Película musical

Género cinematográfico

Cantando bajo la lluvia (1952) póster de película

El cine musical es un género cinematográfico en el que las canciones de los personajes se entrelazan en la narrativa, a veces acompañadas de bailes. Las canciones generalmente avanzan en la trama o desarrollan los personajes de la película, pero en algunos casos, sirven simplemente como pausas en la trama, a menudo como elaborados "números de producción".

La película musical fue un desarrollo natural de la etapa musical después del surgimiento de la tecnología de películas sonoras. Por lo general, la mayor diferencia entre las películas y los musicales de escenario es el uso de escenarios y escenarios de fondo lujosos que no serían prácticos en un teatro. Las películas musicales contienen característicamente elementos que recuerdan al teatro; los artistas intérpretes o ejecutantes a menudo tratan sus canciones y bailes como si una audiencia en vivo estuviera mirando. En cierto sentido, el espectador se convierte en la audiencia diegética , ya que el intérprete mira directamente a la cámara y actúa con ella.

Con el advenimiento del sonido a fines de la década de 1920, los musicales ganaron popularidad entre el público y están ejemplificados por las películas de Busby Berkeley , un coreógrafo conocido por sus piezas distintivas y elaboradas con múltiples coristas. Estos lujosos números de producción están tipificados por su trabajo coreográfico en 42nd Street , Gold Diggers of 1933 , Footlight Parade (todos de 1933). Durante la década de 1930, las películas musicales de Fred Astaire y Ginger Rogers se convirtieron en elementos culturales masivos a los ojos del público estadounidense. Estas películas incluyen Top Hat (1935), Follow the Fleet , Swing Time (ambas de 1936) y Shall We Dance(1937). El mago de Oz (1939) de Victor Fleming se convertiría en un hito para las películas musicales, ya que experimentó con nuevas tecnologías como Technicolor .

Durante las décadas de 1940 y 1950, se estrenaron regularmente películas musicales de los musicales de MGM . Estas obras incluyeron: Meet Me in St. Louis (1944), Easter Parade (1948), On the Town (1949), An American in Paris (1951), Singin 'in the Rain (1952), The Band Wagon (1953) , High Society (1956) y Gigi (1958). Durante este tiempo, las películas fuera de la unidad Arthur Freed en MGM incluyeron, Holiday Inn (1942), White Christmas (1954) y Funny Face (1957), ¡así como Oklahoma!(1955), El rey y yo (1956), Carrusel y Pacífico Sur (1958). Estas películas de la época generalmente se basaban en el poder estelar de estrellas cinematográficas como Fred Astaire , Gene Kelly , Bing Crosby , Frank Sinatra , Judy Garland , Ann Miller , Kathryn Grayson y Howard Keel . También contaron con directores de cine como Stanley Donen y Vincente Minnelli , así como con los compositores Comden y Green , Rodgers y Hammerstein , Irving Berlin ,Cole Porter y los hermanos Gershwin .

Durante la década de 1960, las películas basadas en musicales teatrales continuaron siendo un éxito de crítica y de taquilla. Estas películas incluyen, West Side Story (1961), Gypsy (1962), The Music Man (1962), Bye Bye Birdie (1963), My Fair Lady , Mary Poppins (ambas 1964), The Sound of Music (1965), A Algo gracioso sucedió en el camino al foro , Cómo tener éxito en los negocios sin realmente intentarlo , completamente moderno Millie (todo 1967), Oliver! y chica divertida(ambos de 1968). En la década de 1970, la cultura cinematográfica y la demografía cambiante de los espectadores pusieron un mayor énfasis en el realismo descarnado, mientras que el puro entretenimiento y la teatralidad de los musicales de Hollywood de la era clásica se consideraban anticuados. A pesar de esto, Willy Wonka & the Chocolate Factory (1971), Fiddler on the Roof (1971), Cabaret (1972), 1776 (1972), Bedknobs and Broomsticks de Disney (1971) y Pete's Dragon (1977), así como Grease. y el mago(ambos de 1978), eran musicales más tradicionales adaptados de cerca de espectáculos teatrales y tuvieron un gran éxito entre la crítica y el público. A lo largo de las décadas de 1980 y 1990, los musicales tendían a provenir principalmente de las películas animadas de Disney de la época, de compositores y letristas, Howard Ashman , Alan Menken y Stephen Schwartz . El Renacimiento de Disney comenzó con La Sirenita de 1989 , luego siguió La Bella y la Bestia (1991), Aladdin (1992), El Rey León (1994), Pocahontas (1995), El jorobado de Notre Dame (1996), Hércules.(1997) y Mulan (1998).

Desde el siglo XXI, el género musical se rejuveneció con musicales más oscuros, biopics musicales, remakes musicales, musicales dramáticos épicos y musicales de comedia dramática como Moulin Rouge. (2001), Chicago (2002), El fantasma de la ópera (2004), Rent , Walk the Line (ambos 2005), Dreamgirls (2006), Across the Universe , Enchanted , Hairspray , Sweeney Todd: El barbero demoníaco de Fleet Street (todo 2007), Mamma Mia! (2008), Nueve (2009), Los Muppets (2011), Los Miserables (2012),Into the Woods , Muppets Most Wanted (ambos en 2014), La La Land (2016), The Greatest Showman (2017), Mamma Mia! ¡Aquí vamos de nuevo! , A Star Is Born , Mary Poppins Returns (todo 2018) y Rocketman (2019).

Películas musicales de Hollywood

El mago de Oz (1939) es considerada una de las mejores películas de todos los tiempos.

1930-1950: la primera era del sonido clásico o la primera era musical

Se considera que la década de 1930 hasta principios de la de 1950 fue la edad de oro del cine musical, cuando la popularidad del género estaba en su punto más alto en el mundo occidental . Disney 's Blancanieves y los siete enanitos , la película de animación de Disney película más temprano, era un musical que ganó un Oscar honorífico por Walt Disney en la 11ª Edición de los Oscar .

