El realismo , a veces llamado naturalismo , en las artes es generalmente el intento de representar el tema de manera veraz, sin artificialidad y evitando la ficción especulativa y los elementos sobrenaturales . El realismo ha prevalecido en las artes en muchos períodos y puede ser en gran parte una cuestión de técnica y entrenamiento, y de evitar la estilización .
En las artes visuales, el realismo ilusionista es la representación precisa de las formas de vida, la perspectiva y los detalles de la luz y el color. Pero las obras de arte realistas o naturalistas pueden, también o en lugar del realismo ilusionista, ser "realistas" en su tema y enfatizar lo mundano, lo feo o lo sórdido. Esto es típico del movimiento realista del siglo XIX que comenzó en Francia en la década de 1850, después de la Revolución de 1848 , [1] y también del realismo social , regionalismo o realismo de fregadero . Los pintores realistas rechazaron el romanticismo , que había llegado a dominar la literatura y el arte franceses, con raíces a finales del siglo XVIII..
Ha habido varios movimientos que invocan el realismo en las otras artes, como el estilo de ópera del verismo , el realismo literario , el realismo teatral y el cine neorrealista italiano .
Artes visuales
El realismo es la representación precisa, detallada y precisa en el arte de la apariencia visual de escenas y objetos. El realismo en este sentido también se llama naturalismo , mimesis o ilusionismo . El arte realista se creó en muchos períodos, y es en gran parte una cuestión de técnica y entrenamiento, y de evitar la estilización . Se vuelve especialmente marcado en la pintura europea en la pintura neerlandesa temprana de Robert Campin , Jan van Eyck y otros artistas en el siglo XV. Sin embargo, ese "realismo" se utiliza a menudo para representar, por ejemplo, ángeles con alas, que no eran cosas que los artistas hubieran visto nunca en la vida real. Del mismo modo, los pintores del movimiento artístico del realismo del siglo XIX , como Gustave Courbet , no se destacan especialmente por su descripción precisa y cuidadosa de las apariencias visuales; en la época de Courbet eso era más a menudo una característica de la pintura académica , que muy a menudo representaba con gran habilidad y cuidado escenas que eran inventadas y artificiales, o escenas históricas imaginadas. Es la elección y el tratamiento del tema lo que define el realismo como un movimiento en la pintura, más que la atención cuidadosa a las apariencias visuales. Otros términos como naturalismo, naturalista y "verístico" no escapan a la misma ambigüedad, aunque la distinción entre "realista" (generalmente relacionado con la apariencia visual) y "realista" es a menudo útil, al igual que el término "ilusionista" para la precisión. representación de apariencias visuales. [2] [3]
Realismo ilusionista
El desarrollo de una representación cada vez más precisa de las apariencias visuales de las cosas tiene una larga historia en el arte. Incluye elementos como la descripción precisa de la anatomía de humanos y animales, de la perspectiva y los efectos de la distancia, y de los efectos detallados de la luz y el color. El arte del Paleolítico superior en Europa logró representaciones de animales notablemente realistas, y el arte del Antiguo Egipto desarrolló convenciones que implicaban tanto la estilización como la idealización que, sin embargo, permitieron que se produjeran representaciones muy efectivas de manera muy amplia y consistente. Se reconoce comúnmente que el arte griego antiguo ha logrado un gran progreso en la representación de la anatomía, y ha sido un modelo influyente desde entonces. No sobreviven obras originales en paneles o paredes de los grandes pintores griegos, pero a partir de relatos literarios y del corpus superviviente de obras derivadas (en su mayoría obras grecorromanas en mosaico ), queda claro que el ilusionismo era muy valorado en la pintura. La famosa historia de Plinio el Viejo sobre pájaros picoteando uvas pintada por Zeuxis en el siglo V aC bien puede ser una leyenda, pero indica la aspiración de la pintura griega.
