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Campanas a la medianoche
Falstaff-1967-Poster.jpg
Póster de estreno en cines de EE. UU.
Dirigido porOrson Welles
Producido por
Guión porOrson Welles
Residencia en
Protagonizada
Narrado porRalph Richardson
Musica porAngelo Francesco Lavagnino
CinematografíaEdmond Richard
Editado porFrederick Muller
producción
empresas
  • Internacional Films Española
  • Producciones alpinas
Distribuido porPeppercorn-Wormser Film Enterprises (Estados Unidos)
Fecha de lanzamiento
  • 22 de diciembre de 1965 (España) ( 22/12/1965 )
  • 17 de noviembre de 1966 (Suiza) ( 17 de noviembre de 1966 )
Tiempo de ejecución
119 minutos
Países
  • España
  • Suiza
Idiomainglés
Presupuesto$ 800 000
Taquillas516.762 admisiones (Francia) [1]

Falstaff (Campanadas a medianoche) ( español : Campanadas a medianoche ), 1965 es un período de comedia dramática película dirigida y protagonizada por Orson Welles . Lacoproducciónhispano-suiza [2] se estrenó en Estados Unidos como Chimes at Midnight y en la mayor parte de Europa como Falstaff . La trama de la película se centra en elpersonaje recurrente de William Shakespeare , Sir John Falstaff, y la relación de padre e hijo que tiene con el príncipe Hal , quien debe elegir entre la lealtad a su padre, el rey Enrique IV o Falstaff.

Welles dijo que el núcleo de la historia de la película era "la traición de la amistad". Está protagonizada por Welles como Falstaff, Keith Baxter como el príncipe Hal , John Gielgud como Enrique IV , Jeanne Moreau como Doll Tearsheet y Margaret Rutherford como Mistress Quickly . El guión contiene texto de cinco de las obras de Shakespeare; principalmente Enrique IV, Parte 1 y Enrique IV, Parte 2 , pero también Ricardo II , Enrique V y Las alegres esposas de Windsor . La narración de Ralph Richardson está tomada de las obras del cronistaRaphael Holinshed .

Welles había producido previamente una adaptación teatral de Broadway de nueve obras de Shakespeare llamada Five Kings en 1939. En 1960, revivió este proyecto en Irlanda como Chimes at Midnight , que fue su última actuación en el escenario. Ninguna de estas obras tuvo éxito, pero Welles consideró retratar a Falstaff como la ambición de su vida y convirtió el proyecto en una película. Para obtener el financiamiento inicial, Welles mintió al productor Emiliano Piedra sobre la intención de hacer una versión de Treasure Island , y mantener la película financiada durante su producción fue una lucha constante. Welles rodó Campanas a medianoche en toda España entre 1964 y 1965; se estrenó en el Festival de Cine de Cannes de 1966, ganando dos premios allí.

Inicialmente descartado por la mayoría de los críticos de cine, Chimes at Midnight se considera ahora como uno de los mayores logros de Welles, y el propio Welles lo llamó su mejor trabajo. Welles sintió una fuerte conexión con el personaje de Falstaff y lo llamó "la mayor creación de Shakespeare". Algunos estudiosos del cine y colaboradores de Welles han hecho comparaciones entre Falstaff y Welles, mientras que otros ven un parecido entre Falstaff y el padre de Welles. Las disputas sobre la propiedad de Chimes at Midnight hicieron difícil ver la película legalmente hasta hace poco. Fue lanzado en el Reino Unido en DVD y Blu-ray en 2015. Una nueva restauración de Janus Films y The Criterion Collection se proyectó en el Film Forum.en Nueva York del 1 al 12 de enero de 2016. Criterion Collection lanzó la película en Blu-ray y DVD el 30 de agosto de 2016. [3]

Trama [ editar ]

La película comienza con Sir John Falstaff y Justice Shallow caminando por la nieve, luego hacia un cálido fuego dentro de la casa de Justice Shallow en Gloucestershire, como recuerdan los dos. Después de una secuencia de créditos principal, el narrador explica que el rey Enrique IV de Inglaterra ha sucedido a Ricardo II , a quien ha matado. El verdadero heredero de Ricardo II, Edmund Mortimer , está prisionero en Gales, y los primos de Mortimer, Northumberland, Worcester y el hijo de Northumberland, Hotspur, exigen que Henry rescate a Mortimer. El rey se niega, y así los primos de Mortimer comienzan a planear el derrocamiento de Enrique.

Para gran descontento de Henry, su hijo, el príncipe Hal, pasa la mayor parte de su tiempo en la taberna Boar's Head, bebiendo y de juerga con prostitutas, ladrones y otros criminales bajo la influencia patriarcal de Falstaff. Falstaff insiste en que él y Hal deben considerarse caballeros, pero Hal advierte a Falstaff que algún día rechazará tanto este estilo de vida como a Falstaff. A la mañana siguiente, Hal, Falstaff, Bardolph, Peto y Poins se disfrazan en Gadshill para prepararse para robar a un grupo de peregrinos viajeros. Después de que Falstaff, Bardolph y Peto roban a los peregrinos, Hal y Poins saltan disfrazados y toman el tesoro robado de Falstaff como una broma.

De vuelta en la taberna Boar's Head, Falstaff comienza a contarle a Hal y Poins con creciente exageración la historia de cómo le robaron el dinero. Hal y Poins hacen agujeros en la historia de Falstaff hasta que revelan su broma a todo el grupo. Para celebrar el tesoro robado recién recuperado, Falstaff y Hal se turnan para hacerse pasar por Henry, con una corona de olla e impresiones vocales. Henry de Falstaff reprende a Hal por pasar su tiempo con delincuentes comunes, pero nombra a Sir John Falstaff como su único amigo virtuoso. Henry de Hal llama a Falstaff un "engañador de la juventud".