Los primeros musicales

Lee de Forest hizo cortometrajes musicales en 1923–24. A partir de 1926, se hicieron miles de cortos de Vitaphone , muchos de ellos con bandas, vocalistas y bailarines. Los primeros largometrajes con sonido sincronizado tenían solo una banda sonora de música y efectos de sonido ocasionales que se reproducían mientras los actores retrataban a sus personajes tal como lo hacían en las películas mudas: sin diálogo audible. ^[1] The Jazz Singer , lanzado en 1927 por Warner Brothers , fue el primero en incluir una pista de audio que incluía música no diegética y música diegética, pero solo tenía una breve secuencia de diálogo hablado. Este largometraje también fue un musical, con Al Jolsoncantando "Dirty Hands, Dirty Face", "Toot, Toot, Tootsie", " Blue Skies " y " My Mammy ". El historiador Scott Eyman escribió: "Cuando la película terminó y los aplausos crecieron con las luces de la casa, la esposa de Sam Goldwyn , Frances, miró a las celebridades en la multitud. Vio 'terror en todos sus rostros', dijo, como si supieran que 'el juego que habían estado jugando durante años finalmente había terminado' ". ^[2] Aún así, solo las secuencias aisladas presentaban sonido "en vivo"; la mayor parte de la película tenía solo una partitura musical sincronizada. ^[1] En 1928, Warner Brothers siguió con otro medio hablador de Jolson, The Singing Fool ,que fue un éxito de taquilla. ^[1]Los teatros se apresuraron a instalar el nuevo equipo de sonido y contratar compositores de Broadway para escribir musicales para la pantalla. ^[3] El primer largometraje en el que todos hablan, Lights of New York , incluyó una secuencia musical en un club nocturno. El entusiasmo del público fue tan grande que en menos de un año todos los grandes estudios estaban realizando exclusivamente películas sonoras. The Broadway Melody (1929) tenía una trama del mundo del espectáculo sobre dos hermanas que compiten por un encantador hombre que canta y baila. Anunciada por MGM como el primer largometraje de "Todo habla, canta y baila", fue un éxito y ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película.para 1929. Los estudios se apresuraron a contratar talentos del escenario para protagonizar versiones ricamente filmadas de éxitos de Broadway. The Love Parade (Paramount 1929) protagonizada por Maurice Chevalier y la recién llegada Jeanette MacDonald , escrita por el veterano de Broadway Guy Bolton . ^[3]

Warner Brothers produjo la primera opereta en pantalla, The Desert Song en 1929. No escatimaron gastos y fotografiaron un gran porcentaje de la película en Technicolor . A esto le siguió la primera función musical a todo color y que hablaba todo, que se tituló On with the Show (1929). La película más popular de 1929 fue la segunda película a todo color y que hablaba todo, titulada Gold Diggers of Broadway (1929). Esta película rompió todos los récords de taquilla y siguió siendo la película más taquillera jamás producida hasta 1939. De repente, el mercado se inundó de musicales, revistas y operetas. Los siguientes musicales a todo color se produjeron solo en 1929 y 1930: The Hollywood Revue of 1929 (1929),El espectáculo de espectáculos (1929), Sally (1929), El rey vagabundo (1930), Follow Thru (1930), Bright Lights (1930), Golden Dawn (1930), Hold Everything (1930), The Rogue Song (1930) , Canción de la llama (1930), Canción del oeste (1930), Sweet Kitty Bellairs (1930), Under a Texas Moon (1930), Bride of the Regiment (1930), Whoopee! (1930), Rey del Jazz (1930), Noches de Viena (1930) y Bésame de nuevo(1930). Además, se lanzaron decenas de funciones musicales con secuencias de colores.

Hollywood estrenó más de 100 películas musicales en 1930, pero sólo 14 en 1931. ^[4] A finales de 1930, el público se había saturado de musicales y los estudios se vieron obligados a cortar la música de las películas que estaban siendo estrenadas. Por ejemplo, Life of the Party (1930) se produjo originalmente como una comedia musical a todo color y que hablaba todo. Sin embargo, antes de su lanzamiento, las canciones fueron eliminadas. Lo mismo sucedió con Fifty Million Frenchmen (1931) y Manhattan Parade (1932), ambas filmadas íntegramente en Technicolor . Marlene Dietrich cantó canciones con éxito en sus películas, y Rodgers y Hartescribió algunas películas bien recibidas, pero incluso su popularidad disminuyó en 1932. ^[4] El público había llegado rápidamente a asociar el color con los musicales y, por lo tanto, la disminución de su popularidad también resultó en una disminución de las producciones en color.

Busby Berkeley

El gusto por los musicales revivió nuevamente en 1933 cuando el director Busby Berkeley comenzó a realzar el número de baile tradicional con ideas extraídas de la precisión de los ejercicios que había experimentado como soldado durante la Primera Guerra Mundial . En películas como 42nd Street y Gold Diggers of 1933 (1933), Berkeley coreografió varias películas con su estilo único. Los números de Berkeley suelen comenzar en un escenario, pero trascienden gradualmente las limitaciones del espacio teatral: sus ingeniosas rutinas, que involucran cuerpos humanos que forman patrones como un caleidoscopio, nunca podrían caber en un escenario real y la perspectiva deseada es mirar directamente desde arriba. ^[5]

Estrellas musicales

Estrellas musicales como Fred Astaire y Ginger Rogers se encontraban entre las personalidades más populares y respetadas de Hollywood durante la era clásica; la pareja Fred y Ginger fue particularmente exitosa, lo que resultó en una serie de películas clásicas, como Top Hat (1935), Swing Time (1936) y Shall We Dance (1937). Muchos actores dramáticos participaron con gusto en musicales como una forma de romper con su encasillamiento. Por ejemplo, el polifacético James Cagney había saltado originalmente a la fama como cantante de teatro y bailarín, pero su repetido casting en papeles de "tipo duro" y películas de la mafia le dio pocas oportunidades de mostrar estos talentos. Oscar de CagneySu papel ganador en Yankee Doodle Dandy (1942) le permitió cantar y bailar, y lo consideró uno de sus mejores momentos.

