| Historia del Arte |
Las artes visuales de los pueblos indígenas de las Américas engloban las prácticas artísticas visuales de los pueblos indígenas de las Américas desde la antigüedad hasta el presente. Estos incluyen obras de América del Sur y América del Norte , que incluye América Central y Groenlandia . Los Yupiit siberianos , que tienen una gran superposición cultural con los Yupiit nativos de Alaska , también están incluidos.
Las artes visuales indígenas americanas incluyen artes portátiles, como pintura, cestería, textiles o fotografía, así como obras monumentales, como arquitectura , land art , escultura pública o murales. Algunas formas de arte indígenas coinciden con formas de arte occidentales ; sin embargo, algunos, como el trabajo de púas de puercoespín o la picadura de corteza de abedul, son exclusivos de América.
El arte indígena de las Américas ha sido coleccionado por europeos desde el contacto sostenido en 1492 y se unió a colecciones en gabinetes de curiosidades y primeros museos. Los museos de arte occidentales más conservadores han clasificado el arte indígena de las Américas dentro de las artes de África, Oceanía y las Américas, con obras de arte precontacto clasificadas como arte precolombino , un término que a veces se refiere solo al arte precontacto de los pueblos indígenas de América Latina . Los eruditos y aliados nativos se esfuerzan por que el arte indígena sea entendido e interpretado desde perspectivas indígenas.
Etapa lítica y arcaica [ editar ]
En América del Norte, la etapa lítica o período paleoindio se define como aproximadamente entre 18.000 y 8.000 a. C. El período comprendido entre el 8000 y el 800 a. C. generalmente se conoce como período Arcaico . Si bien la gente de este período trabajaba con una amplia gama de materiales, los materiales perecederos, como las fibras vegetales o las pieles, rara vez se habían conservado a lo largo de los milenios. Los pueblos indígenas crearon pendones , punta de proyectil , estilos de reducción lítica y pinturas rupestres pictográficas, algunas de las cuales han sobrevivido en la actualidad.
Perteneciente a la etapa lítica, el arte más antiguo conocido en las Américas es un hueso de megafauna tallado , posiblemente de un mamut, grabado con un perfil de mamut andante o mastodonte que se remonta al 11.000 a. C. [1] El hueso se encontró a principios del siglo XXI cerca de Vero Beach, Florida , en un área donde se habían encontrado huesos humanos ( hombre Vero ) en asociación con animales extintos del pleistoceno a principios del siglo XX. El hueso está demasiado mineralizado.para ser fechado, pero la talla ha sido autenticada como hecha antes de que el hueso se mineralizara. La corrección anatómica del tallado y la fuerte mineralización del hueso indican que el tallado se realizó mientras aún vivían mamuts y / o mastodontes en la zona, hace más de 10.000 años. [2] [3] [4] [5]
El objeto pintado más antiguo conocido en América del Norte es el cráneo de bisonte Cooper de aproximadamente 8.050 a. C. [6] El arte de la edad lítica en América del Sur incluye pinturas rupestres de la cultura Monte Alegre creadas en Caverna da Pedra Pintada que datan de 9250 a 8550 a. C. [7] [8] La cueva de Guitarrero en Perú tiene los primeros textiles conocidos en América del Sur, que datan del 8000 a. C. [9]
El suroeste de los Estados Unidos y ciertas regiones de los Andes tienen la mayor concentración de pictografías (imágenes pintadas) y petroglifos (imágenes talladas) de este período. Tanto las pictografías como los petroglifos se conocen como arte rupestre .
Un petroglifo de una caravana de borrego cimarrón cerca de Moab, Utah , Estados Unidos; un tema común en los glifos del desierto del suroeste
Petroglifos de estilo curvilíneo abstracto arcaico, Coso Rock Art District , California Petroglifo de Columbia River Gorge , Washington , Estados Unidos
América del Norte [ editar ]
Ártico [ editar ]
Los yup'ik de Alaska tienen una larga tradición de tallar máscaras para usar en rituales chamánicos . Los pueblos indígenas del Ártico canadiense han producido objetos que podrían clasificarse como arte desde la época de la cultura Dorset . Si bien las tallas de marfil de morsa de Dorset eran principalmente chamánicas, el arte del pueblo Thule que las reemplazó alrededor del año 1000 d.C. era de carácter más decorativo. Con el contacto europeo comenzó el período histórico del arte inuit. En este período, que alcanzó su apogeo a fines del siglo XIX, los artesanos inuit crearon recuerdos para las tripulaciones de los barcos balleneros y exploradores. Los ejemplos comunes incluyen cribbagetableros. El arte moderno inuit comenzó a fines de la década de 1940, cuando con el apoyo del gobierno canadiense comenzaron a producir grabados y esculturas serpentinas para la venta en el sur. Los inuit groenlandeses tienen una tradición textil única que integra la costura de la piel, las pieles y los apliques de pequeñas piezas de órganos de mamíferos marinos teñidos de colores brillantes en diseños de mosaico, llamados avittat . Las mujeres crean elaborados cuellos de red con abalorios. Tienen una fuerte tradición de fabricación de máscaras y también son conocidos por una forma de arte llamada tupilaq o un "objeto espiritual maligno". Las prácticas tradicionales de creación de arte prosperan en Ammassalik . [10] El marfil de cachalote sigue siendo un medio valioso para tallar. [11]
- Arte inuit de Alaska, Canadá y Groenlandia
Barbas cesta con dientes de ballena remate , por George Omnik ( INUPIAQ , 1905-1978), Alaska ; Museo de Arte de Honolulu ( Hawái , EE. UU.)
Una representación tallada de un tupilaq , de Groenlandia
Máscara Yup'ik ; de Alaska ; Musée du quai Branly (París)
Toy Angakkuq (chamán); 6 de febrero de 1998; serpentina , hueso y plumas de caribú ; por Palaya Qiatsuq
Subártico [ editar ]
Las culturas del interior de Alaska y Canadá que viven al sur del Círculo Polar Ártico son pueblos subárticos . Si bien los humanos han vivido en la región por mucho más tiempo, el arte subártico más antiguo que se conoce es un sitio de petroglifos en el noroeste de Ontario , que data del 5000 a. C. El caribú y, en menor medida , el alce , son recursos importantes que aportan pieles, astas, tendones y otros materiales artísticos. La pluma de puercoespín embellece las pieles y la corteza de abedul. Después del contacto europeo con la influencia de las monjas grises , los mechones de pelo de alce y los abalorios florales de vidrio se hicieron populares en el subártico. [12]
Moosehair de Athabaskan del siglo XXI con mechones en una caja de cuero con cuentas,
Fairbanks, AlaskaTsuu T'ina tipi de piel pintada,
Alberta, CanadáChaqueta de piel de hombre. Los tallos de los diseños florales tienen abalorios "espinosos", típicos del subártico, Museo de Antropología de la UBC
Costa noroeste [ editar ]
El arte de los haida , tlingit , heiltsuk , tsimshian y otras tribus más pequeñas que viven en las áreas costeras del estado de Washington , Oregon y Columbia Británica se caracteriza por un vocabulario estilístico extremadamente complejo expresado principalmente en el medio del tallado en madera. Los ejemplos famosos incluyen tótems , máscaras de transformación y canoas. Además de la artesanía en madera, la pintura bidimensional y las joyas grabadas en plata, oro y cobre se volvieron importantes después del contacto con los europeos.
Un tótem en Ketchikan , Alaska, al estilo Tlingit
'Máscara de transformación Namgis Thunderbird, siglo XIX, cedro, pigmentos, cuero, clavos, placa de metal, 71 pulg . De ancho cuando está abierta, Brooklyn Museum , NY
Talla de argilita haida; 1850-1900; de Haida Gwaii ; Museo Nacional del Indio Americano
Sombrero de corteza de cedro; Nuu-chah-nulth ; Museo de las Américas ( Madrid , España)
Bosques del este [ editar ]
Bosques del noreste [ editar ]
Las culturas de Eastern Woodlands , o simplemente bosques, habitaban las regiones de América del Norte al este del río Mississippi al menos desde el año 2500 a. C. Si bien había muchas culturas regionalmente distintas, el comercio entre ellas era común y compartían la práctica de enterrar a sus muertos en montículos de tierra, lo que ha conservado una gran cantidad de su arte. Debido a este rasgo, las culturas se conocen colectivamente como los constructores de montículos .
El período Woodland (1000 a. C. - 1000 d. C.) se divide en períodos temprano, medio y tardío, y constaba de culturas que dependían principalmente de la caza y la recolección para su subsistencia. Las cerámicas hechas por la cultura Deptford (2500 a. C.-100 d. C.) son la evidencia más temprana de una tradición artística en esta región. La cultura Adena es otro ejemplo bien conocido de una cultura temprana de Woodland. Tallaron tablillas de piedra con diseños zoomorfos , crearon cerámica y confeccionaron trajes con pieles de animales y cuernos para rituales ceremoniales. Los mariscos eran un pilar de su dieta, y se han encontrado conchas grabadas en sus túmulos.
El período de Middle Woodland estuvo dominado por culturas de la tradición Hopewell (200–500). Su obra de arte abarcaba una amplia variedad de joyas y esculturas en piedra, madera e incluso hueso humano.
El período de los bosques tardíos (500-1000 d. C.) vio una disminución en el comercio y en el tamaño de los asentamientos, y la creación de arte también disminuyó.
Desde el siglo XII en adelante, los haudenosaunee y las tribus costeras cercanas fabricaron wampum con conchas y cuerdas; estos eran dispositivos mnemotécnicos , moneda y registros de tratados.
Los iroqueses tallan máscaras faciales falsas para rituales de curación, pero los representantes tradicionales de las tribus, el Gran Consejo de los Haudenosaunee , tienen claro que estas máscaras no están a la venta ni a la exhibición pública. [13] Lo mismo puede decirse de las máscaras de la Sociedad Iroquois Corn Husk. [14]
- Arte de los bosques orientales de América del Norte
Montículos de Hopewell del grupo Mound City en Ohio Pipa de esteatita tallada que representa un cuervo , tradición Hopewell Halcón de cobre del sitio Mound City Group de la cultura Hopewell Cinturón de wampum del Gran Tratado entregado por Lenape a William Penn , Pensilvania , 1682
Un escultor de bellas artes de mediados del siglo XIX fue Edmonia Lewis (afroamericano / Ojibwe). Dos de sus obras están en poder del Museo de Newark . [15]
Los pueblos nativos de Northeastern Woodlands continuaron haciendo arte visual durante los siglos XX y XXI. Uno de esos artistas es Sharol Graves, cuyas serigrafías se han exhibido en el Museo Nacional del Indio Americano . [16] Graves también es el ilustrador de The People Shall Continue de Lee & Low Books .