Hal visita al rey en el castillo y Henry lo regaña por su estilo de vida criminal y poco ético. Henry advierte a Hal sobre el creciente ejército de Hotspur y su amenaza para su corona. Hal le promete apasionadamente a su padre, que no está impresionado, que defenderá a Henry y redimirá su buen nombre. El ejército del Rey, incluido Falstaff, desfila por las calles y se dirige a la guerra. Antes de la batalla, Henry se reúne con Worcester y se ofrece a perdonar a todos los traidores de Hotspur si se rinden de inmediato. Hal promete matar personalmente a Hotspur. Worcester regresa a su campamento y miente a Hotspur, diciéndole que Henry tiene la intención de ejecutar a todos los traidores.

Los dos ejércitos se encuentran en la batalla de Shrewsbury (1403), pero Falstaff se esconde entre los arbustos durante la mayor parte del conflicto. Después de una larga y sangrienta lucha, los hombres del Rey ganan la batalla, tras lo cual Hotspur y Hal se encuentran solos y se enfrentan en duelo; mientras Falstaff observa, Hal mata a Hotspur. Henry condena a muerte a Worcester y toma a sus hombres como prisioneros. Falstaff lleva el cuerpo de Hotspur a Henry, alegando que mató a Hotspur; Henry no le cree a Falstaff, sino que mira con desaprobación a Hal y a la innoble compañía que mantiene.

"No te conozco, anciano: apóyate en tus oraciones;

¡Cuán enfermos los canos se vuelven tontos y bufones!
Hace mucho que soñé con un hombre
así , tan hinchado de hastío, tan viejo y tan profano;
Pero, al estar despierto, desprecio mi sueño ".

- Enrique IV, Parte 2 , Acto 5, Escena 5

El narrador explica que todos los enemigos rebeldes de Enrique IV fueron asesinados en 1408, pero que la salud de Enrique ha comenzado a deteriorarse. En el castillo, Henry se molesta cuando le dicen que Hal está pasando tiempo con Falstaff una vez más, y se derrumba. Hal visita el castillo y descubre que Henry está más enfermo de lo que pensaba. Hal le promete a Henry que será un rey bueno y noble. Henry finalmente tiene fe en Hal y le aconseja sobre cómo ser un rey. Henry muere y Hal les dice a sus hombres que ahora es el rey Henry V.

Falstaff, Shallow y Silence se sientan frente a un fuego cálido, continuando desde la primera escena de la película. Reciben noticias de la muerte de Enrique IV y que la coronación de Hal se llevará a cabo esa mañana. Falstaff se vuelve extasiado y va directamente al castillo, pensando que se convertirá en un gran y poderoso noble bajo el rey Enrique V. En la coronación, Falstaff no puede contener su emoción e interrumpe toda la ceremonia, anunciándose a Hal. Hal le da la espalda a Falstaff y proclama que ahora ha terminado con su antiguo estilo de vida. Mientras Falstaff mira a Hal con una mezcla de orgullo y desesperación, el nuevo rey destierra a Falstaff. La coronación continúa en el castillo mientras Falstaff se aleja, indicando que lo enviarán esa noche. Esa noche, Falstaff muere en la taberna Boar's Head, y sus amigos lo lloran.diciendo que murió de un corazón roto. El narrador explica que Hal se convirtió en un rey bueno y noble.[4]

Transmitir [ editar ]

  • Orson Welles como Sir John Falstaff , un caballero y figura paterna del príncipe Hal.
  • Keith Baxter como el príncipe Hal , el príncipe de Gales y heredero al trono de Inglaterra.
  • John Gielgud como el rey Enrique IV , el rey de Inglaterra
  • Margaret Rutherford como Mistress Quickly , anfitriona de la taberna Boar's Head
  • Jeanne Moreau como Doll Tearsheet , una prostituta
  • Alan Webb como Justice Shallow , un juez del país y viejo amigo de Falstaff.
  • Walter Chiari como Justice Silence, una justicia del país
  • Michael Aldridge como Pistol , amigo de Falstaff
  • Tony Beckley como Ned Poins , amigo de Falstaff y Hal
  • Charles Farrell como Bardolph , amigo de Falstaff y Hal
  • Patrick Bedford como Nym , amigo de Falstaff y Hal
  • José Nieto como conde de Northumberland , un conde en rebelión contra el rey y primo de Edmund Mortimer
  • Keith Pyott como el Lord Presidente del Tribunal Supremo
  • Fernando Rey como conde de Worcester , hermano de Northumberland y primo de Edmund Mortimer
  • Norman Rodway como Henry Percy, llamado Hotspur , hijo de Northumberland y primo segundo de Edmund Mortimer
  • Marina Vlady como Kate Percy , esposa de Hotspur
  • Andrew Faulds como conde de Westmorland , un conde leal al rey
  • Jeremy Rowe como el príncipe Juan , segundo hijo de Enrique IV
  • Beatrice Welles como la página de Falstaff, una sirvienta (también interpretada por Bruno Yasoni después de que Beatrice no pudiera terminar de filmar)
  • Fernando Hilbeck
  • Andrés Mejuto
  • Julio Peña
  • Ralph Richardson como el narrador (voz)
  • Ingrid Pitt como cortesana (sin acreditar)

Producciones teatrales originales [ editar ]

