Arte africano
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| Historia del Arte |
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El arte africano describe las pinturas, esculturas, instalaciones y otras culturas visuales modernas e históricas de los africanos nativos o indígenas y del continente africano . La definición también puede incluir el arte de las diásporas africanas , como el afroamericano , el caribeño o el arte en las sociedades sudamericanas inspiradas en las tradiciones africanas. A pesar de esta diversidad, existen temas artísticos unificadores presentes, al considerar la totalidad de la cultura visual del continente africano. [1]
La cerámica, la metalurgia , la escultura , la arquitectura , el arte textil y el arte de las fibras son formas de arte visual importantes en África y pueden incluirse en el estudio del arte africano. El término "arte africano" no suele incluir el arte de las áreas del norte de África a lo largo de la costa mediterránea , ya que estas áreas han sido durante mucho tiempo parte de diferentes tradiciones. Durante más de un milenio, el arte de tales áreas había formado parte del arte bereber o islámico , aunque con muchas características locales particulares.
El arte de Etiopía , con una larga tradición cristiana , también es diferente del de la mayor parte de África, donde la religión tradicional africana (con el Islam en el norte) fue dominante hasta el siglo XX. [2] El arte africano incluye el arte prehistórico y antiguo , el arte islámico de África occidental , el arte cristiano de África oriental y los artefactos tradicionales de estas y otras regiones. Gran parte de la escultura africana se ha realizado históricamente en madera y otros materiales naturales que no han sobrevivido hace unos pocos siglos, aunque es rara la cerámica antigua.y se pueden encontrar figuras de metal en varias áreas. [3] Algunos de los primeros objetos decorativos, como cuentas de conchas y evidencia de pintura, se han descubierto en África y datan de la Edad de Piedra Media . [4] [5] [6] Las máscaras son elementos importantes en el arte de muchos pueblos, junto con las figuras humanas, ya menudo están muy estilizadas. Existe una gran variedad de estilos, que a menudo varían dentro del mismo contexto de origen y dependiendo del uso del objeto, pero son evidentes amplias tendencias regionales; La escultura es más común entre "grupos de cultivadores asentados en las áreas drenadas por los ríos Níger y Congo " en África Occidental. [7]Las imágenes directas de deidades son relativamente poco frecuentes, pero las máscaras en particular se hacen o se hicieron a menudo para ceremonias rituales. Desde finales del siglo XIX ha habido una cantidad creciente de arte africano en las colecciones occidentales , cuyas mejores piezas se muestran como parte de la historia de la colonización.
El arte africano ha tenido una influencia importante en el arte modernista europeo , [8] que se inspiró en su interés por la representación abstracta. Fue esta apreciación de la escultura africana la que se ha atribuido al concepto mismo de "arte africano", tal como lo ven los artistas e historiadores del arte europeos y estadounidenses. [9]
Las culturas de África occidental desarrollaron la fundición de bronce para relieves, como los famosos bronces de Benin , para decorar palacios y para cabezas reales altamente naturalistas de la ciudad de Bini en la ciudad de Benin, estado de Edo , así como en terracota o metal, de los siglos XII al XIV. . Los pesos de oro akan son una forma de pequeñas esculturas de metal producidas durante el período 1400-1900; algunas aparentemente representan refranes , aportando un elemento narrativo poco común en la escultura africana; y las insignias reales incluían impresionantes elementos esculpidos en oro. [10] Muchas figuras de África Occidental se utilizan en rituales religiosos y, a menudo, se recubren con materiales colocados sobre ellas para ofrendas ceremoniales. losLos pueblos de habla mande de la misma región fabrican piezas de madera con superficies anchas y planas y brazos y piernas en forma de cilindros. En África Central , sin embargo, las principales características distintivas incluyen caras en forma de corazón que se curvan hacia adentro y muestran patrones de círculos y puntos.
Elementos temáticos
- Creatividad artística o individualismo expresivo: en el arte de África occidental en particular, hay un énfasis generalizado en el individualismo expresivo y, al mismo tiempo, está influenciado por el trabajo de sus predecesores. Un ejemplo sería el arte de Dan, así como su presencia en la diáspora de África occidental. [12] [13]
- Énfasis en la figura humana: La figura humana siempre ha sido el tema principal de la mayor parte del arte africano, y este énfasis incluso influyó en ciertas tradiciones europeas. [8] Por ejemplo, en el siglo XV Portugal comerciaba con la cultura Sapi cerca de Costa de Marfil en África Occidental, quienes crearon elaborados saleros de marfil que eran híbridos de diseños africanos y europeos, sobre todo en la adición de la figura humana (la figura humana típicamente no aparecía en los saleros portugueses). La figura humana puede simbolizar a vivos o muertos, puede hacer referencia a jefes, bailarines o diversos oficios como tamborileros o cazadores, o incluso puede ser una representación antropomórfica de un dios o tener otra función votiva. Otro tema común es la intermorfosis de humanos y animales.
- Abstracción visual: las obras de arte africanas tienden a favorecer la abstracción visual sobre la representación naturalista. Esto se debe a que muchas obras de arte africanas generalizan las normas estilísticas. [14]
Alcance
El estudio del arte africano hasta hace poco se centró en el arte tradicional de ciertos grupos bien conocidos del continente, con un énfasis particular en la escultura tradicional, máscaras y otras culturas visuales de África occidental no islámica, África central y África meridional con un especial énfasis en los siglos XIX y XX. Recientemente, sin embargo, ha habido un movimiento entre los historiadores del arte africanos y otros académicos para incluir la cultura visual de otras regiones y períodos de tiempo. La idea es que al incluir todas las culturas africanas y su cultura visual a lo largo del tiempo en el arte africano , habrá una mayor comprensión de la estética visual del continente a lo largo del tiempo. Finalmente, las artes de la gente de la diáspora africana, en Brasil , el Caribey el sureste de los Estados Unidos , también han comenzado a incluirse en el estudio del arte africano.
Materiales
El arte africano toma muchas formas y está hecho de muchos materiales diferentes. La mayoría de las obras de arte africanas son esculturas de madera, probablemente porque la madera es un material muy extendido. La joyería es una forma de arte popular y se usa para indicar rango, afiliación a un grupo o simplemente por estética. [15] La joyería africana está hecha de materiales tan diversos como piedra ojo de tigre, hematita, sisal, cáscara de coco, cuentas y madera de ébano. Las esculturas pueden ser de madera, cerámica o talladas en piedra como las famosas esculturas Shona, [16] y la cerámica decorada o esculpida proviene de muchas regiones. Se fabrican varias formas de textiles, incluido el chitenge, la tela de barro y el kente.tela. Los mosaicos hechos de alas de mariposa o arena de colores son populares en África occidental. Las primeras esculturas africanas se pueden identificar como hechas de terracota y bronce. [17]
Religiones africanas tradicionales
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Las religiones africanas tradicionales han tenido una gran influencia en las formas de arte africanas en todo el continente. El arte africano a menudo se deriva de los temas del simbolismo religioso, el funcionalismo y el utilitarismo, y muchas obras de arte se crean con fines espirituales en lugar de puramente creativos. Muchas culturas africanas enfatizan la importancia de los antepasados como intermediarios entre los vivos, los dioses y el creador supremo, y el arte se ve como una forma de contactar a estos espíritus de los antepasados. El arte también se puede usar para representar dioses y se valora por sus propósitos funcionales. [ cita requerida ] Sin embargo, es importante tener en cuenta que la llegada tanto del cristianismo como del IslamTambién han influido mucho en el arte del continente africano, y las tradiciones de ambos se han integrado en las creencias y obras de arte de la religión africana tradicional. [18]
Historia
Los orígenes del arte africano se encuentran mucho antes de la historia registrada. Las cuentas más antiguas conocidas de la región se hicieron con conchas de Nassarius y se usaron como adornos personales hace 72.000 años. [4] En África, existen evidencias de la fabricación de pinturas mediante un proceso complejo hace unos 100.000 años [5] y del uso de pigmentos hace unos 320.000 años. [6] [19] El arte rupestre africano en el Sahara en Níger conserva tallas de 6000 años. [20] Junto con el África subsahariana, las artes culturales occidentales, el antiguo Egiptopinturas y artefactos, y artesanías indígenas del sur también contribuyeron en gran medida al arte africano. A menudo representando la abundancia de la naturaleza circundante, el arte a menudo consistía en interpretaciones abstractas de animales, vida vegetal o diseños y formas naturales. El reino nubio de Kush en el Sudán moderno estaba en contacto estrecho y a menudo hostil con Egipto, y produjo esculturas monumentales en su mayoría derivadas de estilos que no conducían al norte. En África occidental, las primeras esculturas conocidas son de la cultura Nok, que prosperó entre el 1500 a. C. y el 500 d. C. en la Nigeria moderna , con figuras de arcilla típicamente con cuerpos alargados y formas angulares. [21]
Métodos más complejos de producción de arte se desarrollaron en el África subsahariana alrededor del siglo 10, algunos de los más avances notables incluyen el trabajo de bronce de Igbo Ukwu la industria metalúrgica y de y de la terracota de Ile Ife bronce y latón fundiciones, a menudo adornados con marfil y preciosa piedras , adquirió un gran prestigio en gran parte de África occidental , a veces se limita al trabajo de los artesanos de la corte y se identifica con la realeza , como con los bronces de Benin .
Influencia en el arte occidental
Durante y después del período colonial de los siglos XIX y XX, los occidentales caracterizaron durante mucho tiempo al arte africano como "primitivo". El término conlleva connotaciones negativas de subdesarrollo y pobreza. La colonización durante el siglo XIX estableció una comprensión occidental basada en la creencia de que el arte africano carecía de capacidad técnica debido a su bajo nivel socioeconómico.
