Arte de Europa

Apeles pintando Campaspe , una obra de arte que muestra a personas rodeadas de bellas artes; de Willem van Haecht ; C. 1630; óleo sobre tabla; altura: 104,9 cm, ancho: 148,7 cm; Mauritshuis ( La Haya , Países Bajos )

El arte de pintar ; por Johannes Vermeer ; 1666-1668; óleo sobre lienzo; 1,3 x 1,1 m; Kunsthistorisches Museum ( Viena , Austria )

Historia del Arte

Por período: Prehistórico Antiguo Medieval Moderno Contemporáneo Posmoderno

Por región: Arte del Medio Oriente Mesopotámico egipcio hitita persa árabe Arabia del Sur Fenicio otomano Arte de Asia indio chino Asia central japonés coreano Newa Butanés Tibetano vietnamita tailandés camboyano Jemer indonesio Filipino Arte de Europa Minoico Cicládica etrusco Dacian céltico Escita griego Helenístico ibérico romano bizantino anglosajón Ottoniano Vikingo románico gótico Rus Renacimiento Manierismo Barroco Rococó Neoclasicismo Romanticismo Realismo Impresionismo Simbolismo Decorativo Post impresionismo Art Nouveau Fauvismo Expresionismo Cubismo Música pop Arte de África Igbo Yoruba Benin Kuba Luba Arte de las Américas Precolombino maya Muisca Nativo americano Inuit Arte de Australia Arte de Oceanía

Por religión: cristiano católico protestante Budista islámico hindú Jain

Por técnica: Escultura Cuadro cerámica Caligrafía Arquitectura Fotografía Artes graficas Arte digital

Por tipo: Narrativa Figurativo Naturalista Simbólico Ingenuo Resumen

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Historia del arte europeo
Medieval Renacimiento Manierismo Barroco Neoclasicismo Romanticismo Realismo Moderno Contemporáneo
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El arte de Europa , o arte occidental , abarca la historia del arte visual en Europa . El arte prehistórico europeo comenzó como el arte rupestre y rupestre móvil del Paleolítico superior y el arte de los petroglifos y fue característico del período comprendido entre el Paleolítico y la Edad del Hierro . ^[1] Las historias escritas del arte europeo a menudo comienzan con el arte del antiguo Israel y las antiguas civilizaciones del Egeo., que data del tercer milenio antes de Cristo. Paralelamente a estas importantes culturas, el arte de una forma u otra existió en toda Europa, dondequiera que hubiera personas, dejando signos como tallas, artefactos decorados y enormes piedras verticales. Sin embargo, un patrón consistente de desarrollo artístico dentro de Europa se hace evidente solo con el arte de la Antigua Grecia , adoptado y transformado por Roma y llevado a cabo; con el Imperio Romano , en gran parte de Europa, África del Norte y Oriente Medio . ^[2]

La influencia del arte del período clásico aumentó y disminuyó a lo largo de los siguientes dos mil años, pareciendo deslizarse en un recuerdo lejano en partes del período medieval , para resurgir en el Renacimiento , sufrir un período de lo que algunos primeros historiadores del arte visto como "decadencia" durante el período barroco , ^[3] para reaparecer en una forma refinada en el neoclasicismo ^[4] y renacer en el posmodernismo . ^[5]

Antes de la década de 1800, la iglesia cristiana fue una gran influencia en el arte europeo, las comisiones de la Iglesia, arquitectónicas, pictóricas y escultóricas, proporcionando la principal fuente de trabajo para los artistas. La historia de la Iglesia se reflejó mucho en la historia del arte durante este período. En el mismo período de tiempo hubo un renovado interés en héroes y heroínas, cuentos de dioses y diosas mitológicos, grandes guerras y criaturas extrañas que no estaban conectadas con la religión. ^[6] La mayor parte del arte de los últimos 200 años se ha producido sin referencia a la religión y, a menudo, sin ninguna ideología en particular , pero el arte a menudo ha sido influenciado por cuestiones políticas, ya sea que reflejen las preocupaciones de los mecenas o del artista.

El arte europeo se organiza en una serie de períodos estilísticos que, históricamente, se superponen entre sí a medida que florecían diferentes estilos en diferentes áreas. En términos generales, los períodos son: pintura clásica , bizantina , medieval , gótica , renacentista , barroca , rococó , neoclásica , moderna , posmoderna y nueva europea . ^[6]

Arte prehistórico

Artículo principal: Arte prehistórico § Europa

El arte prehistórico europeo es una parte importante del patrimonio cultural europeo. ^[7] La historia del arte prehistórico generalmente se divide en cuatro períodos principales: Edad de Piedra , Neolítico , Edad del Bronce y Edad del Hierro . La mayoría de los artefactos restantes de este período son pequeñas esculturas y pinturas rupestres.

Venus de Willendorf ; C. 26.000 a. C. (período gravetiano); piedra caliza con coloración ocre; Museo Naturhistorisches ( Viena , Austria)

Gran parte del arte prehistórico sobreviviente son pequeñas esculturas portátiles, con un pequeño grupo de figuras femeninas de Venus como la Venus de Willendorf (24.000-22.000 aC) encontradas en Europa central; ^[8] La figurilla de Löwenmensch de 30 cm de altura de aproximadamente 30.000 a. C. apenas tiene piezas que puedan relacionarse con ella. El reno nadador de aproximadamente 11,000 a. C. es uno de los mejores tallados magdalenienses en huesos o astas de animales en el arte del Paleolítico superior , aunque son superados en número por piezas grabadas, que a veces se clasifican como esculturas. ^[9] Con el comienzo del Mesolíticoen Europa la escultura figurativa se redujo considerablemente ^[10] y siguió siendo un elemento menos común en el arte que la decoración en relieve de objetos prácticos hasta la época romana, a pesar de algunas obras como el caldero de Gundestrup de la Edad del Hierro europea y el carro solar de Trundholm de la Edad del Bronce . ^[11]

El arte rupestre europeo más antiguo data de 40.800 y se puede encontrar en la cueva de El Castillo en España. ^[12] Otros sitios de pintura rupestre incluyen Lascaux , Cueva de Altamira , Grotte de Cussac , Pech Merle , Cueva de Niaux , Cueva Chauvet , Font-de-Gaume , Creswell Crags, Nottinghamshire, Inglaterra (Grabados y bajorrelieves de cuevas descubiertos en 2003), la cueva de Coliboaia de Rumania (considerada la pintura rupestre más antigua de Europa central ) ^[13] y Magura, ^[1] Belogradchik, Bulgaria. ^[14] La pintura rupestre también se realizó en las paredes de los acantilados, pero pocas de ellas han sobrevivido debido a la erosión. Un ejemplo bien conocido son las pinturas rupestres de Astuvansalmi en el área de Saimaa en Finlandia. Cuando Marcelino Sanz de Sautuola encontró por primera vez las pinturas magdalenienses de la cueva de Altamira, Cantabria, España en 1879, los académicos de la época las consideraron una broma. Las recientes reevaluaciones y numerosos descubrimientos adicionales han demostrado desde entonces su autenticidad, mientras que al mismo tiempo han estimulado el interés por el arte de los pueblos del Paleolítico Superior. Las pinturas rupestres, realizadas solo con las herramientas más rudimentarias, también pueden proporcionar información valiosa sobre la cultura y las creencias de esa época.