Muchas comedias (y algunos dramas) incluyeron sus propios números musicales. Las películas de los hermanos Marx incluyeron un número musical en casi todas las películas, lo que permitió a los hermanos resaltar sus talentos musicales. Su última película, titulada Love Happy (1949), contó con Vera-Ellen , considerada la mejor bailarina entre sus colegas y profesionales del medio siglo.

Del mismo modo, el comediante de vodevil WC Fields unió fuerzas con la actriz cómica Martha Raye y el joven comediante Bob Hope en la antología musical de Paramount Pictures The Big Broadcast of 1938 . La película también mostró el talento de varios artistas musicales reconocidos internacionalmente, entre ellos: Kirsten Flagstad (soprano de ópera noruega), Wilfred Pelletier (director canadiense de la Metropolitan Opera Orchestra ), Tito Guizar (tenor mexicano), Shep Fields dirigiendo su Rippling Rhythm Jazz Orchestra y John Serry Sr.(Acordeonista de concierto italoamericano). ^[6] Además del Premio de la Academia a la Mejor Canción Original (1938), la película ganó un Premio de Cine y Televisión de la ASCAP (1989) por la canción insignia de Bob Hope " Thanks for the Memory ". ^[7]

La Unidad Liberada

Reproducir medios

Rock, Rock, Rock , una película musical de 1956

A fines de la década de 1940 y principios de la de 1950, una unidad de producción en Metro-Goldwyn-Mayer dirigida por Arthur Freed hizo la transición de películas musicales anticuadas, cuya fórmula se había vuelto repetitiva, a algo nuevo. (Sin embargo, también produjeron remakes en tecnicolor de musicales como Show Boat , que se había filmado anteriormente en la década de 1930). En 1939, Freed fue contratado como productor asociado de la película Babes in Arms . A partir de 1944 con Meet Me in St. Louis , Freed Unit trabajó de forma algo independiente de su propio estudio para producir algunos de los ejemplos más populares y conocidos del género. Los productos de esta unidad incluyen Easter Parade (1948), On the Town(1949), An American in Paris (1951), Cantando bajo la lluvia (1952), The Band Wagon (1953) y Gigi (1958). Musicales no liberado de los estudios incluidos Siete novias para siete hermanos en 1954 y Alta Sociedad en 1956, y el estudio distribuido Samuel Goldwyn 's Ellos y ellas en 1955.

En esta era, las estrellas de la música se convirtieron en nombres familiares, incluidos Judy Garland , Gene Kelly , Ann Miller , Donald O'Connor , Cyd Charisse , Mickey Rooney , Vera-Ellen , Jane Powell , Howard Keel y Kathryn Grayson . Fred Astaire también fue convencido de que se retirara para el Desfile de Pascua e hizo un regreso permanente.

Fuera de MGM

Los otros estudios de Hollywood demostraron ser igualmente expertos en abordar el género en este momento, particularmente en la década de 1950. Cuatro adaptaciones de los programas de Rodgers y Hammerstein : ¡Oklahoma! , The King and I , Carousel y South Pacific , fueron todos éxitos, mientras que Paramount Pictures lanzó White Christmas y Funny Face , dos películas que utilizaron música previamente escrita por Irving Berlin y los Gershwin, respectivamente. Warner Bros. produjo Calamity Jane y A Star Is Born ; la primera película fue un vehículo para Doris Day, mientras que este último proporcionó un regreso a la pantalla grande para Judy Garland, quien había estado fuera del centro de atención desde 1950. Mientras tanto, el director Otto Preminger , más conocido por "imágenes de mensajes", hizo Carmen Jones y Porgy and Bess , ambas protagonizadas por Dorothy Dandridge. , quien es considerada la primera estrella de cine afroamericana de la lista A. El célebre director Howard Hawks también incursionó en el género con Gentlemen Prefer Blondes .

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En las décadas de 1960, 1970 y hasta la actualidad, la película musical se convirtió en un género menos rentable en el que se podía confiar para obtener éxitos seguros. Las audiencias para ellos disminuyeron y se produjeron menos películas musicales a medida que el género se volvió menos convencional y más especializado.

El musical de los sesenta

En la década de 1960, el éxito de crítica y taquilla de las películas West Side Story , Gypsy , The Music Man , Bye Bye Birdie , My Fair Lady , Mary Poppins , The Sound of Music , A Funny Thing Happened on the Way to the Forum , El libro de la selva , completamente moderno Millie , Oliver! Y Funny Girl sugirió que el musical tradicional gozaba de buena salud, mientras que el cineasta francés Jacques Demy 's jazz musicales Los paraguas de Cherburgo yLas chicas jóvenes de Rochefort fueron populares entre la crítica internacional. Sin embargo, los gustos musicales populares se estaban viendo muy afectados por el rock and roll y la libertad y la juventud asociadas con él, y de hecho, Elvis Presley hizo algunas películas que se han equiparado con los antiguos musicales en términos de forma, aunque A Hard Day's Night y Help! , protagonizada por los Beatles , eran técnicamente más audaces. La mayoría de las películas musicales de las décadas de 1950 y 1960, como Oklahoma. y The Sound of Music fueron adaptaciones sencillas o nuevas interpretaciones de producciones teatrales exitosas. Los musicales más exitosos de la década de 1960 creados específicamente para el cine fueronMary Poppins y El libro de la selva , dos de los mayores éxitos de Disney de todos los tiempos.