La inspiración de Welles para Chimes at Midnight comenzó en 1930 cuando era estudiante en la Todd School for Boys en Woodstock, Illinois . Welles intentó escenificar una combinación de tres horas y media de varias de las obras históricas de Shakespeare llamadas El invierno de nuestro descontento en la que interpretó a Ricardo III. [5] Los funcionarios escolares lo obligaron a realizar recortes en la producción. [6] Chimes at Midnight se originó en 1939 como una obra de teatro llamada Five Kings , que Welles escribió y representó parcialmente. Fue una ambiciosa adaptación de varias obras de Shakespeare que narraban las historias de Ricardo II , Enrique IV ,Enrique V , Enrique VI y Ricardo III . Sus fuentes fueron Richard II , Henry IV, Part 1 , Henry IV, Part 2 , Henry V , The Merry Wives of Windsor , Henry VI, Part 1 , Henry VI, Part 2 , Henry VI, Part 3 y Richard III, a veces colectivamente llamado el " ciclo de la Guerra de las Rosas ". [7] La agrupación de Enrique IV, Parte 1 , Enrique IV, Parte 2 y Enrique V a menudo se conoce como Henriad . [8]

Cinco reyes (1939) [ editar ]

Five Kings fue anunciado como parte de la segunda temporada del recientemente revivido Mercury Theatre en 1938. [9] John Houseman había conseguido una asociación con el prestigioso Theatre Guild para producir la obra por 40.000 dólares , con una gira inicial por Baltimore, Boston. Washington DC y Filadelfia antes de debutar en Broadway. [10] Welles tenía la intención de presentar solo la primera parte de la obra —que fue tomada principalmente de Enrique IV Partes 1 y 2 y Enrique V— durante la gira mientras simultáneamente ensayaba la Segunda Parte y finalmente debutaba la producción completa en Broadway. [7] [11] [12]Houseman declaró que el objetivo de la obra era "combinar la calidad inmediata del isabelino con todos los dispositivos y técnicas posibles en el teatro moderno". [13] El reparto incluía a Welles como Falstaff, Burgess Meredith como el príncipe Hal, John Emery como Hotspur, Morris Ankrum como Enrique IV y Robert Speaight como el narrador. [14] [15] [16] La música de la obra fue compuesta por Aaron Copland . [17] Welles encargó la construcción de un elaborado set giratorio, pero no se completó durante las cinco semanas asignadas a los ensayos.

Welles evitó asistir a los ensayos o terminar el guión final de la obra y, en cambio, a menudo salía a beber y a socializar con su coprotagonista Meredith, con el resultado de que solo se ensayaron escenas o fragmentos específicos de la obra. [18] La actuación de Baltimore finalmente se abandonó y en el primer ensayo general en Boston, se descubrió que la obra tenía más de cinco horas y media de duración y contenía 46 escenas. Welles cortó 14 escenas y acortó otras, lo que provocó que el temporizador incorporado para el conjunto giratorio no estuviera sincronizado. [19] Five Kings, Part 1 se estrenó en el Colonial Theatre de Boston el 27 de febrero de 1939 y fue un desastre. [20]Los críticos fueron mordaces o se disculparon, y solo las escenas de batalla de la obra recibieron elogios. [21] Al final de la carrera de Boston, Theatre Guild estaba a punto de abandonar la producción y canceló el compromiso con DC. Welles luego editó el programa a tres horas y media. [22] La obra se cerró después de unas pocas representaciones en Filadelfia, y Theatre Guild rescindió su contrato con el Mercury Theatre. [23] Fotografías de los ensayos de la obra muestran similitudes con Chimes at Midnight , incluido el set de Boar's Head Tavern y el bloqueo de personajes de la escena " Chimes at Midnight " con Falstaff, Shallow y Silence. [24]

Campanas a medianoche (1960) [ editar ]

Welles volvió al proyecto en 1960, con actuaciones en Belfast y Dublín . Esta versión, ahora retitulada Chimes at Midnight , [25] fue producida por el viejo amigo de Welles, Hilton Edwards, a través de su compañía Gate Theatre con sede en Dublín . [11] El reparto incluía a Welles como Falstaff, Keith Baxter como el Príncipe Hal, Hilton Edwards como el Narrador, [26] Reginald Jarman como Enrique IV [27] y Alexis Kanner como Hotspur. [28] En un momento, Welles y Edwards querían a Micheál Mac Liammóirpara reemplazar a Jarman como Enrique IV, pero Mac Liammóir solo aceptaría el papel del Príncipe Hal. [29] Hilton Edwards fue oficialmente acreditado como director, pero Welles suele ser reconocido como el director real y, a menudo, fue el director durante los ensayos. [30] [31] El supuesto hijo biológico de Welles, Michael Lindsay-Hogg, también trabajó en la obra como actor y asistente personal de Edwards. [32] La opinión de Welles sobre Falstaff se había intensificado desde que interpretó el papel por primera vez, y su nueva versión de la obra se centró más en la relación entre Falstaff y el príncipe Hal que en la historia histórica de la derrota de Hal sobre Hotspur. [33] La mayoría de las escenas de Enrique Vutilizados en la primera versión antes se eliminaron. [11] Welles tenía la intención de representar la obra en Belfast, Dublín y Londres antes de filmarla en Yugoslavia. [11]

