La educación artística en los Estados Unidos refleja los valores sociales de la cultura estadounidense . El aprendizaje fue una vez la norma y el sentido principal, sin embargo, con la democratización de la educación, particularmente promovida por el filósofo educativo John Dewey , las oportunidades se han ampliado enormemente. Elliot Eisner ha sido un influyente defensor de los beneficios del arte en las escuelas.
La inscripción en clases de arte en el nivel electivo de la escuela secundaria alcanzó su punto máximo a fines de la década de 1960 y principios de la de 1970, con el énfasis de ese período en las personas que expresan singularidad. Actualmente, las " escuelas magnet de arte ", disponibles en muchas comunidades más grandes, utilizan el arte (s) como tema central o subyacente para atraer a aquellos estudiantes motivados por intereses personales o con la intención de convertirse en artistas profesionales o comerciales. Se informa ampliamente que las artes están perdiendo tiempo de instrucción en la escuela debido a los recortes presupuestarios en combinación con el aumento de las evaluaciones basadas en exámenes de los niños que el gobierno federal No Child Left Behind(NCLB) requiere la ley. La NCLB retiene las artes como parte del "plan de estudios básico" para todas las escuelas, no requiere informar ningún tiempo de instrucción o datos de evaluación para el contenido de la educación artística o los estándares de desempeño, que es la razón que se cita a menudo para el declive o posible declive de la educación artística. en las escuelas públicas estadounidenses.
Movimiento de estudio de imágenes, antes de 1930
La apreciación del arte en Estados Unidos se aceleró con el "movimiento de estudio de imágenes" a fines del siglo XIX. El movimiento comenzó a desvanecerse a fines de la década de 1920. [1] El estudio de imágenes era una parte importante del plan de estudios de educación artística. La atención a la estética en las aulas generó interés público en embellecer la escuela, el hogar y la comunidad, lo que se conocía como “Arte en la vida diaria”. La idea era llevar cultura al niño para cambiar a los padres. [2]
El estudio de imágenes fue posible gracias a las tecnologías mejoradas de reproducción de imágenes, el creciente interés público en el arte, el Movimiento Progresista en la educación y un número creciente de niños inmigrantes que eran más alfabetizados visualmente que en inglés. El tipo de arte incluido en el plan de estudios fue desde el Renacimiento en adelante, pero no se enseñó nada que se considerara "arte moderno". A menudo, los maestros seleccionaban imágenes que tenían un mensaje moral. Esto se debe a que un factor importante en el desarrollo de la estética como sujeto fue su relación con la educación moral de los nuevos ciudadanos debido a la afluencia de inmigrantes durante el período. La estética y las obras maestras del arte eran parte de la idea popular de la cultura propia, y la respuesta moralista a una obra de arte estaba dentro de las capacidades del maestro, quien a menudo no tenía la formación artística para discutir las cualidades formales de la obra de arte.
Una lección típica de Estudio de imágenes fue la siguiente: los maestros compraron materiales de la Serie de imágenes de Perry, por ejemplo. Esto es similar al plan de estudios empaquetado que tenemos hoy. Estos materiales incluían una imagen del maestro que era más grande para que la clase la mirara junta, y luego una reproducción más pequeña de aproximadamente 2 ¾ ”por 2” para que cada niño la mirara. Estos eran generalmente en tono blanco y negro o sepia. Los niños a menudo coleccionaban estas tarjetas y las intercambiaban como las tarjetas de béisbol de hoy en día. El maestro les daría a los estudiantes cierta cantidad de información sobre la imagen y el artista que la creó, como el contenido representativo de la imagen, las estadísticas vitales del artista y algunos detalles biográficos sobre el artista. Todos estos se incluyeron en los materiales para que un maestro no calificado aún pudiera presentar la información a su clase. Luego, el maestro haría algunas preguntas de discusión. A veces se incluyeron en los materiales sugerencias para proyectos de artes del lenguaje o actividades de estudio.
El movimiento del estudio de imágenes se extinguió a fines de la década de 1920 como resultado de nuevas ideas sobre el aprendizaje de la apreciación del arte a través del trabajo de estudio que se hicieron más populares en los Estados Unidos .