La fenomenal actuación de taquilla de The Sound of Music dio a los principales estudios de Hollywood más confianza para producir musicales extensos y de gran presupuesto. A pesar del rotundo éxito de algunas de estas películas, Hollywood también produjo una gran cantidad de fracasos musicales a finales de los sesenta y principios de los setenta que parecieron juzgar gravemente mal el gusto del público. Las películas sin éxito comercial y / o crítico incluyen Camelot , Finian's Rainbow , Hello Dolly! , Dulce Caridad , Doctor Dolittle , Medio Seis Peniques , El Millonario Más Feliz , Estrella! , Querida Lili , Adiós, Sr. Chips, Paint Your Wagon , Canción de Noruega , En un día despejado que se puede ver para siempre , Hombre de La Mancha , Horizonte perdido y Mame . Colectiva e individualmente, estas fallas afectaron la viabilidad financiera de varios estudios importantes.

1970

En la década de 1970, la cultura cinematográfica y la demografía cambiante de los espectadores pusieron un mayor énfasis en el realismo descarnado, mientras que el puro entretenimiento y la teatralidad de los musicales de Hollywood de la era clásica se consideraban anticuados. A pesar de esto, Fiddler on the Roof y Cabaret fueron musicales más tradicionales adaptados de cerca de los espectáculos teatrales y tuvieron un gran éxito con la crítica y el público. Los cambios en las costumbres culturales y el abandono del Código Hays en 1968 también contribuyeron a cambiar los gustos del público cinematográfico. La película de 1973 de Andrew Lloyd Webber y Tim Rice 's Jesucristo Superstarfue recibido con algunas críticas por grupos religiosos pero fue bien recibido. A mediados de la década de 1970, los cineastas evitaron el género a favor de usar música de bandas populares de rock o pop como música de fondo, en parte con la esperanza de vender un álbum de banda sonora a los fanáticos. The Rocky Horror Picture Show se lanzó originalmente en 1975 y fue un fracaso crítico hasta que comenzó las proyecciones de medianoche en la década de 1980, donde alcanzó el estatus de culto. 1976 vio el lanzamiento del musical cómico de bajo presupuesto, The First Nudie Musical , lanzado por Paramount. La versión cinematográfica de 1978 de Grease fue un gran éxito; sus canciones eran composiciones originales hechas en un estilo pop de la década de 1950. Sin embargo, la secuela Grease 2(lanzado en 1982) bombardeado en taquilla. Se produjeron películas sobre artistas intérpretes o ejecutantes que incorporaron dramatismo enérgico y números musicales entrelazados como una parte diegética de la historia, como Lady Sings the Blues , All That Jazz y New York, New York . Algunos musicales realizados en Gran Bretaña experimentó con la forma, como Richard Attenborough 's Oh! Qué Lovely War (publicado en 1969), de Alan Parker 's Bugsy Malone y Ken Russell ' s Tommy y Lisztomanía .

Todavía se estaban realizando una serie de musicales cinematográficos que eran financieramente y / o críticamente menos exitosos que en el apogeo del musical. Incluyen 1776 , The Wiz , At Long Last Love , Mame , Man of La Mancha , Lost Horizon , Godspell , Phantom of the Paradise , Funny Lady ( la secuela de Barbra Streisand de Funny Girl ), A Little Night Music y Hair Among otros. La ira crítica contra At Long Last Love , en particular, fue tan fuerte que nunca se lanzó en video casero. Las películas musicales de fantasía Scrooge , The Blue Bird , The Little Prince , Willy Wonka & the Chocolate Factory , Pete's Dragon y Bedknobs and Broomsticks de Disney también se estrenaron en la década de 1970, esta última ganó el Premio de la Academia a los Mejores Efectos Visuales .

Década de 1980 a 1990

En la década de 1980, los financieros se volvieron cada vez más confiados en el género musical, en parte impulsados ​​por la relativa salud del musical en Broadway y el West End de Londres . Las producciones de las décadas de 1980 y 1990 incluyeron The Apple , Xanadu , The Blues Brothers , Annie , The Meaning of Life de Monty Python , The Best Little Whorehouse in Texas , Victor / Victoria , Footloose , Fast Forward , A Chorus Line , Little Shop of Horrors , Zona Prohibida , Principiantes Absolutos ,Laberinto , Evita y Todo el mundo dice te quiero . Sin embargo, Can't Stop the Music , protagonizada por Village People , fue un intento calamitoso de resucitar el antiguo musical y fue lanzado a la indiferencia del público en 1980. Little Shop of Horrors se basó en una adaptación musical fuera de Broadway de un musical de 1960 Roger Corman film, un precursor de adaptaciones posteriores de película a escenario a película, incluidos The Producers .

Muchas películas animadas de la época, predominantemente de Disney , incluían números musicales tradicionales. Howard Ashman , Alan Menken y Stephen Schwartz tenían experiencia previa en teatro musical y escribieron canciones para películas animadas durante este tiempo, reemplazando a los caballos de batalla de Disney, los Sherman Brothers . A partir de La Sirenita de 1989 , el Renacimiento de Disney dio nueva vida a la película musical. Otros musicales animados exitosos incluyen Aladdin , El jorobado de Notre Dame y Pocahontas de Disney propiamente dicho, The Nightmare Before Christmas.de la división de Disney Touchstone Pictures, El príncipe de Egipto de DreamWorks, Anastasia de Fox y Don Bluth, y South Park: Bigger, Longer & Uncut de Paramount. (La Bella y la Bestia y El Rey León fueron adaptados para el escenario después de su éxito de taquilla).