Además de la precisión en la forma, la luz y el color, las pinturas romanas muestran un conocimiento poco científico pero efectivo de representar objetos distantes más pequeños que cercanos, y representar formas geométricas regulares como el techo y las paredes de una habitación con perspectiva. Este progreso en los efectos ilusionistas no significó en modo alguno un rechazo del idealismo; Las estatuas de dioses y héroes griegos intentan representar con precisión formas idealizadas y hermosas, aunque se permitió que otras obras, como las cabezas del famoso y feo Sócrates , cayeran por debajo de estos estándares ideales de belleza. El retrato romano , cuando no está bajo demasiada influencia griega, muestra un mayor compromiso con una descripción veraz de sus sujetos, llamada verismo .
El arte de la Antigüedad tardía rechazó el ilusionismo por su fuerza expresiva, un cambio que ya estaba en marcha cuando el cristianismo comenzó a afectar el arte de la élite. En Occidente, los estándares clásicos del ilusionismo no comenzaron a alcanzarse nuevamente hasta los períodos de la Baja Edad Media y el Renacimiento temprano, y fueron ayudados, primero en los Países Bajos a principios del siglo XV, y alrededor de la década de 1470 en Italia, por el desarrollo de nuevas técnicas. de pintura al óleo que permitió pintar efectos de luz muy sutiles y precisos utilizando pinceles muy pequeños y varias capas de pintura y esmalte. Los métodos científicos para representar la perspectiva se desarrollaron en Italia a principios del siglo XV y se extendieron gradualmente por Europa, y la precisión en la anatomía se redescubrió bajo la influencia del arte clásico. Como en la época clásica, el idealismo siguió siendo la norma.
La representación precisa del paisaje en la pintura también se había desarrollado en la pintura del Renacimiento temprano neerlandés / temprano del norte y del Renacimiento italiano, y luego se llevó a un nivel muy alto en la pintura holandesa del Siglo de Oro del siglo XVII , con técnicas muy sutiles para representar una variedad de condiciones climáticas y grados de luz natural. Después de ser otro desarrollo de la pintura neerlandesa temprana, en 1600 el retrato europeo podía dar una muy buena semejanza tanto en pintura como en escultura, aunque los sujetos a menudo se idealizaban suavizando los rasgos o dándoles una pose artificial. Las pinturas de naturaleza muerta y los elementos de naturaleza muerta en otras obras desempeñaron un papel considerable en el desarrollo de la pintura ilusionista, aunque en la tradición holandesa de pintura de flores carecieron durante mucho tiempo de "realismo", ya que las flores de todas las estaciones se usaban típicamente, ya sea por hábito de ensamblar composiciones a partir de dibujos individuales, o como una convención deliberada; las grandes exhibiciones de ramos de flores en jarrones, aunque cercanas a las exhibiciones modernas de flores cortadas en las que han influido, eran completamente atípicas de los hábitos del siglo XVII, donde las flores se exhibían una a la vez. Curiosamente, habiendo liderado el desarrollo de la pintura ilusoria, la naturaleza muerta iba a ser igualmente significativa en su abandono en el cubismo .
Realismo o naturalismo como descripción de sujetos cotidianos y ordinarios
La representación de sujetos ordinarios y cotidianos en el arte también tiene una larga historia, aunque a menudo se apretó en los bordes de las composiciones o se mostró en una escala más pequeña. Esto se debió en parte a que el arte era caro y, por lo general, se encargaba por razones religiosas, políticas o personales específicas, lo que permitía dedicar solo una cantidad relativamente pequeña de espacio o esfuerzo a tales escenas. Las galerías en los márgenes de los manuscritos iluminados medievales a veces contienen pequeñas escenas de la vida cotidiana, y el desarrollo de la perspectiva creó grandes áreas de fondo en muchas escenas ambientadas al aire libre que podrían hacerse más interesantes al incluir pequeñas figuras en su vida cotidiana. El arte medieval y del Renacimiento temprano por convención generalmente mostraba figuras no sagradas con vestimenta contemporánea, por lo que no fue necesario ningún ajuste para esto, incluso en escenas religiosas o históricas ambientadas en la antigüedad.
