmente un gesto clásico de rock and roll. [33]
El uso de bucles de cinta de audio de ¼ de pulgada se debió principalmente a la admiración de McCartney para Stockhausen 's Gesang der Jünglinge . [49] [50] Al desactivar el cabezal de borrado de una grabadora y luego enrollar un bucle continuo de cinta a través de la máquina durante la grabación, la cinta se sobregraba constantemente , creando un efecto de saturación, una técnica que también se usa en la música concreta . [49] También se podría inducir a la cinta a ir más rápido y más lento. McCartney animó a los otros Beatles a usar los mismos efectos y crear sus propios bucles. [27] Después de experimentar por sí mismos, los diversos Beatles proporcionaron un total de "30 o más" loops de cinta a Martin, quien seleccionó 16 para usar en la canción. [51] Cada bucle tenía una duración de unos seis segundos. [51]
La sobregrabación de los bucles de cinta tuvo lugar el 7 de abril. [41] Los bucles se reprodujeron en máquinas de cinta BTR3 ubicadas en varios estudios del edificio Abbey Road [52] y controladas por técnicos de EMI en Studio Three. [53] Cada máquina fue monitoreada por un técnico, quien tuvo que sostener un lápiz dentro de cada bucle para mantener la tensión. [51] Los cuatro Beatles controlaban los faders de la mesa de mezclas mientras Martin variaba el panorama estéreo y Emerick miraba los medidores. [54] [55] Ocho de las cintas se utilizaron a la vez, cambiadas a la mitad de la canción. [54] Las cintas se hicieron (como la mayoría de los otros bucles) mediante superposición y aceleración. [56] [57] Según Martin, la mezcla final de los bucles de cinta no se pudo repetir debido a la forma compleja y aleatoria en la que se colocaron sobre la música. [9] Harrison describió de manera similar la mezcla de loops como "espontánea", dado que cada ejecución podría favorecer diferentes sonidos sobre otro. [9]
Cinco bucles de cinta son prominentes en la versión final de la canción. Según el autor Ian MacDonald , que escribió en la década de 1990, estos bucles contienen lo siguiente:
- Una grabación de la risa de McCartney, acelerada para parecerse al sonido de una gaviota (entra a las 0:07)
- Un acorde orquestal de B ♭ mayor (0:19)
- Un Mellotron en su ajuste de flauta (0:22)
- Un sonido de cuerdas de Mellotron, alternando entre B ♭ y C en un tiempo de 6/8 (0:38)
- Un sitar que reproduce una frase escalada ascendente, grabada con mucha saturación y acelerada (0:56). [58]
El autor Robert Rodríguez escribe que el contenido de los cinco bucles ha seguido invitando al debate entre los comentaristas, sin embargo, y que la manipulación aplicada a cada una de las grabaciones ha hecho que sean imposibles de descifrar con autoridad. [59] Basado en los puntos de vista más difundidos, dice que, además de la risa de McCartney y el acorde B ♭ mayor, los sonidos eran dos bucles de pasajes de sitar, ambos invertidos y acelerados, y un bucle de cuerdas Mellotron y voces de metal. . [60] En su libro Recording the Beatles , Kevin Ryan y Brian Kehew enumeran dos bucles de grabaciones de sitar pero, en lugar de Mellotron, enumeran una mandolina o guitarra acústica, tratada con eco de cinta . [15] [61] En lugar de volver a la práctica estándar con un solo de guitarra en medio de la canción, la pista incluye lo que McCartney describió como un "solo de cinta". [62] No obstante, esta sección incluye una parte de guitarra solista interpretada por Harrison [61] y grabada con la cinta al revés, para complementar los sonidos. [63]
Las sobregrabaciones finales se grabaron el 22 de abril. [64] Según Lewisohn, que tenía acceso a los registros y notas de los estudios de EMI, estas sobregrabaciones comprendían el sitar de Harrison y la parte vocal tratada por Leslie de Lennon. [65] [nb 4]
Más tarde, Lennon le dijo al biógrafo de los Beatles Hunter Davies : "Debería haber intentado acercarme a mi idea original, los monjes cantando. Ahora me doy cuenta de que eso es lo que quería". [42] [67] La toma descartada 1 se publicó en la compilación Anthology 2 en 1996. [67] [40]