A principios del siglo XX, historiadores del arte como Carl Einstein , Michał Sobeski y Leo Frobenius publicaron importantes obras sobre la temática, otorgando al arte africano el estatus de objeto estético , no solo de objeto etnográfico . [22] Al mismo tiempo, artistas como Paul Gauguin , Pablo Picasso , Georges Braque , André Derain , Henri Matisse , Joseph Csaky y Amedeo Modigliani se dieron cuenta e inspiraron el arte africano, entre otras formas de arte. [8]En una situación donde la vanguardia establecidaluchando contra las limitaciones impuestas por el servicio al mundo de las apariencias, el arte africano demostró el poder de las formas supremamente bien organizadas; producido no sólo respondiendo a la facultad de la vista, sino también, y a menudo principalmente, a la facultad de imaginación, emoción y experiencia mística y religiosa. Estos artistas vieron en el arte africano una perfección formal y sofisticación unidas con un poder expresivo fenomenal. El estudio y la respuesta al arte africano por parte de los artistas de principios del siglo XX facilitó una explosión de interés por la abstracción, organización y reorganización de las formas, y la exploración de áreas emocionales y psicológicas hasta ahora inéditas en el arte occidental. De esta manera, se cambió el estado del arte visual. El arte dejó de ser mera y principalmente estético, pero se convirtió también en un verdadero medio para el discurso filosófico e intelectual y, por lo tanto, más verdadera y profundamente estético que nunca. [23]
Arte tradicional
El arte tradicional describe las formas más populares y estudiadas de arte africano que se encuentran típicamente en las colecciones de los museos.
Máscaras de madera , que pueden ser de seres humanos , animales o criaturas legendarias., son una de las formas de arte más comunes en África occidental. En sus contextos originales, las máscaras ceremoniales se utilizan para celebraciones, iniciaciones, recolección de cultivos y preparación para la guerra. Las máscaras las lleva un bailarín elegido o iniciado. Durante la ceremonia de la máscara, el bailarín entra en trance profundo y durante este estado mental se "comunica" con sus antepasados. Las máscaras se pueden usar de tres formas diferentes: cubriendo verticalmente la cara: como cascos, que cubren toda la cabeza, y como cresta, descansando sobre la cabeza, que comúnmente estaba cubierta por un material como parte del disfraz. Las máscaras africanas a menudo representan un espíritu y se cree firmemente que el espíritu de los antepasados posee al portador. La mayoría de las máscaras africanas están hechas con madera y se pueden decorar con: marfil, pelo de animales, fibras vegetales (como rafia), pigmentos (comocaolín ), piedras y gemas semipreciosas también se incluyen en las máscaras.
Las estatuas, generalmente de madera o marfil, a menudo tienen incrustaciones de conchas de cauri , tachuelas de metal y clavos. La ropa decorativa también es un lugar común y constituye otra gran parte del arte africano. Entre los textiles africanos más complejos se encuentra la colorida tela Kente tejida en tiras de Ghana . La tela para barro con dibujos atrevidos es otra técnica bien conocida.
Arte africano contemporáneo
África es el hogar de una próspera cultura de bellas artes de arte contemporáneo . Esto ha sido poco estudiado hasta hace poco, debido al énfasis de los estudiosos y coleccionistas de arte en el arte tradicional. Artistas modernos notables incluyen El Anatsui , Marlene Dumas , William Kentridge , Karel Nel , Kendell Geers , Yinka Shonibare , Zerihun Yetmgeta , Odhiambo Siangla, Elias Jengo, Olu Oguibe , Lubaina Himid , Bili Bidjocka y Henry Tayali . Las bienales de arte se llevan a cabo en Dakar , Senegal yJohannesburgo , Sudáfrica . Muchos artistas africanos contemporáneos están representados en las colecciones de los museos y su arte puede venderse a precios elevados en las subastas de arte . A pesar de esto, muchos artistas africanos contemporáneos tienden a tener dificultades para encontrar un mercado para su trabajo. Muchas artes africanas contemporáneas toman prestado en gran medida de sus predecesores tradicionales. Irónicamente, los occidentales ven este énfasis en la abstracción como una imitación de artistas cubistas y totémicos europeos y estadounidenses , como Pablo Picasso , Amedeo Modigliani y Henri Matisse , quienes, a principios del siglo XX, fueron fuertemente influenciados por el arte tradicional africano. Este período fue fundamental para la evolución del modernismo occidental.en artes visuales, simbolizado por la revolucionaria pintura de Picasso Les Demoiselles d'Avignon . [24]
Hoy en día, Fathi Hassan es considerado uno de los primeros representantes del arte africano negro contemporáneo. El arte africano contemporáneo fue pionero en las décadas de 1950 y 1960 en Sudáfrica por artistas como Irma Stern , Cyril Fradan , Walter Battiss y a través de galerías como la Goodman Gallery en Johannesburgo. Más recientemente, galerías europeas como la October Gallery de Londres y coleccionistas como Jean Pigozzi , [25] Artur Walther [26] y Gianni Baiocchi en Roma han contribuido a ampliar el interés por el tema. Numerosas exposiciones en el Museo de Arte Africano de Nueva York y el Pabellón Africano en la Bienal de Venecia 2007, que mostró el africano Sindika Dokolo
Colección de Arte Contemporáneo, han recorrido un largo camino para contrarrestar muchos de los mitos y prejuicios que acechan al Arte Africano Contemporáneo . El nombramiento del nigeriano Okwui Enwezor como director artístico de Documenta 11 y su visión del arte centrada en África impulsaron las carreras de innumerables artistas africanos al escenario internacional.
Una amplia gama de formas de arte más o menos tradicionales, o adaptaciones del estilo tradicional al gusto contemporáneo se realizan para la venta a turistas y otros, incluido el llamado "arte de aeropuerto". Varias tradiciones populares vigorosas asimilan las influencias occidentales en estilos africanos, como los elaborados ataúdes de fantasía del sur de Ghana, hechos en una variedad de formas diferentes que representan las ocupaciones o intereses de los difuntos o elevan su estatus. Los Ga creen que un funeral elaborado beneficiará el estado de sus seres queridos en el más allá, por lo que las familias a menudo no escatiman gastos al decidir qué ataúd quieren para sus familiares. [27] Estos ataúdes pueden adoptar la forma de automóviles, mazorcas de cacao, pollos o cualquier otra forma que una familia decida que representa mejor a su ser querido fallecido.[28]
Arte pop y publicidad
El arte que se utiliza para publicitar empresas locales, incluidas peluquerías, cines y tiendas de electrodomésticos, se ha convertido en una celebridad internacional en las galerías y ha lanzado las carreras de muchos artistas africanos contemporáneos, desde Joseph Bertiers de Kenia hasta varios pintores de carteles de películas en Ghana. [29] Carteles de películas de Ghana pintados a mano sobre lienzo y sacos de harina de las décadas de 1980 y 1990 se han exhibido en museos de todo el mundo y han despertado la atención viral de las redes sociales debido a sus representaciones altamente imaginativas y estilizadas de películas occidentales. [30] [31] Esta interpretación creativa de la cultura occidental a través de los estilos artísticos africanos también se muestra con la tradición de los retratos de elogio que representan a celebridades internacionales, que a menudo sirvieron como arte publicitario de escaparates y desde entonces se han vuelto ampliamente valorados y coleccionados en el mercado mundial del arte.
Arte africano minimalista
Otro notable artista africano contemporáneo es Amir Nour, que es un artista sudanés que actualmente reside en Chicago. En la década de 1960 creó una escultura de metal llamada Pastoreo en Shendi (1969) que consta de formas geométricas que conectan con su memoria de su tierra natal. [32] La escultura se asemeja a ovejas pastando en la distancia. Valoraba descubrir el arte dentro de la sociedad del artista, incluida la cultura, la tradición y los antecedentes. [33]
Por país, civilizaciones o personas
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África occidental
Ghana
Ghana es famosa por crear las más famosas expresiones y marcas africanas auténticas, que van desde tallas de madera, trabajos de bronce, figuras, gemas y diferentes tipos de materiales. Ghana todavía se mantiene como una nación con un sinfín de reservas de minerales, como oro, diamantes, plata, bronce, etc. Ghana ofrece muchas ayudas para que los artesanos creen y diseñen joyas, ya sean contemporáneas o tradicionales.
Un Kente es una tela acolchada tradicional, multicolor, tejida a mano. También es una especie de textura de seda y algodón hecha de tiras de tela entrelazadas. La tela es fundamental para la cultura ghanesa y también se usa tradicionalmente para usarse como una urdimbre tanto para hombres como para mujeres con variaciones ligeramente diferentes para ambos. Esta tela casi la usan todos los miembros de la tribu de Ghana.
Colores y significado
Hay diferentes variaciones de color para el kente, cada color tiene diferentes significados. Aquí hay unos ejemplos:
Negro: maduración
Blanco: purificación
Amarillo: preciosidad
Azul: tranquilidad
Rojo: derramamiento de sangre
El arte Akan se originó entre la gente Akan . El arte akan es conocido por sus vibrantes tradiciones artísticas, que incluyen textiles, esculturas, pesos de oro Akan, así como joyas de oro y plata . El pueblo Akan es conocido por su fuerte conexión entre las expresiones visuales y verbales y una mezcla distintiva de arte y filosofía. La cultura Akan valora el orosobre todos los demás metales, y cree que puede retratar los elementos sobrenaturales detrás de muchas cosas, incluida la autoridad real y los valores culturales. Los Asante, que son una cultura dominante de habla akan en Ghana, tienen sus orígenes en la llegada de un taburete dorado, que ahora se dice que contiene el alma de la nación Asante dentro de él. El oro se consideraba una contraparte terrenal del sol y a menudo se utilizaba en el arte para mostrar la importancia del rey, convirtiéndolo en una representación esencial de sus valores culturales y sociales. [34] La tela kente es otra tradición artística extremadamente importante de la cultura Akan. La tradición establece que la tela Kente se originó cuando los tejedores intentaron copiar las habilidades de tejido de las arañas con sus telas. La tela Kente es mundialmente conocida por sus colores y patrones. Su propósito original era representar el poder y la autoridad reales, pero ahora se ha convertido en un símbolo de la tradición y ha sido adoptado por varias otras culturas. [35]
Cabeza de trofeo Ashanti ; circa 1870; pura de oro ; Colección Wallace (Londres). Esta obra de arte representa a un jefe enemigo muerto en batalla. Con un peso de 1,5 kg (3,3 libras), se adjuntó a la espada estatal del rey Asante.