El arte rupestre de la cuenca mediterránea ibérica representa un estilo muy diferente, con la figura humana como protagonista principal, a menudo vista en grandes grupos, con batallas, bailes y caza todos representados, además de otras actividades y detalles como la vestimenta. Las figuras generalmente están representadas de manera bastante esquemática con pintura fina, con las relaciones entre los grupos de humanos y animales representadas con más cuidado que las figuras individuales. Otros grupos de arte rupestre menos numerosos, muchos grabados en lugar de pintados, muestran características similares. Se cree que los ejemplares ibéricos datan de un largo período que quizás abarca el Paleolítico superior, el Mesolítico y el Neolítico temprano.

El arte celta prehistórico proviene de gran parte de la Europa de la Edad del Hierro y sobrevive principalmente en forma de trabajos en metal de alto estatus hábilmente decorados con diseños complejos, elegantes y en su mayoría abstractos, que a menudo utilizan formas curvas y espirales. Hay cabezas humanas y algunos animales completamente representados, pero las figuras humanas de cuerpo entero de cualquier tamaño son tan raras que su ausencia puede representar un tabú religioso. A medida que los romanos conquistaron territorios celtas, desapareció casi por completo, pero el estilo continuó con un uso limitado en las islas británicas , y con la llegada del cristianismo revivió allí en el estilo insular de la Alta Edad Media.

• Pinturas rupestres de las cuevas de Lascaux ( Montignac, Dordoña , Francia)

• Picadura de insecto lamiendo bisontes ; 15.000-13.000 a. C.; cornamenta ; Museo Nacional de Prehistoria ( Les Eyzies-de-Tayac-Sireuil , Francia)

• El pensador ; por la cultura Hamangia de Rumania; C. 5000 aC; terracota; altura: 11,5 cm (4 1 ⁄ 2 pulg .); Museo Nacional de Historia de Rumanía ( Bucarest )

• Figura femenina; por la cultura Vinča de Serbia ; 4500-3500 AC; arcilla cocida con pintura; total: 16,1 cm; Museo de Arte de Cleveland ( Ohio , EE. UU.)

Antiguo

Minoico

Artículo principal: arte minoico

La civilización minoica de Creta se considera la civilización más antigua de Europa. ^{[15] El} arte minoico está marcado por imágenes imaginativas y una mano de obra excepcional. Sinclair Hood describió una "cualidad esencial del mejor arte minoico, la capacidad de crear una atmósfera de movimiento y vida aunque siguiendo un conjunto de convenciones muy formales". ^[16] Forma parte de la agrupación más amplia de arte egeo , y en períodos posteriores llegó durante un tiempo a tener una influencia dominante sobre el arte de las Cícladas . La madera y los textiles se han descompuesto, por lo que la mayoría de los ejemplos que sobreviven del arte minoico son la cerámica , los sellos minoicos intrincadamente tallados., frescos de palacios que incluyen paisajes), pequeñas esculturas en diversos materiales, joyería y orfebrería.

La relación del arte minoico con el de otras culturas contemporáneas y el arte griego antiguo posterior se ha discutido mucho. Claramente dominó el arte micénico y el arte cicládico de los mismos períodos, ^[17] incluso después de que Creta fuera ocupada por los micénicos, pero solo algunos aspectos de la tradición sobrevivieron a la Edad Media griega después del colapso de la Grecia micénica . ^[18]

El arte minoico tiene una variedad de temas, muchos de los cuales aparecen en diferentes medios, aunque solo algunos estilos de cerámica incluyen escenas figurativas. El salto de toro aparece en la pintura y en varios tipos de escultura, y se cree que tuvo un significado religioso; Las cabezas de toro también son un tema popular en terracota y otros materiales escultóricos. No hay figuras que parezcan retratos de individuos o que sean claramente reales, y la identidad de las figuras religiosas es a menudo provisional, ^[19] y los eruditos no están seguros de si son deidades, clérigos o devotos. ^[20] Del mismo modo, está lejos de estar claro si las habitaciones pintadas eran "santuarios" o seculares; Se ha argumentado que una habitación en Akrotiri es un dormitorio, con restos de una cama o un santuario. ^[21]

A menudo se representan animales, incluida una variedad inusual de fauna marina; el " estilo marino " es un tipo de cerámica palaciega pintada de MM III y LM IA que pinta criaturas marinas, incluido el pulpo, que se extienden por todo el barco, y probablemente se originó a partir de escenas con frescos similares; ^{[22] a} veces estos aparecen en otros medios. Las escenas de caza y guerra, y caballos y jinetes, se encuentran principalmente en períodos posteriores, en obras tal vez hechas por cretenses para un mercado micénico o señores micénicos de Creta.

Si bien las figuras minoicas, ya sean humanas o animales, tienen un gran sentido de la vida y el movimiento, a menudo no son muy precisas y, a veces, la especie es imposible de identificar; en comparación con el arte del Antiguo Egipto , a menudo son más vívidos, pero menos naturalistas. ^[23] En comparación con el arte de otras culturas antiguas, hay una alta proporción de figuras femeninas, aunque ahora se descarta la idea de que los minoicos solo tenían diosas y no dioses. La mayoría de las figuras humanas están de perfil o en una versión de la convención egipcia con la cabeza y las piernas de perfil y el torso visto de frente; pero las figuras minoicas exageran rasgos como cinturas masculinas delgadas y pechos femeninos grandes. ^[24]

• Jarra de cerámica con pico de Kamares ; 1850-1675 a. C.; cerámico; altura: 27 cm; de Phaistos ( Creta , Grecia); Museo Arqueológico de Heraklion (Grecia)

• El colgante de Malia ; 1800-1700 AC; oro; altura: 4,6 cm, ancho: 4,9 cm; Museo Arqueológico de Heraklion

• El fresco llamado Fresco del Salto del Toro ; 1675-1460 a. C.; yeso de cal; altura: 0,8 m, ancho: 1 m; del palacio de Knossos (Creta); Museo Arqueológico de Heraklion

• Estatuilla de "Diosa Serpiente" ; 1460-1410 a. C. (del período neopalacial minoico); faïence ; altura: 29,5 cm; del depósito del templo en Knossos; Museo Arqueológico de Heraklion

Griego clásico y helenístico

Artículo principal: arte griego antiguo

La antigua Grecia tuvo grandes pintores, grandes escultores y grandes arquitectos. El Partenón es un ejemplo de su arquitectura que ha perdurado hasta nuestros días. La escultura de mármol griega se describe a menudo como la forma más elevada de arte clásico . La pintura sobre la cerámica de la Antigua Grecia y la cerámica ofrece una visión particularmente informativa de la forma en que funcionaba la sociedad en la Antigua Grecia. Negro-figura pintura de los vasos y la pintura rojo-figura florero da muchos ejemplos de la supervivencia de lo que era la pintura griega. Algunos pintores griegos famosos sobre paneles de madera que se mencionan en los textos son Apeles , Zeuxis y Parrhasius., sin embargo, no sobreviven ejemplos de pintura sobre tabla de la antigua Grecia, solo descripciones escritas por sus contemporáneos o por romanos posteriores. Zeuxis vivió entre el 5 y el 6 a. C. y se dice que fue el primero en usar sfumato . Según Plinio el Viejo , el realismo de sus cuadros era tal que los pájaros intentaban comerse las uvas pintadas. Apelles se describe como el pintor más grande de la antigüedad por su técnica perfecta en el dibujo, el color brillante y el modelado.