Desde la Segunda Guerra Mundial
Desde la Segunda Guerra Mundial , la formación de artistas se ha convertido en una tarea de los colegios y universidades y el arte contemporáneo se ha convertido en un campo cada vez más académico e intelectual. Antes de la Segunda Guerra Mundial, un artista no necesitaba un título universitario. Desde ese momento, la Licenciatura en Bellas Artes y luego la Maestría en Bellas Artes se convirtieron en títulos recomendados para ser un artista profesional, necesidades facilitadas por "la aprobación del GI Bill en 1944, que envió a una ola de veteranos de la Segunda Guerra Mundial a la escuela, escuela de arte incluida. Los departamentos de arte de la universidad se expandieron rápidamente. Artistas estadounidenses que alguna vez pudieron haber estudiado en escuelas bohemias y de artesanía intensiva como la Art Students League como Jackson Pollock , Mark Rothko , Helen Frankenthaler , Robert Rauschenberg , Lee Bontecou , Al Held , Eva Hesse , Roy Lichtenstein , Donald Judd , James Rosenquist , Cy Twombly y cientos más lo hicieron o Black Mountain College como lo hicieron John Chamberlain , Kenneth Noland , Robert Rauschenberg y otros o la Escuela de Arte Hans Hofmann en Greenwich Village, cuyos estudiantes incluyeron a Joan Mitchell , Helen Frankenthaler , Lee Krasner y Larry Rivers, entre otros, comenzaron a matricularse en universidades. En los años 60, The School of Visual Arts , Pratt Institute y Cooper Union en la ciudad de Nueva York y otras escuelas de arte en todo el país como el Instituto de Arte de Kansas City , el Instituto de Arte de San Francisco , la Escuela del Instituto de Arte de Chicago y la Escuela del Museo de Bellas Artes de Boston , así como Princeton y Yale se habían convertido en las principales academias de arte estadounidenses; sus alumnos incluyeron a Roxy Paine , Robert Mapplethorpe , Beverly Pepper , Lee Krasner , RB Kitaj , Sylvia Plimack Mangold , Elizabeth Peyton , Joseph Kosuth , Dan Christensen , Peter Reginato , Robert Graham , Michael Heizer , Ronald Davis , Karen Finley , Jason Rhoades , Ronnie Landfield , Elizabeth Murray , Claes Oldenburg , Leon Golub , Jeff Koons , Joan Jonas , Ellsworth Kelly , Larry Poons , Frank Stella , Michael Fried , Walter Darby Bannard , Chuck Close , Brice Marden , Richard Serra , Eva Hesse , Jennifer Bartlett , John Currin y Robert Mangold , haciendo que pareciera que todos los artistas de moda en Nueva York estaban obligados a tener un título universitario o un título de la Ivy League ". [3] Esta tendencia se extendió desde los Estados Unidos a todo el mundo.
Actualmente, el doctorado en arte de estudio está en debate como el nuevo estándar como grado terminal en las artes. Aunque en 2008 solo hay dos programas en los Estados Unidos que ofrecen un doctorado en arte de estudio, "10 universidades ofrecen el título en Australia, y es omnipresente en el Reino Unido, Escandinavia, los Países Bajos y otros países. Ya se espera para un trabajo docente en Malasia". [4] Como James Elkins, presidente del departamento de historia del arte, teoría y crítica de la Escuela del Instituto de Arte de Chicago, así como presidente del departamento de historia del arte de la Universidad de Cork en Irlanda, escribió en Art in América , "En la década de 1960, el MFA era omnipresente. Ahora el MFA es un lugar común y el doctorado está llegando a ocupar su lugar como requisito básico para los trabajos de enseñanza". [5] Esto se refiere a puestos de enseñanza para arte de estudio a nivel universitario. El doctorado ha sido un requisito estándar para ser profesor de educación artística durante muchos años. En su próximo libro, Artists with PhD's , James Elkins (crítico de arte) presenta la opinión de que el doctorado se convertirá en el nuevo estándar y ofrece el libro como un recurso para evaluar estos programas y estructurar programas futuros. Sin embargo, la College Art Association todavía reconoce el MFA como el título final, afirmando "En este momento, pocas instituciones en los Estados Unidos ofrecen un doctorado en arte de estudio, y no parece ser una tendencia que continuará o crecerá, o que el doctorado sustituya al MFA ". [6]
Educación artística basada en la disciplina a principios de la década de 1980
La educación artística basada en la disciplina (DBAE) es un programa educativo formulado por J. Paul Getty Trust a principios de la década de 1980. DBAE apoya un menor énfasis en la instrucción de estudio y, en cambio, promueve la educación en cuatro disciplinas dentro de las artes: estética, crítica de arte, historia del arte y producción de arte. Mantiene un fuerte vínculo con la instrucción en el estudio con énfasis en la técnica. [7]
Entre los objetivos de DBAE se encuentran hacer que la educación artística sea más paralela a otras disciplinas académicas y crear un marco estandarizado para la evaluación. Fue desarrollado específicamente para los grados K-12, pero se ha instituido en otros niveles de educación. DBAE defiende que el arte debe ser enseñado por maestros certificados y que "la educación artística es para todos los estudiantes, no solo para aquellos que demuestran talento para hacer arte". [8]
Las críticas al DBAE provienen de teóricos posmodernos que abogan por una visión más pluralista de las artes y la inclusión de una amplia gama de puntos de vista que pueden no estar incluidos en un plan de estudios estandarizado.