2000-ahora: La segunda era clásica o Nueva Era Musical

Musicales del siglo XXI o New Age

En el siglo XXI, las películas musicales renacieron con musicales más oscuros, biopics musicales, musicales dramáticos épicos y musicales de comedia dramática como Moulin Rouge. , Chicago , Walk the Line , Dreamgirls , Sweeney Todd: El barbero demoníaco de Fleet Street , Los miserables y La La Land ; todas las cuales ganaron el Globo de Oro a la Mejor Película - Musical o Comedia en sus respectivos años, mientras que películas como El Fantasma de la Ópera , Hairspray , Mamma Mia! , Nueve , Into the Woods , The Greatest Showman, Mary Poppins Returns y Rocketman solo fueron nominados. ¡Chicago también fue el primer musical desde Oliver! para ganar la Mejor Película en los Premios de la Academia.

El documental de Joshua Oppenheimer nominado al Premio de la Academia The Act of Killing puede considerarse un musical de no ficción. ^[8]

Una tendencia musical específica fue el creciente número de musicales de máquina de discos basados ​​en música de varios artistas de pop / rock en la pantalla grande, algunos de los cuales se basan en espectáculos de Broadway. Ejemplos de películas musicales basadas en Broadway incluyen Mamma Mia! ( ABBA ), Rock of Ages y Sunshine on Leith ( The Proclaimers ). Los originales incluyeron Across the Universe ( The Beatles ), Moulin Rouge. (varios éxitos del pop), Idlewild ( Outkast ) y Yesterday (The Beatles).

Disney también regresó a los musicales con Enchanted , The Princess and the Frog , Tangled , Winnie the Pooh , The Muppets , Frozen , Muppets Most Wanted , Into the Woods , Moana , Mary Poppins Returns y Frozen II . Tras una serie de éxitos con adaptaciones de fantasía de acción en vivo de varias de sus características animadas , Disney produjo una versión de acción en vivo de La bella y la bestia. , el primero de este paquete de adaptación de fantasía de acción en vivo en ser un musical completo, y presenta nuevas canciones, así como nuevas letras tanto para el número de Gaston como para la repetición de la canción principal. La segunda película de este paquete de adaptación de fantasía de acción en vivo que será un musical completo fue Aladdin y presenta nuevas canciones. La tercera película de este paquete de adaptación de fantasía de acción en vivo que será un musical completo fue El Rey León y presenta nuevas canciones. Pixar también produjo Coco , la primera película musical animada por computadora de la compañía.

Otras películas musicales animadas incluyen Rio , Trolls , Sing , Smallfoot y UglyDolls . Las biografías sobre artistas musicales y showmen también fueron importantes en el siglo XXI. Los ejemplos incluyen 8 Mile ( Eminem ), Ray ( Ray Charles ), Walk the Line ( Johnny Cash y June Carter ), La Vie en Rose ( Édith Piaf ), Notorious ( Biggie Smalls ), Jersey Boys ( The Four Seasons ) Love & Mercy( Brian Wilson ), CrazySexyCool: The TLC Story ( TLC ), Aaliyah: La princesa del R&B ( Aaliyah ), Get on Up ( James Brown ), Whitney ( Whitney Houston ), Straight Outta Compton ( NWA ), The Greatest Showman ( PT) Barnum ), Bohemian Rhapsody ( Freddie Mercury ), ^{[ cita requerida ]} The Dirt ( Mötley Crüe ) y Rocketman ( Elton John).

El director Damien Chazelle creó una película musical llamada La La Land , protagonizada por Ryan Gosling y Emma Stone . Estaba destinado a reintroducir el estilo de jazz tradicional de los números de las canciones con influencias de la Edad de Oro de Hollywood y los musicales franceses de Jacques Demy , al tiempo que incorpora una versión contemporánea / moderna de la historia y los personajes con equilibrios en los números de fantasía y la realidad fundamentada. Recibió 14 nominaciones en los Premios de la Academia 89 , empatando el récord de más nominaciones con All About Eve (1950) y Titanic (1997), y ganó los premios a Mejor Director , Mejor Actriz ,Mejor fotografía , mejor música original , mejor canción original y mejor diseño de producción .

Películas musicales indias

Los bailes de Bollywood generalmente siguen o se coreografían para filmar canciones de Bollywood .

Artículos principales: Bollywood y Cine de la India

Vea también: Filmi , Masala film y Music of Bollywood

Una excepción al declive del cine musical es el cine indio , especialmente la industria cinematográfica de Bollywood con sede en Mumbai (antes Bombay), donde la mayoría de las películas han sido y siguen siendo musicales. La mayoría de las películas producidas en la industria tamil con sede en Chennai (antes Madras), Sandalwood con sede en Bangalore , la industria telugu con sede en Hyderabad y la industria malayalam también son musicales.

A pesar de esta excepción de que casi todas las películas indias son musicales y la India produce la mayor cantidad de películas en el mundo (formada en 1913), la primera película de Bollywood en ser un musical completo Dev D (dirigida por Anurag Kashyap ) llegó en el año 2009. La segunda película en seguir su pista fue Jagga Jasoos (Dirigida por Anurag Basu ) en el año 2017.

Primeras películas sonoras (décadas de 1930 a 1940)

El melodrama y el romance son ingredientes comunes de las películas de Bollywood. En la foto de Achhut Kanya (1936)

Los musicales de Bollywood tienen sus raíces en el teatro musical tradicional de la India , como el teatro musical clásico indio , el drama en sánscrito y el teatro parsi . Los primeros cineastas de Bombay combinaron estas tradiciones del teatro musical indio con el formato de cine musical que surgió de las primeras películas sonoras de Hollywood. ^[9] Otras influencias tempranas en los cineastas de Bombay incluyeron la literatura urdu y las mil y una noches . ^[10]

La primera película sonora india, Ardeshir Irani 's Alam Ara (1931), fue un gran éxito comercial. ^[11] Era evidente que existía un mercado enorme para las películas sonoras y los musicales; Bollywood y todas las industrias cinematográficas regionales cambiaron rápidamente a la filmación de sonido.