• El ánfora del premio Euphiletos Pintor Panatenaico ; 530 AC; terracota pintada; altura: 62,2 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)

• El Bronce Artemision ; 460-450 AC; bronce; altura: 2,1 m; Museo Arqueológico Nacional ( Atenas )

• El Partenón de la Acrópolis de Atenas , el templo griego dórico más emblemático construido con mármol y piedra caliza entre el 460 y el 406 a. C., dedicado a la diosa Atenea ^[25]

• Espejo con soporte en forma de mujer drapeada; mediados del siglo V antes de Cristo; bronce; altura: 40,41 cm; Museo Metropolitano de Arte

• Calyx- krater ; 400-375 AC; cerámico; altura: 27,9 cm, diámetro: 28,6 cm; de Tebas (Grecia); Lumbrera

• El relieve sepulcral de Thraseas y Euandria ; 375-350 AC; Mármol pentélico ; alto: 160 cm, ancho: 91 cm; Museo de Pérgamo ( Berlín )

• Crátera voluta; 320-310 AC; cerámico; altura: 1,1 m; Museo de Arte Walters ( Baltimore , EE. UU.)

• Estatuilla de una mujer vestida; Siglo II a. C. terracota; altura: 29,2 cm; Museo Metropolitano de Arte

• Venus de Milo ; 130-100 a. C.; mármol; altura: 203 cm (80 pulgadas); Lumbrera

• Laocoon y sus hijos ; principios del siglo I antes de Cristo; mármol; altura: 2,4 m; Museos Vaticanos ( Ciudad del Vaticano )

• Mosaico que representa la Epifanía de Dionisio ; Siglo II d.C. de la Villa de Dioniso ( Dion, Grecia ); Museo Arqueológico de Dion

• Ilustraciones de ejemplos de adornos y patrones griegos antiguos, dibujados en 1874

Romano

Artículo principal: arte romano

El arte romano fue influenciado por Grecia y puede ser tomado en parte como un descendiente de la pintura y escultura griegas antiguas, pero también fue fuertemente influenciado por el arte etrusco más local de Italia. La escultura romana es principalmente un retrato derivado de las clases altas de la sociedad, así como representaciones de los dioses. Sin embargo, la pintura romana tiene importantes características únicas. Entre las pinturas romanas supervivientes se encuentran pinturas murales, muchas de las villas de Campania , en el sur de Italia, especialmente en Pompeya y Herculano . Dicha pintura se puede agrupar en cuatro "estilos" o períodos principales ^[26] y puede contener los primeros ejemplos de trompe-l'œil, pseudo-perspectiva y paisaje puro. ^[27]

Casi todos los retratos pintados supervivientes del mundo antiguo son una gran cantidad de retratos de ataúdes en forma de busto encontrados en el cementerio de la Antigüedad tardía de Al-Fayum . Dan una idea de la calidad que debe haber tenido la mejor obra antigua. También sobrevive un número muy pequeño de miniaturas de libros ilustrados de la Antigüedad tardía, y un número bastante mayor de copias de ellos del período medieval temprano. El arte cristiano primitivo surgió del arte popular romano, y más tarde del imperial, y adaptó su iconografía a partir de estas fuentes.

• Estatuilla de bronce de un filósofo en un candelero; finales del siglo I antes de Cristo; bronce; total: 27,3 cm; peso: 2,9 kg; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)

• Augusto de Prima Porta ; circa 20 aC; mármol blanco; altura: 2,06 m; Museos Vaticanos ( Ciudad del Vaticano )

• Restauración de un fresco de un dormitorio de villa antigua; 50-40 aC; dimensiones de la habitación: 265,4 x 334 x 583,9 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)

• Altar con guirnaldas ; circa 50 DC; mármol; altura: 99,5 cm, ancho: 61,5 cm, profundidad: 47 cm; Lumbrera

• Cáliz : crátera con relieves de doncellas y ménades danzantes; Siglo I d.C. Mármol pentélico ; altura: 80,7 cm; Museo Metropolitano de Arte

• Vista panorámica del Panteón (Roma), construido entre 113 y 125

• Cabeza de una diosa con diadema; Siglo I-II; mármol; altura: 23 cm; Museo Metropolitano de Arte

• Sofá y reposapiés; Siglo I-II d.C. madera, hueso y vidrio; sofá: 105,4 × 76,2 × 214,6 cm; Museo Metropolitano de Arte

• Sarcófago con Apolo , Minerva y las Musas ; circa 200 DC; de Via Appia ; Antikensammlung Berlín (Berlín)

• Sarcófago con guirnaldas ; 200–225; mármol; 134,6 x 223,5 cm; Museo Metropolitano de Arte

• Triunfo de Neptuno de pie sobre un carro tirado por dos caballitos de mar; mediados del siglo III; Museo Arqueológico de Susa (Túnez)

• El Mosaico de Teseo ; 300-400 dC; guijarros de mármol y piedra caliza; 4,1 x 4,2 m; Kunsthistorisches Museum ( Viena , Austria)

Medieval

Artículo principal: arte medieval

La mayor parte del arte sobreviviente del período medieval tenía un enfoque religioso, a menudo financiado por la Iglesia , poderosos individuos eclesiásticos como obispos , grupos comunales como abadías o mecenas seculares adineradas . Muchos tenían funciones litúrgicas específicas: cruces procesionales y retablos , por ejemplo.

Una de las cuestiones centrales sobre el arte medieval se refiere a su falta de realismo. Gran parte del conocimiento de la perspectiva en el arte y la comprensión de la figura humana se perdió con la caída de Roma . Pero el realismo no era la principal preocupación de los artistas medievales. Simplemente estaban tratando de enviar un mensaje religioso, una tarea que exige imágenes icónicas claras en lugar de imágenes representadas con precisión.

Período de tiempo : siglo VI al siglo XV

Arte medieval temprano

El arte del período de la migración es un término general para el arte de los pueblos "bárbaros" que se trasladaron a territorios anteriormente romanos. El arte celta en los siglos VII y VIII vio una fusión con las tradiciones germánicas a través del contacto con los anglosajones creando lo que se llama el estilo hiberno-sajón o arte insular , que fue muy influyente en el resto de la Edad Media. El arte merovingio describe el arte de los francos antes de aproximadamente 800, cuando el arte carolingio combinó influencias insulares con un renacimiento clásico consciente de sí mismo, convirtiéndose en arte otoniano . El arte anglosajón es el arte de Inglaterra después del período Insular.Los manuscritos iluminados contienen casi toda la pintura sobreviviente de la época, pero la arquitectura, la orfebrería y pequeños trabajos tallados en madera o marfil también fueron medios importantes.

• Hebilla de Sutton Hoo ; 580–620; oro y niel; longitud: 13,1 cm; Museo Británico (Londres)

• El casco de Sutton Hoo ; principios del siglo VII dC; aleación de cobre, hierro, oro y granate ; altura: 31,8 cm; Museo Británico

• Broches de hombro de Sutton Hoo ; principios del siglo VII; oro, vidrio y granate ; longitud: 12,7 cm; Museo Británico

• El Incipit de Mateo del Libro de Lindisfarne ; finales del siglo VII; tinta y pigmentos sobre vitela; 34 x 25 cm; Biblioteca Británica (Londres)

Bizantino

Artículo principal: arte bizantino

El arte bizantino se superpone o se fusiona con lo que llamamos arte paleocristiano hasta el período de iconoclastia de 730-843 cuando la gran mayoría de las obras de arte con figuras fueron destruidas; Queda tan poco que hoy cualquier descubrimiento arroja nuevos conocimientos. Desde el 843 hasta 1453 existe una clara tradición artística bizantina. A menudo es el arte más fino de la Edad Media en términos de calidad de material y mano de obra, con una producción centrada en Constantinopla. El logro culminante del arte bizantino fueron los monumentales frescos y mosaicos dentro de las iglesias abovedadas, la mayoría de los cuales no han sobrevivido debido a desastres naturales y la apropiación de iglesias a mezquitas.