Bosques del sureste [ editar ]
La cultura Poverty Point habitó partes del estado de Louisiana desde 2000 hasta 1000 a. C. durante el período Arcaico . [17] Muchos objetos excavados en los sitios de Poverty Point estaban hechos de materiales que se originaron en lugares distantes, incluidas puntas y herramientas de proyectiles de piedra astillada, caídas de piedra, desfiladeros y vasijas, y cuentas de concha y piedra. Las herramientas de piedra encontradas en Poverty Point estaban hechas de materias primas que se originaron en las relativamente cercanas montañas Ouachita y Ozark y de los mucho más lejanos valles de los ríos Ohio y Tennessee . Los recipientes estaban hechos de esteatita que provenía de las estribaciones de los Apalaches deAlabama y Georgia . [18] Los objetos de arcilla cocidos moderadamente modelados a mano se presentan en una variedad de formas que incluyen figurillas antropomórficas y bolas de cocina. [17]
Utensilios de barro para cocinar, Poverty Point Figuras femeninas de arcilla, Poverty Point Gargantas talladas y pesos atlatl , Poverty Point
La cultura de Mississippi floreció en lo que ahora es el medio oeste , este y sureste de los Estados Unidos desde aproximadamente 800 d.C. a 1500 d.C., variando regionalmente. [19] Después de adoptar la agricultura de maíz, la cultura del Misisipio se volvió completamente agraria, en contraposición a la caza y recolección complementada por la agricultura a tiempo parcial practicada por culturas forestales anteriores. Construyeron montículos de plataforma más grandes y complejos que los de sus predecesores, y terminaron y desarrollaron técnicas cerámicas más avanzadas, comúnmente utilizando conchas de mejillón molido como agente de templado . Muchos estuvieron involucrados con elComplejo Ceremonial del Sureste , una red religiosa y comercial panregional y panlingüística. La mayor parte de la información conocida sobre la SECC se deriva del examen de las elaboradas obras de arte dejadas por sus participantes, incluida la cerámica , gargantas de concha y tazas, estatuas de piedra , placas de cobre repujado como el caché de Wulfing , las placas de Rogan y las de nariz larga. dios maskettes. En el momento del contacto europeo, las sociedades de Mississippi ya estaban experimentando un severo estrés social, y con los trastornos políticos y las enfermedades introducidas por los europeos, muchas de las sociedades colapsaron y dejaron de practicar un estilo de vida de Mississippian, con notables excepciones siendo la cultura Plaquemine Natchez y Taensa relacionada . pueblos. Otras tribus descendientes de las culturas de Mississippian incluyen Caddo , Choctaw , Muscogee Creek , Wichita y muchos otros pueblos del sureste.
Gorjal de concha grabada , Spiro Mounds (cultura de Mississippian) Paleta de piedra grabada, sitio de Moundville , parte posterior utilizada para mezclar pintura (cultura de Mississippian) Efigies de piedra , sitio de Etowah (cultura de Mississippian) Jarra de cerámica pantera submarina , Rose Mound (cultura de Mississippian)
En Florida se han encontrado una gran cantidad de artefactos de madera precolombinos. Si bien los artefactos de madera más antiguos tienen hasta 10,000 años, los objetos de madera tallados y pintados se conocen solo de los últimos 2,000 años. Se han encontrado efigies de animales y máscaras faciales en varios sitios de Florida. Se encontraron efigies de animales que datan de entre 200 y 600 en un estanque mortuorio en Fort Center , en el lado oeste del lago Okeechobee . Particularmente impresionante es una talla de un águila de 66 cm de altura. [20]
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Más de 1,000 objetos de madera tallados y pintados, que incluyen máscaras, tabletas, placas y efigies, fueron excavados en 1896 en Key Marco , en el suroeste de Florida . Han sido descritos como algunos de los mejores arte nativo americano prehistórico en América del Norte. Los objetos no están bien datados, pero pueden pertenecer al primer milienio de la época actual. Los misioneros españoles describieron máscaras y efigies similares en uso por los Calusa a fines del siglo XVII, y en el antiguo sitio de Tequesta en el río Miami en 1743, aunque no ha sobrevivido ningún ejemplo de los objetos Calusa del período histórico. Se conoce un estilo de efigie del sur de Florida a partir de tallas de madera y hueso de varios sitios en Belle Glade, Caloosahatchee y áreas de cultivo Glades . [21] [22]
Los Seminoles son más conocidos por sus creaciones textiles, especialmente la ropa de retazos. La fabricación de muñecas es otro oficio notable. [23]
Tótem de águila, Fort Center, Florida Efigie de cocodrilo, talla de madera, Key Marco, Florida Máscara de madera, Key Marco, Florida Mantón de baile con flecos y retazos de seminole, Reserva India Big Cypress , Florida, década de 1980
Occidente [ editar ]
Grandes Llanuras [ editar ]
Las tribus han vivido en las Grandes Llanuras durante miles de años. Las culturas de las llanuras tempranas se dividen comúnmente en cuatro períodos: paleoindio (al menos c. 10.000–4000 a. C.), llanuras arcaicas (c. 4000-250 a. C.), bosque de las llanuras (c. 250 a. C.-950 d. C.), aldea de las llanuras (c. 950-1850 CE). [24] El objeto pintado más antiguo conocido en América del Norte se encontró en las llanuras del sur, el Cráneo de Cooper Bison , encontrado en Oklahoma y fechado entre 10,900 y 10,200 aC. Está pintado con un zig-zag rojo. [6]
En el período de Plains Village, los cultivos de la zona se asentaron en grupos cerrados de casas rectangulares y cultivaron maíz . Surgieron varias diferencias regionales, incluidas Southern Plains, Central Plains, Oneota y Middle Missouri. Las tribus eran tanto cazadores nómadas como agricultores seminómadas. Durante el período Coalescente de las Llanuras (contacto entre 1400 y Europa), algunos cambios, posiblemente la sequía, causaron la migración masiva de la población a la región de los Bosques del Este, y las Grandes Llanuras estuvieron escasamente pobladas hasta que la presión de los colonos estadounidenses hizo que las tribus volvieran al área.
El advenimiento del caballo revolucionó las culturas de muchas tribus históricas de las Llanuras. La cultura del caballo permitió a las tribus vivir una existencia completamente nómada, cazando búfalos. La ropa de piel de búfalo estaba decorada con bordados de plumas de puercoespín y cuentas: las conchas dentales y los dientes de alce eran materiales preciados. Más tarde, las monedas y las cuentas de vidrio adquiridas en el comercio se incorporaron al arte de las llanuras. El trabajo de abalorios lisos ha florecido en la época contemporánea.
El búfalo fue el material preferido para pintar la piel de Plains . Los hombres pintaban diseños narrativos y pictóricos que registraban hazañas o visiones personales. También pintaron calendarios históricos pictográficos conocidos como Conde de Invierno . Las mujeres pintaban diseños geométricos en túnicas bronceadas y parfleches de cuero crudo , que a veces servían como mapas. [25]
Durante la Era de las Reservas de fines del siglo XIX, los cazadores no nativos destruyeron sistemáticamente las manadas de búfalos. Debido a la escasez de pieles, los artistas de Plains adoptaron nuevas superficies de pintura, como muselina o papel, dando origen al arte Ledger , llamado así por los omnipresentes libros contables utilizados por los artistas de Plains.
Vestido Sioux con canesú de pedrería. Parfleches de cuero crudo pintados y con cuentas Sioux. Dibujo de libro mayor de Haokah (c. 1880) por Black Hawk ( Lakota ). Arte del libro mayor Kiowa , posiblemente de la batalla de Buffalo Wallow de 1874, Guerra del Río Rojo .
Gran Cuenca y Meseta [ editar ]
Desde el período arcaico, la región de Plateau, también conocida como Intermontaine y Upper Great Basin , había sido un centro de comercio. La gente de la meseta se estableció tradicionalmente cerca de los principales sistemas fluviales. [26] Debido a esto, su arte tiene influencias de otras regiones, de las costas del noroeste del Pacífico y las Grandes Llanuras. Las mujeres de Nez Perce , Yakama , Umatilla y Cayuse tejen hojas de maíz planas y rectangulares o bolsas de cáñamo , que están decoradas con "diseños geométricos atrevidos" en falsos bordados. [27] Los trabajadores de abalorios de la meseta son conocidos por sus abalorios de estilo de contorno y sus elaborados atuendos de caballo.
Las tribus de la Gran Cuenca tienen una tradición sofisticada de fabricación de cestas, como lo ejemplifican Dat So La Lee / Louisa Keyser ( Washoe ), Lucy Telles , Carrie Bethel y Nellie Charlie . Después de ser desplazados de sus tierras por colonos no nativos, Washoe tejió cestas para el mercado de productos básicos, especialmente de 1895 a 1935. [28] Los cesteros de Paiute , Shoshone y Washoe son conocidos por sus cestas que incorporan cuentas de semillas en la superficie y por cestas impermeables. . [29]
Bolso Nez Perce con abalorios de contorno, c. 1850-60 Camisa de piel de ante con plumas y cuentas de Nez Perce, con plumas de águila y pieles de armiño, c. 1880-85 Mocasines de hombre con cuentas Shoshone , circa 1900, Wyoming Cesta de Carrie Bethel ( Mono Lake Paiute ), California, 30 "de diámetro, c. 1931-35
California [ editar ]
Los nativos americanos de California tienen una tradición de artes de tejido de cestas exquisitamente detalladas . A finales del siglo XIX, las cestas californianas de artistas de Cahuilla , Chumash , Pomo , Miwok , Hupa y muchas otras tribus se hicieron populares entre coleccionistas, museos y turistas. Esto resultó en una gran innovación en forma de cestas. Muchas piezas de tejedores de cestas nativos americanos de todas partes de California se encuentran en colecciones de museos, como el Museo Peabody de Arqueología y Etnología de la Universidad de Harvard , el Museo Southwesty el Museo Nacional del Indio Americano de la Institución Smithsonian .
California tiene una gran cantidad de pictografías y petroglifos de arte rupestre . Una de las mayores densidades de petroglifos en América del Norte, por la gente de Coso , se encuentra en Big and Little Petroglyph Canyons en el Coso Rock Art District del norte del desierto de Mojave en California.
Se considera que las pictografías más elaboradas en los EE. UU. Son el arte rupestre del pueblo Chumash , que se encuentra en pinturas rupestres en los actuales condados de Santa Bárbara , Ventura y San Luis Obispo . La pintura rupestre de Chumash incluye ejemplos en el Parque Histórico Estatal Chumash Painted Cave y Burro Flats Painted Cave .
Arte rupestre de Chumash en Painted Cave
Una canasta hecha por la gente Pomo del norte de California. Pomo beaded, canasta enrollada, sedgeroot, sauce, perlas de vidrio, abulón, circa 1880 Gorra de mujer Hupa de finales del siglo XIX , hierba de oso y raíz de conífera, Universidad de Stanford
Suroeste [ editar ]
En el suroeste de los Estados Unidos se crearon numerosos pictogramas y petroglifos. La cultura Fremont y los pueblos ancestrales y las creaciones de las tribus posteriores, en el estilo Barrier Canyon y otros, se ven en la actualidad Buckhorn Draw Pictograph Panel y Horseshoe Canyon , entre otros sitios. Petroglifos de estos y de los artistas de la cultura Mogollon están representados en el Dinosaur National Monument y en Newspaper Rock .
Los Ancestrales Puebloans , o Anasazi, (1000 BCE-700 CE) son los antepasados de las tribus Pueblo de hoy . Su cultura se formó en el suroeste de Estados Unidos, después de que se introdujera el cultivo de maíz desde México alrededor del 1200 a. C. La gente de esta región desarrolló un estilo de vida agrario, cultivando alimentos, calabazas de almacenamiento y algodón con técnicas de riego o xeriscaping . Vivían en ciudades sedentarias, por lo que la alfarería, utilizada para almacenar agua y grano, era omnipresente.