Muñeca (Akuaba); siglo 20; 27,3 x 11,4 x 3,8 cm (10 3 ⁄ 4 x 4 1 ⁄ 2 x 1 1 ⁄ 2 pulg .); Museo de Brooklyn (Nueva York)
Insignia de lavado de almas (Akrafokonmu); Siglo XVIII-XIX; oro; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Calabash adinkra sellos tallados en Ntonso (Ghana)
Nigeria
La cultura nigeriana se ilustra a través del arte y el folclore. Nigeria se inspira para su arte en el patrimonio folclórico tradicional de la región. Hay diferentes tipos de obras de arte de la cultura nigeriana. Algunas de estas obras de arte pueden ser tallas de piedra, alfarería, trabajos en vidrio, tallas de madera y trabajos de bronce. Se considera que Benin y Awka son los lugares centrales para el tallado en madera. Los talladores de madera han prosperado en todo el sur de Nigeria desde tiempos inmemoriales.
Ejemplos de arte tradicional nigeriano
Mascaras
Las máscaras son una pieza de la confianza animista de los individuos yoruba. Los velos están pintados y los fanáticos los usan en los servicios conmemorativos y en diferentes funciones para apaciguar los espíritus.
cerámica
La alfarería tiene una larga tradición en Nigeria. La cerámica era bien conocida desde el año 100 a. C. En estos días, Suleja, Abuja e Ilorin se consideran figuras significativas de la cerámica tradicional. Los alfareros en Nigeria son con frecuencia mujeres y, por lo general, practican para que los métodos se transmitan de padres a hijos.
Textiles
Los yorubas utilizan un arbusto para hacer una tela de color batik con sombra índigo. Las mujeres generalmente son las que se marchitan, mientras que en el norte, la especialidad es practicada solo por hombres. Los tejedores de todo el país producen una textura espléndida con estructuras de cintas. El estado de Oyo es conocido por sus materiales de telar fino, mientras que la tela del estado de Abia utiliza una estrategia de telar ancho.
La cultura Nok es una población de la Edad del Hierro cuyos restos materiales llevan el nombre de la aldea Ham de Nok en el estado de Kaduna de Nigeria , donde sus famosas esculturas de terracota se descubrieron por primera vez en 1928. La cultura Nok apareció en el norte de Nigeria alrededor del 1500 a. C. [21] y desapareció en circunstancias desconocidas alrededor del año 500 d.C., habiendo durado aproximadamente 2.000 años. [36]
Se desconoce la función de las esculturas de terracota Nok. En su mayor parte, la terracota se conserva en forma de fragmentos dispersos. Es por eso que el arte de Nok es más conocido hoy en día solo por las cabezas, tanto masculinas como femeninas, cuyos peinados son particularmente detallados y refinados. Las estatuas están fragmentadas porque los descubrimientos suelen estar hechos de barro aluvial , en terrenos hechos por la erosión del agua. Las estatuas de terracota que se encuentran allí están escondidas, enrolladas, pulidas y rotas. Rara vez se conservan intactas obras de gran tamaño, lo que las hace muy valoradas en el mercado internacional del arte. Las figuras de terracota son cabezas y cuerpos humanos huecos, construidos en espiral, casi de tamaño natural que están representados con rasgos muy estilizados, abundantes joyas y posturas variadas.
Poco se sabe de la función original de las piezas, pero las teorías incluyen la representación de los antepasados, marcadores de tumbas y amuletos para prevenir la pérdida de cosechas, la infertilidad y las enfermedades. Además, según las bases en forma de cúpula que se encuentran en varias figuras, podrían haber sido utilizadas como remates para los techos de estructuras antiguas. Margaret Young-Sanchez, curadora asociada de arte de las Américas, África y Oceanía en el Museo de Arte de Cleveland, explica que la mayoría de las cerámicas Nok se formaron a mano a partir de arcilla de grano grueso y se esculpieron de manera sustractiva de una manera que sugiere una influencia del tallado en madera. Después de un poco de secado, las esculturas se cubrieron con engobe y se pulieron para producir una superficie lisa y brillante. Las figuras son huecas, con varias aberturas para facilitar el secado y la cocción en profundidad. El proceso de cocción probablemente se asemeja al que se usa hoy en Nigeria, en el que las piezas se cubren con hierba, ramitas y hojas y se queman durante varias horas.
Como resultado de la erosión natural y la deposición, las terracotas Nok se esparcieron a varias profundidades a lo largo de los pastizales del Sahel, lo que provocó dificultades en la datación y clasificación de los misteriosos artefactos. Se encontraron dos sitios arqueológicos, Samun Dukiya y Taruga , que contenían arte de Nok que había permanecido impasible. Las pruebas de radiocarbono y termoluminiscencia redujeron la edad de las esculturas a entre 2000 y 2500 años, lo que las convierte en algunas de las más antiguas de África occidental. Muchas otras fechas se recuperaron en el curso de nuevas excavaciones arqueológicas, extendiendo los inicios de la tradición Nok aún más atrás en el tiempo. [37]
Debido a las similitudes entre los dos sitios, el arqueólogo Graham Connah cree que "la obra de arte de Nok representa un estilo que fue adoptado por una variedad de sociedades agrícolas que utilizan hierro de diferentes culturas, en lugar de ser la característica de diagnóstico de un grupo humano en particular como a menudo ha sido reclamado ".
Nok figura sentada; Siglo V a. C. - siglo V d. C.; terracota; 38 cm (1 pie 3 pulg.); Musée du quai Branly (París). En este trabajo de Nok, la cabeza es dramáticamente más grande que el cuerpo que la sostiene, pero la figura posee detalles elegantes y un enfoque poderoso. La prolija protuberancia del mentón representa una barba. Collares de un cono alrededor del cuello y mantener el foco en el rostro.
Fragmento de relieve con cabezas y figuras; Siglo V a. C. - siglo V d. C.; largo: 50 cm (19,6 pulg.), alto: 54 cm (21,2 pulg.), ancho: 50 cm (19,6 pulg.); terracota; Musée du quai Branly. Como la mayoría de los estilos de arte africanos, el estilo Nok se centra principalmente en las personas, rara vez en los animales. Todas las estatuas de Nok son muy estilizadas y similares porque tienen este ojo de forma triangular con una pupila perforada, con cejas arqueadas.
Cabeza masculina; 550–50 a. C.; terracota; Museo de Brooklyn ( Nueva York , Estados Unidos). La boca de esta cabeza está ligeramente abierta. Quizás sugiera un discurso, que la figura tenga algo que decirnos. Esta es una figura que parece estar en medio de una conversación. Los ojos y las cejas sugieren una calma interior o una serenidad interior.
Figura masculina; terracota; Instituto de Arte de Detroit ( Michigan , EE. UU.)
Arte de Benin
El arte de Benin es el arte del Reino de Benin o Imperio Edo (1440–1897), un estado africano precolonial ubicado en lo que ahora se conoce como la región Sur-Sur de Nigeria. Los Bronces de Benin son un grupo de más de mil placas y esculturas de metal que decoraron el palacio real del Reino de Benin en lo que hoy es Nigeria. [a] En conjunto, los objetos forman los ejemplos más conocidos del arte de Benin , creado a partir del siglo XIII por el pueblo Edo , que también incluía otras esculturas en latón o bronce, entre ellas algunos famosos retratos de cabezas y piezas más pequeñas.
En 1897, la mayoría de las placas y otros objetos de la colección fueron tomados por una fuerza británica durante la Expedición a Benin de 1897 , que tuvo lugar mientras se consolidaba el control británico en el sur de Nigeria . [40] Doscientas de las piezas fueron llevadas al Museo Británico , mientras que el resto fue comprado por otros museos en Europa. [41] Hoy en día, un gran número está en manos del Museo Británico, [40] así como de otras colecciones notables en museos alemanes y estadounidenses. [42]
Placa con guerreros y asistentes; Siglos XVI-XVII; latón; altura: 47,6 cm (18 3 ⁄ 4 pulg .); Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Placa ecuestre de un Oba a caballo con asistentes; entre 1550 y 1680; latón; altura: 49,5 cm (19 7 ⁄ 16 pulg .), ancho: 41,9 (16 1 ⁄ 2 pulg.), diámetro: 11,4 cm (4 1 ⁄ 2 pulg .); Museo Metropolitano de Arte
Placa que probablemente representa a un músico; siglo 17; bronce; 48,26 cm (19 pulg.) X 18,42 (7 1 ⁄ 4 pulg.) X 8,89 cm (3 1 ⁄ 2 pulg .), Irregular; Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (EE. UU.)
Figura de gallo; siglo 18; latón; total: 45,4 cm (17 7 ⁄ 8 pulg .); Museo Metropolitano de Arte
Cabeza de bronce de la reina Idia ; principios del siglo XVI; bronce; Museo Etnológico de Berlín (Alemania). Se conocen cuatro cabezas de bronce fundido de la reina y actualmente se encuentran en las colecciones del Museo Británico , el Museo Mundial ( Liverpool ), el Museo Nacional de Nigeria ( Lagos ) y el Museo Etnológico de Berlín.
Aguamanilo de leopardo; siglo 17; latón; Museo Etnológico de Berlín. Los leopardos de bronce se utilizaron para decorar el altar de la oba. El leopardo, símbolo del poder, aparece en muchas placas de bronce, del palacio de la oba.
Figura de un soplador de cuerno; 1504-1550; aleación de cobre; 62,2 x 21,6 x 15,2 cm (24 1 ⁄ 2 x 8 1 ⁄ 2 x 6 pulg .); Museo de Brooklyn (Nueva York). Al tocar un cuerno o una flauta con la mano derecha, su brazo izquierdo está truncado. También lleva una gorra de red con diseño de chevron decorado con una pluma.