• Losa con relieve que representa la Natividad de Jesús ; Siglo IV-principios del V; mármol; Museo Bizantino y Cristiano ( Atenas )

• Ábside de la iglesia de Santa Maria Maggiore en Roma , decorado en el siglo V con este glamoroso mosaico

• Mosaicos en el techo y algunas paredes de la Basílica de San Vitale en Ravenna (Italia), hacia 547 d.C.

• La Pequeña Metrópolis de Atenas , construida en fechas desconocidas, entre el siglo IX y el XIII.

• Camafeo; Siglos X-XI; jaspe , almandina , esmeralda y crisoprasa ; de Constantinopol ; Museos del Kremlin de Moscú (Rusia)

• Leccionario del Evangelio; circa 1100; temple, oro y tinta sobre pergamino y encuadernación en cuero; total: 36,8 x 29,6 x 12,4 cm, folio: 35 x 26,2 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)

• Icono de la Trinidad del Nuevo Testamento; circa 1450; temple y oro sobre panel de madera (álamo); Museo de Arte de Cleveland ( Cleveland , Ohio , EE. UU.)

• Página de un manuscrito iluminado armenio ; 1637-1638; colores al temple, pintura dorada y pan de oro sobre pergamino; altura: 25,2 cm; Getty Center (Los Ángeles)

Románico

Artículo principal: arte románico

El arte románico se refiere al período desde aproximadamente 1000 hasta el surgimiento del arte gótico en el siglo XII. Este fue un período de creciente prosperidad, y el primero en ver un estilo coherente utilizado en toda Europa, desde Escandinavia hasta Sicilia. El arte románico es vigoroso y directo, originalmente tenía colores brillantes y, a menudo, es muy sofisticado. Las vidrieras y el esmalte sobre metal se convirtieron en medios importantes y se desarrollaron esculturas más grandes en círculo, aunque el alto relieve fue la técnica principal. Su arquitectura está dominada por gruesos muros y ventanas y arcos de cabeza redonda, con mucha decoración tallada.

• Abadía de Maria Laach (cerca de Andernach , Alemania), una de las iglesias románicas más emblemáticas

• Bajorrelieve de piedra de Jesús , de la Abadía de Vézelay ( Borgoña , Francia)

• Miniatura de San Juan Evangelista ; antes de 1147; iluminación sobre pergamino; 35,5 cm; Avesnes-sur-Helpe (Francia)

• La lapidación de San Esteban; 1160; fresco; altura: 1,3 m; Abadía de San Juan ( Val Müstair , Cantón de los Grisones , Suiza)

Gótico

Artículo principal: arte gótico

El arte gótico es un término variable según el oficio, el lugar y la época. El término se originó con la arquitectura gótica en 1140, pero la pintura gótica no apareció hasta alrededor del 1200 (esta fecha tiene muchas matizaciones), cuando se apartó del estilo románico. La escultura gótica nació en Francia en 1144 con la renovación de la iglesia de la abadía de S. Denis y se extendió por toda Europa, en el siglo XIII se había convertido en el estilo internacional, reemplazando al románico. International Gothic describe el arte gótico desde aproximadamente 1360 hasta 1430, después de lo cual el arte gótico se fusiona con el arte renacentista en diferentes momentos y lugares. Durante este período, formas como la pintura, al fresco y sobre tabla, adquieren una nueva importancia, y el final del período incluye nuevos medios como el grabado.

• Parte del Portal Real; 1145-1155; caliza; Catedral de Chartres ( Chartres , Francia)

• Ventanas del crucero norte; circa 1230-1235; Vitral; diámetro (rosetón): 10,2 m; Catedral de Chartres

• Escenas de la Leyenda de San Vicente de Zaragoza; 1245-1247; vidrio de olla, pintura vítrea y plomo; total: 373,4 x 110,5 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)

• Díptico francés con la coronación de la Virgen y el Juicio Final; 1260-1270; marfil de elefante con monturas de metal; total: 12,7 x 13 x 1,9 cm; Museo Metropolitano de Arte

• Virgen y niño entronizados; 1260-1280; marfil de elefante con restos de pintura y dorado; total: 18,4 x 7,6 x 7,3 cm; Museo Metropolitano de Arte

• Bifolium con decretales de gratiano ; circa 1290; témpera y oro sobre pergamino, tinta marrón y encuadernación en cuero moderno; total: 48,3 x 29,2 x 1,3 cm, abierto: 47,2 cm; Museo Metropolitano de Arte

• Díptico alemán con escenas religiosas; 1300-1325; plata dorada con esmaltes translúcidos y opacos; total (abierto): 6,1 x 8,6 x 0,8 cm; Museo Metropolitano de Arte

• La página de Très Riches Heures du Duc de Berry representa el funeral de Raymond Diocrès; 1411-1416 y 1485-1486; temple sobre vitela ; alto: 29 cm, ancho: 21 cm; Museo Condé ( Chantilly, Francia )

• La Dama y el Unicornio , título que se da a una serie de seis tapices tejidos en Flandes , este se llama À Mon Seul Désir ; finales del siglo XV; lana y seda; 377 x 473 cm; Musée de Cluny (París)

• Estatua austriaca de la Virgen entronizada; 1490-1500; piedra caliza con yeso , pintada y dorada; 80,3 x 59,1 x 23,5 cm; Museo Metropolitano de Arte

• Entrada en Jerusalén ; circa 1500; cuadro; Museo de Bellas Artes de Lyon ( Lyon , Francia)

• Transversales de estilo gótico flamígero del Hôtel de Sens (París)

Renacimiento

El Hombre de Vitruvio de Leonardo da Vinci ( Uomo Vitruviano ) (c. 1490), una obra fundamental del Renacimiento. El dibujo está inspirado y posteriormente nombrado en honor al arquitecto y autor romano Vitruvio del siglo I aC y sus nociones sobre las proporciones "ideales" del cuerpo humano , que se encuentran en su De architectura . ^{[28] [29]} El dibujo destaca la fascinación del movimiento por las civilizaciones grecorromanas y la apropiación del arte clásico , así como su búsqueda de la correlación entre la estructura corporal y la naturaleza. ^[29]

Artículo principal: arte renacentista

El Renacimiento se caracteriza por un enfoque en las artes de la Antigua Grecia y Roma , lo que provocó muchos cambios tanto en los aspectos técnicos de la pintura y la escultura, como en su temática. Comenzó en Italia , un país rico en herencia romana y prosperidad material para financiar artistas. Durante el Renacimiento, los pintores comenzaron a realzar el realismo de su trabajo utilizando nuevas técnicas en perspectiva , representando así las tres dimensiones de manera más auténtica. Los artistas también comenzaron a utilizar nuevas técnicas en la manipulación de la luz y la oscuridad, como el contraste de tono evidente en muchos de los retratos de Tiziano y el desarrollo de sfumatoy claroscuro de Leonardo da Vinci . Los escultores también comenzaron a redescubrir muchas técnicas antiguas como el contrapposto . Siguiendo el espíritu humanista de la época, el arte se volvió más secular en el tema, representando la mitología antigua además de los temas cristianos. Este género de arte a menudo se conoce como clasicismo renacentista . En el norte, la innovación renacentista más importante fue el uso generalizado de pinturas al óleo , lo que permitió un mayor color e intensidad.