Vistas previas e influencia en el proyecto Revolver
Si bien destacó " Love You To " como un ejemplo de cómo los Beatles exploraron por completo la forma musical india durante las sesiones de Revolver , el historiador de la música Simon Philo identifica "Tomorrow Never Knows" como la pista que "hizo pocas concesiones a la fórmula, si es que hizo alguna, por lo que confirmó que los Beatles se habían movido inequívocamente. 'Tomorrow Never Knows' era apenas una canción, y mucho menos una canción pop ". [68] El musicólogo William Echard lo describe como un ejemplo de una canción de raga rock "codeándose con la vanguardia clásica". [3] Después de completar la grabación, McCartney estaba ansioso por evaluar la reacción de los contemporáneos de la banda. El 2 de mayo, le tocó la canción a Bob Dylan en la suite del hotel de este último en Londres; cuando comenzó la pista, Dylan dijo con desdén: "Oh, lo entiendo. Ya no quieres ser lindo". [69] Según Marianne Faithfull , quien también estaba presente, Dylan salió de la habitación. [70] McCartney recordó que cuando los Beatles tocaron la canción para los miembros de los Rolling Stones y The Who , "visiblemente se sentaron y estaban interesados", mientras que Cilla Black "simplemente se rió". [71]
Después de experimentar con las técnicas de "Tomorrow Never Knows", los Beatles utilizaron sonidos invertidos y variaciones de velocidad de cinta ampliamente durante las sesiones de Revolver . [72] [73] En " Rain ", que se publicó como la cara B de su sencillo " Paperback Writer " en mayo de 1966, parte de la pista vocal de Lennon se repitió al revés sobre la coda, [74] mientras que Harrison planificó y grabó sus partes de guitarra solistas para " I'm Only Sleeping " con la dirección de la cinta invertida, para lograr un efecto dislocado. [75] [76] [nb 5]
Tony Hall , una figura de la industria de la música y periodista con reputación de predecir tendencias, también recibió una vista previa de la canción, junto con otras pistas de las primeras sesiones. [78] Escribiendo en su columna para Record Mirror en el número del 14 de mayo, Hall destacó especialmente "The Void" cuando describió las nuevas canciones como "las más revolucionarias jamás hechas por un grupo pop". [nb 6] Centrándose en los efectos electrónicos de otro mundo, escribió: "En cuanto al sonido, es como un viaje hipnóticamente horrible a través de la jungla oscura e interminable de la mente de alguien ... Y el efecto es de formas, sonidos y colores que se ciernen sobre y por encima de uno y acercándose y alejándose de un dron monótono ". [80] Hall agregó que la pista era "tan revolucionaria como Ornette Coleman apareció en la escena del jazz hace una década", antes de concluir: "[Los Beatles] están muy por delante. Y estoy deseando escuchar tu reacción cuando el álbum finalmente se emite ". [79]
Lanzamiento
- Crítico musical Richie Unterberger
"Tomorrow Never Knows" fue secuenciada como la pista final en Revolver , que el sello Parlophone de EMI emitió el 5 de agosto de 1966. [82] [83] Según el autor Mark Hertsgaard , como la primera canción grabada durante las sesiones de Revolver , su secuencia asegura que la pista sirve como "la cima a la que asciende todo el álbum". [84] En su diseño para la portada del LP, Klaus Voormann se inspiró en la canción, reconociendo la necesidad de una obra de arte que capturara la nueva dirección de los Beatles [85] y el aspecto vanguardista de la grabación. [86] Voormann dijo más tarde que encontraba "Tomorrow Never Knows" "aterrador", y agregó que estaba "tan lejos de las primeras cosas de los Beatles que incluso yo mismo pensé, bueno, el tipo normal de fanático de los Beatles no querría comprar este disco. Pero lo hicieron ". [87] En una entrevista en octubre de 1966, Harrison describió la canción como "fácilmente la cosa nueva más asombrosa que se nos ha ocurrido", pero reconoció que podría representar "un terrible lío de sonido" para los oyentes que se acercaron al pista sin "oídos abiertos". Añadió: "Es como la música india. No debes escuchar música oriental con un oído occidental". [61]