Los ensayos de la obra comenzaron en Russell Square, Londres, con una lectura completa. Después de una semana de ensayos, Welles se fue para asegurar más fondos y Edwards dirigió la obra, trabajando en el bloqueo y la iluminación. Welles regresó una semana antes del estreno sin haberse aprendido una línea. El elenco tuvo su ensayo técnico la noche antes de la apertura. que duró hasta las 8 am de la mañana siguiente. Nunca tuvieron un ensayo general ni siquiera un ensayo y nunca habían visto a Welles sin el libro o disfrazado. Tras estrenarse en la Grand Opera House de Belfast el 13 de febrero de 1960 y recibir una buena crítica de un corresponsal de Variety , se trasladó al Gaiety Theatre de Dublín. Durante dos noches, Orson hizo un espectáculo individual, comenzando con lecturas de JM Synge, Riders to the Sea, Moby Dicky las obras de Isak Dinesen. La segunda mitad fue un programa de televisión con preguntas de la audiencia. Posteriormente se reveló que las cámaras de televisión eran falsas, solo para atraer audiencia. Welles continuó ajustando la obra a lo largo de su breve producción, y en un momento trasladó el discurso de Mistress Quickly sobre la muerte de Falstaff al comienzo de la obra. [34] Welles finalmente abandonó todo el proyecto a fines de marzo de 1960, cuando su amigo Laurence Olivier le ofreció la oportunidad de dirigirlo en la obra Rhinoceros de Eugène Ionesco en el West End de Londres. [35]Según Keith Baxter, Welles terminó la carrera de la obra porque estaba aburrido con ella, y en un momento le dijo a Baxter: "Esto es solo un ensayo de la película, Keith, y nunca lo lograré a menos que interpretes a Hal en eso también". " Cinco años después, la hija menor de Baxter y Welles, Beatrice Welles , quien interpretó a la página de Falstaff, fueron los únicos miembros del elenco de la obra que aparecieron en la película. [27] [36] Chimes at Midnight fue la última actuación de Welles en una obra de teatro. [30]

Producción [ editar ]

Preproducción [ editar ]

Orson Welles en España durante el rodaje de Chimes at Midnight c. 1964

En 1964, Welles conoció y se hizo amigo del productor de cine español Emiliano Piedra , que quería trabajar con él. Piedra no pensó que una película de Shakespeare fuera lo suficientemente comercializable y propuso que Welles hiciera una versión de Treasure Island en su lugar. Welles estuvo de acuerdo con esto con la condición de que simultáneamente pudiera hacer Chimes at Midnight , y Piedra estuvo de acuerdo sin saber que Welles no tenía intención de hacer Treasure Island . Aunque algunas escenas de B-roll del Alicante saliendo del puerto se filmaron al principio de la producción, no hay escenas de Treasure Islandalguna vez fueron filmadas o incluso escritas. Welles se salió con la suya con este truco durante la preproducción construyendo decorados que podrían usarse en ambas películas, como Mistress Quickly's Boar's Head Tavern, que se convertiría en el Admiral Benbow Inn. Welles también eligió a cada actor en ambas películas, eligiéndose a sí mismo como Long John Silver, Baxter como Dr. Livesey, Beckley como Israel Hands y Gielgud como Squire Trelawney. [37] Irónicamente, Welles finalmente interpretaría a Long John Silver en la versión no relacionada de la película de 1972 de Treasure Island . [38]

Welles dijo que Boar's Head Tavern fue el único decorado completo construido para la película, y los otros decorados fueron vestidos o decorados simplemente en el lugar. Welles declaró que diseñó, pintó y quemó el escenario y diseñó todos los trajes de la película. [38] Al principio de la preproducción, Anthony Perkins se acercó a Welles para que interpretara al príncipe Hal, pero Welles ya le había prometido el papel a Keith Baxter. [39] [40] Hilton Edwards fue inicialmente elegido como Justice Silence, pero fue reemplazado después de que se enfermó. [41] El título Campanas a medianoche deriva de Enrique IV, Parte 2, donde en respuesta a la reminiscencia del juez Shallow de sus días pasados ​​en la escuela, Falstaff declara: "Hemos escuchado las campanadas a la medianoche, maestro Shallow". [42] La erudita de Welles Bridget Gellert Lyons dijo que el título de la película, "al que se le da mayor resonancia por la entonación repetida de campanas a lo largo de la película, está asociado para el público con la tristeza y la mortalidad más que con la juerga juvenil". [43]

Filmando [ editar ]

Orson Welles en Campanas a medianoche

La película se rodó en España desde septiembre de 1964 hasta abril de 1965, con una pausa en el rodaje desde finales de diciembre hasta finales de febrero. [44] Las limitaciones de Welles en la película incluyeron un presupuesto de $ 800,000 y los actores Jeanne Moreau y John Gielgud estuvieron disponibles por cinco y diez días respectivamente, [45] mientras que Margaret Rutherford estuvo disponible por solo cuatro semanas. [46] Welles luego bromeó diciendo que durante una escena que incluía a siete personajes principales, ninguno de los actores estaba disponible y que se utilizaron suplentes para tomas por encima del hombro de los siete personajes. [38] Comenzó el rodaje en Colmenare incluyó todas las escenas de John Gielgud. Welles luego viajó a Cardona , donde se rodaron las escenas de la Corte Real y las escenas de Marina Vlady, y al Parque Casa de Campo de Madrid , donde se filmó la escena del robo de Gadshill. Madrid también fue la ubicación del set de Boar's Head Tavern, donde Welles filmó las escenas de Moreau y Rutherford. La producción luego viajó a Pedraza para algunas escenas callejeras al aire libre, y luego a Soria para rodar en la nieve para las tomas iniciales. Después de rodar algunas escenas con Justice Shallow y Justice Silence en el País Vasco , Welles regresó a Madrid en diciembre para filmar las escenas de batalla en el parque de Casa de Campo durante diez días. [47] [48]