La pintura neerlandesa temprana llevó la pintura de retratos tan abajo en la escala social como los prósperos comerciantes de Flandes , y en algunos de ellos, en particular, el Retrato de Arnolfini de Jan van Eyck (1434), y más a menudo en escenas religiosas como el Retablo de Merode. , de Robert Campin y su taller (hacia 1427), incluyen representaciones muy detalladas de interiores de clase media llenos de objetos representados con amor. Sin embargo, estos objetos están, al menos en gran parte, allí porque llevan capas de significado y simbolismo complejos que socavan cualquier compromiso con el realismo por sí mismo. Los ciclos de los trabajos de los meses en el arte medieval tardío, de los cuales muchos ejemplos sobreviven de los libros de horas , se concentran en los campesinos que trabajan en diferentes tareas a lo largo de las estaciones, a menudo en un rico fondo paisajístico, y fueron importantes tanto en el desarrollo del arte del paisaje como en la representación de la gente común de la clase trabajadora.
En el siglo XVI estaba de moda la representación en grandes pinturas de escenas de personas trabajando, especialmente en mercados de alimentos y cocinas: en muchos se da tanta importancia a la comida como a los trabajadores. Los artistas incluyeron a Pieter Aertsen y su sobrino Joachim Beuckelaer en los Países Bajos, trabajando en un estilo esencialmente manierista, y en Italia el joven Annibale Carracci en la década de 1580, usando un estilo sin pulir muy realista, con Bartolomeo Passerotti en algún lugar entre los dos. Pieter Bruegel el Viejo fue el pionero de las grandes escenas panorámicas de la vida campesina. Tales escenas actuaron como un preludio de la popularidad de las escenas de trabajo en la pintura de género en el siglo XVII, que aparecieron en toda Europa, con la pintura holandesa del Siglo de Oro surgiendo varios subgéneros diferentes de tales escenas, los Bamboccianti (aunque en su mayoría de los Países Bajos ). en Italia y en España el género de los bodegones y la introducción de campesinos no idealizados en las pinturas históricas de Jusepe de Ribera y Velázquez . Los hermanos Le Nain en Francia y muchos artistas flamencos, incluidos Adriaen Brouwer y David Teniers el Viejo y el Joven, pintaron a campesinos, pero rara vez a gente del pueblo. En el siglo XVIII, las pequeñas pinturas de trabajadores que trabajaban siguieron siendo populares, en su mayoría basadas en la tradición holandesa y especialmente con mujeres.
Gran parte del arte que representa a la gente corriente, especialmente en forma de grabados , era cómico y moralista, pero la mera pobreza de los sujetos parece que en raras ocasiones ha formado parte del mensaje moral. A partir de mediados del siglo XIX esto cambió y se enfatizaron las dificultades de la vida de los pobres. A pesar de que esta tendencia coincidió con la migración a gran escala del campo a las ciudades en la mayor parte de Europa, los pintores todavía tendían a pintar a la población rural pobre, dejando en gran parte a ilustradores como Gustave Doré para mostrar los horrores de los barrios marginales de la ciudad. Las escenas de calles llenas de gente eran populares entre los impresionistas y pintores relacionados, especialmente aquellos que mostraban París.
A los iluminadores de manuscritos medievales a menudo se les pedía que ilustraran la tecnología, pero después del Renacimiento, tales imágenes continuaron en la ilustración de libros y en los grabados, pero con la excepción de la pintura marina desaparecieron en gran medida en las bellas artes hasta la Revolución Industrial , cuyas escenas fueron pintadas por algunos pintores. como Joseph Wright de Derby y Philip James de Loutherbourg . Estos temas probablemente no se vendieron muy bien, y hay una notable ausencia de industria, aparte de unas pocas escenas ferroviarias , en la pintura hasta finales del siglo XIX, cuando comenzaron a encargarse obras, típicamente por industriales o para instituciones en ciudades industriales. a menudo a gran escala y, a veces, se les da un tratamiento cuasi heroico.
El realismo estadounidense , un movimiento de principios del siglo XX, es uno de los muchos movimientos modernos que utilizan el realismo en este sentido.