Antes del lanzamiento, EMI había enviado las canciones a las estaciones de radio a lo largo de julio, en incrementos, para preparar a la audiencia de los Beatles para la nueva música. "Tomorrow Never Knows" fue la última pista en recibir una transmisión pública, unos días antes de que el álbum se publicara comercialmente. [88] La reacción a Revolver fue "generalmente extasiada", según MacDonald, y los oyentes se maravillaron con la "invención auditiva" del álbum. [89] Para los fans menos progresivos de los Beatles, sin embargo, los cambios radicales en el sonido de la banda fueron la fuente de confusión. [90] [91] El editor de la revista australiana para adolescentes Mirabelle escribió: "Todos, desde Brisbane hasta Bootle, odian esa tonta canción que Lennon cantó al final de Revolver ". [71] Recordando el lanzamiento en su libro de 1977 The Beatles Forever , Nicholas Schaffner comentó que mientras que los fanáticos más tradicionales del grupo se entusiasmaron con las nuevas canciones de McCartney, "algunas personas pensaron que Lennon estaba brotando un galimatías completo, y concluyeron que el pobre muchacho se había salido del final profundo." [92] [nb 7]
A los 16 años en 1966, el autor y académico Nick Bromell dice que las drogas psicodélicas estaban a un año de "irrumpir" en la cultura juvenil estadounidense, y la mayoría de los oyentes contemporáneos escucharon "extrañeza, sin diluir e indignante" en la canción. [94] Añade: "'El mañana nunca sabe' era un enigma que entenderían sólo gradualmente, a través de muchas escuchas y durante muchos meses. Lo escucharon ante todo como un lugar para habitar, no como una respuesta o una liberación. " [95]
Recepción de la crítica
En la reseña de su álbum para la NME , Allen Evans expresó su confusión sobre "Tomorrow Never Knows". [96] En respuesta a la exhortación de la letra de "relajarse y flotar río abajo", escribió: "Pero, ¿cómo puedes relajarte con los ruidos electrónicos del espacio exterior, que a menudo suenan como gaviotas? ... Sólo la percusión firme de Ringo es natural. " [97] Peter Jones, de Record Mirror, comentó: "Se necesita algún tipo de microscopio auditivo para captar el mensaje de esto. Pero es una audición muy convincente". [98] Disco y Música Echo ' revisión de s Revolver tomó la forma de un resumen pista por pista por Ray Davies de los Kinks , que, en el autor Steve Turner ' opinión s, aprovechó la oportunidad para el aire su amargura de larga data hacia la Beatles. [99] Davies no estaba impresionado con la pista, [100] y concluyó que la banda debe haber tenido "George Martin atado a un tótem cuando hicieron esto". [101]
Escribiendo en el recientemente lanzado Crawdaddy! , Paul Williams se burló de "Tomorrow Never Knows" y del sencillo del álbum, " Yellow Submarine ", diciendo de la canción de Lennon: "Un buen artista no publica los primeros borradores". [102] Edward Greenfield de The Guardian describió la pista como "el elemento más notable en un nuevo disco compulsivo". Dijo que la letra era un "tipo de poesía curiosa" que transmitía el concepto de "música pop como un sustituto, tanto de las emociones de la jungla como de los consuelos de la religión", como los adolescentes seguían en la larga tradición social de desconectar la mente y entregándose "al líder tribal, al sacerdote, o ahora al cantante pop". Greenfield concluyó diciendo: "Gracias a Dios que Lennon está siendo satírico: al menos uno lo espera". [103]