En 1937, Ardeshir Irani, famoso por Alam Ara , hizo la primera película en color en hindi , Kisan Kanya . Al año siguiente, hizo otra película en color, una versión de Mother India . Sin embargo, el color no se convirtió en una característica popular hasta finales de la década de 1950. En este momento, los lujosos musicales románticos y melodramas eran la comida básica en el cine.

Edad de Oro (finales de la década de 1940 a 1960)

Nargis , Raj Kapoor y Dilip Kumar en Andaz (1949). Kapoor y Kumar se encuentran entre las estrellas de cine más grandes e influyentes en la historia del cine indio , ^{[12] [13]} mientras que Nargis es una de sus más grandes actrices. ^[14]

Tras la independencia de la India , los historiadores del cine consideran el período comprendido entre finales de la década de 1940 y principios de la de 1960 como la "Edad de Oro" del cine hindi . ^{[15] [16] [17]} Algunas de las películas hindúes más aclamadas por la crítica de todos los tiempos se produjeron durante este período. Los ejemplos incluyen Pyaasa (1957) y Kaagaz Ke Phool (1959) dirigida por Guru Dutt y escrita por Abrar Alvi , Awaara (1951) y Shree 420 (1955) dirigida por Raj Kapoor y escrita por Khwaja Ahmad Abbas , y Aan (1952) dirigida porMehboob Khan y protagonizada por Dilip Kumar . Estas películas expresaron temas sociales relacionados principalmente con la vida de la clase trabajadora en la India , particularmente la vida urbana en los dos primeros ejemplos; Awaara presentó la ciudad como una pesadilla y un sueño, mientras que Pyaasa criticaba la irrealidad de la vida de la ciudad. ^[18]

Mehboob Khan 's Madre India (1957), una nueva versión de su anterior Aurat (1940), fue la primera película india en ser nominada para el Oscar a la mejor película en lengua extranjera , que perdió por un solo voto. ^[19] Mother India también fue una película importante que definió las convenciones del cine hindi durante décadas. ^{[20] [21] [22]}

En la década de 1960 y principios de la de 1970, la industria estaba dominada por películas románticas musicales con protagonistas de "héroes románticos", siendo la más popular Rajesh Khanna . ^[23] Otros actores durante este período incluyen a Shammi Kapoor , Jeetendra , Sanjeev Kumar y Shashi Kapoor , y actrices como Sharmila Tagore , Mumtaz , Saira Banu , Helen y Asha Parekh .

Bollywood clásico (de 1970 a 1980)

A principios de la década de 1970, el cine hindi experimentaba un estancamiento temático, ^[24] dominado por las películas románticas musicales . ^[23] La llegada del dúo de guionistas Salim – Javed , formado por Salim Khan y Javed Akhtar , marcó un cambio de paradigma, revitalizando la industria. ^[24] Comenzaron el género de las películas de crímenes del inframundo de Bombay ásperas y violentas a principios de la década de 1970, con películas como Zanjeer (1973) y Deewaar (1975). ^{[25] [26]}

La década de 1970 fue también cuando se acuñó el nombre "Bollywood", ^{[27] [28]} y cuando se establecieron las convenciones por excelencia de las películas comerciales de Bollywood. ^{[29] La} clave para esto fue la aparición del género cinematográfico masala , que combina elementos de múltiples géneros ( acción , comedia , romance , drama , melodrama , musical). La película masala fue iniciada a principios de la década de 1970 por el cineasta Nasir Hussain , ^[30] junto con el dúo de guionistas Salim-Javed, ^[29] pioneros en el formato de éxito de taquilla de Bollywood . ^[29] Yaadon Ki Baarat (1973), dirigida por Hussain y escrita por Salim-Javed, ha sido identificada como la primera película masala y la "primera" película esencialmente de "Bollywood". ^{[31] [29]} Salim-Javed pasó a escribir películas de masala más exitosas en las décadas de 1970 y 1980. ^{[29] Las} películas de Masala lanzaron a Amitabh Bachchan a convertirse en la mayor estrella de cine de Bollywood de las décadas de 1970 y 1980. Un hito para el género cinematográfico masala fue Amar Akbar Anthony (1977), ^{[32] [31]} dirigida por Manmohan Desai y escrita por Kader Khan . Manmohan Desai llegó a explotar con éxito el género en las décadas de 1970 y 1980.

Junto con Bachchan, otros actores populares de esta época incluyeron a Feroz Khan , ^[33] Mithun Chakraborty , Naseeruddin Shah , Jackie Shroff , Sanjay Dutt , Anil Kapoor y Sunny Deol . Las actrices de esta época incluyeron a Hema Malini , Jaya Bachchan , Raakhee , Shabana Azmi , Zeenat Aman , Parveen Babi , Rekha , Dimple Kapadia , Smita Patil , Jaya Prada y Padmini Kolhapure .^[34]

New Bollywood (1990-presente)

A fines de la década de 1980, el cine hindi experimentó otro período de estancamiento, con una disminución en la participación en la taquilla, debido al aumento de la violencia, la disminución de la calidad melódica musical y el aumento de la piratería de videos, lo que llevó a las audiencias familiares de clase media a abandonar los cines. El punto de inflexión llegó con Qayamat Se Qayamat Tak (1988), dirigida por Mansoor Khan , escrita y producida por su padre Nasir Hussain , y protagonizada por su primo Aamir Khan con Juhi Chawla . Su combinación de juventud, entretenimiento saludable, cocientes emocionales y melodías fuertes atrajo al público familiar de regreso a la pantalla grande. ^{[35] [36]}Estableció una nueva plantilla para las películas románticas musicales de Bollywood que definieron el cine hindi en la década de 1990. ^[36]