Diego Velázquez , El almuerzo de los agricultores , c. 1620
Adriaen Brouwer , Interior de una taberna , c. 1630
Quiringh van Brekelenkam , Interior de una sastrería , 1653
Giacomo Ceruti , Mujeres trabajando en encaje de almohada , década de 1720
Jean-Baptiste-Siméon Chardin , Mujer limpiando nabos , c. 1738, Alte Pinakothek . [4]
Jean-Baptiste Greuze , La lavandera , 1761
Sir Luke Fildes , El viudo , 1876
William Bell Scott Hierro y carbón , 1855–1860
Juan Manuel Blanes , Episodio de fiebre amarilla . 1871
Albert Edelfelt , Los jardines de Luxemburgo . 1887
Movimiento realista
El movimiento realista comenzó a mediados del siglo XIX como reacción a la pintura del Romanticismo y la Historia . A favor de las representaciones de la vida "real", los pintores realistas utilizaron trabajadores comunes y personas comunes en entornos ordinarios dedicados a actividades reales como sujetos de sus obras. Sus principales exponentes fueron Gustave Courbet , Jean-François Millet , Honoré Daumier y Jean-Baptiste-Camille Corot . [5] [6] [7] Según Ross Finocchio, anteriormente miembro del Departamento de Pinturas Europeas del Museo Metropolitano de Arte , los realistas utilizaron detalles sencillos que representan la existencia de la vida contemporánea ordinaria, coincidiendo con la literatura naturalista contemporánea de Émile Zola , Honoré de Balzac y Gustave Flaubert . [8]
Gustave Courbet, Stone-Breakers, 1849
Jean-François Millet, The Gleaners, 1857
Honoré Daumier, Les Joueurs d'échecs (The chess players), 1863
Jean-Baptiste-Camille Corot, Young Girl Reading, 1868
Jules Bastien-Lepage, October, 1878, National Gallery of Victoria
Aleksander Gierymski Feast of Trumpets, 1884
The French Realist movement had equivalents in all other Western countries, developing somewhat later. In particular the Peredvizhniki or Wanderers group in Russia who formed in the 1860s and organized exhibitions from 1871 included many realists such as Ilya Repin, Vasily Perov, and Ivan Shishkin, and had a great influence on Russian art. In Britain artists such as Hubert von Herkomer and Luke Fildes had great success with realist paintings dealing with social issues.
Vasily Perov, The Drowned, 1867
Vladimir Makovsky, "Philanthropists", 1874
Ilya Repin, Religious Procession in Kursk Province, 1880–1883
Hubert von Herkomer, Hard Times 1885
Realism or naturalism as resisting idealization
Realism or naturalism as a style meaning the honest, unidealizing depiction of the subject, can be used in depicting any type of subject, without any commitment to treating the typical or everyday. Despite the general idealism of classical art, this too had classical precedents, which came in useful when defending such treatments in the Renaissance and Baroque. Demetrius of Alopece was a 4th-century BCE sculptor whose work (all now lost) was said to prefer realism over ideal beauty, and during the Ancient Roman Republic even politicians preferred a truthful depiction in portraits, though the early emperors favoured Greek idealism. Goya's portraits of the Spanish royal family represent a sort of peak in the honest and downright unflattering portrayal of important persons.
A recurring trend in Christian art was "realism" that emphasized the humanity of religious figures, above all Christ and his physical sufferings in his Passion. Following trends in devotional literature, this developed in the Late Middle Ages, where some painted wooden sculptures in particular strayed into the grotesque in portraying Christ covered in wounds and blood, with the intention of stimulating the viewer to meditate on the suffering that Christ had undergone on his behalf. These were especially found in Germany and Central Europe. After abating in the Renaissance, similar works re-appeared in the Baroque, especially in Spanish sculpture.