En 2006, Pitchfork clasificó a "Tomorrow Never Knows" en el puesto 19 en su lista de "Las 200 mejores canciones de la década de 1960" [104] y la revista Q colocó la pista 75 en una lista de "Las 100 mejores canciones de todos los tiempos". [15] "Tomorrow Never Knows" aparece en el número 18 de la revista Rolling Stone ' lista de las mejores canciones de los Beatles s [105] y en el número 4 en las listas similares compilados por Uncut en 2001 [106] y Mojo en 2006. [107] En 2018, el personal de música de Time Out London lo clasificó en el número 2 en su lista de las mejores canciones de los Beatles. [108] Según Acclaimed Music , es la 157ª canción más celebrada en la historia de la música popular. [109]
Amor remix
En 2006, Martin y su hijo, Giles Martin , remezclaron 80 minutos de música de los Beatles para la actuación teatral de Las Vegas Love , una empresa conjunta entre Cirque du Soleil y Apple Corps de los Beatles . [110] En el álbum Love , el ritmo de "Tomorrow Never Knows" se mezcló con la voz y la melodía de " Within You Without You ", creando una versión diferente de las dos canciones. [111] [112]
Al revisar el álbum para PopMatters , Zeth Lundy escribió: "La mezcla 'Within You Without You' / 'Tomorrow Never Knows', quizás la pista más emocionante y efectiva de todo el disco, fusiona dos canciones especialmente trascendentales en una: ... . una unión de dos declaraciones ambiguas y abiertas de búsqueda espiritual ". [113] En su capítulo sobre el período psicodélico de los Beatles en The Cambridge Companion to the Beatles , los autores Russell Reising y Jim LeBlanc describen "Within You Without You / Tomorrow Never Knows" como "el segmento más impresionante musical y visualmente" del Cirque. espectáculo du Soleil. [114] El remix de Love es una de las canciones principales de The Beatles: Rock Band . [115]
Influencia y legado
En la cultura popular
Nicholas Schaffner dijo que los oyentes que habían estado confundidos por la letra de la canción probablemente no estaban familiarizados con las drogas alucinógenas y el mensaje de Timothy Leary, pero que la cualidad trascendental se hizo clara durante la preparación del Verano del amor de 1967 . [116] Según Colin Larkin , en la Enciclopedia de Música Popular , "El mañana nunca sabe" ha sido reconocido como "la evocación más eficaz de una experiencia con LSD jamás registrada". [117]
Ian MacDonald dice que el mensaje de la canción representó un concepto revolucionario en la sociedad en general en 1966, y al presentar el LSD y la "revolución psicodélica" de Leary a la juventud occidental, es "uno de los discos más influyentes socialmente que jamás hayan hecho los Beatles". [118] Y añade: "'Tomorrow Never Knows' lanzó el concepto de expansión mental conservado por élite hasta entonces en el pop, llamando simultáneamente la atención sobre las drogas que mejoran la conciencia y las antiguas filosofías religiosas de Oriente, completamente ajenas al pensamiento occidental. en su antimaterialismo, pasividad absorta y enfoque escéptico del mundo en la conciencia visionaria ". [119]
Según Simon Philo, "Tomorrow Never Knows" fue el tema más rompedor de un álbum que anunciaba la llegada del sonido "underground London". [120] Barry Miles también lo ve como el punto culminante experimental de Revolver , que él recuerda como un "anuncio del underground" y un trabajo que resonó en el nivel del jazz experimental entre los miembros del movimiento, incluidos los que pronto fundaron el OVNI. Club . [121]
En musica
Hernan Campbell de Sputnikmusic reconoce "Tomorrow Never Knows" como "la composición psicodélica más importante en la historia del género" y "el epítome de todo lo que representa la psicodelia". [122] En opinión del ex editor de Mojo Paul Trynka , la pista se benefició más de la capacidad de los Beatles para canalizar sus ideas en una forma de canción reconocible, una disciplina que aseguró que sus grabaciones psicodélicas fueran superiores a las de Grateful Dead y otros contemporáneos. San Francisco actúa. [123] En el artículo de Mojo de 1997 "Psychedelia: The 100 Greatest Classics", Jon Savage enumeró la grabación de abril de 1966 como el primer elemento en su historia cronológica de la psicodelia del Reino Unido, [124] y agregó que la canción "tuvo un impacto inmediato en la cultura pop ". [125] Según Bromell, escribiendo en su libro Tomorrow Never Knows: Rock and Psychedelics en la década de 1960 , la pista es "considerada por muchos críticos como la canción de rock más importante de la década". [126]