A finales de diciembre, Welles se había quedado sin dinero y la película quedó en suspenso mientras buscaba financiación adicional. [49] Sin embargo, algunas escenas pequeñas se rodaron durante el descanso. Welles dijo más tarde que había rechazado ofertas de financiación que estaban condicionadas a filmar en color. [50] Welles finalmente consiguió financiación de Harry Saltzman [51]y la producción se reanudó oficialmente a finales de febrero con la mayoría de los discursos más largos de Keith Baxter y la escena de la Coronación en Madrid. Entre marzo y abril, Welles terminó la película con tomas de relleno, primeros planos, la escena del rechazo final y la mayoría de los discursos de Falstaff. Según Keith Baxter, Welles tenía pánico escénico y retrasó todas sus escenas hasta el final de la filmación, a excepción de las escenas que incluían a otros actores. [52] Welles se mostró tímido a la hora de filmar su escena de amor con Moreau y usó un doble siempre que fue posible. [53] Otros lugares de rodaje fueron el Castillo Calatañazor , la Puerta de San Vicente, la Catedral de Soria [54] y la ciudad de Ávila . [55]Welles era duro con los miembros de su equipo y, según el actor Andrew Faulds, "les hablaba en cinco idiomas diferentes y era bastante ofensivo, muy exigente. Supongo que se había dado cuenta de que si intimidabas a los actores, no conseguías el lo mejor de ellos, mientras que, al diablo con los técnicos. Tenían que hacer lo que les decían, y bastante rápido ". [56] Se cortó una escena que representa el asesinato del rey Ricardo II , que originalmente tenía la intención de abrir la película. [57]

Postproducción [ editar ]

Keith Baxter dijo que la banda sonora de la película fue doblada meses después de que se completó el rodaje, y que los actores Fernando Rey y Marina Vlady fueron doblados por diferentes actores debido a sus fuertes acentos. Baxter también declaró que él, Welles y Michael Aldridge grabaron voces para varios personajes en posproducción. [58] El discurso de Mistress Quickly después de la muerte de Falstaff, que fue interrumpido por el zumbido audible de un generador de energía, utilizó la versión original de la banda sonora porque a Welles le gustó la interpretación de Margaret Rutherford lo suficiente como para mantenerla. [59] La partitura fue compuesta por Angelo Francesco Lavagnino , quien había trabajado con Welles en Othello.; es notable por su uso prominente de melodías de danza monofónicas medievales reales (y algo de "música antigua" posterior, como varias de las piezas consortes isabelinas de Antony Holborne) en una época en la que esto era todo menos común. La partitura fue grabada en un estudio italiano, que pagó a Lavagnino por su trabajo en la película a cambio de los derechos de la música, y luego lanzó un álbum de banda sonora en Italia y el Reino Unido. [60] Durante la edición, Welles mostró un borrador al director visitante del Festival de Cine de Cannes , quien inmediatamente quiso incluir la película en el festival, y Welles tuvo que terminar la edición más rápido de lo que prefería. [52]

Estilo [ editar ]

Cinematografía [ editar ]

Welles había querido originalmente que toda la película utilizara cinematografía de alto contraste, que se asemeja a los grabados de la Edad Media; sólo la secuencia del título de apertura utiliza esta técnica. [61] La secuencia más famosa de la película es la batalla de Shrewsbury; sólo estaban disponibles alrededor de 180 extras y Welles utilizó técnicas de edición para dar la apariencia de ejércitos de miles. [53] Welles filmó todas las escenas de batalla en tomas largas, pero cortó las tomas en fragmentos para crear el efecto que quería. [57] Se necesitaron diez días para rodar las escenas y seis semanas para editar lo que se convirtió en una secuencia de seis minutos. [48]Al filmar la secuencia, Welles solía utilizar cámaras de mano, lentes gran angular, tomas a cámara lenta y acelerada, tomas estáticas, bandejas oscilantes y un movimiento rápido y constante de los personajes para crear una atmósfera cinética y caótica. Anderegg ha dicho que "al final, ambos ejércitos se han convertido en una enorme, torpe y desintegradora máquina de guerra, un grotesco robot cuya fuente de energía comienza a fallar lentamente y finalmente se paraliza. La retórica verbal, el lenguaje mismo, parece, para el momento, irrelevante y obsceno ". [62]

La secuencia de la Batalla de Shrewsbury a menudo ha sido calificada de declaración contra la guerra por los críticos de cine y comparada con películas contemporáneas como Dr. Strangelove y Culloden . El erudito de Shakespeare Daniel Seltzer dijo que "la conciencia social de la película es tan alerta como la de Shakespeare, y temáticamente pertinente en términos de Shakespeare también ... las imágenes de la batalla de Shrewsbury en sí deben ser algunas de las escenas de guerra más bellas, verdaderas y feas. jamás filmado y editado para una película ". [62] El erudito de Welles James Naremore dijo que "el erotismo subyacente del código caballeresco ... está expuesto en toda su cruel perversidad". [62]Tony Howard escribió que Welles usó las obras históricas de Shakespeare "para denunciar la hipocresía y el militarismo políticos modernos". [63]

Sonido [ editar ]

Debido a las limitaciones presupuestarias, tanto el sonido de inicio como el de posproducción se grabaron de forma deficiente. Anderegg escribió que esto, en combinación con los rápidos movimientos de cámara y la edición de Welles, hace que el diálogo de Shakespeare sea más difícil de entender. Muchas escenas se filman en tomas largas o con los personajes de espaldas a la cámara, muy probablemente con fines prácticos cuando los actores no estaban presentes, lo que crea más problemas de sonido. "En efecto", escribe Anderegg, "Welles genera una tensión constante entre lo que vemos y lo que escuchamos, una tensión que apunta al estatus ambiguo del lenguaje en su relación con la acción". [64] Durante la batalla de ShrewsburyEn la secuencia, Welles usó una banda sonora compleja y en capas que incluía el sonido de espadas y armaduras, soldados gruñendo y gritando, huesos rompiéndose, botas en el barro y la partitura musical de la película para agregar al caos de la escena. [62]

Interpretación de Shakespeare [ editar ]