Del gótico al renacimiento

Durante finales del siglo XIII y principios del siglo XIV, gran parte de la pintura en Italia era de carácter bizantino , en particular la de Duccio de Siena y Cimabue de Florencia, mientras que Pietro Cavallini en Roma era de estilo más gótico . Durante el siglo XIII , los escultores italianos comenzaron a inspirarse no solo en prototipos medievales, sino también en obras antiguas. ^[30]

En 1290, Giotto comenzó a pintar de una manera menos tradicional y más basada en la observación de la naturaleza. Su famoso ciclo en la Capilla de los Scrovegni , Padua , se considera el comienzo de un estilo renacentista .

Otros pintores del siglo XIV llevaron el estilo gótico con gran elaboración y detalle. Entre estos pintores se destacan Simone Martini y Gentile da Fabriano .

En la Holanda , la técnica de la pintura en aceites en lugar de temple , condujo a sí mismo una forma de elaboración que no dependía de la aplicación de pan de oro y en relieve, sino en el momento en representación del mundo natural. El arte de pintar texturas con gran realismo evolucionó en esta época. Pintores holandeses como Jan van Eyck y Hugo van der Goes iban a tener una gran influencia en la pintura del gótico tardío y del Renacimiento temprano.

Renacimiento temprano

Las ideas del Renacimiento surgieron por primera vez en la ciudad-estado de Florencia , Italia . El escultor Donatello volvió a técnicas clásicas como el contrapposto y temas clásicos como el desnudo sin apoyo; su segunda escultura de David fue el primer desnudo de bronce independiente creado en Europa desde el Imperio Romano. El escultor y arquitecto Brunelleschi estudió las ideas arquitectónicas de los antiguos edificios romanos en busca de inspiración. Masaccio perfeccionó elementos como la composición, la expresión individual y la forma humana para pintar frescos, especialmente los de la Capilla Brancacci , de sorprendente elegancia, dramatismo y emoción.

Un número notable de estos grandes artistas trabajó en diferentes partes de la Catedral de Florencia . La cúpula de Brunelleschi para la catedral fue una de las primeras innovaciones arquitectónicas verdaderamente revolucionarias desde el contrafuerte volador gótico. Donatello creó muchas de sus esculturas. Giotto y Lorenzo Ghiberti también contribuyeron a la catedral.

• Púlpito; de Nicola Pisano ; 1265-1268; mármol; altura: 4,6 m; Baptisterio de Pisa (Italia) ^[31]

• Crucifijo ; de Cimabue ; circa 1285; temple sobre tabla; 4,29 x 3,83 m; San Domenico ( Arezzo , Italia) ^[32]

• Crucifijo; Giotto ; circa 1300; temple sobre tabla; 5,78 x 4,06 m; Santa Maria Novella ( Florencia , Italia) ^[33]

• El Retablo de Maestà ; de Duccio ; 1308-1311; temple sobre tabla; 2,46 x 4,67 m; Museo dell'Opera del Duomo ( Siena , Italia)

Alto Renacimiento

Los artistas del Alto Renacimiento incluyen figuras como Leonardo da Vinci , Michelangelo Buonarroti y Raffaello Sanzio .

Los desarrollos artísticos del siglo XV en Italia (por ejemplo, el interés en los sistemas de perspectiva, en la representación de la anatomía y en las culturas clásicas) maduraron durante el siglo XVI, dando cuenta de las designaciones "Renacimiento temprano" para el siglo XV y "Alto Renacimiento". para el siglo XVI. Aunque ningún estilo singular caracteriza al Alto Renacimiento, el arte de los más estrechamente asociados con este período —Leonardo da Vinci, Rafael, Miguel Ángel y Tiziano— exhibe un dominio asombroso, tanto técnico como estético. Los artistas del Alto Renacimiento crearon obras de tal autoridad que generaciones de artistas posteriores confiaron en estas obras de arte para su instrucción. Estas creaciones artísticas ejemplares elevaron aún más el prestigio de los artistas. Los artistas pueden reclamar inspiración divina,elevando así el arte visual a un estado que antes sólo se concedía a la poesía. Por lo tanto, pintores, escultores y arquitectos se destacaron, reclamando con éxito para su trabajo una alta posición entre las bellas artes. En cierto sentido, los maestros del siglo XVI crearon una nueva profesión con sus propios derechos de expresión y su propio carácter venerable.

• El Tempietto (hacia 1502-1510) en un estrecho patio de San Pietro in Montorio de Roma

• David ; de Miguel Ángel ; 1501–1504; mármol; 517 cm x 199 cm; Galleria dell'Accademia (Florencia)

• Mona Lisa ; de Leonardo da Vinci ; C. 1503-1506, quizás continuando hasta c. 1517; óleo sobre tabla de álamo; 77 cm x 53 cm; Lumbrera

• La escuela de Atenas ; por Rafael ; 1509-1510; fresco; 5,8 x 8,2 m; Palacio Apostólico ( Ciudad del Vaticano )

Arte del norte hasta el Renacimiento

La pintura neerlandesa temprana desarrolló (pero no inventó estrictamente) la técnica de la pintura al óleo para permitir un mayor control en la pintura de detalles minuciosos con realismo: Jan van Eyck  (1366-1441) fue una figura en el movimiento de los manuscritos iluminados a las pinturas sobre paneles .

Hieronymus Bosch (1450? -1516), pintor holandés , es otra figura importante del Renacimiento del Norte . En sus pinturas, utilizó temas religiosos, pero los combinó con fantasías grotescas, imágenes coloridas y leyendas populares campesinas. Sus pinturas reflejan a menudo la confusión y la angustia asociadas con el final de la Edad Media.

Alberto Durero introdujo el estilo renacentista italiano en Alemania a finales del siglo XV y dominó el arte renacentista alemán .

Período de tiempo :

• Renacimiento italiano: finales del siglo XIV a principios del siglo XVI
• Renacimiento del Norte: siglo XVI

• El retablo de Gante ; por Jan y Hubert van Eyck ; 1432; óleo sobre madera de roble; 3,4 m × 4,6 m (abierto como en esta imagen); Catedral de San Bavón ( Gante , Bélgica )

• El retrato de Arnolfini ; por Jan van Eyck ; 1434; óleo sobre tabla; 82,2 x 60 cm; Galería Nacional (Londres)

• El Descenso de la Cruz ; de Rogier van der Weyden ; circa 1442; óleo sobre tabla de roble; 220 × 262 cm; Museo del Prado ( Madrid , España)

• El jardín de las delicias ; por Hieronymus Bosch ; C. 1504; óleo sobre tabla; 2,2 × 1,95 m - el panel central; Museo del prado

• El rinoceronte ; de Alberto Durero ; 1515; xilografía; 23,5 cm x 29,8 cm; Galería Nacional de Arte ( Washington, DC )

• Los embajadores ; por Hans Holbein el Joven ; 1533; óleo sobre tabla; 2,07 × 2,09; Galería Nacional (Londres)

• La Armadura del Desfile de Enrique II de Francia ; de Étienne Delaune ; circa 1555; acero perseguido; altura: 187,96 cm, peso: 24,2 kg; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)

• La Torre de Babel ; por Pieter Bruegel el Viejo ; 1563; óleo sobre tabla: 1,14 × 1,55 cm; Kunsthistorisches Museum ( Viena , Austria)

Manierismo, barroco y rococó

Artículos principales: manierismo , barroco y rococó

Diferencias entre el arte barroco y rococó

El arte rococó se caracterizaba por temas más ligeros, a menudo jocosos; las características comunes incluían colores pálidos y cremosos, decoraciones floridas y una inclinación por los paisajes bucólicos. Las pinturas eran más ornamentadas que su contraparte barroca y, por lo general, eran elegantes, divertidas y de naturaleza alegre.