Máscara de marfil de Benin de la reina madre Idia ; siglo 16; marfil, hierro y cobre; Museo Metropolitano de Arte. Una de las cuatro máscaras colgantes de marfil relacionadas entre las preciadas insignias de los Oba de Benin ; tomada durante la Expedición a Benin de 1897 en el Protectorado del Sur de Nigeria
Igbo
Los igbo producen una amplia variedad de arte que incluye figuras tradicionales, máscaras, artefactos y textiles, además de obras en metales como el bronce. Se han encontrado obras de arte de los igbo desde el siglo IX con los artefactos de bronce encontrados en Igbo Ukwu . Sus máscaras son similares a las de Fang , siendo blancas y negras en aproximadamente las mismas partes.
Máscara de espíritu de doncella; principios del siglo 20; madera y pigmento; Museo de Brooklyn ( Nueva York , EE. UU.)
Una máscara conocida como la Reina de las Mujeres ( Eze Nwanyi ); finales del siglo XIX y principios del XX; madera y pigmento; Museo de Arte de Birmingham ( Alabama , EE. UU.)
Vasija ceremonial de bronce en forma de concha de caracol; Siglo IX; Igbo-Ukwu ; Museo Nacional de Nigeria ( Lagos , Nigeria)
Cabeza de bastón ornamental de bronce; Siglo IX; Igbo-Ukwu ; Museo Nacional de Nigeria
Máscara de casco; siglo 20; Museo de Arte de Indianápolis (EE. UU.)
Figura femenina para templo pequeño; siglo 20; Museo de Arte de Indianápolis
Complejo de madera igbo, actualmente en el Museo Británico
Prenda; 1950-1975; algodón; Museo de Arte de Indianápolis
Yoruba
El arte yoruba es más conocido por las cabezas de Ife , hechas de cerámica, latón y otros materiales. Gran parte de su arte está asociado con las cortes reales. También produjeron máscaras y puertas elaboradas, llenas de detalles y pintadas en colores brillantes, como azul, amarillo, rojo y blanco.
Jefe de un rey o dignatario; Siglos XII-XV d. C.; terracota; Museo Etnológico de Berlín (Alemania); descubierto en Ife (Nigeria)
Máscara para Obalufon II ; circa 1300 dC; cobre; altura: 29,2 cm; descubierto en Ife ; Museo de Antigüedades de Ife ( Ife , Nigeria) [43]
Cabeza de bronce de Ife ; Siglo XII-XV; latón ; Museo Británico (Londres)
Máscara con 7 pájaros; Siglo XIX-XX; Instituto de Artes de Detroit (EE. UU.)
Máscara con superestructura y dos pájaros; Siglo XIX-XX; Instituto de Artes de Detroit
Sombrerería; circa 1900-1915; Instituto de Artes de Detroit
Par de paneles de puerta y dintel; circa 1910-1914; por Olowe de Ise ; ( Museo Británico , Londres)
Máscara de carnaval; alrededor de 1950; Museo de Arte de Indianápolis (EE. UU.)
Otros grupos étnicos de Nigeria
Puerta tallada; circa 1920-1940; madera con grapas de hierro; por el pueblo Nupe ; Museo de Arte Hood ( Hanover , New Hampshire , EE. UU.)
Tocado; principios de 1900; madera, piel de antílope, cestería, caña, metal; por la gente de Ejagham ; Museo de Arte de Cleveland (EE. UU.)
Tocado; principios de 1900; madera, cabello; Pueblo Idoma ; Museo de Arte de Cleveland
Máscara de otobo (hipopótamo); por la gente de Kalabari ; Museo Británico (Londres)
Mali
Los principales grupos étnicos de Mali son los Bambara (también conocidos como Bamana) y los Dogon. Los grupos étnicos más pequeños son los Marka y los pescadores Bozo del río Níger. Las civilizaciones antiguas florecieron en áreas como Djene y Tombuctú, donde se ha descubierto una gran variedad de figuras antiguas de bronce y terracota.
Djenné-Djenno
Djenné-Djenno es famoso por sus figurillas que representan a seres humanos y animales, incluidos serpientes y caballos. Están hechos de terracota, un material que se ha utilizado en África Occidental durante unos diez mil años.
Figura sentada de terracota; siglo 13; loza de barro; 29,9 cm (11 3 ⁄ 4 pulgadas) de alto; Metropolitan Museum of Art ( Nueva York , EE. UU.) Las marcas en relieve y las hendiduras en la parte posterior de esta figura encorvada de Djenné pueden representar una enfermedad o, más probablemente, patrones de sacrificio. La expresión facial y la pose pueden representar a un individuo de luto o con dolor.
Figura femenina; Siglos XIII-XV; terracota cubierta de ocre rojo; altura: 37,5 cm (14,7 pulg.), ancho: 31 cm (12,2 pulg.), profundidad: 24 cm (9,4 pulg.); Musée du quai Branly (París)
Figura ecuestre; Siglos XIII-XV; altura: 70,5 cm; Museo Nacional de Arte Africano ( Washington DC , EE. UU.)
Figura masculina; Siglo XIV-XVII; Museo de Arte de Cleveland ( Ohio , EE. UU.)
Bambara
La gente de Bambara ( Bambara : Bamanankaw ) adaptó muchas tradiciones artísticas y comenzó a crear piezas de exhibición. Antes de que el dinero fuera el motor principal de la creación de sus obras de arte, utilizaban sus habilidades únicamente como un oficio sagrado para mostrar orgullo espiritual, creencias religiosas y exhibición de costumbres. Las obras de arte de ejemplo incluyen la máscara Bamana n'tomo. Se crearon otras estatuas para personas como cazadores y agricultores para que otros pudieran dejar ofrendas después de largas temporadas agrícolas o cacerías en grupo. Las variaciones estilísticas en el arte Bambara son esculturas extremas, máscaras y tocados que muestran características estilizadas o realistas, y pátinas desgastadas o incrustadas. Hasta hace muy poco, la función de las piezas de Bambara estaba envuelta en un misterio, pero en los últimos veinte años, los estudios de campo han revelado que ciertos tipos de figuras y tocados estaban asociados con varias de las sociedades que estructuran la vida de Bambara. Durante la década de 1970 se identificó un grupo de aproximadamente veinte figuras, máscaras y tocados de TjiWara pertenecientes al llamado 'estilo Segou'. El estilo es distinto y reconocible por sus típicas caras planas, narices en forma de flecha,escarificaciones triangulares en todo el cuerpo y, en las figuras, manos extendidas.
- Mascaras
Hay tres tipos principales y uno menor de máscara Bambara. El primer tipo, utilizado por la sociedad N'tomo, tiene una estructura típica en forma de peine sobre la cara, se usa durante los bailes y puede cubrirse con conchas de cauri. El segundo tipo de máscara, asociado con la sociedad de Komo, tiene una cabeza esférica con dos cuernos de antílope en la parte superior y una boca aplanada y agrandada. Se usan durante los bailes, pero algunos tienen una pátina densamente incrustada que se adquiere durante otras ceremonias en las que se vierten libaciones sobre ellos.
El tercer tipo tiene conexiones con la sociedad Nama y está tallado en forma de cabeza de pájaro articulada, mientras que el cuarto tipo, menor, representa una cabeza de animal estilizada y es utilizado por la sociedad Kore. Se sabe que existen otras máscaras de Bambara, pero a diferencia de las descritas anteriormente, no pueden vincularse a sociedades o ceremonias específicas. Los talladores de Bambara se han ganado una reputación por los tocados zoomorfos que llevan los miembros de la sociedad Tji-Wara. Aunque todos son diferentes, todos muestran un cuerpo muy abstracto, a menudo incorporando un motivo en zig-zag, que representa el curso del sol de este a oeste, y una cabeza con dos grandes cuernos. Los miembros bambara de la sociedad Tji-Wara usan el tocado mientras bailan en sus campos en el momento de la siembra, con la esperanza de aumentar el rendimiento de la cosecha.
- Estatuillas
Las estatuillas de Bambara se utilizan principalmente durante las ceremonias anuales de la sociedad Guan. Durante estas ceremonias, un grupo de hasta siete figuras, que miden de 80 a 130 cm de altura, son sacadas de sus santuarios por los miembros mayores de la sociedad. Las esculturas se lavan, se vuelven a engrasar y se les ofrecen sacrificios en sus santuarios. Estas figuras, algunas de las cuales datan de los siglos XIV y XVI, suelen mostrar un típico peinado con cresta, a menudo adornado con un talismán.
A dos de estas figuras se les atribuyó un gran significado: una figura de maternidad sentada o de pie llamada Guandousou - conocida en Occidente como 'Reina Bambara' - y una figura masculina llamada Guantigui, que generalmente aparece sosteniendo un cuchillo. Las dos figuras estaban rodeadas por figuras asistentes guannyeni de pie o sentadas en varias posiciones, sosteniendo un recipiente, un instrumento musical o sus pechos. Durante la década de 1970, entraron en el mercado numerosas falsificaciones de Bamako basadas en estas esculturas. Fueron producidos en Bamako.
Se cree que otras figuras de Bambara, llamadas Dyonyeni, están asociadas con la sociedad Dyo del sur o con la sociedad Kwore. Estas figuras femeninas o hermafroditas suelen aparecer con rasgos geométricos como grandes pechos cónicos y miden entre 40 y 85 cm de altura. Los herreros de la sociedad Dyo los usaban durante los bailes para celebrar el final de sus ceremonias de iniciación. Fueron manipulados, sostenidos por bailarines y colocados en el medio del círculo ceremonial.
Entre el corpus de figuras de Bambara, las esculturas de Boh son quizás las más conocidas. Estas estatuas representan una figura humana o animal muy estilizada, y están hechas de madera que se cubre repetidamente con gruesas capas de tierra impregnadas con materiales de sacrificio como mijo, sangre de pollo o cabra, nueces de cola y bebidas alcohólicas. Fueron empleados por las sociedades Kono y Komo y sirvieron como receptáculos para las fuerzas espirituales y, a su vez, podrían usarse con fines apotropaicos.
Cada rasgo creativo especial que una persona obtenía se veía como una forma diferente de complacer a los espíritus superiores.