Durante cientos de años, Pueblo Ancestral creó cerámica utilitaria gris y cerámica en blanco y negro y, ocasionalmente, cerámica naranja o roja. En tiempos históricos, los Hopi creaban ollas , tazones de masa y tazones de comida de diferentes tamaños para uso diario, pero también hacían tazas ceremoniales, jarras, cucharones, tarros de semillas y recipientes para uso ritual más elaborados, y estos generalmente tenían un acabado pulido. Superficies y decoradas con diseños pintados de negro. A principios del siglo XX, el famoso alfarero Hopi Nampeyo revivió la cerámica de estilo Sikyátki , originada en la Primera Mesa en los siglos XIV al XVII. [30]
La arquitectura del suroeste incluye viviendas Cliff , asentamientos de varios pisos tallados en roca viva ; casas de pozo ; y pueblos de adobe y arenisca . Uno de los asentamientos antiguos más grandes y elaborados es el Cañón del Chaco en Nuevo México , que incluye 15 complejos importantes de arenisca y madera. Estos están conectados por una red de carreteras. La construcción del mayor de estos asentamientos, Pueblo Bonito , comenzó 1080 años antes del presente . Pueblo Bonito contiene más de 800 habitaciones. [31]
Los pueblos ancestrales han utilizado tradicionalmente la turquesa , el azabache y la concha de ostra espinosa para joyería, y hace siglos desarrollaron sofisticadas técnicas de incrustaciones .
Alrededor del 200 d.C., la cultura Hohokam se desarrolló en Arizona. Son los antepasados de las tribus Tohono O'odham y Akimel O'odham o Pima. Los Mimbres , un subgrupo de la cultura Mogollon , son especialmente notables por las pinturas narrativas en su cerámica.
En el último milenio, los pueblos de Athabaskan emigraron desde el norte de Canadá en el suroeste. Estos incluyen Navajo y Apache . La pintura de arena es un aspecto de las ceremonias de curación navajo que inspiró una forma de arte. Los navajos aprendieron a tejer en telares verticales de Pueblos y tejieron mantas que fueron recolectadas con entusiasmo por las tribus de Great Basin y Plains en los siglos XVIII y XIX. Después de la introducción del ferrocarril en la década de 1880, las mantas importadas se volvieron abundantes y económicas, por lo que los tejedores navajos se dedicaron a producir alfombras para el comercio.
En la década de 1850, los navajos adoptaron la orfebrería de los mexicanos. Atsidi Sani (Viejo Smith) fue el primer platero navajo, pero tuvo muchos estudiantes y la tecnología se extendió rápidamente a las tribus circundantes. Hoy en día, miles de artistas producen joyas de plata con turquesas. Los hopi son famosos por su trabajo en plata superpuesta y tallas de álamo. Los artistas zuni son admirados por sus joyas de trabajo en racimo, que muestran diseños en turquesa, así como por sus elaboradas incrustaciones de piedra pictórica en plata.
Castillo de Montezuma , una vivienda en un acantilado de Sinagua en Arizona , c. 700 CE – 1425 CE
Cantina del Pueblo Ancestral , Cañón del Chaco , Nuevo México , c. 700 CE – 1100 CE Pintura de arena Navajo .
Mesoamérica y Centroamérica [ editar ]
El desarrollo cultural de la antigua Mesoamérica se dividió generalmente entre el este y el oeste. La cultura maya estable fue más dominante en el este, especialmente en la península de Yucatán, mientras que en el oeste se produjeron desarrollos más variados en las subregiones. Estos incluían el oeste mexicano (1000-1), Teotihuacan (1-500), mixteco (1000-1200) y azteca (1200-1521).
Las civilizaciones centroamericanas generalmente vivían en las regiones al sur del México actual, aunque hubo cierta superposición.
Mesoamérica [ editar ]
Mesoamérica fue el hogar de las siguientes culturas, entre otras:
Olmeca [ editar ]
Los olmecas (1500-400 a. C.), que vivían en la costa del golfo, fueron la primera civilización que se desarrolló por completo en Mesoamérica. Su cultura fue la primera en desarrollar muchos rasgos que se mantuvieron constantes en Mesoamérica hasta los últimos días de los aztecas: un calendario astronómico complejo, la práctica ritual de un juego de pelota y la erección de estelas para conmemorar victorias u otros eventos importantes.
Las creaciones artísticas más famosas de los olmecas son colosales cabezas de basalto , que se cree que son retratos de gobernantes que se erigieron para publicitar su gran poder. Los olmecas también esculpieron figurillas votivas que enterraron bajo los pisos de sus casas por razones desconocidas. Estos fueron modelados con mayor frecuencia en terracota, pero también ocasionalmente tallados en jade o serpentina .
Monumento 1, una de las cuatro cabezas colosales olmecas de La Venta . Este mide casi 3 metros (9 pies) de altura.
Una figura de "hombre alargado", serpentina de color verde oscuro . Kunz Axe; 1200-400 AEC; cuarzo verde pulido ( aventurina ); altura: 29 cm, ancho: 13,5 cm; Museo Británico (Londres) [32] Máscara de jade; Siglos X-VI a. C.; jadeíta ; altura: 17,1 cm (6 3 / 4 in.), anchura: 16,5 (6 5 / 16 ; in.) Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Teotihuacan [ editar ]
Teotihuacan fue una ciudad construida en el Valle de México , que contiene algunas de las estructuras piramidales más grandes construidas en las Américas precolombinas . Establecida alrededor del 200 a. C., la ciudad cayó entre los siglos VII y VIII d. C. Teotihuacan tiene numerosos murales bien conservados .
Un mural que muestra lo que se ha identificado como la Gran Diosa de Teotihuacan
Arquitectura teotihuacana restaurada que muestra el uso típico mesoamericano de pintura roja complementada con decoración de oro y jade sobre mármol y granito
Máscara con collar con 55 cuentas y colgante; serpentina con incrustaciones de amazonita , turquesa, concha, coral y obsidiana , 8 pulgadas de alto , Museo Nacional de Antropología
Estatua de Chalchiuhtlicue ; Museo Nacional de Antropología
Cultura clásica de Veracruz [ editar ]
En su libro de 1957 sobre arte mesoamericano, Miguel Covarrubias habla de las "magníficas figuras huecas con rostros expresivos, en posturas majestuosas y con parafernalia elaborada indicada por elementos de arcilla añadidos". [33]
Gran figura de terracota de un joven cacique al estilo Remojadas. 300–600 CE; Altura: 31 pulgadas (79 cm). Figura de dualidad hombre-mujer de Remojadas , 200-500 EC. Tenga en cuenta el pecho femenino y los pájaros en el lado derecho de la figura. Urna de altar Veracruz
Cabeza de piedra de una mujer de El Tajín
Zapoteca [ editar ]
"El Dios Murciélago era una de las deidades importantes de los mayas, muchos elementos de cuya religión también eran compartidos por los zapotecas . Se sabe que el Dios Murciélago en particular ha sido venerado también por los zapotecas ... Estaba especialmente asociado ... . con el inframundo ". [ atribución necesaria ] [34] Un importante centro zapoteca fue Monte Albán , en la actual Oaxaca , México. Los períodos de Monte Albán se dividen en I, II y III, que van del 200 a. C. al 600 d. C.
Urna de cerámica, 200 a. C. - 800 d. C., Museo Británico. [35] Vasija de cerámica zapoteca
Adornos dorados usados por funcionarios del gobierno zapoteca
Máscara de mosaico que representa a un dios murciélago, 25 piezas de jade, con ojos amarillos hechos de concha. Fue encontrado en una tumba en Monte Albán.
Maya [ editar ]
La civilización maya ocupó el sur de México , todo Guatemala y Belice , y las porciones occidentales de Honduras y El Salvador .
Pedernal excéntrico maya del Período Clásico , posiblemente de Copán o Quiriguá , Musées Roayaux d'art et d'Histoire, Bruselas
Retrato de K'inich Janaab Pakal I; 615–683; estuco; altura: 43 cm (1 pie 5 pulg.); Museo Nacional de Antropología (Ciudad de México)
Placa de jade de un rey maya; 400-800 (período clásico); alto: 14 cm, ancho: 14 cm; encontrado en Teotihuacan ; Museo Británico (Londres).
Alivio que muestra a Aj Chak Maax presentando cautivos ante el gobernante Itzamnaaj B'alam III de Yaxchilan ; 22 de agosto de 783
Tolteca [ editar ]
Los Atlantes - columnas en forma de guerreros toltecas en Tula . Expresiva vasija de barro de color naranja al estilo tolteca. Talla de pájaro tolteca en granito en Tula
Barco tortuga tolteca
Mixteco [ editar ]
Rey y señor de la guerra mixteco Ocho ciervos Jaguar Garra (derecha) Encuentro con cuatro jaguares, en una representación del Codex Zouche-Nuttall precolombino . Pectoral mixteca de oro y turquesa, Escudo de Yanhuitlán. Museo Nacional de Antropología
Acercamiento del mosaico de piedra mixteca en Mitla . Esta fue una inspiración para mosaicos similares de Frank Lloyd Wright .
Quemador de incienso mixteco
Totonaco [ editar ]
Figura de un comandante sentado; 300–600; Instituto de Arte de Chicago (EE. UU.)
Figura masculina de pie; 600–900; loza de barro; del centro de Veracruz (México); Museo Gardiner ( Toronto , Canadá)
Escultura; 700–900; andesita ; altura: 35,56 cm (14 pulg.)
Jefes; circa 900; Museo Etnográfico de Leipzig (Leipzig, Alemania)
Huastec [ editar ]
Azteca [ editar ]
Serpiente de dos cabezas ; 1450-1521; madera de cedro ( Cedrela odorata ), turquesa , concha, restos de dorado y resina de pino y resina de Bursera para adhesivo; 20,3 pulg. H; Museo Británico (Londres).
La página 13 original del Codex Borbonicus ; Bibliothèque de l'Assemblée Nationale (París). Esta decimotercera trecena (del calendario sagrado azteca) estaba bajo los auspicios de la diosa Tlazōlteōtl , que se muestra en la parte superior izquierda con una piel desollada, dando a luz a Centeōtl . Los signos de 13 días de esta trecena , comenzando con 1 Terremoto, 2 Pedernal / Cuchillo, 3 Lluvia, etc., se muestran en la fila inferior y en la columna de la derecha.
Piedra del calendario azteca ; 1502-1521; basalto ; diámetro: 358 cm (141 pulg.); espesor: 98 cm (39 pulg.); descubierto el 17 de diciembre de 1790 durante las reparaciones en la Catedral de la Ciudad de México ; Museo Nacional de Antropología ( Ciudad de México ). El propósito exacto y el significado de la Piedra del Calendario no están claros. Los arqueólogos e historiadores han propuesto numerosas teorías, y es probable que su interpretación tenga varios aspectos [36].
Vasija efigie de Tlāloc ; 1440-1469; loza pintada; altura: 35 cm (1 3 / 4 ; in.) Museo del Templo Mayor (Ciudad de México). Templo Mayor , dedicado a Tlāloc . Esta jarra, cubierta de estuco y pintada de azul, está adornada con el rostro de Tlāloc , identificado por su coloración, dientes anillados y dientes de jaguar.
Centroamérica y "zona intermedia" [ editar ]
Gran Chiriquí
Gran Nicoya Los pueblos antiguos de la Península de Nicoya en la actual Costa Rica tradicionalmente esculpían pájaros en jade , que se usaban para adornos funerarios. [37] Alrededor del año 500 d. C., los ornamentos de oro reemplazaron al jade, posiblemente debido al agotamiento de los recursos de jade. [38]
Caribe [ editar ]
Duho (taburete ceremonial de madera), Hispaniola . Taíno , 1000-1500 d.C., lignum vitae tallado Taíno zemi , palo fierro con incrustaciones de concha, República Dominicana , cuenco de los siglos XV-XVI utilizado para rituales de cohoba [39] Las Caritas , petroglifos taínos, lago Enriquillo , República Dominicana Petroglifos de la cancha de pelota de batey taíno , Caguana, Utuado, Puerto Rico
Sudamericano [ editar ]
Las civilizaciones nativas se desarrollaron más en la región andina , donde se dividen aproximadamente en civilizaciones de los Andes del norte de la actual Colombia y Ecuador y las civilizaciones de los Andes del sur de los actuales Perú y Chilé .