Renaissance theorists opened a debate, which was to last several centuries, as to the correct balance between drawing art from the observation of nature and from idealized forms, typically those found in classical models, or the work of other artists generally. All admitted the importance of the natural, but many believed it should be idealized to various degrees to include only the beautiful. Leonardo da Vinci was one who championed the pure study of nature, and wished to depict the whole range of individual varieties of forms in the human figure and other things.[9] Leon Battista Alberti was an early idealizer, stressing the typical,[10] with others such as Michelangelo supporting selection of the most beautiful – he refused to make portraits for that reason.[11]
In the 17th century the debate continued, in Italy usually centred on the contrast between the relative "classical-idealism" of the Carracci and the "naturalist" style of the Caravaggisti, or followers of Caravaggio, who painted religious scenes as though set in the back streets of contemporary Italian cities, and used "naturalist" as a self-description. Bellori, writing some decades after Caravaggio's early death, and no supporter of his style, refers to "Those who glory in the name of naturalists" (naturalisti).[12]
In the 19th century "Naturalism" or the "Naturalist school" was somewhat artificially erected as a term representing a breakaway sub-movement of Realism, that attempted (not wholly successfully) to distinguish itself from its parent by its avoidance of politics and social issues, and liked to proclaim a quasi-scientific basis, playing on the sense of "naturalist" as a student of Natural history, as the biological sciences were then generally known. The originator of the term was the French art critic Jules-Antoine Castagnary, who in 1863 announced that: "The naturalist school declares that art is the expression of life under all phases and on all levels, and that its sole aim is to reproduce nature by carrying it to its maximum power and intensity: it is truth balanced with science".[13] Émile Zola adopted the term with a similar scientific emphasis for his aims in the novel. Much Naturalist painting covered a similar range of subject matter as that of Impressionism, but using tighter, more traditional brushwork styles, and in landscapes often with more gloomy weather.[13]
The term "continued to be used indiscriminately for various kinds of realism" for several decades, often as a catch-all term for art that was outside Impressionism and later movements of Modernism and also was not Academic art. The later periods of the French Barbizon School and the Düsseldorf school of painting, with its students from many countries, and in 20th-century American Regionalism are movements which are often also described as "Naturalist", although the term is rarely used of British painting. Some recent art historians have deepened the confusion by claiming either Courbet or the Impressionists for the label.[13]
Late Gothic Pietà from Lubiąż in Lower Silesia, Poland, now in National Museum in Warsaw
Jean-François Raffaëlli, Outskirts of Paris, 1880s
William Bliss Baker, American Naturalist painter, Fallen Monarchs, 1886
Pekka Halonen, Finnish Naturalist, Pioneers in Karelia, 1900
Literatura
Broadly defined as "the faithful representation of reality",[14] Realism as a literary movement is based on "objective reality." It focuses on showing everyday activities and life, primarily among the middle or lower class society, without romantic idealization or dramatization.[15] According to Kornelije Kvas, "the realistic figuration and re-figuration of reality form logical constructs that are similar to our usual notion of reality, without violating the principle of three types of laws – those of natural sciences, psychological and social ones".[16] It may be regarded as the general attempt to depict subjects as they are considered to exist in third person objective reality, without embellishment or interpretation and "in accordance with secular, empirical rules."[17] As such, the approach inherently implies a belief that such reality is ontologically independent of human kind's conceptual schemes, linguistic practices and beliefs, and thus can be known (or knowable) to the artist, who can in turn represent this 'reality' faithfully. As Ian Watt states, modern realism "begins from the position that truth can be discovered by the individual through the senses" and as such "it has its origins in Descartes and Locke, and received its first full formulation by Thomas Reid in the middle of the eighteenth century."[18]
While the preceding Romantic era was also a reaction against the values of the Industrial Revolution, realism was in its turn a reaction to Romanticism, and for this reason it is also commonly derogatorily referred as "traditional" "bourgeois realism".[19] Some writers of Victorian literature produced works of realism.[20] The rigidities, conventions, and other limitations of "bourgeois realism" prompted in their turn the revolt later labeled as modernism; starting around 1900, the driving motive of modernist literature was the criticism of the 19th-century bourgeois social order and world view, which was countered with an antirationalist, antirealist and antibourgeois program.[19][21][22]
Teatro