Dogon
El arte Dogon consiste principalmente en esculturas. Su arte gira en torno a los valores, ideales y libertades religiosos Dogon (Laude, 19). Las esculturas Dogon no están hechas para ser vistas públicamente y comúnmente se ocultan a la vista del público dentro de las casas de familias, santuarios o guardadas con Hogon (Laude, 20). La importancia del secreto se debe al significado simbólico que se esconde detrás de las piezas y al proceso mediante el cual se fabrican.
Los temas que se encuentran en toda la escultura Dogon consisten en figuras con brazos levantados, figuras barbudas superpuestas, jinetes, taburetes con cariátides, mujeres con niños, figuras cubriéndose la cara, mujeres moliendo mijo perla, mujeres con vasijas en la cabeza, burros con copas, músicos, perros. , comederos o bancos cuadrúpedos, figuras inclinadas desde la cintura, imágenes especulares, figuras con delantales y figuras de pie (Laude, 46-52). Los signos de otros contactos y orígenes son evidentes en el arte Dogon. Los Dogon no fueron los primeros habitantes de los acantilados de Bandiagara. La influencia del arte Tellem es evidente en el arte Dogon debido a sus diseños rectilíneos (Laude, 24).
El arte Dogon es extremadamente versátil, aunque las características estilísticas comunes, como la tendencia a la estilización, son evidentes en las estatuas. Su arte trata de los mitos cuyo complejo conjunto regula la vida del individuo. Las esculturas se conservan en innumerables sitios de culto, altares personales o familiares, altares para la lluvia, altares para proteger a los cazadores, en el mercado. Como caracterización general de las estatuas Dogon, se podría decir que representan el cuerpo humano de forma simplificada, reduciéndolo a lo esencial. Algunos son extremadamente alargados con énfasis en formas geométricas. La impresión subjetiva es de inmovilidad con un misterioso sentido de solemne gravedad y serena majestad, aunque transmite al mismo tiempo un movimiento latente. La escultura Dogon recrea las siluetas hermafroditas de los Tellem,con brazos levantados y una pátina gruesa hecha de sangre y cerveza de mijo. Las cuatro parejas Nommo, los antepasados míticos nacidos del dios Amma, adornan taburetes, pilares o casas de reunión de hombres, cerraduras de puertas y puertas de granero. La pareja primordial está representada sentada en un taburete, cuya base representa la tierra mientras que la superficie superior representa el cielo; los dos están interconectados por el Nommo. Las figuras femeninas sentadas, con las manos en el abdomen, están vinculadas al culto a la fertilidad, encarnando al primer antepasado que murió en el parto, y son objeto de ofrendas de alimentos y sacrificios por parte de mujeres que esperan un hijo.La pareja primordial está representada sentada en un taburete, cuya base representa la tierra mientras que la superficie superior representa el cielo; los dos están interconectados por el Nommo. Las figuras femeninas sentadas, con las manos en el abdomen, están vinculadas al culto a la fertilidad, encarnando al primer antepasado que murió en el parto, y son objeto de ofrendas de alimentos y sacrificios por parte de mujeres que esperan un hijo.La pareja primordial está representada sentada en un taburete, cuya base representa la tierra mientras que la superficie superior representa el cielo; los dos están interconectados por el Nommo. Las figuras femeninas sentadas, con las manos en el abdomen, están vinculadas al culto a la fertilidad, encarnando al primer antepasado que murió en el parto, y son objeto de ofrendas de alimentos y sacrificios por parte de mujeres que esperan un hijo.
Estatuas arrodilladas de espíritus protectores se colocan a la cabeza de los muertos para absorber su fuerza espiritual y ser sus intermediarios con el mundo de los muertos, al que acompañan al difunto antes de ser colocados nuevamente en los santuarios de los antepasados. Los jinetes recuerdan el hecho de que, según el mito, el caballo fue el primer animal presente en la tierra. El estilo Dogon ha evolucionado hacia una especie de cubismo: cabeza ovoide, hombros cuadrados, extremidades afiladas, pechos puntiagudos, antebrazos y muslos en un plano paralelo, peinados estilizados por tres o cuatro líneas incisas. Las esculturas Dogon sirven como medio físico en las iniciaciones y como explicación del mundo. Sirven para transmitir un entendimiento a los iniciados, quienes descifrarán la estatua según el nivel de sus conocimientos. Figuras de animales talladas,como perros y avestruces, se colocan en los altares de la fundación de la aldea para conmemorar los animales sacrificados, mientras que las puertas de los graneros, los taburetes y los postes de las casas también están adornados con figuras y símbolos.
Hay casi ochenta estilos de máscaras, pero su característica básica es una gran audacia en el uso de formas geométricas, independientemente de los diversos animales que se supone que representan. La estructura de un gran número de máscaras se basa en la interacción de líneas y formas verticales y horizontales. Otro grupo grande tiene formas cónicas triangulares. Todas las máscaras tienen grandes ojos geométricos y rasgos estilizados. Las máscaras suelen ser policromadas, pero en muchas se pierde el color; después de las ceremonias se dejaron en el suelo y se deterioraron rápidamente debido a las termitas y otras condiciones. Los Dogon continúan una antigua tradición de enmascaramiento, que conmemora el origen de la muerte. Según sus mitos, la muerte llegó al mundo como resultado de las transgresiones del hombre primitivo contra el orden divino.Las ceremonias conmemorativas de Dama se llevan a cabo para acompañar a los muertos al reino ancestral y restaurar el orden en el universo. La actuación de los enmascarados, a veces hasta 400, en estas ceremonias se considera absolutamente necesaria. En el caso de la dama, el momento, los tipos de máscaras involucradas y otros elementos rituales a menudo son específicos de una o dos aldeas y pueden no parecerse a los que se ven en lugares a solo varios kilómetros de distancia. Las máscaras también aparecen durante los ritos baga-bundo realizados por un pequeño número de enmascarados antes del entierro de un Dogon macho. Las máscaras Dogon evocan la forma de los animales asociados con su mitología, sin embargo, su significado solo lo entienden los miembros de culto de más alto rango, cuyo papel es explicar el significado de cada máscara a una audiencia cautivada.La actuación de los enmascarados, a veces hasta 400, en estas ceremonias se considera absolutamente necesaria. En el caso de la dama, el momento, los tipos de máscaras involucradas y otros elementos rituales a menudo son específicos de una o dos aldeas y pueden no parecerse a los que se ven en lugares a solo varios kilómetros de distancia. Las máscaras también aparecen durante los ritos baga-bundo realizados por un pequeño número de enmascarados antes del entierro de un Dogon macho. Las máscaras Dogon evocan la forma de los animales asociados con su mitología, sin embargo, su significado solo lo entienden los miembros de culto de más alto rango, cuyo papel es explicar el significado de cada máscara a una audiencia cautivada.La actuación de los enmascarados, a veces hasta 400, en estas ceremonias se considera absolutamente necesaria. En el caso de la dama, el momento, los tipos de máscaras involucradas y otros elementos rituales a menudo son específicos de una o dos aldeas y pueden no parecerse a los que se ven en lugares a solo varios kilómetros de distancia. Las máscaras también aparecen durante los ritos baga-bundo realizados por un pequeño número de enmascarados antes del entierro de un Dogon macho. Las máscaras Dogon evocan la forma de los animales asociados con su mitología, sin embargo, su significado solo lo entienden los miembros de culto de más alto rango, cuyo papel es explicar el significado de cada máscara a una audiencia cautivada.y otros elementos rituales son a menudo específicos de una o dos aldeas y pueden no parecerse a los que se ven en lugares a sólo varios kilómetros de distancia. Las máscaras también aparecen durante los ritos baga-bundo realizados por un pequeño número de enmascarados antes del entierro de un Dogon macho. Las máscaras Dogon evocan la forma de los animales asociados con su mitología, sin embargo, su significado solo lo entienden los miembros de culto de más alto rango, cuyo papel es explicar el significado de cada máscara a una audiencia cautivada.y otros elementos rituales son a menudo específicos de una o dos aldeas y pueden no parecerse a los que se ven en lugares a sólo varios kilómetros de distancia. Las máscaras también aparecen durante los ritos baga-bundo realizados por un pequeño número de enmascarados antes del entierro de un Dogon macho. Las máscaras Dogon evocan la forma de los animales asociados con su mitología, sin embargo, su significado solo lo entienden los miembros de culto de más alto rango, cuyo papel es explicar el significado de cada máscara a una audiencia cautivada.sin embargo, su significado solo lo entienden los miembros de la secta de más alto rango, cuyo papel es explicar el significado de cada máscara a una audiencia cautivada.sin embargo, su significado solo lo entienden los miembros de la secta de más alto rango, cuyo papel es explicar el significado de cada máscara a una audiencia cautivada.
Persona que usa una máscara Satimbe
Persona que usa una máscara Walu, basada en un antílope
Máscara basada en una hiena; siglo 20; Museo de Arte de Indianápolis (EE. UU.)
Puerta decorada en el pueblo de Hogon
Figura de un músico sentado (jugador de koro); finales del siglo XVIII; 55,8 x 17,7 x 10,8 cm (22 x 7 x 4 1 ⁄ 4 pulg .); Museo de Brooklyn (Nueva York)
Figura de una mujer arrodillada; circa 1500; madera; altura: 35,2 cm (13 7 ⁄ 8 pulg .); Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Figura ecuestre; Siglos XVI-XVII; madera; altura: 68,9 cm (27 1 ⁄ 8 pulg .); Museo Metropolitano de Arte
Heces; posiblemente de finales del siglo XIX a principios del XX; madera y pigmento; Museo Nacional de Arte Africano ( Washington DC , EE. UU.)