En el arte europeo, el clasicismo renacentista generó dos movimientos diferentes: el manierismo y el barroco . El manierismo, una reacción contra la perfección idealista del clasicismo, empleó la distorsión de la luz y los marcos espaciales para enfatizar el contenido emocional de una pintura y las emociones del pintor. La obra de El Greco es un ejemplo particularmente claro del manierismo en la pintura de finales del siglo XVI y principios del XVII. Manierismo norteñotardó más en desarrollarse y fue en gran parte un movimiento de la última mitad del siglo XVI. El arte barroco llevó el representacionalismo del Renacimiento a nuevas alturas, enfatizando el detalle, el movimiento, la iluminación y el drama en su búsqueda de la belleza. Quizás los pintores barrocos más conocidos son Caravaggio , Rembrandt , Peter Paul Rubens y Diego Velázquez .

Un arte bastante diferente se desarrolló a partir de las tradiciones realistas del norte en la pintura holandesa del Siglo de Oro del siglo XVII , que tenía muy poco arte religioso y poca pintura histórica , en lugar de jugar un papel crucial en el desarrollo de géneros seculares como la naturaleza muerta , pinturas de género de escenas cotidianas. y pintura de paisajes . Si bien la naturaleza barroca del arte de Rembrandt es clara, la etiqueta es menos útil para Vermeer y muchos otros artistas holandeses. La pintura barroca flamenca participó en esta tendencia, sin dejar de producir las categorías tradicionales.

El arte barroco a menudo se considera parte de la Contrarreforma, el elemento artístico del resurgimiento de la vida espiritual en la Iglesia Católica Romana . Además, el énfasis que el arte barroco puso en la grandeza se considera de naturaleza absolutista . Los temas religiosos y políticos fueron ampliamente explorados dentro del contexto artístico barroco, y tanto las pinturas como las esculturas se caracterizaron por un fuerte elemento de drama, emoción y teatralidad. Los artistas barrocos famosos incluyen Caravaggio o Rubens . ^[34] Artemisia Gentileschifue otro artista digno de mención, que se inspiró en el estilo de Caravaggio. El arte barroco era de naturaleza particularmente ornamentada y elaborada, y a menudo utilizaba colores ricos y cálidos con matices oscuros. La pompa y la grandeza fueron elementos importantes del movimiento artístico barroco en general, como puede verse cuando Luis XIV dijo: "Soy la grandeza encarnada"; muchos artistas barrocos sirvieron a los reyes que intentaron realizar este objetivo. El arte barroco en muchos aspectos era similar al arte renacentista; de hecho, el término se usó inicialmente de manera despectiva para describir el arte y la arquitectura posrrenacentistas que estaban demasiado elaborados. ^{[34] El} arte barroco puede verse como una readaptación más elaborada y dramática del arte del Renacimiento tardío.

En el siglo XVIII, sin embargo, el arte barroco estaba pasando de moda ya que muchos lo consideraban demasiado melodramático y también sombrío, y se convirtió en el rococó , que surgió en Francia. El arte rococó era incluso más elaborado que el barroco, pero era menos serio y más lúdico. ^[35] Mientras que el Barroco usó colores intensos y fuertes, el Rococó usó tonos pálidos y cremosos. El movimiento artístico ya no puso énfasis en la política y la religión, sino que se centró en temas más ligeros como el romance, la celebración y el aprecio por la naturaleza. El arte rococó también contrastaba con el barroco, ya que a menudo rechazaba la simetría en favor de diseños asimétricos. Además, buscó inspiración en las formas artísticas y la ornamentación del Lejano Oriente de Asia , lo que resultó en el aumento a favor defiguritas de porcelana y chinoiserie en general. ^[36] El estilo del siglo XVIII floreció durante un breve período; sin embargo, el estilo rococó pronto cayó en desgracia, siendo visto por muchos como un movimiento llamativo y superficial que enfatiza la estética sobre el significado. El neoclasicismo se desarrolló en muchos sentidos como un contramovimiento del rococó, siendo el ímpetu un sentido de disgusto dirigido hacia las floridas cualidades de este último.

Manierismo (siglo XVI)

Artículo principal: Manierismo

• Sepultura ; de Jacopo da Pontormo ; 1525-1528; óleo sobre tabla; 3,12 x 1,9 m; Santa Felicita ( Florencia , Italia)

• Madonna con el cuello largo ; por Parmigianino ; 1534-1540; óleo sobre tabla; 2,19 x 1,32 m; Galería de los Uffizi (Florencia)

• Venus, Cupido, Locura y Tiempo ; por Bronzino ; mediados de la década de 1540; óleo sobre tabla; 1,46 x 1,16 m; Galería Nacional (Londres)

• Verano ; de Giuseppe Arcimboldo ; 1563; óleo sobre tabla; 67 x 50,8 cm; Kunsthistorisches Museum ( Viena , Austria)

Barroco (principios del siglo XVII hasta mediados del siglo XVIII)

Artículo principal: barroco

• Los cuatro continentes ; por Peter Paul Rubens ; circa 1615; óleo sobre lienzo; 209 x 284 cm; Kunsthistorisches Museum ( Viena , Austria)

• Armario holandés; 1625-1650; roble con chapas de ébano y palisandro; total: 244,5 x 224,3 x 85,2 cm; Museo de Arte de Cleveland ( Cleveland , Ohio , EE. UU.)

• La ronda de noche ; por Rembrandt ; 1642; óleo sobre lienzo; 363 × 437 cm; Rijksmuseum ( Amsterdam , Países Bajos )

• El éxtasis de santa Teresa ; de Gian Lorenzo Bernini ; 1647-1652; mármol; altura: 3,5 m; Santa Maria della Vittoria (Roma)

• Las Meninas ; de Diego Velázquez ; 1656-1657; óleo sobre lienzo; 318 cm × 276 cm; Museo del Prado ( Madrid , España)

• La entrada del Palacio de Versalles ( Versalles , Francia), el edificio barroco más emblemático

• El busto de Luis XIV ; de Gian Lorenzo Bernini; 1665; mármol; 105 × 99 × 46 cm; Palacio de Versalles

• El arte de pintar ; por Johannes Vermeer ; 1666-1668; óleo sobre lienzo; 1,3 x 1,1 m; Museo Kunsthistorisches

• Alfombra de fama y fortaleza; 1668-1685; pelo de lana anudado y cortado, tejido con aproximadamente 90 nudos por pulgada cuadrada; 909,3 x 459,7 cm; Museo Metropolitano de Arte

• Cúpula de la Iglesia del Gesù (Roma), realizada en 1674 por Giovanni Battista Gaulli

• El retrato de Luis XIV ; por Hyacinthe Rigaud ; 1701; óleo sobre lienzo; 277 × 194 cm; Lumbrera

• La Karlskirche de Viena (Austria), construida entre 1716 y 1737

Rococó (principios a mediados del siglo XVIII)

Artículo principal: Rococó

• The Chinese House , un pabellón jardín chinoiserie en el parque Sanssouci , de Potsdam (Alemania)

• El asombroso interior de la Abadía de Wilhering ( Wilhering , Austria ). Este interior tiene un trampantojo en su techo, rodeado de estucos muy decorados.