Disposiciones de educación sobre historia de las artes
En la década de 1970, las disposiciones para las artes en la educación eran limitadas, a discreción de los estados individuales. Las escuelas locales, las juntas escolares y los distritos fueron los principales actores a la hora de decidir si se impartía educación artística. Donde se ofreció educación artística, consistió en experiencias basadas en la exposición con organizaciones culturales fuera de la escuela y no se integró en el plan de estudios del aula. En las próximas dos décadas, los recortes presupuestarios como resultado de las crisis fiscales redujeron en gran medida los presupuestos escolares hasta el punto en que los puestos de profesores de arte se eliminaron esencialmente para conservar las materias básicas. En ese momento, las artes se consideraban no esenciales para el desarrollo del pensamiento crítico y no existía un plan de estudios estándar para enseñar arte en las escuelas públicas. Como tal, las provisiones eran escasas, si es que estaban presentes, en los años ochenta y noventa. [9]
Sin embargo, la importancia de una educación artística surgió cuando los datos encontraron mejoras en el rendimiento académico y beneficios socioemocionales y socioculturales, entre otros efectos positivos, derivados de la naturaleza estimulante de las artes. Los actores clave en la promoción y la provisión de educación artística incluyeron una combinación de entidades públicas (escuelas, agencias gubernamentales, etc.), organizaciones privadas y centros comunitarios. [9]
Este reconocimiento emergente de la importancia de la educación artística fue acompañado por un declive en las provisiones a principios del siglo XXI. Con la implementación de NCLB, las escuelas públicas priorizaron el cumplimiento de los objetivos de crecimiento del Índice de Rendimiento Académico (API), disminuyendo el énfasis en las materias no básicas. Por ejemplo, en las escuelas públicas de California, mientras que la inscripción aumentó en un 5.8% de 1999 a 2004, la educación musical disminuyó en un 50% en el mismo período de 5 años. [10] A nivel nacional, los datos de las Encuestas de Participación Pública en las Artes (SPAA) mostraron que en 2008, los jóvenes de 18 a 24 años tenían menos probabilidades de haber tenido una educación artística que en 1982. Personas de bajos ingresos y Las escuelas públicas de bajo rendimiento lucharon desproporcionadamente con este declive, y los estudiantes afroamericanos y latinos generalmente tienen menos posibilidades de acceder a las artes en comparación con sus contrapartes blancos. [11]
Estos hallazgos de drásticos declives en las provisiones de educación artística estimularon los esfuerzos para la reinversión. La NEA declaró objetivos que incluyen maximizar el impacto de la inversión, la colaboración con la educación local en todos los niveles de gobierno y ofrecer orientación y apoyo de liderazgo para la educación artística. [12]
Hoy, el financiamiento para la educación en los Estados Unidos proviene de tres niveles; nivel local, estatal y federal. Todo el sistema educativo se mantiene en manos del sector público para su control y evitar cualquier mal manejo. [13] Recientemente, el Departamento de Educación de EE. UU. Comenzó a otorgar subvenciones para el Desarrollo y Difusión del Modelo de Arte en la Educación para apoyar a las organizaciones con experiencia en arte en el desarrollo de planes de estudio artísticos que ayuden a los estudiantes a comprender y retener mejor la información académica. Uno de esos modelos de educación fue creado en 2006 por Storytellers Inc. y ArtsTech (anteriormente Pan-Educational Institute). El plan de estudios y el método de aprendizaje se titula AXIS. [14]
Organizaciones nacionales
El National Endowment for the Arts (NEA) es una de las muchas organizaciones reconocidas a nivel nacional que promueven la educación artística en los Estados Unidos. [15] Desde su formación en 1965, la NEA ha liderado los esfuerzos para integrar las artes como parte de la educación básica para todos los estudiantes K-12. Estos esfuerzos incluyen la colaboración en asociaciones estatales, federales y público-privadas para solicitar y proporcionar fondos y subvenciones para programas de educación artística. Durante el año fiscal 2008, la NEA otorgó más de 200 subvenciones por un total de $ 6.7 millones a programas que permiten a los estudiantes participar y participar en el aprendizaje con artistas y maestros capacitados. La NEA ha iniciado una serie de otras asociaciones e iniciativas de educación artística, que incluyen:
- La Asociación de Educación Artística (AEP) [16] AEP convoca foros para discutir temas de educación artística, publica materiales de investigación que apoyan el papel de la educación artística en las escuelas y es un centro de intercambio de materiales de recursos de educación artística.