En su libro Electronic and Experimental Music , Thom Holmes incluye "Tomorrow Never Knows" en su lista de "trabajos pioneros" en la música electrónica . Él atribuye a la canción "marcar el comienzo de una nueva era en el uso de la música electrónica en el rock y la música pop". [2] Los historiadores de la música David Luhrssen y Michael Larson dicen que con Revolver los Beatles "borraron los límites del tiempo y la cultura", y agregaron: "Lo antiguo se encontró con lo moderno en 'Tomorrow Never Knows' cuando los cítares encontraron bucles de cinta. repetición sostenida del zumbido, ausente en la música occidental desde la Edad Media y recién descubierto por el compositor de vanguardia La Monte Young ". [127] Según Peter Lavezzoli, en su libro The Dawn of Indian Music in the West , "'Tomorrow Never Knows' fue la producción más innovadora hasta la fecha en música popular" y dice que "aún conserva un poder visceral aterrador". [28]
El musicólogo Walter Everett describe a Revolver como "un ejemplo innovador de música electrónica" y dice que "Tomorrow Never Knows" también fue "muy influyente" en el rock psicodélico . [128] [nb 8] Él identifica sus efectos de estudio y su forma musical como fundamentales para " Pow R. Toc H. " de Pink Floyd y reconoce el mismo uso de manipulación extrema a la velocidad de la cinta en grabaciones posteriores de Jimi Hendrix y Frank Zappa. , y cintas al revés en la obra de Hendrix, Pink Floyd, The Byrds , The Who, The Electric Prunes , Spirit , Tomorrow , Soft Machine y la Primera Edición . También identifica la voz tratada por Leslie como un precedente para una experimentación similar de Hendrix, Grateful Dead, Moody Blues , Cream , Yes , Led Zeppelin y Black Sabbath . [130]
Jon Pareles , el principal crítico de música pop de The New York Times , ha descrito "Tomorrow Never Knows" como "un portal a décadas de música por venir". [131] Steve Turner destaca que el muestreo de sonido y la manipulación de la cinta han tenido "un efecto profundo en todos, desde Jimi Hendrix hasta Jay Z ". [132] Habiendo introducido estas técnicas en el pop convencional, Turner escribe, "Tomorrow Never Knows" inspiró el muestreo que se convirtió en un lugar común diez años después, como en " Rapper's Delight " de Sugarhill Gang y otros ejemplos de un artista tomando un pozo -Riff o motivo musical conocido de una canción existente; en David Byrne y Brian Eno 's My Life in the Bush de los fantasmas , con el uso de una variedad de hablada y muestras vocales; en grabaciones de Big Audio Dynamite , que incluían muestras de bandas sonoras de películas; y en Moby 's Play , con su incorporación de pistas vocales poco conocidas y dispares. [132] En 2011, DJ Spooky dijo que la canción de los Beatles permanecía "en el ADN de tantas cosas que están sucediendo en estos días" y que el uso de " collage de cinta solo lo convierte en una de las primeras pistas en usar el muestreo con mucho éxito". También piense que la idea de Brian Eno del estudio como instrumento proviene de este tipo de grabación. [133]
Recordando su introducción a "Tomorrow Never Knows" en 1966, el productor estadounidense Tony Visconti ha dicho: "Fue increíble cómo la música coincidía con las letras y, antes de este álbum, nadie escribía así". También dijo que Revolver "mostró cómo el estudio podía usarse como instrumento" y contribuyó a su decisión de mudarse a Londres, porque "tenía que aprender cómo la gente hacía discos como este". [134] En su libro de 2004 Sonic Alchemy: Visionary Music Producers and Their Maverick Recordings , David Howard combina el trabajo de Martin en "Tomorrow Never Knows" con la producción de Phil Spector de 1966 de " River Deep - Mountain High " como los dos "logros visionarios en sonido "que aseguraba que" el estudio de grabación fuera ahora su propio instrumento: la producción discográfica se había elevado al arte ". [135]