• Boiserie del Hôtel de Varengeville; circa 1736-1752; diversos materiales, incluido el roble tallado, pintado y dorado; alto: 5,58 m, ancho: 7,07 m, largo: 12,36 m; en el Metropolitan Museum of Art (Nueva York)

• Impresión del título; de Juste Meissonnier ; 1738-1749; grabado sobre papel; 51,6 x 34,9 cm; Rijksmuseum

• Par de candelabros; siglo 18; porcelana de pasta blanda; alturas (el de la izquierda): 26,8 cm, (el de la derecha): 26,4 cm; por la fábrica de porcelana de Chelsea ; Museo Metropolitano de Arte

• Sr. y Sra. Andrews ; por Thomas Gainsborough ; circa 1750; óleo sobre lienzo; 69,8 x 119,4 cm; Galería Nacional (Londres)

• Madame de Pompadour ; de François Boucher ; 1756; óleo sobre lienzo; 2,01 x 1,57 m; Alte Pinakothek ( Múnich , Alemania)

• El columpio ; de Jean-Honoré Fragonard ; 1767-1768; óleo sobre lienzo; alto: 81 cm, ancho: 64 cm; Colección Wallace (Londres)

Neoclasicismo, Romanticismo, Academismo y Realismo

Artículos principales: Neoclasicismo , el arte romántico , el arte académico , y Realismo (artes)

El arte neoclásico, inspirado en diferentes temas clásicos, se caracterizó por un énfasis en la sencillez, el orden y el idealismo. En la imagen de Antonio Canova 's psique restablecida por el beso de Cupido (1787-1793)

A lo largo del siglo XVIII, surgió en diferentes partes de Europa un contramovimiento opuesto al rococó, comúnmente conocido como neoclasicismo . Despreciaba la superficialidad y frivolidad percibidas del arte rococó, y deseaba volver a la simplicidad, el orden y el "purismo" de la antigüedad clásica, especialmente la Grecia y Roma antiguas. El movimiento también fue influenciado en parte por el Renacimiento, que a su vez estuvo fuertemente influenciado por el arte clásico. El neoclasicismo fue el componente artístico del movimiento intelectual conocido como Ilustración ; la Ilustración fue idealista y puso su énfasis en la objetividad, la razón y la verdad empírica. El neoclasicismo se había generalizado en Europa a lo largo del siglo XVIII, especialmente en el Reino Unido., que vio surgir durante este período grandes obras de arquitectura neoclásica; La fascinación del neoclasicismo por la antigüedad clásica se puede ver en la popularidad del Grand Tour durante esta década, donde aristócratas adinerados viajaron a las antiguas ruinas de Italia y Grecia. Sin embargo, un momento decisivo para el neoclasicismo llegó durante la Revolución Francesa a finales del siglo XVIII; en Francia, el arte rococó fue reemplazado por el arte neoclásico preferido, que se consideró más serio que el movimiento anterior. En muchos sentidos, el neoclasicismo puede verse como un movimiento político además de artístico y cultural. ^[37]El arte neoclásico pone énfasis en el orden, la simetría y la simplicidad clásica; Los temas comunes en el arte neoclásico incluyen el coraje y la guerra, como se exploraron comúnmente en el arte antiguo griego y romano. Ingres , Canova y Jacques-Louis David se encuentran entre los neoclásicos más conocidos. ^[38]

Eugène Delacroix , La libertad guiando al pueblo 1830, Arte romántico .

Así como el manierismo rechazó el clasicismo, el romanticismo rechazó las ideas de la Ilustración y la estética de los neoclásicos. El romanticismo rechazó la naturaleza altamente objetiva y ordenada del neoclasicismo y optó por un enfoque más individual y emocional de las artes. ^{[39] El} romanticismo puso énfasis en la naturaleza, especialmente cuando apuntaba a retratar el poder y la belleza del mundo natural y las emociones, y buscó un enfoque muy personal del arte. El arte romántico trataba de sentimientos individuales, no de temas comunes, como en el neoclasicismo; De esta manera, el arte romántico solía utilizar los colores para expresar sentimientos y emociones. ^[39]De manera similar al neoclasicismo, el arte romántico se inspiró en gran parte en el arte y la mitología griegos y romanos antiguos; sin embargo, a diferencia del neoclásico, esta inspiración se utilizó principalmente como una forma de crear simbolismo e imágenes. El arte romántico también toma gran parte de sus cualidades estéticas del medievalismo y el gótico , así como de la mitología y el folclore . Entre los más grandes artistas románticos se encontraban Eugène Delacroix , Francisco Goya , JMW Turner , John Constable , Caspar David Friedrich , Thomas Cole y William Blake . ^[38]

La mayoría de los artistas intentaron adoptar un enfoque centrista que adoptó diferentes rasgos de los estilos neoclásico y romántico para sintetizarlos. Los diferentes intentos tuvieron lugar dentro de la Academia Francesa, y colectivamente se denominan Arte Académico . Adolphe William Bouguereau se considera un ejemplo principal de esta corriente de arte.

Sin embargo, a principios del siglo XIX, la industrialización alteró radicalmente la faz de Europa . La pobreza, la miseria y la desesperación serían el destino de la nueva clase trabajadora creada por la "revolución". En respuesta a estos cambios que se están produciendo en la sociedad, surgió el movimiento del Realismo . El realismo buscó retratar con precisión las condiciones y las dificultades de los pobres con la esperanza de cambiar la sociedad. En contraste con el romanticismo, que era esencialmente optimista sobre la humanidad, el realismo ofrecía una cruda visión de la pobreza y la desesperación. Del mismo modo, mientras que el romanticismo glorificaba la naturaleza, el realismo retrataba la vida en las profundidades de un páramo urbano. Como el romanticismo, el realismo fue un movimiento tanto literario como artístico. El granLos pintores realistas incluyen a Jean-Baptiste-Siméon Chardin , Gustave Courbet , Jean-François Millet , Camille Corot , Honoré Daumier , Édouard Manet , Edgar Degas (ambos considerados impresionistas ) y Thomas Eakins , entre otros.

La respuesta de la arquitectura a la industrialización, en marcado contraste con las otras artes, fue virar hacia el historicismo. Aunque las estaciones de ferrocarril construidas durante este período a menudo se consideran los reflejos más verdaderos de su espíritu, a veces se las llama "las catedrales de la época", los principales movimientos en la arquitectura durante la era industrial fueron resurgimientos de estilos del pasado lejano, como el Renacimiento gótico . Movimientos relacionados fueron la Hermandad Prerrafaelita , que intentó devolver el arte a su estado de "pureza" anterior a Rafael , y el Movimiento de Artes y Oficios , que reaccionó contra la impersonalidad de los bienes producidos en masa y abogó por un retorno a la artesanía medieval.

Período de tiempo :

• Neoclasicismo : mediados del siglo XVIII a principios del siglo XIX
• Romanticismo : finales del siglo XVIII a mediados del siglo XIX
• Realismo : siglo XIX

Arte moderno

Artículos principales: Impresionismo , Posimpresionismo , Fauvismo , Cubismo , Arte moderno , Modernismo y Modernismo tardío

El impresionismo era conocido por el uso de la luz y el movimiento en sus pinturas, como en las Casas del Parlamento de 1902 de Claude Monet , sunset

Art & Language son conocidos por su importante aportación al arte conceptual.