Las tribus de cazadores-recolectores a lo largo de la selva amazónica de Brasil también han desarrollado tradiciones artísticas que involucran tatuajes y pintura corporal. Debido a su lejanía, estas tribus y su arte no se han estudiado tan a fondo como las culturas andinas, y muchas incluso permanecen aisladas .
Área Istmo-Colombiana [ editar ]
El Área Istmo-Colombiana incluye algunos países de América Central (como Costa Rica y Panamá ) y algunos países de América del Sur cerca de ellos (como Colombia ).
San Agustín [ editar ]
Figuras zoomorfo-antropomorfas del Parque Arqueológico San Agustín
Figura del Parque Arqueológico San Agustín
Tarro de doble pico con asa de correa; 500 BCE-500 CE; cerámica pintada antideslizante; altura: 21,27 cm (8 3 / 8 in.), anchura: 19.05 cm (7 1 / 2 in.), profundidad: 17,46 cm (6 7 / 8 ; in.) Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (EE. UU.)
Colgante; 1 CE-900; oro; 3,1 x 9,7 x 8,8 cm; Museo del Oro ( Bogotá , Colombia)
Calima [ editar ]
Máscara funeraria; Siglos V-I aC; oro repujado; Etapa de Ilama ; Museo Metropolitano de Arte
Colgante de figura con cabeza de animal; Siglo I-VII; oro; altura: 6,35 cm (2 1 / 2 ; in.) Etapa de Yotoco ; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Vasija de doble caño y asa de correa con figura mitológica; 400-1200; cerámica pintada antideslizante; altura: 19,37 cm (7 5 / 8 in.), anchura: 19.05 cm (7 1 / 2 in.), profundidad: 10,32 cm (4 1 / 16 ; in.) Etapa de Yotoco ; Museo de Arte del Condado de Los Ángeles
Tolima [ editar ]
Pectoral; 1 CE-550; tumbaga ; 23,4 x 25,7 cm; Museo del Oro ( Bogotá , Colombia)
Colgante; Siglo I-VII; oro; Museo de Arte de Cleveland ( Cleveland , Ohio , EE. UU.)
Colgante antropomorfo; Siglo V-X; Museo Metropolitano de Arte
Colgantes en forma de pez volador; Siglos X-XV; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Gran Coclé [ editar ]
Plato de pedestal; 600–800; altura: 15,24 cm (6 in.), diámetro: 27,69 cm (10 7 / 8 ; in.) Museo de Arte Walters
Plato de cerámica; Museo de Arqueología y Antropología de la Universidad de Pensilvania (EE. UU.)
Placa de oro de Sitio Conte ; Museo de Arqueología y Antropología de la Universidad de Pensilvania
Artefactos de culturas desconocidas de Panamá [ editar ]
Ser humano con su espíritu protector; Siglo VI-siglo IX; Museo Rietberg ( Zúrich , Suiza)
Recipiente con diseño de tortuga; Siglo XI-Siglo XIV; Museo de Arte de Cleveland ( Ohio , EE. UU.)
2 colgantes en forma de tiburón; Siglo XI-XVI; fundición de aleación de oro; de la provincia de Chiriquí ; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Colgante con 2 figuritas; oro; Siglo XII-siglo XVI; Museo Metropolitano de Arte
Diquis [ editar ]
Una de las esferas de piedra de Costa Rica
Metate ceremonial; 1500 a. C.-1400; altura: 56 cm (22 1 / 16 in.), anchura: 94,4 cm (37 3 / 16 in.), profundidad: 78 cm (30 11 / 16 ; in.) Museo de Arte Walters ( Baltimore , EE. UU.)
Figura de piedra que se asemeja a un chamán enmascarado; 1000-1500; Musée du quai Branly (París)
Dos colgantes con forma de langosta; 700-1550; Museo del Jade Marco Fidel Tristán Castro ( San José , Costa Rica)
Artefactos de culturas desconocidas de Costa Rica [ editar ]
Colgante de pájaro; Siglo I-V; jadeíta ; altura: 6,7 cm (2 5 / 8 in.), anchura: 1,9 cm ( 3 / 4 in.), profundidad: 4,7 cm (1 7 / 8 ; in.) Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Colgante en forma de celta que probablemente representa a un dios; Siglo IV a. C.-siglo VII d. C.; jadeíta de la región sur de Nicoya ; Museo de Arte de Cleveland ( Ohio , EE. UU.)
Vasija de efigie de chamán; 1000-1350; loza, mono antideslizante blanco, pintura antideslizante; altura: 30,4 cm (12 pulgadas), ancho: 24,1 cm (9,5 pulgadas), profundidad: 24,3 cm (9,5 pulgadas); Museo de Arte Walters ( Baltimore , EE. UU.)
Nariño [ editar ]
Adorno de nariz; Siglos VII-XII; aleación de oro en voladizo ; Museo Metropolitano de Arte
Adorno de nariz; Siglos VII-XII; aleación de oro en voladizo; Museo Metropolitano de Arte
Cuenco con patas que representa a una pareja de monos; 750-1250; cerámica pintada resistente ; altura: 8,9 cm (3 1 / 2 in.), el diámetro de la taza: 20,48 cm (8 1 / 16 in.), diámetro del pie: 7,94 cm (3 1 / 8 ; in.) Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (EE. UU.)
Vasija con forma de calabaza; 850-1500; cerámica pintada resistente; altura: 26,35 cm (10 3 / 8 in.), diámetro: 20,32 cm; (8 in.) Museo de Arte del Condado de Los Ángeles
Quimbaya [ editar ]
Recipiente de cal; Siglo V-IX; oro; 23 cm (9 pulgadas) de alto; Museo Metropolitano de Arte (Ciudad de Nueva York). Probablemente utilizado por un miembro de la élite de Quimbaya
Dos estatuas caciques sentadas en taburetes; Museo de las Américas ( Madrid , España)
Aviones Quimbaya en Museo de las Américas (Madrid)
Figura de cerámica con decoración de tumbaga; 1200-1500; Museo de las Américas
Muisca [ editar ]
La balsa Muisca ; circa 600-1600; aleación de oro; 19,5 x 10,1 cm; Museo del Oro ( Bogotá , Colombia)
Tunjo ; Siglo X-XVI; de la región del lago Guatavita ; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Máscara; oro; 8,7 x 12,7 cm; Museo del Oro ( Bogotá )
Máscara de cerámica; Museo Nacional de Colombia (Bogotá)
Zenú [ editar ]
Adorno de dos cabezas con forma de ciervo; circa 400-1000; Museo de Arte de Cleveland ( Cleveland , Ohio, EE. UU.)
Adorno en forma de búho; circa 400-1000; Museo de Arte de Cleveland
Remate de pájaro; Siglo V-X; oro; altura 12,1 cm (4 3 / 4 in.); Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Olla con base anular y figuras modeladas; 500-1550; cerámica amarilla; altura: 28,6 cm (11,2 pulgadas); ancho: 31,8 cm (12,5 pulgadas); Museo de Arte Walters ( Baltimore , EE. UU.)
Tairona [ editar ]
Cuenco de patas pequeñas con asas de cabeza de tigre; 1000-1500; loza de barro; 5 × 10,1 cm (2 × 4 pulg.); Museo de Arte Walters ( Baltimore , EE. UU.)
Figura ancestral; 1000-1550; piedra marrón alto: 18,1 cm (7,1 pulgadas), ancho: 4,8 cm (1,8 pulgadas); Museo de Arte Walters
Colgante anthopomorfo; 1000-1550; fundición de aleación de oro; anchura: 14,6 cm (5 3 / 4 ; in.) Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Colgante anthopomorfo; siglo 18; oro; altura: 13 cm (5,1 pulgadas), ancho: 13 cm (5,1 pulgadas), profundidad: 4,5 cm (1,7 pulgadas); Musée du Quai Branly (París)
Artefactos de culturas desconocidas de Colombia [ editar ]
Cuchillo dorado para ceremonias; Siglo II EC; del Valle del río Cauca ; Museo del Oro ( Bogotá , Colombia)
Adorno de nariz; sin fecha; aleación de oro; altura: 19,9 cm (7,8 pulg.), ancho: 5,2 cm (2 pulg.), profundidad: 0,1 cm; Museo de Arte Walters ( Baltimore , EE. UU.)
Región de los Andes [ editar ]
Valdivia [ editar ]
Figura de loro; 4000-1500 AC
Estatua del antepasado con seis caras; Museo Casa del Alabado de Arte Precolombino ( Quito , Ecuador)
Figurilla femenina; 2600-1500 AEC; cerámico; 11 x 2,9 x 1,6 cm (4 5 / 16 x 1 1 / 8 x 5 / 8 in.); Museo de Brooklyn (Nueva York)
Figura en forma de jaguar; 2000-1000 AEC; serpentina verde
Chavín [ editar ]
Una escultura de piedra de Chavín en forma de cabeza de hombre, adorno de pared; Siglo IX a. C. Museo de la Nación ( Lima , Perú)
Corona de chavín; 1200 a. C.-1 d. C. ( época formativa ); oro; Museo Larco (Lima)
Recipiente con pico estribo con adorno de volutas; cerámico; 900-200 a. C. altura: 18,4 cm, diámetro: 16,2 cm; Museo de Arte de Dallas ( Dallas , Texas , EE. UU.)
Estela de Raimondi ; Siglos V-III a. C. granito; altura: 1,95 (6 pies 6 pulg.); Museo Nacional de Arqueología, Antropología e Historia del Perú ( Lima , Perú).
Paracas [ editar ]
Manto de Paracas 200 d.C. Museo Larco , Lima-Perú Manto de Nazca de la Necrópolis de Paracas , 0-100. Este es un diseño de "pez doble" (probablemente tiburones). Colecciones del Museo de Brooklyn
Nasca [ editar ]
Un barco de puente y caño doble con forma de pez de Cahuachi Un ejemplo de las Líneas de Nasca
Moche [ editar ]
Tocado ceremonial; 300–600; oro, crisocola y conchas
Cerámica que representa a un felino rastrero ; cerámica con incrustaciones de nácar ; Museo Larco ( Lima , Perú)
2 adornos para las orejas con corredores alados; Siglo V-siglo VIII; oro, turquesa, sodalita y concha; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Recuay [ editar ]
Figura sentada; Siglo II a. C.-siglo III d. C.; piedra; 63,5 × 44,45 × 20,32 cm (25 × 17 1 / 2 × 8 in.); peso: 102,5129 kg (226 lb.); Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Botella de efigie; 200 a. C. 500 d. C. loza y pintura antideslizante; altura: 28,2 cm (11,1 pulg.), diámetro: 20,5 cm (8 pulg.); Museo de Arte Walters ( Baltimore , EE. UU.)
Florero con escena musical; 300 a.C.-300 d.C. arcilla pintada; altura: 21,5 cm; de la región costera norte del Perú; Kloster Allerheiligen ( Schaffhausen ; Suiza)
Fragmento textil; Siglo IV-VI; pelo de camélido; global: 33,02 x 82,55 cm (13 × 32 1 / 2 ; in.) Museo Metropolitano de Arte
Tolita [ editar ]
Figura de pie; Siglo I a.C.-siglo I d.C.; oro enmascarado; altura: 22,9 cm (9 pulg.); Museo Metropolitano de Arte
Adorno de nariz; Siglo I-V; oro y plata repujada; Museo Metropolitano de Arte
Wari [ editar ]
Adorno en forma de pájaro; Siglo VI-X; oro repujado; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Figura antropomorfa; Siglos VII-X; arcilla quemada; del Valle del Mantaro; Museo Rietberg ( Zúrich , Suiza)
Figura mozáica; Siglos VII-XI; madera con incrustaciones de concha y piedra y plata; 10,2 x 6,4 x 2,6 cm; del Imperio Wari ; Museo de Arte Kimbell ( Fort Worth , Texas , EE. UU.)