La canción está referenciada en la letra de la canción de 1995 de Oasis " Morning Glory ": "El mañana nunca sabe lo que no sabe demasiado pronto". [136] [137] [nb 9] Los Chemical Brothers se han referido a "Tomorrow Never Knows" como la plantilla para su música; [139] su tema de 1996 " Setting Sun " es un tributo directo a él, al igual que " Let Forever Be ". John Foxx de Ultravox también citó "Tomorrow Never Knows" como una influencia, diciendo que "Tan pronto como lo escuché, supe que contenía casi todo lo que me gustaría investigar por el resto de mi vida". [123] En 2012, la canción se incluyó como la canción principal del álbum recopilatorio de iTunes de los Beatles Tomorrow Never Knows , que el sitio web de la banda describió como una colección de "las canciones de rock más influyentes de los Beatles". [140]
Versiones de portada
- 801 , un grupo de rock experimental que incluía a Brian Eno y su ex compañero de banda de Roxy Music , Phil Manzanera , interpretó la canción en vivo en sus tres conciertos en 1976, bajo el nombre "TNK (Tomorrow Never Knows)". La última actuación en el Queen Elizabeth Hall de Londres fue lanzada en su álbum 801 Live . El autor y músico Alan Clayson cita la adopción de la pista por 801 como evidencia de que la influencia musical de los Beatles se mantuvo fuerte entre los artistas del glam rock de los 70 , y que esta última escena carecía de la división generacional que pronto caracterizaría al punk rock . [141] Dave Swanson de Ultimate Classic Rock clasifica la versión de 801 en el número 6 en su lista de las "10 versiones más exclusivas de los Beatles", y dice que la banda transforma la canción en un arreglo que presenta "líneas de bajo funky, sintetizadores que pelean y dinámica guitarrística de Manzanera ". [142]
- Phil Collins lanzó una versión de su álbum de 1981, Face Value, como un tributo a John Lennon, quien fue asesinado cuando Collins estaba grabando el álbum.
- En 2007, Oasis puso "Within You Without You" con la música de "Tomorrow Never Knows" como su contribución al tributo del 40 aniversario de la BBC al Sgto. De los Beatles . El álbum de Pepper's Lonely Hearts Club Band . [15]
- Alison Mosshart y Carla Azar realizaron una versión de la banda sonora de la película Sucker Punch (2011).
En televisión y cine
La canción fue parodiada, como "LS Bumblebee", como parte de un sketch satírico sobre el fenómeno Swinging London en el especial de televisión de Navidad de No sólo ... Pero también de 1966, [143] que incluía un cameo de Lennon. [144] Cantada por los comediantes Peter Cook y Dudley Moore , ambos vestidos con ropa india, la canción evoca los sonidos de las gaviotas de "Tomorrow Never Knows" a través de la presencia de un pájaro graznando en el estudio, e incluye letras que suenan en el contradicciones sensoriales de líneas como "Escucha el color de tus sueños" de la pista de los Beatles. [143] [145]
En 1967, Bruce Conner utilizó "Tomorrow Never Knows" como banda sonora de su película experimental Looking for Mushrooms, inspirada en el LSD . [146] Al reelaborar la película para una presentación de 1996, Conner reemplazó la canción con una pieza instrumental del compositor de vanguardia Terry Riley . [4]
El título de la canción inspiró el título de la aventura de 1997 de James Bond Tomorrow Never Dies , cuando el guionista Bruce Feirstein , todavía buscando un título, escuchó la canción en la radio. El título original de la película entonces era Tomorrow Never Lies , pero un error tipográfico lo cambió al título final. [147]