- El Proyecto Estratégico Nacional de Exalumnos de Artes (SNAAP) [17] es un sistema de encuestas en línea continuo que recopilará, rastreará y difundirá datos sobre exalumnos, y ayudará a las instituciones a comprender mejor cómo los estudiantes utilizan la formación artística en sus carreras y otros aspectos de sus actividades. vive.
- El Instituto de Líderes Educativos de la NEA (ELI) [18] convoca a tomadores de decisiones clave para mejorar la calidad y cantidad de la educación artística a nivel estatal. Cada instituto reúne equipos de líderes escolares, legisladores, legisladores, educadores, artistas profesionales, consultores y académicos de hasta cinco estados para discutir un desafío de educación artística compartida y participar en la planificación estratégica para promover la educación artística en sus respectivos estados.
Hay una variedad de otras organizaciones nacionales que promueven la educación artística en los Estados Unidos. Estos incluyen Americans for the Arts [19], que presenta proyectos importantes como The Arts. Pregunta por más. [20] campaña nacional de concienciación pública sobre educación artística, Asociación para el Avance de la Educación Artística, Asociación Universitaria de Arte ; [21] y la Asociación Nacional de Educación Artística . [22]
Integración de las artes
La integración de las artes es otra forma alternativa de enseñar las artes en las escuelas. La integración de las artes es la combinación de las artes visuales y / o escénicas e incorporarlas al plan de estudios diario dentro de las aulas. El aprendizaje en una variedad de formas permite a los estudiantes usar sus ocho inteligencias múltiples como lo describe el teórico Howard Gardner en su Frames of Mind: Theory of Multiple Intelligences . [23] Las ocho inteligencias múltiples incluyen corporal-cinestésica, intrapersonal, interpersonal, lingüística, lógico-matemática, musical, naturalista y espacial. [24] La integración de las artes es especialmente importante hoy en día, cuando algunas escuelas ya no tienen o ya no tienen pequeños programas de educación artística debido a importantes recortes presupuestarios, incluido el acuerdo presupuestario federal que tomó $ 12.5 millones de la NEA, el mayor financiador de artes públicas de los Estados Unidos, en 2011. [25]
La integración de las artes en las materias básicas comunes crea efectos académicos y sociales positivos en los estudiantes. La integración de las artes en el aula es una excelente manera de involucrar a los estudiantes que de otra manera no estarían interesados en el plan de estudios básico común. Además, los estudiantes desfavorecidos y en riesgo se ven excepcionalmente afectados por la integración de las artes. La integración de las artes ayuda a estos estudiantes en el aula mejorando su capacidad para practicar una comunicación efectiva, dándoles una mejor actitud hacia la escuela, disminuyendo la frecuencia de conductas inapropiadas en clase y aumentando sus habilidades académicas generales. [26]
Ver también
- Educación artística
- Escuelas de arte
- Artes en la educación
- Integración de las artes
- Educación ambiental basada en las artes
- Educación en artes escénicas
- Educación en artes visuales
- Artes visuales de los Estados Unidos
Referencias
- ^ Eisner 2004 .
- ^ Smith, Peter (1986, septiembre) La ecología del estudio de la imagen, Educación artística [48-54].
- ^ "Cómo triunfar en el arte" por Deborah Solomon, New York Times Magazine. 27 de junio de 1999
- ^ "Escuelas de arte: un grupo crítico", p. 108. Art In America, mayo de 2007.
- ^ "Escuelas de arte: un grupo crítico", p. 109. Art In America, mayo de 2007.
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Otras lecturas
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enlaces externos
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entrevistas con los principales educadores de arte de los años ochenta y noventa
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