Máscara de Kanaga en tres piezas; siglo 20; 108 x 59,1 x 22,9 cm (42 1 ⁄ 2 x 23 1 ⁄ 4 x 9 pulgadas); Museo de Brooklyn (Nueva York)
Otros grupos étnicos de Mali
Fotografía en blanco y negro de una figura femenina con el brazo levantado; Siglos XV-XVII; madera (ficus, moráceas), materiales de sacrificio; altura: 44,8 cm (17 5 ⁄ 8 pulg .); por el pueblo Tellem ; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Figurilla zoomorfa; Siglo XII-XVI; por la cultura Tennenkou ; Museo de Arte Africano Arellano Alonso ( Valladolid , España)
Figurilla ecuestre; por la cultura Bankoni ; Museo de Arte Africano Arellano Alonso
Burkina Faso
Burkina Faso es un pequeño país sin litoral al norte de Ghana y al sur de Malí y Níger. Económicamente, es uno de los cuatro o cinco países más pobres del mundo. Culturalmente, es extremadamente rico. En parte, esto se debe a que muy pocas personas de Burkina Faso se han vuelto musulmanas o cristianas. [44]Muchas de las antiguas tradiciones artísticas por las que África es tan conocida se han conservado en Burkina Faso porque muchas personas continúan honrando a los espíritus ancestrales y a los espíritus de la naturaleza. En gran parte, honran a los espíritus mediante el uso de máscaras y figuras talladas. Muchos de los países al norte de Burkina Faso se habían vuelto predominantemente musulmanes, mientras que muchos de los países al sur de Burkina Faso son fuertemente cristianos. Por el contrario, muchas personas de Burkina Faso continúan ofreciendo oraciones y sacrificios a los espíritus de la naturaleza y a los espíritus de sus antepasados. El resultado es que continúan utilizando el tipo de arte que vemos en los museos de Europa y América. [45]
Uno de los principales obstáculos para comprender el arte de Burkina Faso, incluido el de los bwa, ha sido la confusión entre los estilos de los bwa, los "gurunsi" y los mossi, y la confusión del pueblo bwa con sus vecinos del oeste. la gente de Bobo. Esta confusión fue el resultado del uso por parte de oficiales coloniales franceses de los intérpretes de Jula en el cambio de siglo. estos intérpretes consideraban que los dos pueblos eran iguales y por eso se referían a los Bobo como "Bobo-Fing" y a los Bwa como "Bobo-Oule". De hecho, estos dos pueblos no están relacionados en absoluto. Sus lenguajes son bastante diferentes, sus sistemas sociales son bastante diferentes y, ciertamente, su arte es bastante diferente. En términos de estilos artísticos, la confusión proviene del hecho de que los Bwa, "gurunsi '" y Mossi hacen máscaras que están cubiertas con patrones gráficos geométricos rojos, blancos y negros. Este es simplemente el estilo de los pueblos voltaicos o gur, y también incluye a los dogones y otros pueblos que hablan lenguas voltaicas. [46]
Costa de Marfil
Los pueblos Baoulé , Senoufo y Dan son expertos en tallar madera y cada cultura produce máscaras de madera en una amplia variedad. La gente de Costa de Marfil usa máscaras para representar animales en caricaturas para representar deidades o para representar las almas de los difuntos.
Como se considera que las máscaras tienen un gran poder espiritual, se considera un tabú que cualquier persona que no sea una persona especialmente entrenada o elegida use o posea ciertas máscaras. Se cree que cada una de estas máscaras ceremoniales tiene un alma o fuerza vital, y se cree que el uso de estas máscaras transforma al usuario en la entidad que representa la máscara.
Costa de Marfil también tiene pintores e ilustradores modernos. Gilbert G. Groud critica las creencias antiguas en la magia negra , como se sostiene con las máscaras espirituales mencionadas anteriormente, en su libro ilustrado Magie Noire .
este de Africa
Kenia
Alrededor del lago Turkana existen antiguos petroglifos que representan figuras humanas y animales. Las tribus bantúes construyen postes funerarios, todavía se crean esculturas de cabezas humanas sobre diseños geométricos. Aunque las publicaciones originales ya no existen, se cree que estas creaciones más recientes son una continuación de la práctica. El pueblo Kikuyu también continúa los diseños de la antigua tradición en los diseños pintados en sus escudos. [47]
Los artistas kenianos contemporáneos bantú incluyen a Elimo Njau, fundador del Centro de Arte Paa Ya Paa, un taller de artistas con sede en Nairobi. [48] De la Escuela de Bellas Artes y Diseño de la Universidad de Nairobi llegaron Bulinya Martins y Sarah Shiundu. Los dos, en virtud de haber aprendido muchas técnicas básicas de diseño, son altamente innovadores tanto en estilo, uso del color y ejecución. A diferencia de la mayoría de los artistas kenianos contemporáneos, ellos pintan con óleos, acrílicos y acuarelas y / o una combinación. [49] [50]
El Museo de Arte Eskenazi de la Universidad de Indiana tiene una gran colección de objetos de arte tradicionales de Kenia que incluyen joyas, contenedores, armas, bastones, reposacabezas, taburetes, utensilios y otros objetos disponibles en línea. [51]
Etiopía
El arte etíope desde el siglo IV hasta el XX se puede dividir en dos grandes grupos. Primero viene una tradición distintiva del arte cristiano, principalmente para iglesias, en formas que incluyen pintura , cruces , íconos , manuscritos iluminados y otros trabajos en metal como coronas. En segundo lugar, están las artes y oficios populares como los textiles, la cestería y la joyería , en los que las tradiciones etíopes se acercan más a las de otros pueblos de la región. Su historia se remonta a casi tres mil años hasta el reino de D'mt . La Iglesia Ortodoxa Etíope de Tewahedoha sido la religión predominante en Etiopía durante más de 1500 años, durante la mayor parte de este período en una relación o unión muy estrecha con el cristianismo copto de Egipto , por lo que el arte copto ha sido la principal influencia formativa en el arte de la iglesia etíope.
El arte rupestre prehistórico comparable al de otros sitios africanos sobrevive en varios lugares y, hasta la llegada del cristianismo , se erigieron estelas de piedra , a menudo talladas con relieves simples, como lápidas y con otros fines en muchas regiones; Tiya es un sitio importante. La cultura "pre-axumita" de la Edad del Hierro de aproximadamente el siglo V a. C. al siglo I d. C. fue influenciada por el Reino de Kush al norte, y los colonos de Arabia , y produjo ciudades con templos simples en piedra, como el en ruinas. en Yeha , que es impresionante por su fecha en el siglo IV o V a. C.
El poderoso Reino de Aksum surgió en el siglo I a. C. y dominó Etiopía hasta el siglo X, habiéndose convertido en gran parte en cristiano a partir del siglo IV. [52] Aunque algunos edificios y grandes estelas precristianasexisten, parece que no hay arte cristiano etíope sobreviviente del período axumita. Sin embargo, las primeras obras que quedan muestran una clara continuidad con el arte copto de períodos anteriores. Hubo una destrucción considerable de iglesias y su contenido en el siglo XVI cuando el país fue invadido por vecinos musulmanes. El renacimiento del arte después de esto fue influenciado por el arte católico europeo tanto en iconografía como en elementos de estilo, pero mantuvo su carácter etíope. En el siglo XX, el gobierno comenzó a encargar a artistas y arquitectos occidentales, y a capacitar a estudiantes locales, y se produjo un arte más completamente occidentalizado junto con la continuación del arte tradicional de la iglesia. [52]
Las pinturas de iglesias en Etiopía probablemente se produjeron desde la introducción del cristianismo en el siglo IV d. C., [53] aunque los primeros ejemplos que se conservan provienen de la iglesia de Debre Selam Mikael en la región de Tigray , que data del siglo XI d. C. [54] Sin embargo, los seguidores del profeta islámico Mahoma del siglo VII d. C. que huyeron a Axum en un exilio temporal mencionaron que la Iglesia original de Nuestra Señora María de Sión estaba decorada con pinturas. [54] Otras pinturas tempranas incluyen las de las iglesias excavadas en la roca de Lalibela., fechada en el siglo XII d. C., y en la cercana Geneta Maryam, fechada en el siglo XIII d. C. [54] Sin embargo, las pinturas en manuscritos iluminados son anteriores a las primeras pinturas eclesiásticas que se conservan; por ejemplo, los Evangelios Garima etíopes de los siglos IV a VI d.C. contienen escenas iluminadas que imitan el estilo bizantino contemporáneo . [55]
La pintura etíope, en las paredes, en los libros y en los iconos , [56] es muy distintiva, aunque el estilo y la iconografía están estrechamente relacionados con la versión copta simplificada del arte cristiano antiguo tardío y bizantino. A partir del siglo XVI, el arte de la iglesia católica romana y el arte europeo en general comenzaron a ejercer cierta influencia. Sin embargo, el arte etíope es muy conservador y conservó gran parte de su carácter distintivo hasta los tiempos modernos. La producción de manuscritos iluminados para su uso continuó hasta la actualidad. [57]
Otra forma importante de arte etíope, también relacionada con los estilos coptos, son las cruces de madera y metal. [58] [59] Por lo general, son de aleación de cobre o latón , chapados (al menos originalmente) con oro o plata. Las cabezas son típicamente planchas de fundición planas con una decoración calada elaborada y compleja . El motivo de la cruz emerge de la decoración, con todo el diseño a menudo formando una forma cuadrada o circular girada, aunque los diseños son muy variados e inventivos. Muchos incorporan motivos curvos que se elevan desde la base, que se denominan "brazos de Adán ". Excepto en ejemplos recientes de influencia occidental, por lo general no tienen corpus, o figura de Cristo, y el diseño a menudo incorpora numerosas cruces más pequeñas. A veces se han añadido imágenes figurativas grabadas. Las cruces son en su mayoría cruces procesionales , con la cabeza de metal montada en un largo bastón de madera, que se llevan en procesiones religiosas y durante la liturgia , o cruces de mano, con un mango de metal más corto en el mismo molde que la cabeza. También son comunes las cruces más pequeñas que se usan como joyas.
Etiopía tiene una gran diversidad étnica y lingüística, y los estilos en la artesanía tradicional secular varían mucho en diferentes partes del país. Hay una variedad de tradiciones en los textiles, muchas con decoración geométrica tejida, aunque muchos tipos también suelen ser lisos. Las prácticas de la iglesia etíope hacen un gran uso de textiles coloridos, y los tipos más elaborados se usan ampliamente como vestimentas de la iglesia y como tapices, cortinas y envolturas en las iglesias, aunque ahora han sido reemplazados en gran medida por telas occidentales. Se pueden ver ejemplos de ambos tipos en la imagen en la parte superior del artículo. Los iconos normalmente se pueden velar con un paño semitransparente u opaco; La tela de algodón tipo gasa muy fina es una especialidad de Etiopía, aunque generalmente sin patrón.