La adaptación de Welles de cinco obras de Shakespeare no fue una transcripción cronológica de los textos originales. El erudito de Shakespeare Kenneth S. Rothwell dijo que Welles "va más allá de la mera modificación de las escenas de Shakespeare; [él] rediseña, transpone, revisa y borra masivamente, de hecho las reconstruye". Estos cambios incluyeron tomar líneas de diálogo de una obra e insertarlas en escenas de otra. [65] Los cambios específicos incluyen una escena cerca del final de la película en la que Hal perdona a un agitador callejero encarcelado justo antes de su expedición para invadir Francia ; Welles alteró ligeramente esta escena de Enrique V, Acto 2, Escena 2. En la película se afirma que este hombre es Falstaff, y que el incidente que está perdonando es la perturbación de Falstaff de la coronación de Hal. Aunque se dice que tanto el prisionero indultado como Falstaff beben vino, Shakespeare no implica que el prisionero indultado sea Falstaff. [66] Tanto en Campanas a medianoche como en Enrique V , esta escena es seguida por la muerte de Falstaff. [67] La película no contiene verdaderos soliloquios , ya que los personajes nunca están solos y no hablan directamente al público durante sus discursos. [64] Por lo general, se muestra a Enrique IV de pie o sentado con muy poca acción; esto, dice Anderegg, hace que parezca que solo habla consigo mismo incluso cuando hay otros presentes. Gielgud era conocido por su interpretación clásica de Shakespeare, y su interpretación consiste casi en su totalidad en palabras, que son incapaces de derrotar a los rebeldes de Northumberland o al comportamiento salvaje de Hal. A lo largo de la película, Falstaff, Hal y Hotspur imitan a Gielgud, burlándose de las palabras de Enrique IV. [68]

Recepción [ editar ]

Respuesta crítica [ editar ]

Chimes at Midnight se estrenó con una recepción positiva de la audiencia en el Festival de Cine de Cannes de 1966 . Sin embargo, después de la crítica anticipada desfavorable del crítico del New York Times Bosley Crowther , el distribuidor estadounidense Harry Saltzman decidió darle a la película poca publicidad y una distribución mínima cuando se estrenó en los Estados Unidos el próximo año. [69] La recepción de la crítica en su primer lanzamiento fue mayoritariamente negativa; la película no fue considerada como una de las mejores de Welles hasta años después. Crowther criticó la mala pista de audio de la película y la llamó "un mosaico confuso de escenas y personajes ... diseñado para dar una mayor exposición a Jack Falstaff". La actuación de Welles, dijo, fue "un Papá Noel disoluto y torpe en la esquina de la calle".[70] Penelope Houston lo llamó "una película que parece darle la espalda a la brillantez". [71] Una revista de Time también criticó a Welles, afirmando que "[él] es probablemente el primer actor en la historia del teatro que parece demasiado gordo para el papel ... domina las escenas menos con el inglés hablado que con el inglés corporal ", pero que" nunca es del todo malo ". [72]

Judith Crist elogió la película como "austera, simple, concentrada en la palabra y la interpretación, que sirve como un recordatorio de dónde reside la esencia de la obra". [73] Pauline Kael también criticó el mal sonido, pero dio una crítica favorable en general, destacando el reparto de la película y calificando la actuación de Welles como "muy rica, muy completa". Ella dijo que la secuencia de la Batalla de Shrewsbury era "diferente a cualquier escena de batalla realizada antes en la pantalla". [74] El crítico de Cahiers du Cinema Serge Daney también elogió tanto la película como la capacidad de Welles para hacer grandes películas sobre el tema del poder. [75] Welles se mostró decepcionado con la recepción de la película y se quejó de que "casi nadie la ha visto en Estados Unidos,y eso me vuelve loco ".[76]

Legado [ editar ]

Welles tenía en alta estima a Chimes at Midnight . "Es mi foto favorita, sí", le dijo a la entrevistadora Leslie Megahey en una entrevista de 1982 para BBC Arena :

Si quisiera ir al cielo sobre la base de una película, esa es la que ofrecería. Creo que es porque para mí es el menos defectuoso; déjame ponerlo de esa manera. Es el más exitoso por lo que intenté hacer. En mi opinión, tuve más éxito con eso que con cualquier otra cosa. [77] [78] : 203

También consideró que era su película más personal, junto con The Magnificent Ambersons . [79] Muchos críticos, incluidos Peter Bogdanovich y Jonathan Rosenbaum , también consideran a Chimes at Midnight como el mejor trabajo de Welles. Varios años después de su estreno inicial, el crítico de cine Vincent Canby de The New York Times escribió que Chimes at Midnight "puede ser la mejor película de Shakespeare jamás realizada, sin excepción". [80] Joseph McBride lo ha llamado "la obra maestra de Welles, la expresión más completa y completa de todo lo que ha estado trabajando desde Citizen Kane ".[81] En 2006, Roger Ebert elogió la película como "una película magnífica, claramente entre los mejores trabajos de Welles". [82]

La secuencia de la Batalla de Shrewsbury ha sido particularmente admirada e inspirada en películas posteriores, como Braveheart y Saving Private Ryan . Los críticos de cine lo han comparado con la secuencia Odessa Steps en El acorazado Potemkin y la secuencia Battle on the Ice en Alexander Nevsky , ambas dirigidas por Sergei Eisenstein . [83] Kenneth Branagh 's Henry V utiliza Welles' Batalla de secuencia de Shrewsbury como una inspiración para la batalla de Agincourt , [62] y representa el rechazo de Prince Hal de Falstaff de una manera que fue más influenciado por Campanadas a medianocheque de las interpretaciones más tradicionales de la escena. [84] En 1988, el director Patrick Garland presentó una versión de Chimes at Midnight protagonizada por Simon Callow como Falstaff en el Chichester Festival Theatre . [85] Michael Anderegg dijo que las Campanadas a medianoche ' uso de lentes de gran angular, de bajo perfil iluminación y vestuario, y su enfoque en la relación entre Falstaff y el príncipe Hal influenciados s Mi Idaho Privado - Gus Van Sant ' 1991 adaptación libre s de Enrique IV Partes 1 y 2 . [86]