Recipiente con forma de sacrificador; circa 769–887; madera y cinabrio ; Museo de Arte de Cleveland (EE. UU.)
Lambayeque / Sican [ editar ]
Vasos de precipitados; Siglos IX-XI; oro; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Taza; 900-1100; Instituto de Arte de Chicago (EE. UU.)
Máscara de tocado de Sicán; Siglos X-XI; oro, plata y pintura; altura: 29,2 cm (11 1 / 2 ; in.) Museo Metropolitano de Arte
Cuchillo ceremonial ( tumi ); Siglos X-XIII; oro, turquesa, piedra verde y concha; altura: 33 cm (1 pie 1 pulg.); Museo Metropolitano de Arte
Tiwanaku [ editar ]
Primer plano de una espiga de piedra tallada incrustada en la pared del templo semisubterráneo de Tiwanaku Receptáculo antropomorfo Estela de Ponce en el patio hundido del templo Kalasasaya de Tiwanaku
Capulí [ editar ]
Colgante; Siglo IV-X; oro; altura: 14,6 cm (5 3 / 4 ; in.) Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
Placa en forma de cara; Siglo VII-XII; oro; diámetro: 1,9 cm (3 5 / 8 ; in.) Museo Metropolitano de Arte
Masticador de coca en forma de figura masculina en un banco; Siglos IX-XV; cerámico; altura: 21,6 cm (8 1 / 2 in.), anchura: 10,2 cm; (4 pulg.) Museo Metropolitano de Arte
Cuenco sostenido por 3 figuras; 850-1500; cerámica pintada resistente; altura: 28,58 cm (11 1 / 4 in.), el diámetro de la taza: 19,69 cm (7 3 / 4 ; in.) de Colombia; Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (EE. UU.)
Imperio chimú [ editar ]
Ropa de oro Chimú , 1300 d.C., Museo Larco , Lima, Perú. Vasija de cerámica de llama, 1100-1400 d.C., Museo de América, Madrid, España Manto chimú, Período Intermedio Tardío, 1000-1476 EC, con pelícanos y atún
Chancay [ editar ]
Adorno de muñeca con cuentas, ca. 1100-1399 d.C., cuentas de concha molidas a mano, cordelería, 4.25 pulg., Museo Metropolitano de Arte
Fragmento ofslit tapiz con la excéntrica de tejido y la franja aplicada, 1000-1470, fibra de camélidos y algodón, 16 3 / 4 x 18 pulg., Los Angeles County Museum of Art
Embarcación; 1000-1470; loza, pintura antideslizante; altura: 29,6 cm (11,6 pulg.); diámetro: 12,1 cm (4,7 pulg.); Museo de Arte Walters
Inca [ editar ]
Mural de oro martillado y repudiado Túnica inca Estatuillas incas de plata y oro, del Musee D ' Auch
Amazonia [ editar ]
Tradicionalmente limitado en el acceso a la piedra y los metales, los pueblos indígenas amazónicos se destacan en el trabajo con plumas, pintura, textiles y cerámica. La Caverna da Pedra Pintada (Cueva de la Roca Pintada) en el estado de Pará, Brasil, alberga el arte más antiguo de América firmemente fechado: pinturas rupestres que datan de hace 11.000 años. La cueva es también el sitio de las cerámicas más antiguas de América, desde 5000 a. C. [40]
La isla de Marajó , en la desembocadura del río Amazonas, fue un importante centro de tradiciones cerámicas desde el año 1000 d.C. [40] y continúa produciendo cerámica en la actualidad, caracterizada por bases de color crema pintadas con diseños geométricos lineales de rojo, negro. y resbalones blancos .
Con acceso a una amplia gama de especies de aves nativas, los pueblos indígenas amazónicos sobresalen en el trabajo de las plumas, creando tocados, joyas, ropa y abanicos de colores brillantes. Las alas de escarabajo iridiscentes se incorporan en aretes y otras joyas. El tejido y la cestería también prosperan en el Amazonas, como se observa entre los Urarina de Perú. [41]
Pintura rupestre, Parque Nacional Serra da Capivara
Vaso zoomorfo de cerámica, cultura Santarém , Museu Paraense Emílio Goeldi, Belém, Brasil Tiriyó - Abalorios Kaxuyana , Memorial dos Povos Indígenas , Brasília
Enawene-nawe plumas y arte corporal
Moderno y contemporáneo [ editar ]
Inicios del arte nativo americano contemporáneo [ editar ]
Identificar el momento exacto de aparición del arte nativo "moderno" y contemporáneo es problemático. En el pasado, los historiadores del arte occidentales han considerado el uso de los medios artísticos occidentales o la exhibición en la arena internacional del arte como criterios para la historia del arte nativo americano "moderno". [42] La historia del arte de los nativos americanos es una disciplina académica nueva y muy controvertida, y estos puntos de referencia eurocéntricos se siguen cada vez menos en la actualidad. Los artistas nativos emplearon muchos medios considerados apropiados para el arte de caballete durante siglos, como la escultura en piedra y madera y la pintura mural. Los artistas del Pueblo Ancestral pintaron con temple sobre tela de algodón tejida, hace al menos 800 años. [43] Ciertos artistas nativos utilizaron materiales de arte no indígenas tan pronto como estuvieron disponibles. Por ejemplo,El artista texcocano Fernando de Alva Cortés Ixtlilxóchitl pintó con tinta y acuarela sobre papel a finales del siglo XVI. Encuadernados en el Codex Ixtlilxóchitl, estos retratos de líderes históricos de Texcocan están representados con sombreado, modelado y precisión anatómica. [44] La Escuela Cuzco de Perú contó con pintores de caballete quechuas en los siglos XVII y XVIII. Los primeros gabinetes de curiosidades en el siglo XVI, precursores de los museos modernos, presentaban arte nativo americano.
La noción de que las bellas artes no pueden ser funcionales no ha ganado una aceptación generalizada en el mundo del arte de los nativos americanos, como lo demuestra la alta estima y el valor que se le da a las alfombras, mantas, cestería, armas y otros artículos utilitarios en las exposiciones de arte de los nativos americanos. Una dicotomía entre bellas artes y artesanía no se encuentra comúnmente en el arte nativo contemporáneo. Por ejemplo, Cherokee Nation rinde homenaje a sus más grandes artistas como tesoros vivientes, incluidos los fabricantes de rana y pez , talladores de pedernal y tejedores de cestas , junto con escultores, pintores y artistas textiles. [45]La historiadora de arte Dawn Ades escribe: "Lejos de ser inferiores, o puramente decorativos, las artesanías como los textiles o la cerámica, siempre han tenido la posibilidad de ser portadoras de conocimientos, creencias y mitos vitales". [46]
Los mercados de arte reconocibles entre nativos y no nativos surgieron con el contacto, pero la década de 1820-1840 fue una época muy prolífica. En el noroeste del Pacífico y la región de los Grandes Lagos, las tribus que dependen de la rápida disminución del comercio de pieles adoptaron la producción de arte como medio de apoyo financiero. Un movimiento de pintura conocido como la Escuela Realista Iroquois surgió entre los Haudenosaunee en Nueva York en la década de 1820, encabezado por los hermanos David y Dennis Cusick . [47]
La escultora africana-Ojibwe, Edmonia Lewis mantuvo un estudio en Roma, Italia y esculpió escultores de mármol neoclásicos de las décadas de 1860 a 1880. Su madre pertenecía a la banda Mississauga de la Reserva India Credit River . Lewis exhibió ampliamente, y un testimonio de su popularidad durante su propio tiempo fue que el presidente Ulysses S. Grant le encargó tallar su retrato en 1877. [48]
Artista de Ho-Chunk , Angel De Cora fue el artista nativo americano más conocido antes de la Primera Guerra Mundial. [49] La llevaron de su reserva y su familia al Instituto Hampton , donde comenzó su larga formación artística formal. [50] Activa en el movimiento de Artes y Oficios , De Cora exhibió sus pinturas y diseño ampliamente e ilustró libros de autores nativos. Se esforzó por ser tribalmente específica en su trabajo y fue revolucionaria por retratar a los indios con ropa contemporánea de principios del siglo XX. Enseñó arte a jóvenes estudiantes nativos en Carlisle Indian Industrial Schooly fue un firme defensor del arte como un medio para que los nativos americanos mantuvieran el orgullo cultural, mientras encontraban un lugar en la sociedad en general. [51]
Los Kiowa Six , un grupo de pintores kiowa de Oklahoma, tuvieron éxito internacional cuando su mentor, Oscar Jacobson , mostró sus pinturas en la Primera Exposición Internacional de Arte en Praga, Checoslovaquia en 1928. [52] También participaron en la Bienal de Venecia de 1932 , donde su exhibición de arte, según Dorothy Dunn , "fue aclamada como la exhibición más popular entre todas las ricas y variadas exhibiciones reunidas". [53]
El Mercado Indígena de Santa Fe comenzó en 1922. John Collier se convirtió en Comisionado de Asuntos Indígenas en 1933 y temporalmente revirtió las políticas asimilacionistas de la BIA al fomentar las artes y la cultura de los nativos americanos. En ese momento, las exhibiciones de arte de los nativos americanos y el mercado del arte aumentaron, ganando un público más amplio. En las décadas de 1920 y 1930, los movimientos artísticos indigenistas florecieron en Perú , Ecuador , Bolivia y México , sobre todo con los movimientos muralistas mexicanos .
Cestería [ editar ]
El tejido de cestas es una de las formas de arte antiguas y más extendidas en las Américas. Desde cestas enrolladas de hierba de lyme marina en Nunavut hasta cestas de corteza en Tierra del Fuego, los artistas nativos tejen cestas de una amplia gama de materiales. Normalmente, las cestas están hechas de fibras vegetales, pero los Tohono O'odham son conocidos por sus cestas de crin y los artistas Inupiaq tejen cestas con barbas , placas filtrantes de ciertas ballenas. [54] Grand Traverse Band Kelly Church , Wasco-Wishram Pat Gold y Eastern Band Cherokee Joel Queen tejen cestas de láminas de cobre o alambre, y Mi'kmaq - Artista conceptual de OnondagaGail Tremblay teje cestas con los patrones tradicionales de fantasía de sus tribus a partir de películas expuestas. La cestería puede tomar muchas formas. La artista haida Lisa Telford usa corteza de cedro para tejer tanto cestas funcionales tradicionales como vestidos de noche de cedro poco prácticos pero hermosos y zapatos de tacón alto. [55]
Una variedad de pastos nativos proporciona material para las cestas árticas, al igual que las barbas, que es un desarrollo del siglo XX. Las cestas barbadas suelen estar adornadas con tallas de marfil de morsa. [54] La corteza de cedro se utiliza a menudo en cestas costeras del noroeste. A lo largo de los Grandes Lagos y el noreste, la ceniza negra y la hierba dulce se entrelazan en un trabajo elegante, con puntas de "puercoespín" o decoradas como fresas. Las cestas de corteza son tradicionales para recolectar bayas. La caña de río es el material preferido en el sureste, y Chitimachasson considerados como los mejores tejedores de caña de río. En Oklahoma, la caña de río es muy apreciada, pero rara, por lo que las cestas suelen estar hechas de madreselvas o corredores de matorrales. Las cestas enrolladas son populares en el suroeste y los Hopi y Apache en particular son conocidos por sus placas pictóricas de cestería enrolladas. Los Tohono O'odham son bien conocidos por su destreza en el tejido de cestas, como lo demuestra el éxito de Annie Antone y Terrol Dew Johnson .