La cestería colorida con una construcción enrollada es común en las zonas rurales de Etiopía. Los productos tienen muchos usos, como almacenar granos, semillas y alimentos y ser utilizados como mesas y cuencos. La ciudad musulmana de Harar es bien conocida por su cestería de alta calidad, [60] y muchos productos artesanales de la minoría musulmana se relacionan con tradiciones decorativas islámicas más amplias.
Tanzania
El arte de Tanzania es conocido por las pinturas de artistas modernos como Tinga Tinga o George Lilanga , y por las esculturas Makonde tradicionales y modernas . Como en otras regiones, también existe una tradición diversificada de producción de arte textil . [7]
El arte Tinga Tinga tiene sus raíces en la decoración de las paredes de las chozas en el centro y sur de Tanzania. Fue por primera vez en 1968 cuando Edward Said Tingatinga comenzó a pintar sobre láminas de madera con colores de esmalte cuando se dio a conocer el arte Tinga Tinga. El arte del Makonde debe subdividirse en diferentes áreas. Los makonde son conocidos como maestros talladores en todo el este de África, y sus estatuas se pueden encontrar a la venta en mercados turísticos y museos por igual. Tradicionalmente tallan objetos domésticos, figuras y máscaras. Desde la década de 1950 se ha desarrollado el llamado Modern Makonde Art. Un paso fundamental fue el giro hacia figuras abstractas, en su mayoría espíritus ( Shetani)que juegan un papel especial. Makonde también forman parte de los importantes artistas contemporáneos de África en la actualidad. George Lilanga ocupa una posición destacada.
África central
República Democrática del Congo
Reino de Kuba
El Reino de Kuba (también traducido como el Reino de los Bakuba, Songora o Bushongo) fue un reino precolonial en África Central . El Reino Kuba floreció entre los siglos XVII y XIX en la región bordeada por los ríos Sankuru , Lulua y Kasai en el sureste de la actual República Democrática del Congo . Gran parte del arte fue creado para las cortes de jefes y reyes y fue profusamente decorado, incorporando caracoles.y pieles de animales (especialmente leopardos) como símbolos de riqueza, prestigio y poder. Las máscaras también son importantes para los Kuba. Se utilizan tanto en los rituales de la corte como en la iniciación de los niños a la edad adulta, así como en los funerales.
Máscara Ngady-Mwash; Siglo 19; Museo Etnológico de Berlín (Alemania). Los colores, rojo, marrón y beige crean una atmósfera cálida de sabana, en contraste con las hileras de cuentas azules. Como muchas otras máscaras de Kuba, esta está decorada con conchas de cauri . Como muchos tipos de máscaras Kuba, la máscara ngady-mwash es muy policromada o multicolor.
Máscara Mulwalwa; Siglo XIX o principios del XX; madera pintada y rafia; Museo Etnológico de Berlín. Esta máscara encarna un poderoso espíritu de la naturaleza. Como no hay agujeros a través de los cuales pueda ver un artista, probablemente estaba montado en una pared en un campo de iniciación, lo que indica que la iniciación estaba casi completa.
Máscara Pwoom Itok; finales del siglo XIX; 39,1 x 28,6 x 29,8 cm (15 3 ⁄ 8 x 11 1 ⁄ 4 x 11 3 ⁄ 4 pulg .); Museo de Brooklyn (Estados Unidos). Esta máscara pudo haber representado a un anciano sabio en las iniciaciones de los niños. Una de las principales máscaras de danza de Kuba se llama pwoom itok. La principal característica de identificación es la forma de los ojos, cuyos centros son conos rodeados de orificios a través de los cuales el usuario ve
Cinturón (todavía); posiblemente a principios del siglo XX; cordón, cuero, perlas de vidrio, conchas; Museo de Arte de Cleveland (Estados Unidos). Como algunas de las máscaras, este cinturón está decorado con cuentas de colores.
Ndop del rey Mishe miShyaang maMbul; 1760-1780; madera; 49,5 x 19,4 x 21,9 cm (19 1 ⁄ 2 x 7 5 ⁄ 8 x 8 5 ⁄ 8 pulg .); Museo de Brooklyn (Nueva York). Los Ndops son retratos conmemorativos reales tallados por el pueblo Kuba de África Central . No son representaciones naturalistas, sino que pretenden ser representaciones del espíritu del rey y encapsular el principio de la realeza.
Copa de cabeza (Mbwoongntey); Siglo 19; madera; Museo de Brooklyn. Tiene labio cilíndrico de una pulgada con decoración lineal. El cabello está formado por líneas sombreadas con un segmento elevado en forma de diamante en la parte posterior de la cabeza. Sus mejillas tienen escarificación multilineal curvada
Itoon (instrumento de adivino, en forma de hipopótamo ); Siglo 19; madera; 7,5 × 26,6 × 6,4 cm (2 15 ⁄ 16 × 10 1 ⁄ 2 × 2 1 ⁄ 2 pulg .); Museo de Brooklyn
Tela; rafia ; 20,3 x 85,7 cm (8 x 33 3 ⁄ 4 pulg .); Museo de Brooklyn. En Cuba la cultura, los hombres son responsables de rafia cultivo de la palma y el tejido de rafia paño . [61] Se producen varios tipos de telas de rafia para diferentes propósitos, la forma más común de las cuales es una tela tejida simple que se utiliza como base para la producción de textiles decorados.
Reino de Luba
El Reino de Luba o Imperio de Luba (1585-1889) fue un estado centroafricano precolonial que surgió en las praderas pantanosas de la Depresión de Upemba en lo que hoy es el sur de la República Democrática del Congo . Hoy en día, el pueblo luba o baLuba es un grupo etnolingüístico autóctono de la región centro-sur de la República Democrática del Congo . [62] La mayoría de ellos vive en este país, residiendo principalmente en sus provincias de Katanga , Kasai y Maniema .
Al igual que en el Reino de Kuba , el Reino de Luba tenía las artes en alta estima. Un tallador tenía un estatus relativamente alto, que se mostraba con una azuela (hacha) que llevaba sobre su hombro. El arte luba no era muy uniforme debido al vasto territorio que controlaba el reino. Sin embargo, algunas características son comunes. El importante papel de la mujer en los mitos de la creación y la sociedad política dio lugar a que muchos objetos de prestigio fueran decorados con figuras femeninas.
Reposacabezas; Siglo 19; madera; altura: 18,5 cm (7,2 pulgadas), ancho: 19 cm (7,4 pulgadas), grosor: 8 cm (3,1 pulgadas); Musée du quai Branly (París). Este reposacabezas presenta los peinados de Luba del siglo XIX, así como las extremidades largas, las piernas dobladas hacia atrás, el torso cilíndrico y la pose dinámica típica del artista que lo hizo.
Figura de una mujer de pie; finales del siglo XIX o principios del XX; madera; 27,9 × 8,3 × 10,2 cm (11 × 3 1 ⁄ 4 × 4 pulg .); Museo de Brooklyn (Nueva York)
Polea de lizo con cabezal femenino; finales del siglo XIX o principios del XX; madera; 20,6 × 5,4 × 4,8 cm (8 1 ⁄ 8 × 2 1 ⁄ 8 × 1 7 ⁄ 8 pulgadas); Museo de Brooklyn
Máscara de Kifwebe; madera; Museo Real de África Central ( Tervuren , Bélgica)
Otros grupos étnicos de la República Democrática del Congo
Olla antropomorfa; principios del siglo 20; cerámica; 40,0 × 24,0 cm (15 3 ⁄ 4 × 9 1 ⁄ 2 pulg .); por la gente de Mangbetu ; Museo de Brooklyn (Nueva York)
Máscara de tabla (emangungu); posiblemente a principios del siglo XX; madera; por la gente de Bembe ; Museo de Arte de Cleveland (EE. UU.)
Cabeza de cetro; Siglo 19; por la gente de Yombe
Figura femenina; siglo 20; madera; por la gente de Lumbo ; Museo de Arte de Indianápolis (EE. UU.)
Máscara; principios del siglo 20; madera, rafia y pigmentos de color; por la gente de Yaka ; Museo Rietberg ( Zúrich , Suiza)
Silla (trono) de un jefe; Siglo XIX o principios del XX; madera; por la gente de Hemba ; Museo Rietberg
Figura funeraria (tumba); Siglo 19; madera; por la gente de Sundi ; Museo Rietberg
Máscara (kifwebe); madera; por la gente Songye ; Museo Real de África Central ( Tervuren , Bélgica )
Máscara Mbangu; madera, pigmentos y fibras; altura: 27 cm; por la gente de Pende ; Museo Real de África Central. Al representar a un hombre perturbado, los ojos encapuchados en forma de V y los elementos artísticos de la máscara (superficies faciales, rasgos distorsionados y color dividido) evocan la experiencia del conflicto interno personal.
Figura de la tumba; esteatita ; por la gente de Boma ; Museo Real de África Central. Las esculturas de piedra son extremadamente raras en el arte africano
Figura de ancestro guerrero; Siglo 19; madera; 84,1 × 26 × 23,2 cm (33,1 × 10,2 × 9,1 pulg.); por la gente de Hemba ; Museo de Arte Kimbell ( Fort Worth , Texas , EE. UU.)