En 2011, Bonham's Auction House vendió un gran archivo de material de Welles que alguna vez perteneció al productor ejecutivo de la película, Alessandro Tasca di Cuto. La mayor parte del material era de Chimes at Midnight e incluía obras de arte, fotografías y memorandos originales de Welles. [87] Esta colección fue posteriormente donada a la Universidad de Michigan para su estudio académico. [88]

En 2012, el British Film Institute 's vista y el sonido encuesta, el 11 críticos de cine y dos directores votaron Campanadas a medianoche una de las 10 mejores películas de todos los tiempos, incluyendo McBride y Todd McCarthy . [89]

El escritor y director español de la Filmoteca de Cataluña Esteve Riambau publicó un libro sobre la película titulado Las cosas que hemos visto: Welles y Falstaff en 2015. [90] [91]

Premios [ editar ]

En el Festival de Cine de Cannes de 1966, Chimes at Midnight se proyectó en competición por la Palma de Oro y ganó el Premio del 20 Aniversario y el Gran Premio Técnico. [92] Welles fue nominado a un premio BAFTA al Mejor Actor Extranjero en 1968 [93] En España, la película ganó el Premio del Círculo de Escritores de Ciudadanos a la Mejor Película en 1966. [94]

Medios domésticos [ editar ]

Debido a disputas legales sobre los derechos, Chimes at Midnight se ha lanzado solo dos veces en video VHS en los Estados Unidos, ninguno de los cuales está disponible actualmente. La viuda de Harry Saltzman, Adriana Saltzman, [51] las familias de los productores Emiliano Piedra y Angel Escolano y la propiedad de Orson Welles, mantenida por Beatrice Welles , entre otros, han reclamado la propiedad de la película. [95] Durante muchos años, la única fuente disponible fue un DVD sin región de Brasil. Mr Bongo Records proyectó una versión restaurada en el Reino Unido en Picturehouse Cinemas el 1 de agosto de 2011. [96] En febrero de 2015, la película se proyectó en el Festival Internacional de Cine de Sedona.. Beatrice Welles asistió y anunció que "un importante sello de DVD / Blu-ray está interesado en restaurar y lanzar Chimes at Midnight ". [90] La impecable impresión de 35 mm fue descubierta por Distribpix Inc., quien dijo que estaba "en tan buen estado que pide una restauración completa de escaneo de 4k". [97]

La película se estrenó en Europa en DVD y Blu-ray el 29 de junio de 2015. [98] [99]

Restauración de 2016 [ editar ]

Janus Films lanzó una versión restaurada de la película en DCP que se estrenó el 1 de enero de 2016 en Film Forum en la ciudad de Nueva York del 1 al 12 de enero de 2016 y Cinefamily en Los Ángeles. [100] [101] Esta versión restaurada no se deriva de la impresión de Distribpix. [102] Peter Becker, presidente de Criterion, dijo que el lanzamiento es producto de más de 20 años de esfuerzo: "No hay película por la que hayamos esperado más o trabajado más para liberar, y ninguna de la que estemos más orgullosos de presentar", él dijo. [103] Criterion publicó esta restauración en DVD y Blu-ray el 30 de agosto de 2016.

Welles y Falstaff [ editar ]

Opiniones de Welles sobre Sir John Falstaff [ editar ]

El Falstaff de Eduard von Grützner con una gran jarra de vino y una copa muestra la representación alegre y cómica tradicional de Falstaff que Welles rechazó.

Welles consideró a Falstaff como "la mayor creación de Shakespeare" [104] y dijo que el papel era "el papel más difícil que he interpretado". [105] Keith Baxter creía que hacer la película era la ambición de la vida de Welles. [52] Antes del estreno de Five Kings en Boston en 1939 , Welles dijo a los periodistas: "Lo interpretaré como una figura trágica. Espero, por supuesto, que sea divertido para el público, como lo fue para los que lo rodean. Pero su humor e ingenio se despertaron simplemente por el hecho de que quería complacer al príncipe. Sin embargo, Falstaff tenía el potencial de la grandeza en él ". [106] Las reseñas de la obra de 1939 mencionan a Welleselección de restar importancia a los elementos cómicos tradicionales de Falstaff en su actuación.[24] Esta reverencia por el personaje aumentó a lo largo de los años y cuando Welles hizo Campanas a la medianoche , su enfoque estaba completamente en las relaciones entre Falstaff, Hal y Enrique IV. Creía que el núcleo de la historia era "la traición de la amistad". [43] Welles calificó el rechazo de Hal a Falstaff como "una de las mejores escenas jamás escritas, por lo que la película es realmente una preparación para ella. Todo se prepara para ella". [107] A lo largo de la película, Hal constantemente le da la espalda a Falstaff, presagiando el final de la película. [108]