Las tribus de California y Great Basin son consideradas algunas de las mejores tejedoras de cestas del mundo. Juncus es un material común en el sur de California, mientras que también se utilizan juncos, sauce, redbud y garra del diablo. Se sabe que los tejedores de cestas de pomo tejen entre 60 y 100 puntos por pulgada y sus cestas redondeadas y enrolladas adornadas con nudos de cabeza de codorniz, plumas, abulón y discos de concha se conocen como "cestas del tesoro". Tres de las tejedoras de cestas californianas más famosas fueron Elsie Allen (Pomo), Laura Somersal ( Wappo ) y la curandera Pomo- Patwin , Mabel McKay , [56] conocida por su biografía Weaving the Dream .Louisa Keyser fue una tejedora de cestas Washoe muy influyente .
Las tribus choctaw , cherokee, chitimacha, tarahumaras y venezolanas comparten una técnica compleja llamada "tejido doble", que consiste en tejer continuamente tanto una superficie interior como exterior . Mike Dart , Cherokee Nation , es un practicante contemporáneo de esta técnica. Los Tarahumara, o Raramuri, de las Barrancas del Cobre , México, típicamente tejen con agujas de pino y sotol . En Panamá , los pueblos Embera-Wounaan son famosos por sus canastas de palma chunga pictóricas , conocidas como hösig di , coloreadas con un amplio espectro de tintes naturales .
Los tejedores de cestas yanomamo de la Amazonía venezolana pintan su bandeja tejida y cestas de carga con diseños geométricos en carbón y sobre una baya roja. [57] Mientras que en la mayoría de las tribus los tejedores de cestas son a menudo mujeres, entre la tribu Waura en Brasil, los hombres tejen cestas. Tejen una amplia gama de estilos, pero los más grandes se llaman mayaku , que pueden tener dos pies de ancho y presentan tejidos ajustados con una impresionante variedad de diseños. [58]
Hoy en día, el tejido de cestas conduce a menudo al activismo medioambiental. La fumigación indiscriminada de plaguicidas pone en peligro la salud de los tejedores de cestas. El fresno negro , utilizado por los tejedores de cestas desde Michigan hasta Maine, está amenazado por el barrenador esmeralda del fresno . La tejedora de cestas Kelly Church ha organizado dos conferencias sobre la amenaza y enseña a los niños cómo cosechar semillas de fresno negro. [59] Muchas plantas nativas que utilizan los tejedores de cestas están en peligro de extinción. La caña de río solo crece en el 2% de su territorio original. Tejedora de cestas cherokee y etnobotánica, Shawna Cain está trabajando con su tribu para formar la Sociedad de Plantas Nativas de la Nación Cherokee. [60] Tohono O'odham, tejedor de cestas Terrol Dew Johnson, conocido por su uso experimental de calabazas, pasto de oso y otras plantas del desierto, se interesó por las plantas nativas y fundó Tohono O'odham Community Action, que proporciona alimentos tradicionales silvestres del desierto para su tribu. [61]
Abalorios [ editar ]
El trabajo con abalorios es una forma de arte esencialmente nativa americana, pero irónicamente usa abalorios importados de Europa y Asia. Las perlas de vidrio se han utilizado durante casi cinco siglos en las Américas. Hoy en día florece una amplia gama de estilos de abalorios.
En los Grandes Lagos, las monjas ursulinas introdujeron patrones florales a las tribus, quienes rápidamente los aplicaron al trabajo de abalorios. [62] Las tribus de los Grandes Lagos son conocidas por sus bolsos bandolera, que pueden tardar todo un año en completarse. [63] Durante el siglo XX, las tribus de la meseta, como los Nez Perce, perfeccionaron el trabajo de abalorios en forma de contorno, en el que las líneas de los abalorios están cosidas para enfatizar las imágenes pictóricas. Las tribus de las llanuras son maestras de los artesanos, y en la actualidad, los trajes de baile para hombres y mujeres presentan una variedad de estilos de abalorios. Mientras que las tribus de las llanuras y la meseta son famosas por sus adornos de caballos con cuentas, las tribus subárticas, como los dene, tienen lujosas mantas florales para perros. [64]Las tribus orientales tienen una estética de abalorios completamente diferente, y las tribus Innu , Mi'kmaq , Penobscot y Haudenosaunee son conocidas por motivos de volutas simétricos en cuentas blancas, llamadas "doble curva". [65] Los iroqueses también son conocidos por los abalorios "en relieve" en los que las cuerdas tensas fuerzan a los abalorios a emerger de la superficie, creando un bajorrelieve. Tammy Rahr (Cayuga) es una practicante contemporánea de este estilo. Los artistas zuni han desarrollado una tradición de esculturas de cuentas tridimensionales.
Los indios huicholes de Jalisco y Nayarit , México tienen un enfoque completamente único para el trabajo con abalorios. Adhieren cuentas, una a una, a una superficie, como madera o calabaza, con una mezcla de resina y cera de abejas. [66]
La mayoría de los abalorios nativos se crean para uso tribal, pero los trabajadores de abalorios también crean trabajos conceptuales para el mundo del arte. Richard Aitson ( Kiowa - Apache ) tiene una audiencia india y no india para su trabajo y es conocido por sus cradleboards totalmente rebordeados . Otra trabajadora de abalorios de Kiowa, Teri Greeves, ha ganado los máximos honores por su trabajo con abalorios, que integra conscientemente motivos tradicionales y contemporáneos, como bailarinas de abalorios en zapatillas Converse. Greeves también cuenta con gamuza y explora temas como la guerra o los derechos de voto de los nativos americanos. [67]
Marcus Amerman , Choctaw , uno de los artistas de abalorios más famosos de la actualidad, fue pionero en un movimiento de retratos de abalorios muy realistas. [68] Su imaginería abarca desde líderes nativos del siglo XIX hasta íconos del pop como Janet Jackson y Brooke Shields.
Roger Amerman, el hermano de Marcus, y Martha Berry , Cherokee , han revivido efectivamente el trabajo de abalorios del sureste, un estilo que se había perdido debido a la expulsión forzosa de las tribus al territorio indio. Su trabajo de abalorios comúnmente presenta contornos de cuentas blancas, un eco de las cuentas de concha o perlas que las tribus del sudeste usaban antes del contacto. [69]
Jamie Okuma ( Luiseño - Shoshone - Bannock ) ganó los principales premios con sus muñecos de cuentas, que pueden incluir familias enteras o caballos y jinetes, todos con vestimentas de cuentas. Las cuentas venecianas antiguas que usa pueden ser tan pequeñas como 22 °, aproximadamente del tamaño de un grano de sal. [70] Juanita Growing Thunder Fogarty , Rhonda Holy Bear y Charlene Holy Bear también son prominentes fabricantes de muñecas con cuentas.
La gran popularidad de las cuentas de vidrio no significa que la fabricación de cuentas aborígenes esté muerta. Quizás la cuenta nativa más famosa es el wampum , un tubo cilíndrico de concha de quahog o buccino . Ambas conchas producen perlas blancas, pero solo partes del quahog producen púrpura. Estos son ceremonial y políticamente importantes para una variedad de tribus del noreste de Woodland . [71] Elizabeth James Perry ( Aquinnah Wampanoag - Eastern Band Cherokee ) crea joyas de wampum en la actualidad, incluidos cinturones de wampum. [72]
Cerámica [ editar ]
La cerámica se ha creado en las Américas durante los últimos 8000 años, como lo demuestra la cerámica encontrada en Caverna da Pedra Pintada en el corazón de la Amazonía brasileña. [73] La isla de Marajó en Brasil sigue siendo un importante centro de arte cerámico en la actualidad. [74] En México, la alfarería de Mata Ortiz continúa la antigua tradición de la alfarería policromada de Casas Grandes . Juan Quezada es uno de los principales alfareros de Mata Ortiz. [75]
En el sureste, la tribu Catawba es conocida por su cerámica moteada de color canela y negro. La cerámica de Eastern Band Cherokees tiene influencias de Catawba. [76] En Oklahoma, los cherokees perdieron sus tradiciones de alfarería hasta que Anna Belle Sixkiller Mitchell los revivió. La tradición alfarera de siglos de la tribu Caddo había desaparecido a principios del siglo XX, pero Jereldine Redcorn la revivió con eficacia .
La gente del pueblo es particularmente conocida por sus tradiciones cerámicas. Nampeyo (c. 1860 - 1942) fue una alfarera Hopi que colaboró con antropólogos para revivir formas y diseños tradicionales de alfarería, y muchos de sus parientes son alfareros exitosos en la actualidad. María y Julián Martínez , ambos de San Ildefonso Pueblo revivieron la tradición del blackware de su tribu a principios del siglo XX. Julian inventó un estilo de blackware mate brillante por el que su tribu todavía es conocida en la actualidad. Lucy Lewis (1898–1992) de Acoma Pueblo ganó reconocimiento por sus cerámicas en blanco y negro a mediados del siglo XX. Cochiti Puebloera conocido por sus figuras grotescas a principios del siglo XX, y Virgil Ortiz las ha revivido. La alfarera cochití Helen Cordero (1915-1994) inventó las figuras narradoras , que presentan una figura grande y única de un anciano sentado que cuenta historias a grupos de figuras más pequeñas. [77]
Si bien los alfareros del norte no son tan conocidos como sus contrapartes del sur, las artes de la cerámica se extienden hasta el Ártico. La alfarera inuit, Makituk Pingwartok de Cape Dorset, usa un torno de alfarería para crear sus cerámicas premiadas. [78]
Hoy en día, los alfareros nativos contemporáneos crean una amplia gama de cerámicas, desde cerámica funcional hasta esculturas de cerámica monumentales. Roxanne Swentzell de Santa Clara Pueblo es una de las ceramistas líderes en América. Crea figuras en espiral y cargadas de emociones que comentan sobre la sociedad contemporánea. Nora Naranjo-Morse , también de Santa Clara Pueblo, es mundialmente reconocida por sus figuras individuales, así como por sus instalaciones conceptuales con cerámica. [79] Diego Romero de Cochiti Pueblo es conocido por sus cuencos de cerámica, pintados con escenas satíricas que combinan imágenes del Pueblo Ancestral, el griego y la cultura pop. Cientos más de ceramistas nativos contemporáneos están llevando la cerámica en nuevas direcciones.
Joyas [ editar ]
Peine de pelo plateado alemán , por Bruce Caeser ( Pawnee - Sac and Fox ), Oklahoma, 1984, Sociedad Histórica de Oklahoma Corbata bolo con superposición plateada de Tommy Singer ( Navajo ), Nuevo México, c. Los ochenta Hebilla de cinturón plateada estampada Navajo , colección de Woolaroc Gorjal de concha por Dan Townsend ( Muscogee Creek - Cherokee ), Florida, c. 2000
Arte de performance [ editar ]
El arte de performance es una nueva forma de arte que surgió en la década de 1960, por lo que no lleva el bagaje cultural de muchos otros géneros artísticos. El arte escénico puede basarse en las tradiciones de la narración de historias, así como en la música y la danza, y a menudo incluye elementos de instalación, video, película y diseño textil. Rebecca Belmore , una artista de performance canadiense de Ojibway , ha representado a su país en la prestigiosa Bienal de Venecia . James Luna , un artista de performance luiseño - mexicano , también participó en la Bienal de Venecia en 2005, [80] en representación del Museo Nacional del Indio Americano .