De la ética naturalista del realismo surgió un importante movimiento artístico, el impresionismo . Los impresionistas fueron pioneros en el uso de la luz en la pintura al intentar capturar la luz vista desde el ojo humano. Edgar Degas , Édouard Manet , Claude Monet , Camille Pissarro y Pierre-Auguste Renoir participaron en el movimiento impresionista. Como consecuencia directa del impresionismo vino el desarrollo del postimpresionismo . Paul Cézanne , Vincent van Gogh , Paul Gauguin , Georges Seurat son los postimpresionistas más conocidos.

Después de los impresionistas y los postimpresionistas vino el fauvismo , a menudo considerado el primer género de arte "moderno". Así como los impresionistas revolucionaron la luz, los fauvistas reconsideraron el color , pintando sus lienzos en tonos brillantes y salvajes. Después de los fauvistas, el arte moderno comenzó a desarrollarse en todas sus formas, desde el expresionismo , preocupado por evocar emociones a través de obras de arte objetivas, hasta el cubismo , el arte de trasladar una realidad tetradimensional a un lienzo plano, hasta el arte abstracto.. Estas nuevas formas de arte empujaron los límites de las nociones tradicionales de "arte" y correspondieron a los rápidos cambios similares que estaban teniendo lugar en la sociedad, la tecnología y el pensamiento humanos.

El surrealismo a menudo se clasifica como una forma de arte moderno. Sin embargo, los propios surrealistas se han opuesto al estudio del surrealismo como una era en la historia del arte, alegando que simplifica demasiado la complejidad del movimiento (que dicen que no es un movimiento artístico), tergiversa la relación del surrealismo con la estética y caracteriza falsamente el surrealismo en curso como una era terminada e históricamente encapsulada. Otras formas de arte moderno (algunas de las cuales bordean el arte contemporáneo ) incluyen:

• Expresionismo abstracto
• Arte deco
• Art Nouveau
• Bauhaus
• Pintura de campo de color
• Arte conceptual
• Constructivismo
• Cubismo
• Dadá
• Der Blaue Reiter
• De Stijl
• Die Brücke
• Arte Corporal
• Expresionismo
• Fauvismo
• Fluxus
• Futurismo
• Sucediendo
• Surrealismo
• Lettrisme
• Abstracción lírica
• Land Art
• Minimalismo
• Arte ingenuo
• Arte abstracto
• Arte de performance
• Fotorrealismo
• Arte pop
• Suprematismo
• Video arte
• Vorticismo

Período de tiempo :

• Impresionismo: finales del siglo XIX
• Otros: Primera mitad del siglo XX

Arte contemporáneo y arte posmoderno

Charles Thomson . Sir Nicholas Serota toma una decisión sobre adquisiciones , 2000, Stuckism .

Artículos principales: Arte contemporáneo y arte posmoderno

El arte moderno presagió varias características de lo que luego se definiría como arte posmoderno; de hecho, varios movimientos de arte moderno a menudo pueden clasificarse como modernos y posmodernos, como el arte pop . El arte posmoderno, por ejemplo, pone un fuerte énfasis en la ironía, la parodia y el humor en general; El arte moderno comenzó a desarrollar un enfoque más irónico del arte que luego avanzaría en un contexto posmoderno. El arte posmoderno ve la confusión entre las bellas artes y las altas artes con el arte comercial y de baja calidad; el arte moderno comenzó a experimentar con este desenfoque. ^[39] Los desarrollos recientes en el arte se han caracterizado por una expansión significativa de lo que ahora puede considerarse arte, en términos de materiales, medios, actividad y concepto. Arte conceptualen particular, ha tenido una gran influencia. Esto comenzó literalmente como la sustitución del concepto por un objeto hecho, una de cuyas intenciones era refutar la mercantilización del arte. Sin embargo, ahora generalmente se refiere a una obra de arte donde hay un objeto, pero el reclamo principal de la obra se basa en el proceso de pensamiento que lo ha informado. El aspecto de comercialismo ha vuelto al trabajo.

También se ha incrementado el arte referido a movimientos y artistas anteriores, ganando vigencia a partir de esa referencia.

El posmodernismo en el arte, que ha crecido desde la década de 1960, se diferencia del modernismo en que los movimientos de arte moderno se centraron principalmente en sus propias actividades y valores, mientras que el posmodernismo utiliza toda la gama de movimientos anteriores como punto de referencia. Esto ha generado por definición una mirada relativista, acompañada de ironía y cierta incredulidad en los valores, ya que cada uno puede verse reemplazado por otro. Otro resultado de esto ha sido el crecimiento del comercialismo y la celebridad. El arte posmoderno ha cuestionado las reglas y pautas comunes de lo que se considera " bellas artes ", fusionando el arte bajo con las bellas artes hasta que ninguna es completamente distinguible. ^{[40] [41]}Antes del advenimiento del posmodernismo, las bellas artes se caracterizaban por una forma de calidad estética, elegancia, artesanía, delicadeza y estimulación intelectual que pretendía atraer a las clases superiores o educadas; este distinguía el arte alto del arte bajo, que, a su vez, era visto como de mal gusto, kitsch , fácil de hacer y sin mucho o ningún estímulo intelectual, arte que estaba destinado a atraer a las masas. El arte posmoderno desdibujó estas distinciones, aportando un fuerte elemento de kitsch, comercialismo y campness en las bellas artes contemporáneas; ^[39] lo que hoy en día se ve como bellas artes puede haber sido visto como arte bajo antes de que el posmodernismo revolucionara el concepto de lo que realmente es el arte alto o bello. ^[39]Además, la naturaleza posmoderna del arte contemporáneo deja mucho espacio para el individualismo dentro de la escena artística; por ejemplo, el arte posmoderno a menudo se inspira en movimientos artísticos pasados, como el arte gótico o barroco, y yuxtapone y recicla estilos de estos períodos pasados ​​en un contexto diferente. ^[39]

Algunos surrealistas en particular Joan Miró , que pedía el "asesinato de la pintura" (En numerosas entrevistas que datan de los años 30 en adelante, Miró expresó su desprecio por los métodos de pintura convencionales y su deseo de "matar", "asesinar" o "violar" a favor de medios de expresión más contemporáneos). ^[42] han denunciado o intentado "reemplazar" la pintura, y también ha habido otras tendencias anti-pintura entre los movimientos artísticos, como el de Dada y el arte conceptual . La tendencia de alejarse de la pintura a finales del siglo XX ha sido contrarrestada por varios movimientos, por ejemplo, la continuación del arte minimalista , la abstracción lírica ,Arte pop, Op Art , Nuevo Realismo , Fotorrealismo , Neo Geo , Neoexpresionismo , Nueva Pintura Europea , Stuckismo y varias otras direcciones pictóricas importantes e influyentes.

Ver también

• Historia del Arte
• Historia de la pintura
• Vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos (libro del siglo XVI)
• Modernismo
• Pintura en las Américas antes de la colonización europea
• Pinturas de Europa occidental en museos ucranianos
• Lista de períodos de tiempo

Referencias

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• Hood, Sinclair , Las artes en la Grecia prehistórica , 1978, Penguin (Penguin / Yale History of Art), ISBN 0140561420 
• Sandars, Nancy K., Prehistoric Art in Europe , Penguin (Pelican, ahora Yale, History of Art), 1968 (nb 1st edn .; primeras fechas ahora reemplazadas)

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