Estatuilla de mujer; Siglo XIX o principios del siglo XX; por la gente de Holoholo ; Museo Etnológico de Berlín (Alemania)
Chad
Sao
La civilización Sao floreció en África Central desde alrededor del siglo VI a. C. hasta el siglo XVI d. C., y vivió junto al río Chari alrededor del lago Chad en un territorio que luego se convirtió en parte de Camerún y Chad . Sus obras de arte más importantes son las figurillas de terracota. Estas figurillas representan a seres humanos y animales. Otros tipos de artefactos muestran que los Saos eran trabajadores calificados en bronce , cobre y hierro . [63]
Figurilla antropomórfica; terracota ; Siglo IX-XVI; Musée du quai Branly (París)
Figurilla antropomórfica; Siglo IX-XVI; terracota; Musée du quai Branly
Figurilla antropomórfica; Siglo IX-XVI; terracota; Musée du quai Branly
Figurilla antropomórfica; Siglo IX-XVI; terracota; Musée du quai Branly
Cabeza; terracota; Muséum d'Histoire naturelle de La Rochelle ( La Rochelle , Francia)
Figura zoomorfa; Siglo IX-XVI; terracota; Musée du quai Branly
Fragmento de un pectoral; Siglo IX-XVI; aleación cuprosa; Musée du quai Branly
Gabón
La gente Fang hace máscaras y cestería, tallas y esculturas. El arte de los colmillos se caracteriza por una claridad organizada y líneas y formas distintas. Bieri, cajas para guardar los restos de los antepasados, están talladas con figuras protectoras. Las máscaras se usan en ceremonias y para la caza. Las caras están pintadas de blanco con rasgos negros. El arte de Myene se centra en los rituales de muerte de Myene. Los ancestros femeninos están representados por máscaras pintadas de blanco que usan los parientes masculinos. Los Bekota usan latón y cobre para cubrir sus tallas. Usan cestas para guardar restos ancestrales. El turismo es raro en Gabón y, a diferencia de otros países africanos, el comercio no estimula el arte.
Africa del Sur
Botswana
En la parte norte de Botswana, las mujeres de las aldeas de Etsha y Gumare se destacan por su habilidad en la elaboración de cestas de Mokola Palm y tintes locales . Las cestas generalmente se tejen en tres tipos: cestas grandes con tapa que se utilizan para almacenar cestas grandes y abiertas para llevar objetos en la cabeza o para aventar el grano trillado, y platos más pequeños para aventar el grano molido. El arte de estas cestas se está mejorando constantemente mediante el uso de colores y diseños mejorados a medida que se producen cada vez más para uso comercial.
La evidencia más antigua de pinturas antiguas tanto de Botswana como de Sudáfrica . Las representaciones de la caza, tanto de animales como de figuras humanas, fueron realizadas por el pueblo San que data de antes de la civilización de más de 20.000 años de antigüedad en el desierto de Kalahari .
Zimbabue
La cultura del Gran Zimbabwe dejó edificios más impresionantes que esculturas, pero las ocho aves de esteatita de Zimbabwe parecen haber tenido un significado especial y presumiblemente estaban montadas en monolitos . Los escultores modernos de Zimbabwe en esteatita han logrado un considerable éxito internacional . Las figuras de arcilla más antiguas conocidas del sur de África datan del 400 al 600 d. C. y tienen cabezas cilíndricas con una mezcla de rasgos humanos y animales.
Sudáfrica
Mapungubwe
El Reino de Mapungubwe (1075-1220) fue un estado precolonial en el sur de África ubicado en la confluencia de los ríos Shashe y Limpopo , al sur de Gran Zimbabwe . La obra de arte más famosa de Mapungubwe es un pequeño rinoceronte dorado, conocido como el rinoceronte dorado de Mapungubwe . En otras tumbas de Mapengubwe se encontraron objetos de hierro, oro, cobre, cerámica y cuentas de vidrio.
Ndebele meridional
La gente del sur de Ndebele es famosa por la forma en que pintan sus casas. Formas geométricas distintivas contra colores crudos y contrastantes forman la base del estilo Ndebele, que abarca todo, desde la arquitectura, la vestimenta y las herramientas de la gente. Si bien el color casi siempre ha tenido un papel en la atracción de emociones en el arte, los ndebele fueron una de las primeras tribus del sur de África en utilizar una amplia gama de colores para transmitir un significado específico como parte de sus propias vidas.
Murales en Ndebele de la Universidad de Maastricht ( Países Bajos )
Murales en el Ndebele de la Universidad de Maastricht
Un delantal de abalorios o meputo ; finales del siglo XIX y principios del XX; cuero, perlas de vidrio, perlas de metal, paja; 46,9 × 50,8 cm (18,5 × 20 pulg.); Museo de Arte de Birmingham ( Alabama , EE. UU.)
África del Norte
Egipto
Persistiendo durante 3.000 años y treinta dinastías, el arte "oficial" del Antiguo Egipto se centró en la religión estatal de la época. El arte varió desde tallas de piedra de estatuas masivas y pequeñas estatuillas, hasta arte mural que representaba tanto la historia como la mitología. En el 2600 a. C., la madurez de la talla egipcia alcanzó un pico que no volvió a alcanzar durante otros 1.500 años durante el reinado de Ramsés II .
Gran parte del arte posee cierta rigidez, con figuras erguidas y rígidas de una manera regia. Las proporciones corporales también parecen derivarse matemáticamente, dando lugar a una sensación de perfección fantástica en las figuras representadas. Esto probablemente se usó para reforzar la piedad de la casta gobernante.
Ambos lados de la paleta Narmer ; circa 3100 AC; grauvaca ; altura: 63 cm (24 3 ⁄ 4 pulg .); de Hierakonpolis (Egipto); Museo Egipcio ( El Cairo ). La paleta de Narmer es la declaración por excelencia de la mitología egipcia de la realeza. Un claro manifiesto del poder real, también es uno con múltiples capas de simbolismo.
Estela de la Princesa Nefertiabet comiendo; 2589-2566 AC; piedra caliza y pintura; altura: 37,7 cm (14 7 ⁄ 8 pulg .), largo: 52,5 cm (20 5 ⁄ 8 pulg .), profundidad: 8,3 cm (3 1 ⁄ 4 pulg .); de Giza ; Louvre (París). Este alivio finamente ejecutado representa la más sucinta garantía de ofrenda perpetua por el difunto.
El busto de Nefertiti ; 1352-1336 AC; piedra caliza, yeso y pintura; altura: 48 cm (19 7 ⁄ 8 pulg .); de Amarna (Egipto); Museo Egipcio de Berlín (Alemania). Quizás la imagen más icónica de una mujer del mundo antiguo, el busto de Nefertiti es difícil de contextualizar porque parece tan excepcional
La Máscara de Tutankamón ; circa 1327 AC; oro, vidrio y piedras semipreciosas; altura: 54 cm (21 1 ⁄ 4 pulg .), ancho: 39,3 cm (15 1 ⁄ 2 pulg .), profundidad: 49 cm (19 1 ⁄ 4 pulg .); del Valle de los Reyes ( Tebas , Egipto); Museo Egipcio. La máscara de momia de Tutankamón es quizás el objeto más icónico que ha sobrevivido del antiguo Egipto
Nubia y Sudán
La gente de Nubia, que vive en el sur de Egipto y la región norte de Sudán , desarrolló estilos de arte histórico similares a los de sus vecinos egipcios del norte. Sin embargo, el arte nubio no fue simplemente un producto de la colonización por el antiguo Egipto, sino más bien debido a un intercambio mutuo de ideas e ideologías a lo largo del valle del Nilo . El arte más antiguo de la región proviene de la cultura Kerma , que fue contemporánea del Antiguo y Medio Reino de Egipto . El arte de este período exhibe loza egipcia junto con cerámica de origen nubio con cubierta negra distintiva. En el último período napatano del Reino de Kush, el arte mostró más influencia de Egipto ya que la gente de la región adoraba a los dioses egipcios. [64]
Diáspora africana
Museos
Muchos museos de arte y etnográficos tienen una sección dedicada al arte del África subsahariana, por ejemplo, el Museo Británico , el Musée du Quai Branly - Jacques Chirac en París, el Museo Metropolitano de Arte en Nueva York y el Museo Etnológico de Berlín . No muchos museos occidentales están dedicados únicamente al arte africano, como el Museo de África en Bruselas , el Museo Nacional de Arte Africano en Washington, DC y el Museo de Arte Africano de Maryland en Columbia, Maryland . [sesenta y cinco] Algunas facultades y universidades tienen colecciones de arte africano, por ejemplo, Howard University en Washington, DC y Spelman College en Atlanta , Georgia.
Casi todos los países de África tienen al menos un museo nacional que alberga arte africano, a menudo en gran parte de ese país, por ejemplo, el Museo Nacional de Sierra Leona y el Museo Nacional de Nigeria en Lagos . También hay muchos museos más pequeños en las provincias.
La exhibición de arte y artefactos africanos en los museos europeos ha sido durante mucho tiempo controvertida de varias maneras, y el " Informe sobre la restitución del patrimonio cultural africano " (2018) encargado por Francia ha marcado un momento clave, lo que ha llevado a un aumento en el regreso de artefactos. Sin embargo, hay otros ejemplos, como el Museo de Arte Africano de Belgrado que se inauguró en 1977 debido a las relaciones de Yugoslavia con muchos países africanos gracias al Movimiento de Países No Alineados.. El museo fue inaugurado con el deseo de familiarizar al pueblo de Yugoslavia con el arte y la cultura de África, ya que existía una noción profundamente arraigada de que Yugoslavia compartía una amistad con los países africanos gracias a sus luchas similares; Todos los artículos originales de los museos fueron comprados legalmente por el embajador yugoslavo y periodista Zdravko Pečar y su esposa Veda Zagorac, mientras que las adquisiciones más recientes fueron compradas por el museo, recibidas como obsequios de yugoslavos que vivían en África o como obsequios diplomáticos a el museo por los embajadores de los países africanos. [66]
El activista congoleño Mwazulu Diyabanza ha tomado medidas directas contra los museos europeos para recuperar artículos que dice pertenecen a África. [67] [68]
Ver también
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- Cultura de África
- Arte africano contemporáneo
- Arte africano en colecciones occidentales
- Arte popular africano
- Máscaras tradicionales africanas
- Arte tribal
- El Centro de África
- Categoría: artistas africanos
Notas
- ^ El número exacto de piezas es incierto. [38] La mayoría de las fuentes hablan de mil piezas o de varios miles de piezas. Según Nevadomsky, había entre 3.000 y 5.000 piezas en total. [39]
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enlaces externos
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- Arte africano
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