La interpretación permite a los artistas confrontar a su audiencia directamente, desafiar los estereotipos arraigados y plantear problemas actuales, a menudo de una manera cargada de emociones. "La gente simplemente aúlla en sus asientos, y hay gritos y abucheos o silbidos entre el público", dice Rebecca Belmore sobre la respuesta a su trabajo. [81] Ha creado actuaciones para llamar la atención sobre la violencia y muchos asesinatos sin resolver de mujeres de las Primeras Naciones. Tanto Belmore como Luna crean atuendos y accesorios elaborados, a menudo extravagantes, para sus actuaciones y se mueven a través de una variedad de personajes. Por ejemplo, un personaje recurrente de Luna es el tío Jimmy, [82] un veterano discapacitado que critica la codicia y la apatía en su reserva.
Por otro lado, Marcus Amerman , un artista de performance Choctaw , mantiene un papel constante del Hombre Búfalo, cuya ironía y comentario social surgen de las situaciones extrañas en las que se encuentra, por ejemplo, una película de James Bond o perdido en un laberinto del desierto. . [83] Jeff Marley, Cherokee , se inspira en la tradición del " baile de los mocos " para crear intervenciones subversivas, pero divertidas, que tienen en cuenta la historia y el lugar. [84]
Erica Lord, Inupiaq - Athabaskan , explora su identidad de raza mixta y los conflictos sobre las ideas del hogar a través de su arte escénico. En sus palabras, "Para sostener un yo genuino, creo un mundo en el que cambio para convertirme en una o todas mis múltiples visiones del yo". [85] Ella ha bronceado frases en su piel, se ha puesto disfraces transculturales y de género cruzado e incorporado canciones, que van desde el canto de garganta Inupiaq hasta rimas infantiles racistas en su trabajo.
Una cooperativa anarca-feminista boliviana , Mujeres Creando o "Mujeres Creando" presenta a muchos artistas indígenas. Crean representaciones públicas o teatro callejero para llamar la atención sobre temas relacionados con los derechos de las mujeres, los pueblos indígenas y las lesbianas, así como los temas de lucha contra la pobreza. Julieta Paredes, María Galindo y Mónica Mendoza son miembros fundadores.
El arte escénico ha permitido a los nativos americanos acceder al mundo del arte internacional, y Rebecca Belmore menciona que su público no es nativo; [81] sin embargo, el público nativo americano también responde a este género. Bringing It All Back Home, una colaboración cinematográfica de 1997 entre James Luna y Chris Eyre , documenta la primera actuación de Luna en su propia casa, La Jolla Indian Reservation. Luna describe la experiencia como "probablemente el momento más aterrador de mi vida como artista ... actuando para los miembros de mi reserva en el salón tribal". [86]
Fotografía [ editar ]
Los nativos americanos adoptaron la fotografía en el siglo XIX. Algunos incluso tenían sus propios estudios de fotografía, como Benjamin Haldane (1874-1941), Tsimshian de Metlakatla Village en Annette Island, Alaska , [87] Jennie Ross Cobb (1881-1959), Cherokee Nation de Park Hill, Oklahoma y Richard Throssel (1882-1933), Cree de Montana. Sus primeras fotografías contrastan radicalmente con las imágenes románticas de Edward Curtis y otros contemporáneos. Una investigación reciente de Mique'l Askren (Tsimshian / Tlingit) sobre las fotografías de BA Haldane ha analizado las funciones que las fotografías de Haldane sirvieron para su comunidad: como marcadores de éxito al hacer retratos formales al estilo anglosajón, y como marcadores de la continuidad de la vida. potlaching y ceremonias tradicionales haciendo fotografías tomadas en vestimentas ceremoniales. Esta segunda categoría es particularmente significativa porque el uso de las insignias ceremoniales fue ilegal en Canadá entre 1885 y 1951. [88]
Martín Chambi (1891-1973), fotógrafo quechua de Perú, fue uno de los fotógrafos indígenas pioneros de América del Sur. Peter Pitseolak (1902-1973), inuit de Cape Dorset, Nunavut , documentó la vida de los inuit a mediados del siglo XX mientras se enfrentaba a los desafíos que presentaban el clima severo y las condiciones de luz extrema del Ártico canadiense. Él mismo reveló su película en su iglú y algunas de sus fotos fueron tomadas con lámparas de aceite. Horace Poolaw (1906-1984), Kiowa , tomó más de 2000 imágenes de sus vecinos y parientes en el oeste de Oklahoma desde la década de 1920 en adelante. Jean Fredericks (nacido en 1906), Hopi, tuvo que negociar cuidadosamente los puntos de vista culturales hacia la fotografía y se aseguró de no ofrecer sus retratos de personas Hopi a la venta al público. [89]
Hoy en día, innumerables nativos son fotógrafos de arte profesionales; sin embargo, la aceptación del género se ha enfrentado a desafíos. Hulleah Tsinhnahjinnie , Navajo - Muscogee - Seminole , no solo ha establecido una exitosa carrera con su propio trabajo, sino que también ha sido una defensora de todo el campo de la fotografía nativa americana. Ha comisariado espectáculos y organizado conferencias en el Museo CN Gorman en UC Davis con fotógrafos nativos americanos. Tsinhnahjinnie escribió el libro, Nuestra gente, nuestra tierra, nuestras imágenes: fotógrafos indígenas internacionales. Los fotógrafos nativos han llevado sus habilidades a los campos de la videografía artística, el fotocollage, la fotografía digital y el arte digital.
Grabado [ editar ]
Aunque se especula ampliamente que las antiguas tablas de piedra de Adena se utilizaron para el grabado, no se sabe mucho sobre el grabado aborigen americano . Los artistas nativos del siglo XX han tomado prestadas técnicas de Japón y Europa, como el grabado en madera , el grabado en linóleo , la serigrafía , la monotipificación y otras prácticas.
El grabado ha florecido entre las comunidades inuit en particular. El europeo-canadiense James Houston creó un programa de artes gráficas en Cape Dorset, Nunavut en 1957. [90] Houston enseñó a los talladores de piedra inuit locales cómo crear impresiones a partir de bloques de piedra y plantillas. Pidió a los artistas locales que hicieran dibujos y la tienda generó impresiones de edición limitada, basadas en el sistema de talleres ukiyo-e de Japón. También se establecieron imprentas cooperativas en comunidades cercanas, como Baker Lake , Puvirnituq , Holman y Pangnirtung . Estas tiendas han experimentado con el aguafuerte , el grabado, litografía y serigrafía. Las tiendas producían catálogos anuales publicitando sus colecciones. Las aves y los animales locales, los seres espirituales y las escenas de caza son los temas más populares, [90] pero son de naturaleza alegórica. [91] Los fondos tienden a ser mínimos y la perspectiva es mixta. [92] Uno de los artistas más destacados de Cape Dorset es Kenojuak Ashevak (nacido en 1927), que ha recibido muchos encargos públicos y dos doctorados honoris causa. [92] Otros destacados grabadores y artistas gráficos inuit incluyen a Parr , Osuitok Ipeelee , Germaine Arnaktauyok , Pitseolak Ashoona ,Tivi Etok , Helen Kalvak , Jessie Oonark , Kananginak Pootoogook , Pudlo Pudlat , Irene Avaalaaqiaq Tiktaalaaq y Simon Tookoome . El grabador inuit Andrew Qappik diseñó el escudo de armas de Nunavut .
Muchos pintores nativos transformaron sus pinturas en grabados de bellas artes. El artista de Potawatomi Woody Crumbo creó serigrafías y grabados llamativos a mediados del siglo XX que combinaban el estilo Bacone plano y tradicional con influencias Art Deco . Kiowa - Caddo - Choctaw pintor, TC Cannon viajó a Japón para estudiar la impresión de bloques de madera de maestros impresores.
En Chile, el grabador mapuche Santos Chávez (1934-2001) fue uno de los artistas más célebres de su país, con más de 85 exposiciones individuales durante su vida. [93]
Melanie Yazzie ( Navajo ), Linda Lomahaftewa ( Hopi - Choctaw ), Fritz Scholder y Debora Iyall ( Cowlitz ) han construido carreras exitosas con su impresión y han pasado a enseñar a la próxima generación de impresores. El artista de Walla Walla , James Lavadour, fundó Crow's Shadow Institute of the Arts en la reserva Umatilla en Oregon en 1992. Crow's Shadow cuenta con un estudio de grabado de última generación y ofrece talleres, espacio de exhibición y residencias de grabado para artistas nativos, en que emparejan a artistas visitantes con maestros impresores. [94]
Escultura [ editar ]
Los nativos americanos han creado esculturas, tanto monumentales como pequeñas, durante milenios. Las esculturas de piedra son omnipresentes en América, en forma de estelas , trajes inuks y estatuas. La talla de piedra de alabastro es popular entre las tribus occidentales, donde la talla de catlinita es tradicional en las llanuras del norte y la talla de fetiche es tradicional en el suroeste, particularmente entre los zuni . Los taínos de Puerto Rico y República Dominicana son conocidos por sus zemis , esculturas de piedra sagradas de tres puntas.
Los artistas inuit esculpen con marfil de morsa, astas de caribú, huesos, esteatita, serpentinita y argilita. A menudo representan la fauna local y los seres humanos dedicados a la caza o actividades ceremoniales.
Edmonia Lewis allanó el camino para que los artistas nativos americanos esculpieran en las tradiciones dominantes utilizando materiales no nativos. Allan Houser ( Warms Springs Chiricahua Apache ) se convirtió en uno de los escultores nativos más destacados del siglo XX. Aunque trabajó en madera y piedra, Houser es más conocido por sus monumentales escultores de bronce, tanto representativos como abstractos. Houser influyó en una generación de escultores nativos al enseñar en el Instituto de Artes Indígenas Americanas . Sus dos hijos, Phillip y Bob Haozous, son escultores en la actualidad. Roxanne Swentzell ( Pueblo de Santa Clara) es conocida por sus esculturas de cerámica expresivas y figurativas, pero también se ha ramificado en la fundición de bronce, y su trabajo se exhibe permanentemente en el Museo Nacional del Indio Americano .