Welles dijo, "la película no fue pensada como un lamento por Falstaff, sino por la muerte de Merrie England . Merrie England como concepción, un mito que ha sido muy real para el mundo de habla inglesa, y que hasta cierto punto se expresa en otros países de la época medieval: la época de la caballería, de la sencillez, de Maytime y todo eso. Es más que Falstaff el que está muriendo. Es la vieja Inglaterra muriendo y traicionada ". [79] Muchos teóricos del cine y biógrafos de Welles han escrito sobre el tema recurrente del " Edén perdido " en la obra de Welles y de personajes que sienten nostalgia por un pasado idealizado, que Welles llamó "el tema central de la cultura occidental". [8]Welles le dijo a Peter Bogdanovich que "incluso si los buenos viejos tiempos nunca existieron, el hecho de que podamos concebir un mundo así es, de hecho, una afirmación del espíritu humano". [109] El estudioso del cine Beverle Houston argumentó que esta nostalgia hizo que la representación de Welles de Falstaff fuera infantil y llamó a su actuación un "bebé [p] oder ... una criatura parecida a un feto que come, succiona". [64] Welles también llamó a Falstaff "la mayor concepción de un buen hombre, el hombre más completamente bueno, en todo el drama", [105] y dijo que "cuanto más me acercaba a Falstaff, menos divertido parecía Cuando lo interpreté antes en el teatro, parecía más ingenioso que cómico. Y al llevarlo a la pantalla, lo encontré solo ocasionalmente,y solo deliberadamente, un payaso ". [106]

Conexiones personales de Welles con Sir John Falstaff [ editar ]

"[Falstaff] es bueno en el sentido de que los hippies son buenos. La comedia se trata de faltas graves en el hombre, pero esas faltas son tan triviales: su famosa cobardía es una broma, una broma que Falstaff parece estar diciéndose a sí mismo contra él mismo ... pide tan poco, y al final no obtiene nada ". - Welles sobre Falstaff [109]

Keith Baxter comparó a Welles con Falstaff, ya que ambos estaban perpetuamente cortos de dinero, a menudo mentían y engañaban a las personas para obtener lo que necesitaban y siempre eran felices y amantes de la diversión. [52] El estudioso del cine Jack Jorgens también comparó a Welles con Falstaff, afirmando que "con un hombre que dirigió y protagonizó una obra maestra y desde entonces ha pasado por tres décadas de películas con fallas, apresuradas y con escasez de fondos, decenas de partes pequeñas, narraciones y entrevistas lo que degradó su talento, decenas de proyectos que murieron por falta de persistencia y financiación, la historia de un bufón gordo y envejecido exiliado de su público y que ya no pudo triunfar sobre obstáculos imposibles con ingenio e imaginación torrencial bien podría parecer trágica ". [110] Cuando Joss Acklandinterpretó a Falstaff en el escenario en 1982, dijo que estaba más inspirado por Welles que por la interpretación de Welles como Falstaff, afirmando que "al igual que Falstaff, creo que podría haber logrado mucho, pero se desperdició". [84] Kenneth S. Rothwell ha calificado el rechazo de Hal a Falstaff de alegórico al rechazo de Welles por parte de Hollywood. [111] Welles se deprimió profundamente a fines de la década de 1950 después de la decepción de hacer Touch of Evil , su regreso a Hollywood. [112]

El biógrafo de Welles, Simon Callow, ha comparado a Falstaff con el padre de Welles, Richard Head Welles, afirmando que, al igual que Falstaff, el padre de Welles era "un borracho, un embaucador, un fanfarrón, un mujeriego, un caballero y un encantador", y es rechazado por el persona a la que más ama ". [106] El padre de Welles era un alcohólico y mujeriego que a menudo se llevaba a un Welles adolescente con él cuando se entregaba a sus vicios. Welles observó a su padre de la misma manera que Hal observa a Falstaff y depende de su joven protegido para sacarlo de apuros. [113]El triángulo amoroso entre el príncipe Hal y sus dos figuras paternas, Enrique IV y Falstaff, también es similar a las relaciones de Welles con su padre y los dos hombres que se convirtieron en padres sustitutos de él: el amigo de la familia, el Dr. Maurice Bernstein y el director de Todd School for Boys. Roger Hill. [113] Ambos padres sustitutos de Welles desaprobaron el estilo de vida de Richard Welles y su influencia negativa en Welles. Cuando el joven Welles cumplió quince años, siguió el consejo de Roger Hill y le dijo a su padre que no lo volvería a ver hasta que se arreglara y dejara de beber; El padre de Welles murió poco después, solo y solitario, y Welles siempre se culpaba a sí mismo por la muerte de su padre, diciendo: "Siempre pensé que lo maté". [114]

El supuesto hijo biológico de Welles, Michael Lindsay-Hogg , nacido fuera del matrimonio de Welles y la actriz Geraldine Fitzgerald , conoció a Welles cuando tenía 15 años y luego trabajó en la obra de teatro de 1960 Chimes at Midnight . Esta fue la única cantidad significativa de tiempo que los dos pasaron juntos y luego Lindsay-Hogg solo vio a Welles esporádicamente. Al igual que Welles, Lindsay-Hogg tuvo dos padres sustitutos además de su padre biológico. [115] A finales de la década de 1950, cuando tenía dieciséis años, la hija mayor de Welles, Christopher Welles Feder, cortó todos los lazos con Welles bajo la presión de su madre, que desaprobaba la influencia de Welles en ella. [116]Welles y Feder se volvieron a conectar más tarde, pero su relación nunca se recuperó por completo. [117] La hija menor de Welles, Beatrice, que se parecía a su padre cuando era niño, aparece en la versión cinematográfica de Chimes at Midnight . [76]

Ver también [ editar ]

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Bibliografía [ editar ]

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Enlaces externos [ editar ]

  • Campanas a la medianoche en IMDb
  • Campanas a medianoche en AllMovie
  • Campanas a medianoche en Rotten Tomatoes
  • Campanas a medianoche en la base de datos de películas de TCM
  • Chimes at Midnight en el catálogo del American Film Institute
  • Reseña de Roger Ebert "Great Movies"
  • Wellesnet.com, el recurso web de Orson Welles, artículos sobre la película
  • Campanas a medianoche: Falstaff ruge un ensayo de Michael Anderegg en Criterion Collection