El período del cine hindi a partir de la década de 1990 se conoce como cine "New Bollywood", ^[37] vinculado a la liberalización económica en la India a principios de la década de 1990. ^[38] A principios de la década de 1990, el péndulo había vuelto hacia los musicales románticos centrados en la familia. A Qayamat Se Qayamat Tak le siguieron éxitos de taquilla como Maine Pyar Kiya (1989), Chandni (1989), Hum Aapke Hain Kaun (1994), Dilwale Dulhania Le Jayenge (1995), Raja Hindustani (1996), Dil To Pagal Hai (1997) ), Pyaar To Hona Hi Tha (1998) y Kuch Kuch Hota Hai(1998). Surgió una nueva generación de actores populares, como Aamir Khan, Aditya Pancholi , Ajay Devgan , Akshay Kumar , Salman Khan ( hijo de Salim Khan ) y Shahrukh Khan , y actrices como Madhuri Dixit , Sridevi , Juhi Chawla , Meenakshi Seshadri , Manisha. Koirala , Kajol y Karisma Kapoor . ^[34]

Desde la década de 1990, las tres estrellas de cine de Bollywood más importantes han sido los " Tres Khans ": Aamir Khan , Shah Rukh Khan y Salman Khan . ^{[39] [40] En} conjunto, han protagonizado la mayoría de las diez películas de Bollywood más taquilleras . Los tres Khan han tenido carreras exitosas desde finales de la década de 1980, ^[39] y han dominado la taquilla india desde la década de 1990, ^{[41] a lo} largo de tres décadas. ^[42]

Influencia en las películas occidentales (2000-presente)

Baz Luhrmann declaró que su exitosa película musical Moulin Rouge! (2001) se inspiró directamente en los musicales de Bollywood. ^[43] La película rinde homenaje a la India, incorporando una obra de teatro de temática india y una secuencia de baile al estilo de Bollywood con una canción de la película China Gate . ¡El éxito crítico y financiero del Moulin Rouge! renovado interés en el entonces moribundo género musical de acción en vivo occidental, y posteriormente se produjeron películas como Chicago , The Producers , Rent , Dreamgirls y Hairspray , lo que impulsó un renacimiento del género. ^[44]

The Guru y The 40-Year-Old Virgin también presentan secuencias de canciones y bailes al estilo indio; el musical de Bollywood Lagaan (2001) fue nominado al Oscar a la Mejor Película en Lengua Extranjera ; otras dos películas de Bollywood, Devdas (2002) y Rang De Basanti (2006), fueron nominadas al premio BAFTA a la mejor película que no está en idioma inglés ; y Slumdog Millionaire (2008),ganadora del Oscar de Danny Boyle ,también presenta un número de canción y baile al estilo de Bollywood durante los créditos finales de la película.

Películas musicales españolas

España tiene una historia y tradición de películas musicales que se hicieron independientes de la influencia de Hollywood. Las primeras películas surgen durante la Segunda República Española de los años 30 y el advenimiento del cine sonoro . Algunas zarzuelas ( opereta española ) incluso fueron adaptadas como guiones durante la época del cine mudo. Los inicios del musical español se centraron en arquetipos románticos españoles: pueblos y paisajes andaluces , gitanos, bandoleros, copla y otras canciones populares incluidas en el desarrollo de la historia. Estas películas tuvieron incluso más éxito de taquilla que los estrenos de Hollywood en España. Las primeras estrellas del cine español procedían del género musical: Imperio Argentina ,Estrellita Castro , Florián Rey (director) y, más tarde, Lola Flores , Sara Montiel y Carmen Sevilla . El musical español empezó a expandirse y crecer. Aparecen estrellas juveniles y encabezan la taquilla. Marisol , Joselito , Pili & Mili y Rocío Dúrcal fueron las grandes figuras del cine musical de los sesenta a los setenta. Debido a la transición española a la democracia y al auge de la " cultura Movida ", el género musical cayó en producción y taquilla, solo salvado por Carlos Saura y sus películas musicales flamencas .

Película musical soviética bajo Stalin

A diferencia de las películas musicales de Hollywood y Bollywood, popularmente identificadas con el escapismo, el musical soviético fue ante todo una forma de propaganda. Vladimir Lenin dijo que el cine era "la más importante de las artes". Su sucesor, Joseph Stalin , también reconoció el poder del cine para difundir eficazmente la doctrina del Partido Comunista. Las películas fueron muy populares en la década de 1920, pero fue el cine extranjero el que dominó el mercado cinematográfico soviético. Las películas de Alemania y Estados Unidos resultaron más entretenidas que los dramas históricos del director soviético Sergei Eisenstein . ^[45]En la década de 1930 estaba claro que si el cine soviético iba a competir con sus homólogos occidentales, tendría que dar al público lo que querían: el glamour y la fantasía que obtenían de Hollywood. ^[46] La película musical, que surgió en ese momento, encarnaba la combinación ideal de entretenimiento e ideología oficial.

Una lucha entre la risa por la risa y el entretenimiento con un mensaje ideológico claro definiría la edad de oro del musical soviético de los años treinta y cuarenta. El entonces jefe de la industria cinematográfica, Boris Shumyatsky, trató de emular el método de producción de cinta transportadora de Hollywood, llegando incluso a sugerir el establecimiento de un Hollywood soviético. ^[47]

The Jolly Fellows

En 1930, el estimado director de cine soviético Sergei Eisenstein fue a los Estados Unidos con su colega director Grigori Aleksandrov para estudiar el proceso cinematográfico de Hollywood. Las películas estadounidenses impactaron mucho a Aleksandrov, particularmente los musicales. ^[48] Regresó en 1932 y en 1934 dirigió The Jolly Fellows , el primer musical soviético. La película fue ligera en la trama y se centró más en la comedia y los números musicales. Al principio, los funcionarios del partido recibieron la película con gran hostilidad. Aleksandrov defendió su trabajo argumentando la noción de risa por la risa. ^[49]Finalmente, cuando Aleksandrov mostró la película a Stalin, el líder decidió que los musicales eran un medio eficaz para difundir propaganda. Mensajes como la importancia del trabajo colectivo y las historias de la pobreza a la riqueza se convertirían en las tramas de la mayoría de los musicales soviéticos.