Las tribus de la costa noroeste son conocidas por su talla en madera, la más famosa son sus monumentales tótems que muestran las crestas de los clanes. Durante el siglo XIX y principios del XX, esta forma de arte se vio amenazada, pero revivió efectivamente. Los talladores de tótems de Kwakwaka'wakw como Charlie James, Mungo Martin , Ellen Neel y Willie Seaweed mantuvieron vivo el arte y también tallaron máscaras, muebles, cajas de madera curvada y joyas. Los talladores de Haida incluyen a Charles Edenshaw , Bill Reid y Robert Davidson . Además de trabajar en madera, Haida también trabaja con argilita. Los diseños de líneas de forma tradicionales se traducen bien en la escultura de vidrio, que es cada vez más popular gracias a los esfuerzos de artistas contemporáneos del vidrio como Preston Singletary ( Tlingit ), Susan Point ( Coast Salish ) y Marvin Oliver ( Quinault / Isleta Pueblo ). [95]
En el sureste, el tallado en madera domina la escultura. Willard Stone , de ascendencia cherokee, exhibió internacionalmente a mediados del siglo XX. Amanda Crowe ( Eastern Band Cherokee ) estudió escultura en el Art Institute of Chicago y regresó a su reserva para enseñar a más de 2000 estudiantes tallado en madera durante un período de 40 años, asegurando que la escultura prospere como una forma de arte en Qualla Boundary. [96]
Textiles [ editar ]
Se han desenterrado trabajos de fibra que datan de hace 10.000 años de la cueva de Guitarrero en Perú. [97] El algodón y la lana de alpaca, llamas y vicuñas se han tejido en tejidos elaborados durante miles de años en los Andes y siguen siendo partes importantes de la cultura quechua y aymara en la actualidad. Coroma, en la provincia de Antonio Quijarro , Bolivia , es un importante centro de producción textil ceremonial. [98] Un anciano aymara de Coroma dijo: "En nuestros tejidos sagrados están las expresiones de nuestra filosofía y la base de nuestra organización social ... Los tejidos sagrados también son importantes para diferenciar una comunidad, o grupo étnico, de un grupo vecino. ... " [99]
Los miembros de la tribu Kuna de Panamá y Colombia son famosos por sus molas , paneles de algodón con elaborados diseños geométricos creados mediante una técnica de aplicación inversa . Los diseños se originaron a partir de diseños tradicionales de pintura sobre la piel, pero hoy en día exhiben una amplia gama de influencias, incluida la cultura pop . Dos paneles de mola forman una blusa, pero cuando una mujer Kuna se cansa de una blusa, puede desmontarla y vender las molas a coleccionistas de arte. [100]
Las mujeres mayas han tejido algodón con telares de cintura durante siglos, creando artículos como huipiles o blusas tradicionales. Los elaborados textiles mayas presentaban representaciones de animales, plantas y figuras de la historia oral. [101] La organización en colectivos de tejedores ha ayudado a las mujeres mayas a ganar más dinero por su trabajo y a expandir enormemente el alcance de los textiles mayas en el mundo.
Las costureras semínolas , al tener acceso a las máquinas de coser a finales del siglo XIX y principios del XX, inventaron una elaborada tradición de patchwork de apliques. El mosaico de seminolas, por el que se conoce a la tribu hoy en día, floreció en la década de 1920. [102]
Las tribus de los Grandes Lagos y las Praderas son conocidas por sus cintas , que se encuentran en la ropa y las mantas. Las tiras de cintas de seda se cortan y se aplican en capas, creando diseños definidos por el espacio negativo. Los colores y diseños pueden reflejar el clan o el género del usuario. Powwow y otras insignias de baile de estas tribus a menudo cuentan con cintas. Estas tribus también son conocidas por sus fajas tejidas con los dedos .
Los hombres del pueblo tejen con algodón en telares verticales. Sus mantas y fajas se hacen típicamente para uso ceremonial para la comunidad, no para coleccionistas externos.
Las alfombras navajo son tejidas por mujeres navajo hoy en día con ovejas Navajo-Churro o lana comercial. Los diseños pueden ser pictóricos o abstractos, basados en diseños tradicionales navajos, españoles, orientales o persas. Entre los tejedores navajos del siglo XX se encuentran Clara Sherman y Hosteen Klah , cofundadores del Wheelwright Museum of the American Indian .
En 1973, el Departamento de Estudios Navajo del Diné College en Many Farms, Arizona , quería determinar cuánto tiempo le tomaba a un tejedor navajo crear una alfombra o manta desde el esquila de ovejas hasta el mercado. El estudio determinó que la cantidad total de tiempo fue de 345 horas. De estas 345 horas, el experto tejedor navajo necesitó: 45 horas para esquilar las ovejas y procesar la lana; 24 horas para hilar la lana ; 60 horas para preparar el tinte y teñir la lana; 215 horas para tejer la pieza; y solo una hora para vender el artículo en su tienda. [103]
Los textiles tradicionales de los pueblos de la costa noroeste que utilizan materiales y técnicas no occidentales están disfrutando de un resurgimiento espectacular. El tejido de chilkat y el tejido de cola de cuervo se consideran algunas de las técnicas de tejido más difíciles del mundo. Una sola manta de Chilkat puede tardar un año entero en tejerse. En ambas técnicas, la lana de perro, de cabra montesa o de oveja y la corteza de cedro triturada se combinan para crear textiles con diseños de líneas curvas . La tejedora tlingit Jennie Thlunaut (1982-1986) fue fundamental en este renacimiento.
Los artistas textiles experimentales del siglo XXI incluyen a Lorena Lemunguier Quezada , una tejedora mapuche de Chile, y Martha Gradolf ( Winnebago ), cuyo trabajo es de naturaleza abiertamente política. [104] Valencia, Joseph y Ramona Sakiestewa ( Hopi ) [105] y Melissa Cody ( Navajo ) exploran la abstracción no representacional y utilizan materiales experimentales en su tejido.
Sensibilidad cultural y repatriación [ editar ]
Como en la mayoría de las culturas, los pueblos nativos crean algunas obras que deben usarse solo en ceremonias sagradas y privadas. Muchos objetos o artículos sagrados que contienen medicina deben ser vistos o tocados por ciertas personas con conocimientos especializados. Muchas figuras de katsina pueblo y hopi ( tihü en hopi y kokko en zuni ) y vestimentas de katsinam no deben ser vistas por personas que no han recibido instrucción sobre ese katsina en particular. Muchas instituciones no las muestran públicamente por respeto a los tabúes tribales. [106]
Los rollos de corteza de abedul de Midewiwin se consideran demasiado sensibles desde el punto de vista cultural para la exhibición pública, [107] al igual que los paquetes de medicinas , ciertas pipas y bolsas de pipas sagradas, y otras herramientas de los médicos . [108]
La pintura con arena de los navajos es un componente de las ceremonias de curación, pero las pinturas con arena se pueden convertir en arte permanente que es aceptable para vender a los no nativos siempre que no se represente a las personas santas. [109] Varias tribus prohíben la fotografía de muchas ceremonias sagradas, como solía ser el caso en muchas culturas occidentales. Como varios de los primeros fotógrafos violaron las leyes locales, las fotografías de ceremonias delicadas están en circulación, pero las tribus prefieren que no se muestren. Lo mismo puede decirse de las fotografías o bocetos del contenido de los paquetes de medicamentos.
Dos líderes Mohawk demandaron a un museo, tratando de quitar una máscara de False Face Society o Ga: goh: sah de una exhibición porque "era un objeto medicinal destinado a ser visto solo por miembros de la comunidad y que su exhibición pública causaría un daño irreparable a la Mohawk ". [110] El Gran Consejo de Haudenosaunee ha dictaminado que tales máscaras no están a la venta ni a la exhibición pública, [13] ni las máscaras de la Corn Husk Society. [14]
Las tribus y los individuos dentro de las tribus no siempre están de acuerdo sobre lo que es o no apropiado para mostrar al público. Muchas instituciones no exhiben las insignias de la Danza Fantasma . A petición de los líderes tribales, el Museo de Brooklyn se encuentra entre los que no exhiben escudos de guerreros de las llanuras o "artefactos imbuidos del poder de un guerrero". [111] Muchas tribus no quieren bienes funerarios o artículos relacionados con los entierros, como urnas funerarias, en museos, y muchos quisieran que los bienes funerarios asociados se vuelvan a enterrar. El proceso a menudo se facilita dentro de los Estados Unidos bajo la Ley de Protección y Repatriación de Tumbas de los Nativos Americanos (NAGPRA). [112]En Canadá, la repatriación se negocia entre las tribus y los museos o mediante leyes de reclamaciones territoriales. [113] En situaciones internacionales, las instituciones no siempre están obligadas legalmente a repatriar los bienes culturales indígenas a su lugar de origen; algunos museos lo hacen de forma voluntaria, como ocurrió con la decisión de la Universidad de Yale de devolver 5.000 artefactos y restos humanos a Cusco, Perú . [114]
Representación del museo [ editar ]
Las artes indígenas americanas han tenido una relación larga y complicada con la representación de los museos desde principios del siglo XX. En 1931, The Exposition of Indian Tribal Arts fue el primer espectáculo a gran escala que exhibió arte indígena. Su representación en los museos se hizo más común a finales de la década de 1900 como reacción al Movimiento por los Derechos Civiles. Con la creciente tendencia de representación en la atmósfera política, las voces minoritarias también ganaron más representación en los museos. [115]
Aunque se exhibía arte indígena, las elecciones curatoriales sobre cómo exhibir su trabajo no siempre se hicieron con las mejores intenciones. Por ejemplo, las piezas de arte y los artefactos de los nativos americanos a menudo se muestran junto con huesos de dinosaurios, lo que implica que son personas del pasado y que no existen o son irrelevantes en el mundo actual. [116] Los restos de nativos americanos se exhibieron en museos hasta la década de 1960. [117]
Aunque muchos aún no veían el arte nativo americano como parte de la corriente principal en el año 1992, desde entonces ha habido un gran aumento en el volumen y la calidad tanto del arte y los artistas nativos, como de las exposiciones y lugares, y de curadores individuales. . Líderes como el director del Museo Nacional del Indio Americano insisten en que la representación de los indios americanos se haga desde una perspectiva de primera mano. [118] El establecimiento de museos como el Museo Heard y el Museo Nacional del Indio Americano , los cuales entrenaron focos específicamente sobre las artes nativas americanas, permitió a un gran número de artistas nativos exhibir y desarrollar su trabajo. [119]Durante cinco meses a partir de octubre de 2017, tres obras de arte nativas americanas seleccionadas de la Colección Charles y Valerie Diker para ser exhibidas en el Ala Americana del Museo Metropolitano de Arte . [120]
La representación de los artistas indígenas en los museos exige una gran responsabilidad por parte de los curadores y las instituciones del museo. La Ley de Artes y Oficios Indígenas de 1990 prohíbe a los artistas no indígenas exponer como artistas nativos americanos. Las instituciones y los curadores trabajan discutiendo a quién representar, por qué están siendo elegidos, cómo es el arte indígena y cuál es su propósito. Los museos, como instituciones educativas, dan luz a culturas y narrativas que de otra manera pasarían desapercibidas; proporcionan un foco de atención necesario y a quién eligen representar es fundamental para la historia y la cultura de los artistas representados.
Ver también [ editar ]
- Arqueología de las Américas
- Junta de Artes y Oficios de la India
- Lista de artistas indígenas de las Américas
- Lista de artistas nativos americanos
- Ley de repatriación y protección de tumbas de nativos americanos
- Moda nativa americana
- Joyas nativas americanas
- Cerámica nativa americana
- Pintura en las Américas antes de la colonización
- Arte indígena paraguayo
- Arte precolombino
- Arte prehistórico
- Lista de arte de la Edad de Piedra
- Cronología de la historia del arte nativo americano
Citas [ editar ]
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Referencias [ editar ]
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Enlaces externos [ editar ]
| Wikimedia Commons tiene medios relacionados con el arte indígena de las Américas . |
| Wikimedia Commons tiene medios relacionados con el arte precolombino . |
- Museo Nacional de Antropología , Ciudad de México, México, islc.net
- Cronología de la historia del arte de Heilbrunn del Museo Metropolitano de Arte, Museo Metropolitano de Arte
- Arte norteamericano, a partir del 8000 a. C. , Museo Metropolitano de Arte
- Arte centroamericano, a partir del 8000 a. C. , Museo Metropolitano de Arte
- Arte sudamericano, desde 8000 a.C. , Museo Metropolitano de Arte
- Base de datos en línea del Plains Indian Museum, en el sitio web del Buffalo Bill Historical Center
- Elizabeth Willis DeHuff Colección de Arte Indígena Americano de la colección de la Biblioteca de Manuscritos y Libros Raros de Beinecke en la Universidad de Yale
- Arte Indio Americano , Sociedad Histórica de Oklahoma
- Colectivo de artes nativas , perfiles de muchos artistas nativos americanos contemporáneos
- Vistas: Cultura visual en Hispanoamérica, 1520-1820 .