Theatrical realism is said to have first emerged in European drama in the 19th century as an offshoot of the Industrial Revolution and the age of science.[23][24] Some also specifically cited the invention of photography as the basis of the realist theater[25][26] while others view that the association between realism and drama is far older as demonstrated by the principles of dramatic forms such as the presentation of the physical world that closely matches reality.[27]
The achievement of realism in the theatre was to direct attention to the social and psychological problems of ordinary life. In its dramas, people emerge as victims of forces larger than themselves, as individuals confronted with a rapidly accelerating world.[28] These pioneering playwrights were unafraid to present their characters as ordinary, impotent, and unable to arrive at answers to their predicaments. This type of art represents what we see with our human eyes. Anton Chekov, for instance, used camera works to reproduce an uninflected slice of life, exposing the rhetorical and suasive character of realistic theatricality.[29] Scholars such as Thomas Postlewait noted that throughout the nineteenth and twentieth centuries, there were numerous joinings of melodramatic and realistic forms and functions, which could be demonstrated in the way melodramatic elements existed in realistic forms and vice versa.[30]
In the United States, realism in drama preceded fictional realism by about two decades as theater historians identified the first impetus toward realism during the late 1870s and early 1880s.[31] Its development is also attributed to William Dean Howells and Henry James who served as the spokesmen for realism as well as articulator of its aesthetic principles.[31]
The realistic approach to theater collapsed into nihilism and the absurd after World War II.[23]
Cine
Italian Neorealism was a cinematic movement incorporating elements of realism that developed in post-WWII Italy. Notable Neorealists included Vittorio De Sica, Luchino Visconti, and Roberto Rossellini. Realist films generally focus on social issues.[32] There are two types of realism in film: seamless realism and aesthetic realism. Seamless realism tries to use narrative structures and film techniques to create a "reality effect" to maintain its authenticity.[32] Aesthetic realism, which was first called for by French filmmakers in the 1930s and promoted by Andre Bazin in the 1950s, acknowledges that a "film cannot be fixed to mean what it shows", as there are multiple realisms; as such, these filmmakers use location shooting, natural light and non-professional actors to ensure the viewer can make up her/his own choice based on the film, rather than being manipulated into a "preferred reading".[32] Siegfried Kracauer is also notable for arguing that realism is the most important function of cinema.[33]
Aesthetic realist filmmakers use long shots, deep focus and eye-level 90 degree shots to reduce manipulation of what the viewer sees.[32] Italian neorealism filmmakers from after WWII took the existing realist film approaches from France and Italy that emerged in the 1960s and used them to create a politically oriented cinema. French filmmakers made some politically oriented realist films in the 1960s, such as the cinéma vérité and documentary films of Jean Rouch.[32] In the 1950s and 1960s, British, French and German new waves of filmmaking produced "slice-of-life" films (e.g., kitchen sink dramas in the UK).[32]
Ópera
Verismo was a post-Romantic operatic tradition associated with Italian composers such as Pietro Mascagni, Ruggero Leoncavallo, Umberto Giordano, Francesco Cilea and Giacomo Puccini. They sought to bring the naturalism of influential late 19th-century writers such as Émile Zola, Gustave Flaubert, and Henrik Ibsen into opera. This new style presented true-to-life drama that featured gritty and flawed lower-class protagonists[34] while some described it as a heightened portrayal of a realistic event.[35] Although an account considered Giuseppe Verdi's Luisa Miller and La Traviata as the first stirrings of the verismo,[36] some claimed that it began in 1890 with the first performance of Mascagni's Cavalleria rusticana, peaked in the early 1900s.[37] It was followed by Leoncavallo's Pagliacci, which dealt with the themes of infidelity, revenge, and violence.[34]
Verismo also reached Britain where pioneers included the Victorian-era theatrical partnership of the dramatist W. S. Gilbert and the composer Arthur Sullivan (1842–1900).[35] Specifically, their play Iolanthe is considered a realistic representation of the nobility although it included fantastical elements.
Ver también
- Aesthetic Realism
- American realism
- Ashcan School
- Aspectism
- Capitalist realism
- Contemporary realism
- Chanson réaliste (realist song), a style of music performed in France primarily from the 1880s until the end of World War II
- Humanist Photography
- Hyperrealism (visual arts)
- Magic realism
- Nouveau réalisme
- Photorealism
- Pre-Raphaelite Brotherhood
- Pseudorealism
- Romantic realism
- Social realism
- Street Photography
- Verism
Notas
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- Dahlhaus, Carl (1989). Nineteenth-Century Music. Translated by J. Bradford Robinson. Berkeley, Los Angeles, and London: University of California Press. ISBN 978-0-520-07644-0.
- Frisch, Walter (2005). German Modernism: Music and the Arts. Berkeley, Los Angeles, and London: University of California Press. ISBN 978-0-520-25148-9.
enlaces externos
- Article on American literary realism at the Literary Movements site