"Películas para millones"

El éxito de The Jolly Fellows aseguró un lugar en el cine soviético para el formato musical, pero inmediatamente Shumyatsky estableció pautas estrictas para asegurarse de que las películas promovieran los valores comunistas. El decreto de Shumyatsky "Películas para millones" exigía tramas, personajes y montajes convencionales para retratar con éxito el realismo socialista (la glorificación de la industria y la clase trabajadora) en el cine. ^[50]

La primera combinación exitosa de mensaje social y entretenimiento fue Circus de Aleksandrov (1936). Protagonizada por su esposa, Lyubov Orlova (una cantante de ópera que también había aparecido en The Jolly Fellows ) como un artista de circo estadounidense que tiene que emigrar a la URSS desde los Estados Unidos porque tiene un hijo mestizo, que tuvo con un negro. hombre. En medio del telón de fondo de lujosas producciones musicales, finalmente encuentra el amor y la aceptación en la URSS, transmitiendo el mensaje de que la tolerancia racial solo se puede encontrar en la Unión Soviética.

La influencia de la coreografía de Busby Berkeley en la dirección de Aleksandrov se puede ver en el número musical que conduce al clímax. Otra referencia más obvia a Hollywood es el imitador de Charlie Chaplin que proporciona un alivio cómico a lo largo de la película. Cuatro millones de personas en Moscú y Leningrado fueron a ver Circus durante su primer mes en los cines. ^[51]

Otra de las películas más populares de Aleksandrov fue The Bright Path (1940). Esta fue una reelaboración del cuento de hadas de Cenicienta ambientado en la Unión Soviética contemporánea. La Cenicienta de la historia volvió a ser Orlova, que en ese momento era la estrella más popular de la URSS. ^[52] Era un cuento de fantasía, pero la moraleja de la historia era que una vida mejor proviene del trabajo duro. Mientras que en Circus , los números musicales involucraban baile y espectáculo, el único tipo de coreografía en Bright Path es el movimiento de máquinas de fábrica. La música se limitó al canto de Orlova. Aquí, el trabajo proporcionó el espectáculo.

Ivan Pyryev

El otro director de películas musicales fue Ivan Pyryev . A diferencia de Aleksandrov, el foco de las películas de Pyryev era la vida en las granjas colectivas. Sus películas, Tractor Drivers (1939), The Swineherd and the Shepherd (1941), y su más famosa, Cossacks of the Kuban (1949), estaban protagonizadas por su esposa, Marina Ladynina. Como en Bright Path de Aleksandrov , la única coreografía era el trabajo que los personajes estaban haciendo en la película. Incluso las canciones hablaban del placer de trabajar.

En lugar de tener un mensaje específico para cualquiera de sus películas, Pyryev promovió el lema de Stalin "la vida se ha vuelto mejor, la vida se ha vuelto más alegre". ^[53] A veces, este mensaje contrastaba con la realidad de la época. Durante el rodaje de Cossacks of the Kuban , la Unión Soviética atravesaba una hambruna de posguerra. En realidad, los actores que cantaban sobre una época de prosperidad estaban hambrientos y desnutridos. ^[54] Las películas, sin embargo, proporcionaron escapismo y optimismo para el público espectador.

Volga-Volga

Volga-Volga , dirigida por Grigori Aleksandrov

La película más popular de la breve era de los musicales estalinistas fue la película de 1938 de Alexandrov Volga-Volga . La estrella, nuevamente, fue Lyubov Orlova y la película presentaba cantos y bailes, sin tener nada que ver con el trabajo. Es el más inusual de su tipo. La trama rodea una historia de amor entre dos personas que quieren tocar música. No representan los valores soviéticos en el sentido de que se centran más en su música que en sus trabajos. Las bromas se burlan de las autoridades locales y la burocracia. No hay glorificación de la industria ya que tiene lugar en un pequeño pueblo rural. El trabajo tampoco se glorifica, ya que la trama gira en torno a un grupo de aldeanos que aprovechan su tiempo de vacaciones para hacer un viaje por el Volga y el Canal de Moscú.actuar en Moscú. La película puede verse como una glorificación del canal de Moscú sin ningún indicio de que el canal fue construido por prisioneros del Gulag .

Volga-Volga siguió los principios estéticos del realismo socialista más que los principios ideológicos. Se convirtió en la película favorita de Stalin y se la regaló al presidente Roosevelt durante la Segunda Guerra Mundial . Es otro ejemplo de una de las películas que aseguraron que la vida es mejor. Lanzado en el apogeo de las purgas de Stalin, proporcionó escapismo y una ilusión reconfortante para el público. ^[55]

Listas de películas musicales

Más información: Listas de musicales

• Consulte Lista de películas musicales por año para obtener una lista de películas musicales en orden cronológico.
• Consulte la Lista de películas de Bollywood para obtener una lista de las películas musicales de Bollywood.
• Consulte Lista de películas basadas en obras de teatro o musicales para obtener una lista de películas musicales basadas en producciones teatrales.
• Consulte la Lista de los musicales más taquilleros para ver las películas musicales más taquilleras.

Ver también

• Las mejores películas musicales de AFI
• Ópera revolucionaria
• Listas de musicales

Referencias

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Lectura adicional

Recursos de la biblioteca sobre cine musical

Recursos en su biblioteca Recursos en otras bibliotecas

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