"Tomorrow Never Knows" apareció durante la escena final del episodio de 2012 de Mad Men " Lady Lazarus ". La esposa de Don Draper , Megan, le da una copia de Revolver , llamando su atención sobre una pista específica y sugiriendo: "Empiece con esta". [148] Draper, un ejecutivo de publicidad, está luchando por comprender la cultura juvenil, pero después de contemplar la canción durante unos momentos de desconcierto, la apaga. [149] La pista también se reprodujo durante los créditos finales. [150] Los derechos de la canción le costaron a los productores alrededor de $ 250,000, [149] "aproximadamente cinco veces más que el costo típico de licenciar una canción para televisión". [148]
Personal
Según Ian MacDonald: [151]
- John Lennon - voz, órgano Hammond , Mellotron , [152] bucles de cinta
- Paul McCartney - bajo, bucles de cinta
- George Harrison - sitar , tambura , guitarra solista, loops de cinta
- Ringo Starr - batería, pandereta, bucles de cinta
- George Martin - piano de tachuela [152]
Notas
- ↑ Lennon tocó la canción por primera vez para Brian Epstein , Martin y los otros Beatles en la casa de Epstein en 24 Chapel Street, Belgravia , Londres. [23]
- ↑ Los cambios de acordes limitados, típicos de la música clásica india , fueron una característica de varias de las canciones que los Beatles grabaron al principio de las sesiones de Revolver . [29] [30] " Love You To " deHarrisonpresenta de manera similar unacorde impl VIIimplícitocomo su única desviación del acorde I (de Do mayor). [31]
- ^ Este es un dispositivo destacado en canciones de los Beatles como " All My Loving ", " A Hard Day's Night ", " Help! ", "Norwegian Wood", " Hey Jude ", " Revolution ", " Dear Prudence " y " Get Atrás ". [34]
- ↑ Sin embargo, según el autor John Winn, Lewisohn está equivocado. Winn dice que las sobregrabaciones de ese día fueron: órgano, pandereta y piano, todo en una pista de la cinta multipista; Lennon doblando manualmente su voz que no es de Leslie en los dos primeros versos; y la guitarra solista (posiblemente interpretada por McCartney) grabada con la dirección de la cinta invertida. [66] Steve Turner también identifica esta sesión como la fecha en que se agregó la guitarra solista "al revés", aunque da crédito a Harrison como el jugador, [61] al igual que Mark Hertsgaard . [63]
- ^ La banda experimentó más con los bucles de cinta en sus proyectos posteriores. Los ejemplos incluyen " Carnival of Light ", una pieza inédita grabada durante el Sgt. Sesiones de Pepper's Lonely Hearts Club Band ; el sargento. Pepper track "¡ Ser en beneficio de Mr. Kite! "; y " Revolution 9 ", lanzado por The Beatles . [77]
- ↑ Hall enfatizó que los títulos aún no estaban finalizados y agregó: "Los chicos hablan de eso como 'The Void'. Pero dudo mucho que termine así". [79]
- ^ En su libro de 2014 Beatleness , la socióloga Candy Leonard cita la reacción de los fanáticos contemporáneos a la canción. Uno recuerda que su ansiedad aumentó con la secuencia del álbum: "['Tomorrow Never Knows'] era lo último que me dejaban ... esperaba que no fueran completamente así". [93]
- ^ En su libro Encienda su mente , que tituló en reconocimiento de la canción, Jim DeRogatis enumera Revólver en primer lugar en su "último Psychedelic Biblioteca de Rock", y filas "Tomorrow Never Knows" como el mejor de todos los Beatles psicodélicos canciones de rock, por delante de "Rain". [129]
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Don Draper desenvainó un LP de Revolver e introdujo la canción 'Tomorrow Never Knows'. La reacción general en Twitter fue: 'Vaya'. Ese sentimiento fue seguido inmediatamente por algo como, '¿Cuánto les costó eso?' Respuesta: alrededor de 250.000 dólares, según personas familiarizadas con el trato. Eso es aproximadamente cinco veces más que el costo típico de licenciar una canción para TV. En una entrevista, el creador de la serie Matthew Weiner cuestionó esa cifra, pero se negó a discutir los detalles financieros del acuerdo. Los Beatles supervivientes, junto con Yoko Ono y Olivia Harrison , firmaron el uso de 'Mad Men'.
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enlaces externos
- Letra completa de la canción en el sitio web oficial de los Beatles.
- Alan W. Pollack 's Notas sobre "Tomorrow Never Knows"